La technique de l'aquarelle : Turner et Sargent décrivent Venise

Personnellement, je ne crois pas qu'il y ait une meilleure façon d'introduire l'aquarelle qu'en présentant les recherches figuratives de William Turner et John Singer Sargent, des maîtres qui ont immortalisé des aperçus de la ville emblématique de Venise grâce à leur expérimentation de ce médium. Cette enquête artistique révélera également la relation étroite que ces deux peintres entretenaient avec la ville italienne susmentionnée, qui a déjà fait l'objet de chefs-d'œuvre célèbres dans l'histoire de l'art par des artistes de la trempe de Gentile Bellini, Vittore Carpaccio et Canaletto. Quant à William Turner, peintre et graveur anglais né en 1775, célèbre représentant du romantisme, un mouvement qu'il a interprété avec un point de vue personnel, visant à anticiper les caractéristiques stylistiques de l'impressionnisme et, dans certains cas, même celles de l'abstractionnisme, il a séjourné dans la capitale vénitienne à deux reprises, lors de ces voyages que l'artiste a effectués en 1819 et plus tard entre 1828 et 1929. Au cours de ces deux séjours, Turner a saisi, dans ses carnets de voyage remplis de croquis et d'aquarelles, des moments intenses de la vie lagunaire, symboles concrets du lien très étroit que l'artiste anglais a tissé avec la ville italienne, sans doute en raison du charme de la lumière typiquement vénitienne, mais aussi des références historiques et littéraires bien connues, ainsi que des peintres mondialement connus de cette dernière. Dans cette narration figurative, souvent transformée en peintures à l'huile précises, le dualisme de Venise émerge, qui est racontée à la fois comme une ville publique avec des sujets hautement reconnaissables, et comme un lieu plus isolé et réservé, dans lequel la représentation de lieux plus calmes donne voix aux réflexions plus introspectives de l'artiste. C'est précisément en ce sens que cette production d'aquarelles est capable de révéler un nouveau Turner, qui, détaché de son rôle d'artiste de cour et de membre de la prestigieuse Royal Academy of Art, se présente comme un voyageur curieux et infatigable, décidé à poursuivre le mythe romantique du héros solitaire, qui se heurte aux secrets les plus disparates de la nature.

William Turner, San Giorgio Maggiore au coucher du soleil , 1840. Aquarelle. Londres : Tate Gallery.

John Singer Sargent, Canal vénitien, 1913. Aquarelle. New York: MET.

La simplicité et la spontanéité de ces croquis caractérisent également San Giorgio Maggiore au coucher du soleil (1840), une aquarelle dans laquelle l'Anglais a peint une vue de la basilique, capturée depuis sa chambre d'hôtel, située dans l'Hôtel Europa (Palazzo Giustinian), ce qui lui a permis de voir le sujet enveloppé dans le crépuscule. En parlant de Sargent, l'impressionniste américain né en 1856 a décidé, au sommet de sa carrière florissante de portraitiste, de se réinventer, redécouvrant sa créativité à travers la production d'aquarelles, destinées à offrir une sorte de récit figuratif à son nouveau style de vie "nomade", c'est-à-dire principalement axé sur la réalisation de voyages de découverte en Europe et au Moyen-Orient. Parmi les nombreuses destinations, Venise est certainement le lieu de prédilection de Sargent. Après un premier voyage en 1870, il y retourne plus de dix fois sur une période de quarante ans, réalisant environ cent cinquante huiles et aquarelles à thème vénitien, exécutées entre les années 1880 et 1913. Un exemple de ce récit lagunaire est Canal vénitien (1913), une aquarelle dans laquelle l'eau ondulante du canal reflète la lumière du soleil, ainsi que l'architecture voisine, dans laquelle on peut également distinguer le pittoresque clocher du XIe siècle de l'église de San Barnaba. Si l'on tient compte de la perspective de la vue, il semble que le maître ait représenté la scène comme s'il était confortablement assis sur une gondole, position à partir de laquelle l'artiste a également capturé le mouvement de certains des citoyens qui, par rapport à l'attention portée à l'architecture, apparaissent comme des présences lointaines, indiquées par quelques coups de pinceau. Les mêmes caractéristiques stylistiques caractérisent une aquarelle plus ancienne intitulée Venise, la prison (1903), représentant une petite vue d'un coin connu de la ville lagunaire, où l'on peut voir le Palazzo delle Prigioni Nove (Palais des neuf prisons). Faisant face au bassin de Saint-Marc et relié au Palais des Doges par le célèbre Pont des Soupirs, il a été conçu par Antonio Da Ponte en 1589 pour devenir le siège de l'un des plus anciens tribunaux de magistrats de la République vénitienne, chargé de la surveillance et de la police, ainsi que de l'instruction des procès. Cependant, le premier plan de l'œuvre est occupé par un certain nombre de gondoles qui, proches les unes des autres et immobiles sur l'eau, génèrent d'intenses reflets chromatiques sur la surface du canal, tandis que la "pâleur" des bâtiments situés à l'arrière reflète l'intense lumière du soleil.

Natalia Veyner, Matin d'été, 2022. Aquarelle sur papier, 51,5 x 63 cm.

Kate Matveeva, Courir vers la lumière, 2022. Aquarelle sur papier, 50 x 40 cm.

La technique de l'aquarelle : de la Grèce antique à l'époque contemporaine

Se référant à la plus accessible des définitions, Wikipédia décrit l'aquarelle comme une technique de peinture marquée par l'utilisation de pigments finement moulus mélangés à des liants, qui sont ensuite dilués dans l'eau afin d'être appliqués sur le support de peinture pour créer des compositions aux couleurs caractéristiques, douces et délicates. Comme dans les exemples de Turner et Sargent, cet outil de recherche artistique, considéré comme rapide et facilement transportable dans ses matériaux, est parfait pour ceux qui peignent en voyage ou en plein air. Malgré ces atouts, l'utilisation de l'aquarelle ne s'est pas répandue avant le XVIIe siècle, bien qu'elle ait été, même si ce n'est pas précisément sous la forme connue aujourd'hui, présente dès l'époque des anciens Égyptiens, ainsi que dans la culture de la Chine des premiers siècles de notre ère et, plus tard, dans le monde médiéval des miniaturistes, où elle était utilisée avec des effets plus proches de la technique moderne de la gouache. Des artistes tels que William Turner, William Blake, Charles-Joseph Natoire et Louis-Jean Desprez, en revanche, ont utilisé une "version" de l'aquarelle plus proche de la version contemporaine, dans laquelle les couleurs se diluent avec de l'eau simple et s'étalent en voiles très fluides, recouvrant le blanc caractéristique du papier. C'est précisément à partir de l'œuvre de ces derniers maîtres, et donc entre la fin du XVIIIe et le XIXe siècle, que l'aquarelle a finalement été considérée comme une technique artistique au même titre que la peinture à l'huile, car auparavant, elle était surtout utilisée pour des esquisses ou des études préparatoires, comme le faisaient à l'occasion de grands maîtres tels qu'Albrecht Dürer et Pisanello. La grande tradition de l'aquarelle se poursuit dans l'art contemporain, où la dignité artistique établie du médium s'exprime à travers le travail riche et diversifié des artistes d'Artmajeur, bien illustré par les œuvres d'Ingaside, Irina Pronina et Karin Martina Wloczyk.

Ingaside, Des lièvres très heureux avec des moustaches, 2022. Aquarelle sur papier, 38 x 56 cm.

Ingaside: Des lièvres très heureux avec des moustaches

L'aquarelle de l'artiste d'Artmajeur représente trois joyeux lièvres qui, probablement invités à une fête d'anniversaire, se présentent à l'événement avec de jolies moustaches en papier et tiennent, sur leurs longues oreilles raides et tendues, une décoration de triangles et de bicyclettes, un feston dont la présence a été rigoureusement étudiée afin de faire allusion à une atmosphère de fête explicite, joyeuse et insouciante. D'un point de vue purement historicoartistique, en revanche, l'animal susmentionné était le protagoniste d'un chef-d'œuvre nettement plus sérieux, comme l'aquarelle d'Albrecht Dürer intitulée Le Lièvre, réalisée en 1502 par l'artiste pour étudier les traits de la bête, qu'il avait probablement capturée et disposée dans son atelier pour l'occasion. C'est précisément dans ce contexte que l'animal aurait pu être effrayé, un sentiment qui pourrait être révélé précisément par l'attitude de ses oreilles, nerveusement et rigidement placées vers le haut. Tout ce souci du détail témoigne de l'amour du maître allemand pour les animaux, qu'il a souvent représentés avec un réalisme prononcé, ce qui se voit, dans ce cas précis, dans le rendu exact de la direction de la fourrure du lièvre, qui varie selon les parties du corps.

Irina Pronina, Pétunia luxuriant, 2022. Aquarelle sur papier, 78 x 56 cm.

Irina Pronina : Pétunia luxuriant

L'exposé de l'histoire de l'art sur les thèmes abordés par l'aquarelle ne se limite pas à la description des villes et des animaux, mais concerne également le monde coloré des fleurs. En fait, Petunia luxuriant d'Irina Pronina semble suivre la recherche artistique de Georgia O'Keeffe, peintre américaine surtout connue pour ses aquarelles et ses huiles de fleurs qui, réalisées en gros plan ou à grande échelle, ont été conçues entre le milieu des années 1920 et les années 1950. Au cours de cette phase de sa carrière, l'artiste, influencée par le monde floral dès son plus jeune âge, a développé les sujets susmentionnés dans des compositions "classiques" de type natures mortes, qui, par la suite, ont été de plus en plus agrandies, tout en tendant vers l'abstractionnisme. C'est précisément de ce point de vue que le rendu réaliste du pétunia de Pronina s'écarte clairement de la norme : privilégiant un cadrage plus aérien que le gros plan "minimaliste", il nous permet d'observer plusieurs spécimens de la même fleur, destinés à devenir un symbole de la vision personnelle de l'artiste d'Artmajeur, qui vise principalement à étudier les espèces les plus diverses de la flore.

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. Aquarelle / craie sur papier, 50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: Kenn dein limit!

Kenn dein limit ! est une aquarelle abstraite qui, bien que contenant des figures géométriques flamboyantes, appartient au courant lyrique du mouvement susmentionné, dans la mesure où, au lieu d'être dominée par la rigueur et le contrôle rationnel de l'abstractionnisme géométrique, elle laisse une large place à l'imagination et à l'univers personnel de l'artiste, qui s'est senti libre de superposer instinctivement les carrés et les rectangles de l'œuvre. On retrouve un principe similaire dans une aquarelle bien connue de l'histoire de l'art, telle que Dans le style de Kairouan, peinte par Paul Klee en 1914 et conservée au Kuntsmuseum de Berne (Suisse). Le titre du chef-d'œuvre fait explicitement référence à la ville tunisienne de Kairouan, que l'artiste a visitée avec Louis Moilliet et August Macke la même année. Malgré cette citation, le tableau a abandonné le rendu réaliste de la réalité pour le remplacer par des rectangles superposés, des polygones et des cercles abstraits colorés. Sur le plan technique, l'aquarelle a été étudiée par Klee de manière expérimentale : il a commencé par s'exprimer à travers une gamme de gris, pour arriver, avec le temps et une plus grande maîtrise du médium, à la création d'œuvres aux couleurs vives.