Name: ARTMAJEUR
Brand: ARTMAJEUR
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Yuliia Chaika, Admiring , 2022. Acrylique sur toile, 40 x 30 cm.

Au lieu d'introduire l'art naïf avec des définitions complexes, fastidieuses et académiques, ainsi qu'avec des dates, des événements, des techniques et des caractéristiques stylistiques particulières, il semble plus fructueux, afin de stimuler l'intérêt et par conséquent l'apprentissage, de plonger le lecteur directement dans le sujet, ne découvrant que rétrospectivement que ce qui a été "vu" et "entendu" faisait partie d'un courant plus spécifique et plus large de l'histoire de l'art, trouvé dans un moment historique précis et unique, rendu manifeste par le travail de certains maîtres bien connus. Afin de transporter notre imaginaire dans un contexte précis, il est nécessaire d'identifier un fil conducteur, c'est-à-dire un sujet, à travers lequel il est possible de comparer le travail de plusieurs artistes, afin de le situer, ultérieurement, dans un certain type de production artistique. Dans ce cas, "l'objet" de notre attention est représenté par les bêtes féroces, c'est-à-dire ces animaux qui, comme les tigres, les léopards et les lions, ont souvent fait l'objet, pour des raisons sur lesquelles nous reviendrons plus tard, de l'œuvre d'Henri Rousseau et Antonio Ligabue, maîtres incontournables des XIXe et XXe siècles. Parlant du maître français, celui-ci, après une première période artistique essentiellement centrée sur les thèmes du portrait et des vues de villes, s'intéresse, à partir des années 1890, à la représentation de paysages tropicaux, animés par la présence de bêtes, capturés dans l'authenticité de leur tempérament, qui, bien que parfois assez vorace, s'avère toujours "rêveur" et instinctif, c'est-à-dire dépourvu de toute sorte d'allusion à un mal plus artefactuel, élaboré et construit, de nature majoritairement plus humaine. De telles particularités se retrouvent dans plusieurs œuvres créées par l'artiste, parmi lesquelles, la première de la série, s'avère être Surpris ! , un tableau de 1891, dans lequel un tigre, qui trouve sa place au premier plan du support, s'acharne à bondir, tandis que, derrière lui, une violente tempête tropicale se déchaîne à travers de puissants éclairs.

Henri Rousseau, surpris ! , 1892. Huile sur toile, 130 x 162 cm. Londres : National Gallery.

Antonio Ligabue, Tigre au serpent . Huile sur faesitis, 66 x 80 cm.

Dans ce contexte, précisément le milieu naturel dérangeant trouve sa contrepartie dans le monde animal, immortalisé dans la dangerosité dudit animal, qui, indompté, est pris dans l'instant précis où il exprime toute son agilité et sa force physique. Rapportant à la place de curieuses anecdotes concernant la réalisation d'un tel chef-d'œuvre, Rousseau a pris pour modèle de son tigre la reproduction d'un dessin au pastel d'Eugène Delacroix, ainsi qu'un chat domestique, tandis que pour les végétaux, ils ont été peints en prenant pour spécimens de repère vus dans un vase et les motifs bidimensionnels de tapisseries médiévales ou de miniatures persanes. Précisément ces différentes sources iconographiques ont été réalisées à deux époques distinctes, ce qui est à l'origine de l'impression que le tigre est suspendu de manière surréaliste au-dessus de la végétation. En fait, l'artiste lui-même a d'abord dessiné la jungle et ce n'est que plus tard qu'il a transposé l'esquisse du félin sur la toile. Les thèmes de cette peinture, fruit de l'imagination du maître français, sont répétés, avec des caractéristiques et des objectifs stylistiques différents, dans le cadre de l'enquête figurative du peintre italien Antonio Ligabue, bien illustrée par l'agitation de Tiger with snake , une peinture visant à capturer l'image dramatique d'un tigre tentant de se libérer des anneaux d'un énorme serpent, conçu pour le retenir dans une forêt à la végétation luxuriante. Dans ce contexte, il convient de souligner à quel point le thème des combats d'animaux a été largement étudié par le maître, qui, surtout dans les années 1950, a eu l'occasion d'observer les foires de cirque qui visitaient les villes de la vallée du Pô (Italie), ainsi que comme ceux à l'intérieur du zoo et du jardin botanique de Saint-Gall (Suisse). Un tel intérêt, contrairement à "le naïf et rêveur" Rousseau, vise cependant à donner une voix aux mouvements de l'âme de l'artiste, qui se caractérise par un caractère difficile et parfois autodestructeur, axé sur des scènes conçues avec une violence plus grande et plus déchirante. Le développement de la personnalité susmentionnée était dû au fait que Ligabue, dès son plus jeune âge, a dû affronter un destin extrêmement défavorable, ce qui lui a fait mûrir une prise de conscience de l'existence d'une dualité dans la nature, en ce que, la mère génératrice, est, en même temps, responsable de nos propres souffrances. De ce fait, ses luttes entre bêtes deviennent, nécessairement, symboliques du fait que la guerre est la seule condition générale d'existence, capable de permettre de survivre à la férocité de la vie et à la violence du destin, qui est, le plus souvent, sur le plus faible.

Olesya Rubinova, Arc-en-ciel blanc , 2021. Peinture, Huile sur toile de lin, 70 x 50 cm.

Brève histoire de l'art naïf

Le point de vue exprimé par les chefs-d'œuvre susmentionnés s'inscrit pleinement dans les "buts" et les caractéristiques stylistiques de l'art naïf, une production artistique qui, précisément parce qu'elle est créée par des personnes sans formation académique, est souvent sous-estimée dans son approche particulière, brute et instinctive. aux matériaux, à la composition et aux idées, caractéristiques qui ont donné à ce type d'artistes l'appellation de primitivistes, naïfs ou faux naïfs. De tels adjectifs, souvent utilisés de manière désobligeante et dévalorisante, capturent en fait l'aspect fondamental de la tendance susmentionnée, caractérisée par une simplicité et une franchise enfantine, visant à briser, souvent, les règles les plus élémentaires de la perspective, aboutissant à des œuvres qui semblent géométriquement incorrectes. , conçus à partir de points de vue déformés et irréguliers, ainsi que marqués par des couleurs vives, qui sont en dehors du sujet de la composition, souvent enrichies de détails irréalistes. Bien que ce langage se retrouve également dans l'art populaire, les peintres naïfs, contrairement aux peintres folkloriques, ne s'inspirent pas nécessairement d'un contexte culturel ou traditionnel. Plus précisément, l'art naïf se distancie également de l'art brut, dans la mesure où les représentants de cette dernière tendance semblent avoir peu de contacts, voire aucun, avec le monde de l'art traditionnel, car ils se concentrent exclusivement sur l'exploration et la narration ultérieure de leurs états mentaux extrêmes ou non conventionnels. Quant aux origines de l'art naïf, elles apparaissent en revanche peu claires, dans la mesure où, dès le début de l'histoire de l'art, des naïfs, bien qu'inconsciemment, créent des œuvres. Malgré cela, leur travail n'est officiellement reconnu que depuis le XXe siècle, une période où ce mode d'expression créative a été désigné comme une source fructueuse de création de chefs-d'œuvre de l'art. Dans le monde contemporain, la valeur acquise de l'art naïf peut être résumée par la riche collection d'œuvres d'artistes naïfs d'Artmajeur, bien illustrée par les œuvres de Valeria Cis, Jody et Oxana Zaika.

Nayanaa Kanodia, Le zèbre arpente tout un chacun , 2018. Huile sur toile, 122 x 92 cm.

Valeria Cis, Azulejos azules , 2022. Acrulique sur toile, 120 x 80 cm.

Valeria Cis : azulejos azulejos

La peinture acrylique de Cis, ayant pour sujet une nature morte au vase de fleurs, présente, en son fond, un décor quadrillé, visant à simuler la multiplication de certains carreaux. Précisément à travers ce dernier « stratagème minimaliste », il semble que l'artiste se soit donné beaucoup de mal pour créer un fond fictif en céramique bleue, qui, décoré du thème floral susmentionné, vise, selon le titre même de l'œuvre, à reproduire les particularités des azulejos emblématiques : ornements de l'architecture portugaise, ayant la forme d'un carreau de céramique peu épais, enrichi d'une surface émaillée et décorée. Si le fond de l'oeuvre s'inspire d'un décor, le thème de la nature morte au vase de fleurs pourrait plutôt renvoyer à l'œuvre d'un représentant bien connu de l'art naïf, marqué par la production prédominante d'œuvres florales vibrantes ainsi que de et l'architecture des arbres colorés. L'artiste en question est Séraphine de Senlis qui, comme dans le cas de Ligabue, a choisi l'art comme moyen d'exprimer et d'exorciser le drame de sa vie : la perte prématurée de ses parents. Dans ce contexte désolé, elle est pourtant sauvée par une intervention divine, si bien qu'en 1906, alors que Séraphine, 42 ans, est réunie en prière, la Vierge lui apparaît, lui ordonnant de se consacrer à la peinture. L'artiste, qui ne se sentait pas capable de ne pas se plier aux exigences d'une si haute autorité, comprit bientôt que dans l'art même, Notre-Dame avait identifié l'instrument de son salut.

Jody, Lovers , 2022. Acrylique sur toile, 100 x 100 cm.

Jody : les amoureuses

Jody, dans son acrylique sur toile, a immortalisé la complicité féminine, cette sorte d'amour inné qui s'épanouit souvent entre femmes, se concrétisant dans un sentiment d'admiration et de complicité mutuelle, ayant son origine dans la même sensibilité, la même vision du monde, ainsi que le partage des mêmes expériences. Un tel sentiment semble s'être développé au sein d'un événement «mondain», auquel les femmes participent en se serrant la main, les membres s'entrelaçant sinueusement, tout comme deux serpents amoureux. Les causes de leur affinité intellectuelle se trouvent largement, en effet, à travers une analyse minutieuse des détails du travail de l'Artiste Artmjeur, les mêmes intérêts qui unissent les deux dames se dégagent, concernant : la mode, les bijoux, les animaux, le vin et les couvre-chefs de tous sortes. Laissant de côté les détails plus transgressifs, tels que les menottes et les tatouages, l'œuvre semble rappeler l'atmosphère de The Signore , un tableau créé par Beryl Cook, dans lequel trois femmes douces sont représentées dans leurs loisirs quotidiens, se déroulant dans une salle bondée d'un club. C'est précisément cette dernière artiste britannique, représentante de l'art naïf née en 1926, qui est connue pour ses réalisations de scènes comiques, visant à immortaliser les personnes que l'on peut rencontrer dans la vie de tous les jours, à l'intérieur des pubs, des centres-villes, et des spectacles les plus divers.

Oxana Zaika, Promenade magique , 2022. Acrylique/encre/feutre sur toile de lin, 40 x 40 cm.

Oxana Zaika : Balade magique

Comme le suggère le titre du tableau lui-même, Promenade magique représente une jeune fille déterminée à promener ses deux chiens-loups, des animaux qui, rendus l'un blanc et l'autre noir, font probablement allusion au dualisme iconique et historique entre le jour et la nuit. De plus, se référant à nouveau au nom de la toile, le terme magique désigne précisément cette atmosphère rêveuse, ainsi qu'irréelle, rendue par le style enfantin particulier de la peinture animée par des couleurs incroyablement vives. Dans l'histoire de l'art, un autre peintre a raconté la relation symbiotique qui s'établit souvent entre les animaux et les enfants, incluant, à cette occasion, des bêtes généralement moins apprivoisées que des animaux de compagnie plus ordinaires. L'œuvre en question est The Peaceable Kingdom d'Edward Hicks, une huile sur toile d'environ 1830, qui, réalisée en plusieurs versions, représente l'interprétation de la prophétie biblique d'Isaïe, à savoir celle qui raconte l'avènement d'un royaume pacifique et édénique, dans lequel animaux bénins et enfants confiants coexistent avec amour. C'est précisément la "lumière intérieure" de l'espèce précitée qui était capable, selon l'enseignant américain, de briser les barrières physiques ainsi que les différences entre les êtres vivants afin de parvenir au partage pacifique de l'espace terrestre. En parlant d'Edward Hicks, le peintre né en 1780, bien qu'un représentant de l'art populaire, est connu pour ses représentations naïves de fermes et de paysages de Pennsylvanie et de New York, ainsi que pour le chef-d'œuvre susmentionné.