Gaetano Ligrani, Le jeu de balle, 2022. Huile sur toile, 80 x 100 cm.
Le concept de contamination entre les arts
Le concept de contamination entre les arts est non seulement très ancien, mais aussi très multiforme et articulé, car les échanges susmentionnés sont le résultat d'interactions impliquant plusieurs niveaux et plusieurs directions conceptuelles, stylistiques, perspectives et chromatiques. En bref, ces influences se produisent principalement lorsqu'un art, qui atteint des niveaux d'innovation importants, parvient à se connecter à d'autres manifestations créatives. En particulier, la fusion de la peinture et de l'architecture s'est imposée au fil des siècles, également à travers les figures multiformes des artistes-architectes, comme, par exemple, les célèbres maîtres de la Renaissance italienne Michelangelo Buonarroti et Raphael Sanzio. Cette contamination se retrouve d'ailleurs dans les œuvres elles-mêmes, à tel point qu'il est possible d'admirer des fresques italiennes remontant au 1er siècle avant J.-C., conçues pour imiter les colonnes de marbre des bâtiments. En effet, l'architecture est présente dans de nombreuses peintures et enluminures, bien qu'elle ait d'abord été utilisée comme un simple arrière-plan et ce n'est qu'à partir de la Renaissance qu'elle a commencé à être utilisée pour souligner la perspective en créant de la profondeur. En outre, ce n'est que plus tard, et plus précisément à partir du XVIe siècle, que la peinture d'architecture, un genre ayant pour motif exclusif l'architecture, s'est développée dans l'art occidental, à partir de la Flandre. Dans ce contexte, ce n'est pas seulement la perception fiable des styles et des caractères des bâtiments qui est décisive, mais aussi la présentation claire de leur déploiement spatial, au sein duquel la perspective joue un rôle déterminant.
Aleksandra Podosinovik, Regarder en haut dans un jardin de puits, 2020. Acrylique / pastel / crayon sur papier, 40 x 30 cm.
Stasd, Trinagulum rouge, 2021. Tempera sur papier, 110 x 90 cm.
Le mariage de la Vierge et La cité idéale : des chefs-d'œuvre alliant peinture et architecture
Le mariage de la Vierge (1504) de Raphael Sanzio
Parmi les chefs-d'œuvre incontestés de la Renaissance italienne, il faut mentionner le Mariage de la Vierge (1504) de Raphaël, une huile sur panneau visant à illustrer un thème totalement étranger au Nouveau Testament, mais très répandu dans l'iconographie de l'époque. L'origine de ce sujet populaire est due à la narration d'un épisode dans le Livre de Jean, qui raconte le choix de Joseph parmi de nombreux prétendants et le mariage ultérieur entre ceux-ci et la Vierge. C'est précisément pour souligner cet heureux événement que le maître italien a placé la scène du mariage au premier plan, mais ce qui a sans doute rendu l'œuvre iconique, c'est la toile de fond architecturale soigneusement conçue et scénographiée dans un style pleinement Renaissance, qui témoigne de la connaissance qu'avait Sanzio des études de Léonard et de Bramante sur les bâtiments à plan central. En outre, les relations géométriques ordonnées des architectures représentées sont porteuses d'un autre message, car elles constituent un manifeste tangible de la beauté idéale recherchée à la Renaissance, visant à faire allusion à la structure harmonique universelle et à la perfection divine.
Raphael Sanzio, Le Mariage de la Vierge, 1504. Huile sur panneau, 170×117 cm. Milan : Galerie d'art Brera.
Peintre d'Italie centrale, La Cité idéale, 1480 - 1490. Huile sur panneau, 67,7 x 239,4 cm. Urbino : Galerie Nationale des Marches.
La Cité idéale (1480 - 1490)
Un autre chef-d'œuvre de la Renaissance, plus proprement attribuable au genre de la peinture d'architecture, est La Cité idéale (1480 - 1490), dans lequel seuls les bâtiments servent de médiateurs entre l'espace figuratif et le processus de réalisation. L'œuvre, qui provient du monastère de Santa Chiara à Urbino et est actuellement conservée à la Galleria Nazionale delle Marche, a été attribuée à plusieurs artistes, en premier lieu à l'architecte Luciano Laurana, maître très méticuleux et concepteur du Palazzo Ducale d'Urbino, dont les éléments architecturaux classiques sont très proches du sujet de La Cité idéale. Malgré cela, les spécialistes attribuent actuellement le chef-d'œuvre à un peintre générique d'Italie centrale, auteur d'une remarquable étude en perspective, qui a également été interprétée comme une toile de fond en bois pour des meubles ou un modèle pour un décor de scène. Sans aucun doute, l'œuvre, visant à reproposer les idéaux de perfection et d'harmonie de la Renaissance, propose une ville ordonnée, parfaitement symétrique et respectueuse des principes scientifiques de la perspective centrale, explicitement rendue par le dessin géométrique du pavement. Décrivant le tableau en détail, la place, réalisée en perspective linéaire centrée, présente en son centre une imposante église circulaire. Au milieu exact de ce dernier, une série de bâtiments plutôt symétriques sont représentés, éclairés par une lumière qui se répand sur le support de manière plutôt uniforme, c'est-à-dire sans ombres particulièrement marquées et avec une certaine uniformité de couleur. Enfin, une question spontanée surgit de la contemplation de ce chef-d'œuvre : pourquoi les habitants n'ont-ils pas été représentés ? Il est probable que les humains, créatures imparfaites, auraient ruiné le concept même de ville idéale, ou alors, l'artiste a préféré dépeindre un lieu construit à la perfection pour être donné aux citoyens.
Paddy, La piscine, 2022. Acrylique sur toile, 81 x 65 cm.
Rafferoico, Op.449 MMXVIII, 2018. Huile sur toile, 150 x 150 cm.
L'architecture dans les œuvres des artistes d'Artmajeur
L'architecture est une forme d'expression très ancienne, marquée, d'une part, par un caractère matériel et fonctionnel et, d'autre part, par des significations symboliques particulières, visant à représenter la pensée scientifique de l'homme à un moment historique précis. Ce dernier est également le manifeste, explicite ou implicite, d'un contexte politique, organisationnel, social, propagandiste spécifique, et bien plus encore. Par conséquent, les œuvres figuratives représentant des constructions, telles que les peintures et les photographies, sont à leur tour enrichies de significations supplémentaires, ainsi que de précieuses expressions de la technique, de l'esthétique, du style et de la culture. Cela se reflète fortement dans les œuvres des artistes d'Artmajeur, comme celles de Pierre Leccia, Paddy et Gabriela Horikawa.
Pierre Leccia, Angle d’un immeuble de bureau, 2020. Photographie numérique sur papier, 30 x 42 cm.
Pierre Leccia: Angle d’un immeuble de bureau
La production artistique de Pierre Leccia, photographe et graphiste indépendant expérimenté, immortalise souvent l'architecture urbaine contemporaine, dans le but d'illustrer le concept d'ordinaire à travers la représentation de notre environnement. L'intention de cette recherche est de montrer comment la vie quotidienne peut être perçue non seulement pour sa valeur utilitaire, mais aussi pour sa pertinence esthétique et émotionnelle. Dans tout cela, une orientation minimaliste prédominante se dessine, qui permet des réflexions capables de conduire l'utilisateur vers une lecture introspective du bâtiment, capable de détecter les lieux communs qui nous sont communs. En effet, l'angle du bâtiment représenté dans Angle d'un immeuble de bureau pourrait nous amener à nous souvenir et à imaginer la proue d'un bateau stationné dans un contexte urbain innovant. En ce qui concerne l'histoire de l'art, en revanche, il convient de souligner comment la première photographie d'architecture s'avère être Vue par la fenêtre du Gras, qui, réalisée par Nicéphore Niépce, représente le panorama capté depuis l'atelier-maison du photographe à Saint-Loup-de-Varennes.
Paddy, Architecture moderne, 2022. Acrylique sur toile, 75 x 64 cm.
Paddy: Architecture moderne
Comme le titre de l'œuvre, la peinture de Paddy poursuit l'intention de nous raconter une histoire, en décrivant parfaitement les caractéristiques d'un bâtiment moderne, qui s'avère être le protagoniste incontesté de l'acrylique. Ce sujet est immortalisé par une prise de vue en perspective photographique rapprochée, visant à mettre en évidence les particularités du minimalisme architectural. Cette dernière tendance, développée au cours des années 1960, a représenté un changement particulier et radical dans le climat artistique, visant à la réduction de la réalité et à l'accentuation de l'objectivité et de la physicalité de l'œuvre, obtenue par l'expérimentation de structures géométriques élémentaires. En fait, l'architecture minimaliste se caractérise par la recherche de l'essence et de la pureté, qui est poursuivie à travers des caractéristiques stylistiques plutôt fonctionnelles, bien soulignées par les mots de l'architecte et designer allemand Mies van der Rohe : "Less is more".
Gabriela Horikawa, Galerie bleue 2022. Acrylique sur toile, 78,7 x 61 cm.
Gabriela Horikawa: Galerie bleue
Il est important de noter que lorsque les peintures représentent des bâtiments emblématiques, elles deviennent elles-mêmes plus intéressantes, ainsi que précieuses, car elles sont capables de synthétiser des siècles indélébiles d'histoire de l'architecture par des coups de pinceau. Un exemple en est le tableau de Gabriela Horikawa qui, par l'intemporalité conférée par la juxtaposition de couleurs sombres et de tons clairs, immortalise l'un des couloirs de la célèbre galerie des Offices à Florence, l'un des musées les plus anciens et les plus célèbres du monde. Si l'on retrace brièvement l'histoire de ce lieu culturel renommé, la Galerie des Offices a été conçue vers 1560, lorsque Cosimo Ier de Médicis a demandé à son artiste de confiance Giorgio Vasari de concevoir un palais qui pourrait abriter les bureaux administratifs et judiciaires du duché de Toscane. Le projet du célèbre historien de l'art, qui devait être situé à côté du Palazzo della Signoria, prévoyait un corps architectural en forme de U, enrichi d'un précieux portique de colonnes doriques à l'aspect élégant et sévère. En 1574, après la mort de Vasari, les Offices ont été achevés par un autre grand architecte, Bernardo Buontalenti, à qui l'on doit la création de la Galerie au deuxième étage du bâtiment et l'invention de la Sala della Tribuna octogonale.
Olimpia Gaia Martinelli
