L'orange dans l'art

Jean-Marie Gitard (Mr STRANGE), Mort orange, 2020. Photomontage sur aluminium, 40 x 40 cm.

Orange, comme le fruit de l'oranger

Il est important de noter qu'avant la fin du XVe siècle, la couleur orange, utilisée depuis longtemps en Europe, n'avait pas encore de nom propre, mais était simplement désignée par le mot "jaune-rouge", juxtaposition littérale des termes utilisés pour désigner les deux couleurs à la base de la nuance susmentionnée. Cela n'a changé qu'à la fin du 15e et au début du 16e siècle, lorsque les marchands portugais ont commencé à importer les premiers orangers d'Asie en Europe. Ce sont précisément les fruits de cette dernière plante qui ont fourni le nom de la couleur, qui a été traduit dans de nombreuses langues différentes, comme l'anglais, l'espagnol, le portugais et le français.

Ley Mboramwe, Sans tête, 2021. Acrylique sur toile, 1200 x 1200 cm.

János Kujbus, Route pavée, 2022. Huile sur toile, 150 x 180 cm.  

Pourquoi est-il important de s'entourer d'œuvres d'art orange ? 

L'orange est une couleur très féconde pour la chromothérapie, une médecine alternative au sein de laquelle les différentes couleurs représentent, chacune à leur manière, un véritable outil thérapeutique, destiné à traiter des troubles d'identités diverses. En effet, la couleur des oranges, issue d'un mélange équilibré de rouge et de jaune, aiderait à retrouver énergie, positivité, estime de soi, concentration mentale et confiance en soi, tout en favorisant la créativité et l'indépendance. Ce sont précisément ces particularités qui rendent la couleur apte à traiter les symptômes dépressifs, ainsi qu'à apporter des bénéfices considérables aux personnes qui, ayant subi un traumatisme considérable, ressentent le besoin de bannir les émotions négatives difficiles à gérer. En outre, l'orange est également bon pour traiter les personnes fatiguées, indécises, craintives et manquant de confiance en elles, en les invitant à profiter de la vie avec plus de légèreté et d'initiative. Enfin, il est important de souligner qu'en plus des bienfaits sur l'esprit, cette couleur stimule positivement le corps, en favorisant la circulation sanguine, en soulageant les tensions musculaires, en favorisant le développement du système immunitaire et en transmettant énergie et vitalité. 

Benedict Olorunnisomo, La langue liée, 2021. Acrylique sur toile, 92 x 80 cm.

Yaroslav Kurbanov, Auto-isolation, 2022. Acrylique sur toile, 86 x 66 cm.

Orange dans l'histoire de l'art

La couleur orange est présente dans l'histoire de l'art depuis les premières civilisations. En effet, dans l'Égypte ancienne, les artistes utilisaient un pigment minéral orange, appelé réalgar, pour les peintures des tombes. Ce dernier pigment, hautement toxique, était très similaire à l'orpiment, un autre minéral utilisé dans la production de couleurs, qui était également très populaire dans la Rome antique. Dans ce contexte, il convient de noter que tant la teinte orangée dérivée de l'orpimentum que celle du réalgar étaient largement utilisées même au Moyen Âge, où elles étaient populaires, notamment dans la production de manuscrits enluminés. Mais malheureusement, à la Renaissance, cette couleur n'était pas si populaire qu'elle était utilisée dans les vêtements des paysans et des bourgeois pour imiter grossièrement les rouges précieux portés par la noblesse. Au contraire, au cours de la période allant du 18e au 19e siècle, l'orange est devenue extrêmement populaire, comme en témoignent les nombreuses représentations de Pomone, la déesse romaine des fruits, et le célèbre portrait de l'Inspiration par Jean-Honoré Fragonard. Quant à l'impact de cette couleur sur les courants artistiques, elle a été largement utilisée par les préraphaélites, à tel point que les cheveux rouge orangé d'Elizabeth Siddal, épouse du peintre Dante Gabriel Rossetti, sont devenus le symbole du mouvement. En outre, Sir Frederic Leighton, sculpteur et peintre préraphaélite britannique, a créé Flaming June, une œuvre emblématique représentant une jeune femme endormie portant une robe orange vif. Pour le monde de l'art, cependant, l'invention du scientifique français Louis Vauquelin a été décisive. Avec la découverte du minéral crocoite, il a conduit à l'avènement du pigment synthétique chrome orange en 1809. En effet, tant la découverte des couleurs de laboratoire que l'invention du tube métallique, datée de 1841, ont conduit les artistes à peindre en plein air. Les promoteurs de cette tendance sont sans aucun doute les impressionnistes, pour qui l'orange est une couleur très importante, à tel point qu'en 1872, Claude Monet peint Impression, soleil levant, une œuvre emblématique du mouvement, dans laquelle un petit soleil orange est immortalisé, accompagné de la lumière de la même teinte qui se reflète sur les nuages et l'eau. En ce qui concerne le post-impressionnisme, les grands favoris de l'orange ont été Cézanne, Gauguin et Toulouse-Lautrec, bien qu'aucun d'entre eux n'ait autant aimé cette couleur que Van Gogh, dont la recherche artistique s'est souvent concentrée sur la recherche de contrastes chromatiques : "recherche d'oppositions de bleu avec l'orange, de rouge avec le vert, de jaune avec le violet, recherche de couleurs brisées et de couleurs neutres pour harmoniser la brutalité des extrêmes, recherche de couleurs intenses, et non d'une harmonie de gris". 

Hersk, Quelque chose à sucer mini #310, 2020. Sculpture en bois, 62 x 22 x 5 cm.

Alessandro Piano, Alter ego oscar Orange, 2021. Sculpture, 25 x 16 x 8 cm / 1.50 kg. 

Œuvres en orange des artistes d'Artmajeur

Certains des plus grands chefs-d'œuvre de tous les temps, marqués par la forte présence de l'orange, ont peut-être été conçus dans l'intention d'exploiter et de diffuser les pouvoirs "chromothérapeutiques" de cette teinte joyeuse, traitant également des thèmes les plus dramatiques et introspectifs, tels que ceux explorés par Le Cri d'Edvard Munch (1893-1910) et les Trois études pour des figures au pied d'une crucifixion de Francis Bacon (1944). De même, les œuvres aux sujets plus clairs, plus en phase avec la positivité de cette couleur, sont bien représentées par Midsummer (1887) d'Albert Joseph Moore, Senecio (1922) de Paul Klee et Autoportrait dans une veste orange  (1913) d'Egon Schiele. Dans le monde contemporain, cette tradition haute en couleur est également perpétuée par la riche production des artistes d'Artmajeur, illustrée par les œuvres d'Andrey Pingachev, Sabina D'Antonio et Allias.

Andrey Pingachev, Crépuscule du soir, 2021. Olio su tela di lino, 61 76.5 cm.

Andrey Pingachev: Crépuscule du soir

Crépuscule du soir capte un coucher de soleil romantique qui, placé au-dessus d'une étendue d'eau limitée et d'une étroite bande de terre, décrit avec force toutes les nuances d'un vaste ciel littéralement "envahi" par l'orange, une couleur richement étudiée par la consistance alternée de bancs de nuages plus ou moins denses. Le fort impact atmosphérique de cette couleur nous rappelle un chef-d'œuvre incontesté de l'histoire de l'art, également marqué de manière indélébile par la présence de l'orange, à savoir IImpression, soleil levant de Claude Monet. Ce dernier tableau, destiné à raconter ce moment de la journée qui s'oppose au repos du soleil, c'est-à-dire l'aube, représente une vue du port du Havre qui, réalisée par des coups de pinceau rapides juxtaposés sans se confondre, met en valeur la vivacité de l'orange du soleil, des reflets aquatiques et du ciel.

Sabina D'Antonio, Rivage du coucher du soleil, 2022. Acrylique / pochoir / collage / fibre textile sur toile, 100 x 100 cm.

Sabina D'Antonio: Rivage du coucher du soleil

L'œuvre de Sabina D'Antonio, en revanche, représente un coucher de soleil abstrait, rendu à la perfection par les nuances d'orange, savamment distribuées par des coups de pinceau disposés au-dessus d'une bande de terre hypothétique et synthétique, réalisée par un fond ocre plus petit, situé dans la partie inférieure de la toile. Cette œuvre, divisée en deux rectangles chromatiques horizontaux, fait presque penser à une sorte d'interprétation très personnelle de Orange, Red, Yellow (1961) de Mark Rothko. En effet, ce dernier chef-d'œuvre, vendu par Christie's en 2012 pour 86 882 500 dollars, a également été créé par des champs de couleurs disposés en rectangles. C'est précisément cette organisation du support qui permet au spectateur de regarder les figures géométriques d'une manière beaucoup plus contemplative, favorisant l'identification avec les émotions incarnées par les couleurs.

Allias, Futur, 2022. Peinture numérique sur toile, 40 x 40 cm.

Allias: Futur

Dans la peinture numérique d'Allias, au sein d'une atmosphère toute orange, des tags, des graffitis et un visage antique statufié trouvent leur place. Cette dernière a probablement été placée là dans l'intention d'unir idéalement la grande culture figurative du passé avec les manifestations urbaines plus contemporaines, en suscitant chez le spectateur un fort sentiment de continuité, visant à reconnaître dans l'art, et dans l'homme, une essence unique en devenir. Ce concept de conséquentialité est également visible lorsque Futur est comparé à une œuvre d'art de rue antérieure et emblématique, également réalisée principalement en orange, à savoir la peinture murale Crack is Wack de Keith Haring (1986). Ce chef-d'œuvre, situé dans le quartier de Harlem à New York, aborde toutefois un thème différent et beaucoup plus stimulant, puisqu'il sert de mise en garde contre la dépendance au crack, trop répandue dans la société contemporaine.