fernandoherrera

(SANTAFÉ DE BOGOTÁ, COLOMBIA 1958) VIVE Y TRABAJA EN VILLA DE LEYVA, COLOMBIA
PINTURA
Lo que más toma tiempo en la pintura es reunir las condiciones necesarias para ejercer este acto: encontrar la paciencia para dejar transformar el material, para sedimentar el color y permitir que aparezca esa estructura silenciosa que se va formando con cada pincelada. Lo que más toma tiempo es agudizar la visión, aprender de nuevo a percibir, a simbolizar, a crear los códigos, a aprender a arrojarse a una especie de vacío donde no se puede asegurar el resultado final. Aprender a pararse en un terreno por el que han pasado tantos y balancear, a la vez, las ganas de expresarse con las visiones apocalípticas de su tradición Redefinirse, en cada momento y en cada paso, desechando cualquier impulso que lo encierre, lo encasille y lo condene.
Desde hace décadas se habla de la pintura desde su opuesto, es decir, se habla de la pintura como negándola a la vez y, por ende, buscando su destrucción. La célebre serie de Joan Miró, entre 1925 y 1929, donde trata de asesinar la pintura -con medios pictóricos- así como otras reflexiones de este siglo, muestran una dialéctica que parecería pertenecer a la misma naturaleza de la pintura. Ahora más que nunca -y precisamente después de haber sido testigos de su proclamación, abuso y aparente abandono por parte do los círculos de avanzada- los que ejercemos este oficio, lo hacemos -si se quiere- sin los |spot Iights encima, y con la intimidad que se siente desde un exilio. Lo más claro es que la noción de origen no se ha de encontrar más que en otros cuadros y en esto se diferencia de la pintura de otras épocas en que se utilizaba la noción de originalidad o innovación como una condición imprescindible. Las fuentes mismas de lo visual se han desarrollado y enriquecido.
¿Qué significa para el pintor, pintar hoy en día? Es enrolarse en una tradición de mil años. Es haber oído en varias ocasiones las flatulentas manifestaciones de la muerte de la pintura y es moverse, a la vez, en ese limbo de posibilidades que al mismo tiempo la niegan, como proyección de un espacio ilusionístico, y la afirman como renovación. Lo cierto y más ético es que, mientras la pintura sirva como espacio de reflexión y de contemplación, y desanestesie nuestros sentidos abatidos por tanta información, mantendrá su sitio en las artes visuales.
En estas pinturas he reunido los que se han constituido como mis principales cuestionamientos alrededor de la pintura misma. A pesar de tratarse de algo eminentemente visual, los podría describir como un interés por la estructura del símbolo despojado de su contexto, la palabra o la frase desplazada; el acto de reciclar e incluir en el proceso retazos o dibujos de otras épocas, y de hallar en el reflejo y en el brillo de las superficies aquellas parábolas acerca de los miles de universos que se encuentran en la materia.

|Cuando F. se transformó en un reflector de los misterios, el corazón del anciano fue despertado desde adentro.

LUIS LUNA MATIZ

el pintor de la raza, 1891-1971’', Medellín

A Ramón Vásquez, el maestro de Ituango, no le gustan los autorretratos. Ni siquiera me miro en el espejo, dice.

Aún así reconoce que el hombre de cabellos grises, desordenados y delgados como hilos de humo que se ve en sus pinturas tiene un poco de él. Es la representación del artista apasionado que pasa horas dedicado a la vida contemplativa, rodeado de lienzos y esculturas.

La soltura en sus pinceladas expresa la libertad que lo ha caracterizado y por la cual lo han tildado de irreverente. Precisamente, su más reciente exposición se denomina "El loco genial", y se puede visitar en el Hotel Portón Medellín.

"Yo nunca le pido permiso a nadie para pintar.

Yo pinto lo que quiero", expresa el artista que no conoce reglas, no confía en los que se ufanan de ser críticos de arte y le incomodan los "lagartos".

A su parecer, uno de los mayores problemas que tiene el arte contemporáneo es que está movido por el dinero, de ahí que muchos consideren que una obra está pasada de moda.

"¿De manera que el arte es moda? Entonces usted es muy bruta", recuerda que respondió alguna vez a una reconocida crítica.

Y aclara que no odia a nadie. Simplemente es un hombre muy franco y, en sus palabras, se deja ver la modestia.

Cuando le preguntan cuál es el cuadro que más le gusta responde que ninguno, ya que siempre les ve errores por toneladas. "Uno todos los días progresa más". A esto añade que apenas está empezando, que se considera muy joven para pintar.

Siempre ha estado contra la corriente. Recuerda la ocasión en que Eladio Vélez lo puso a pintar una silla y el se decidió por la cabeza de Donatello. En ese entonces, como ahora, le interesaba el cuerpo humano al punto que se dedicó a estudiarlo por su propia cuenta para después enseñarlo a otros en su clase de anatomía artística.

"El que pinta desnudos pinta paisajes. Vea a esta nariz le entra la luz por el lado de acá y le da sombra", y compara este efecto con el que produce el sol sobre las montañas.

Lo onírico

Le parece de vital importancia que los niños se acerquen a las manifestaciones del arte y de este modo descubran sus talentos, ya que todos ellos son creadores en potencia, manifiesta

"Todo ser humano es artista. Que unos se van por otro lado, es verdad. El niño nace bueno, pero la sociedad lo corrompe".

Su acercamiento al arte lo logró por medio de la pereza, que considera ‘la madre de todas las virtudes’. "Si no fuera por nosotros los perezosos, ¿Quién crea?", pregunta. De igual modo, reconoce que el paso por la academia es positivo porque esto brinda mejores condiciones al artista.

Considera que en la pintura existen maestros y no son precisamente los que figuran. Admite que existen muchos a quienes no quisiera imitar.

A través de personajes y paisajes, Ramón Vásquez lleva al espectador por un universo onírico en el que se develan las ataduras del hombre moderno. Deja ver sus añoranzas por el pasado y la vida del campo, al igual que la profunda desconfianza que le produce el futuro.

"El futuro lo veo muy feo. El hombre es como el alacrán. Él mismo se va a matar", y añade que los países desarrollados están acabando con los recursos naturales sin darse cuenta. Luego vendrán los lamentos. "Después de ojo sacado no vale Santa Lucía", remata.

Biografía - El arte es pensar

Ramón Vásquez nació en Ituango en 1922 y además de pintor es muralista. Aclara que no se inclina por ninguna de las dos facetas.

"Hoy soy muralista, mañana pintor, pasado mañana soy dibujante, después nadador y esgrimista. Yo vivo mi vida", dice sin tapujos.

Su infancia estuvo marcada por las dificultades económicas lo que lo llevó muy pronto a viajar a Medellín. Su primer hogar fue el Hospicio de la casa de pobres, donde vivió por un espacio de 5 años.

De esta época recuerda de manera muy especial a su amigo y artista Francisco Madrid Quiroz, con quien compartió varios años de estudio en el Instituto de Bellas Artes.

"El arte es pensar. Poner el inconsciente a que trabaje con la conciencia", expresa. Nunca se ha sentido en desventaja frente a otros creadores. Asegura que siempre hay que seguir para adelante.

CARLOS CORREA

Pintor, grabador, ceramista
1912 - Nació en Medellín, Antioquia.

1925 - Ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín para estudiar canto y solfeo.

1926 - Cambió el estudio de solfeo por el de dibujo, a pesar de la oposición familiar.

1927 - Estudió pintura en el Instituto de Bellas Artes con varios profesores.

1929 - Abandonó sus estudios para trabajar en un taller de fotografía en donde aprendió a retocar negativos.

1930 - 1932 Volvió a ingresar al Instituto de Bellas Artes de Medellín, el cual estaba regentado por el pintor Pedro Nel Gómez, quien ejerció gran influencia en el joven artista.

1933 - Abandonó la Escuela de Bellas Artes, para estudiar por su cuenta. También se ganó algún dinero como profesor de pintura.

1934 - 1935 Comenzó a pintar cuadros de temática socialista.

1935 - 1936 Cambió la temática y ejecutó varios cuadros con "Maternidades" y "desnudos".

1936 - Hizo su primera exposición individual en Medellín, la cual resultó un fracaso económico.

1937 - Viajó al Ecuador.

1938 - Se estableció en Bogotá, e hizo una exposición individual en la Sociedad de Ingenieros en donde cobraron la entrada. Con el dinero recogido el artista pudo pagar los gastos de la exposición, pero después, abatido por la pobreza y la soledad destruyó la mayoría de sus obras de la época socialista.

1940 - Agosto. Hizo una exposición individual en las Galerías de Arte de la Avenida Jiménez de Bogotá. En este año también participó en el I Salón Anual de Artistas Colombianos en donde presentó tres obras diferentes: " "Semana Santa", "Entierro en el Campo" y "Retrato".

1941 - Participó en el II Salón de Artistas Colombianos a donde envió el cuadro titulado "Anunciación" que fue retirado del Salón por orden del Ministerio de Educación, debido a las protestas que éste despertó pues representaba a una mujer embarazada, que yacía desnuda frente a un vitral en el que se veía la clásica Anunciación. Correa en señal de protesta, rechazó el tercer premio que se le otorgó por el "Retrato de César Uribe Piedrahíta".

1942 - Participó en el III Salón de Artistas Colombianos con los cuadros "Naturaleza en Reposo" y la "Anunciación", la cual fue expuesta con el título de "Desnudo" y obtuvo el primer premio. Sin embargo esta obra sólo fue exhibida durante cuatro días, pues produjo un terrible escándalo en el que intervinieron el clero y la Prensa en furiosas diatribas.

1942 - 1943 Cultivó una temática filohispanista e indigenista. Pintó varios cuadros con temas taurinos.

1943 - 1944 Trabajó con el grupo Bachue y para inspirarse en los temas indígenas viajó a San Agustín, Huila. Allí hizo varios bocetos para murales y produjo obras como "Bachué", "Tetramorfos" y "Maternidad Americana".

1944 - Trabajó en Bogotá como profesor de acuarela de la Escuela de Bellas Artes. Hizo una exposición individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá y participó en el V Salón de Artistas Colombianos con el "Retrato de un Fraile Dominicano".

1948 - Participó en el Salón de los 26, exposición que fue muy significativa pues agrupó a los artistas más destacados del momento.

1949 - Vivió en Cali. Allí expuso en las Galerías de Arte, que dirigía Alvaro Rubio Cuervo, y fue rector de la Escuela Departamental de Pintura.

1950 - Participó en el VIII Salón de Artistas Colombianos con la obra "Carnaval".

1951 - Septiembre. Participó en la Bienal de Madrid con las obras "Hermana de la Caridad" y "Carnaval".

1952 - Agosto. Participó en: el IX Salón de Artistas Colombianos con el óleo "El Beso"; y en el II Salón Nacional de Tejicondor, Medellín, en donde obtuvo el primer premio de pintura.

1952 - Realizó la serie de grabados "Las trece pesadillas".

1957 - Hizo una exposición individual en El Callejón de Bogotá.

1961 - Agosto. Expuso en el Museo de Zea de Medellín.

1963 - Junio. Hizo una exposición retrospectiva en la Galería Arte Moderno de Bogotá. Allí figuraron varios de sus cuadros del período Agustiniano o "Bachue", como el titulado "Nudo Andino".

1963 - Agosto. Participó en la exposición El Siglo XX y la Pintura en Colombia, con el cuadro "Cartuchos en Amarillo".

1963 - Octubre. Participó en el XV Salón de Artistas Colombianos con el óleo "El Coro de San Francisco".

1966 - Octubre. Participó en el XVIII Salón de Artistas Colombianos con el óleo "Crucifixión Nuclear".

1967 - Agosto. Hizo una exposición retrospectiva 1927-1967 en la Biblioteca Nacional de Bogotá. Allí presentó 60 obras entre óleos, aguafuertes, acuarelas y cerámicas.

1967 - Septiembre. Hizo una exposición individual en el Museo de Zea en Medellín.

1968 - Participó en el Concurso de Grabado organizado por la División de Artes Plásticas de Colcultura en la Biblioteca Nacional de Bogotá. Allí presentó dos aguafuertes.

1971 - Agosto. Participó en el V Salón Nacional de Artistas del Museo de Arte Contemporáneo del Minuto de Dios, con "Flores de Ahuyama".

1971 - Noviembre. Participó en el XXII Salón de Artistas Colombianos con dos paisajes de influencias de cubismo cezanniano.

1973 - Abril. Participó en la Exposición de Paisaje Colombiano que tuvo lugar en la Galería Arte Moderno de Bogotá. Allí presentó "Belén, Medellín" y "Vertientes".

1977 - Mayo 26. Participó en la Exposición La Plástica Colombiana del siglo XX en la Casa de las Américas, La Habana, Cuba.

1978 - Marzo. Participó en la Exposición Pintores y Grabadores de los años 30 y 40 en el Museo La Tertulia de Cali.

1978 - Septiembre. Publicó en la Corporación Prográfica de Cali la serie de grabados "Las trece pesadillas", que habían quedado inéditos desde 1952. Estas obras fueron realizadas al aguafuerte y buril y fueron expuestas en la Casa de la Amistad con los Pueblos, Cali.

Carlos Correa figuró en la década de los años 40 como uno de los artistas más prometedores de la vanguardia del Arte Moderno en Colombia. Su obra fue realmente controvertida y sirvió de punta de lanza para derrotar la resistencia que muchos espíritus conservadores venían oponiendo a las nuevas corrientes del arte moderno. Desafortunadamente por falta de estímulo el maestro no pudo realizar estudios en el exterior en donde habría podido conocer más a fondo las obras de los grandes pintores de nuestro siglo.

OBRAS:

Se encuentran en Museos de Bogotá, Medellín y Cali.

Luis Núñez Borda

pintor
Apuntes

Bogotá, 1872
........ Y es en esta capital, donde el 21 de junio de 1872 nace Luis Núñez Borda en una casa del barrio de La Candelaria situada en la calle 10a. con carrera 3a. Fueron sus padres, Juan Nepomuceno Núñez Uricoechea y Ana Borda Caro, y sus hermanos, Carlos, Inés y Sofía. Por el lado paterno su ancestro era cartagenero por lo Núñez y bogotano por lo Uricoechea; por el materno, netamente bogotano.


De los Núñez de Cartagena parece haber heredado una especie de neurosis manifiesta en un carácter retraído cuando se trata de enfrentarse a círculos sociales más amplios y más aún, cuando ellos se convierten llanamente en luz pública. Perteneciente por nacimiento a la más alta esfera social de la época, el pintor desechó la figuración social y tal vez por su mismo origen, consideraba este interés de figuración, tan propio de la Bogotá de entonces, como innecesario y arribista para quien como él estaba seguro de su ancestro. Esta forma de aislamiento hacia el exterior, no excluyó el que Núñez Borda tuviera, a su manera, una intensísima vida social dentro de un grupo íntimo en el cual se enfatizaba lo artístico y lo cultural. Este grupo íntimo lo conformaban no sólo sus familiares, sino algunos de sus colegas de oficio y sus amigos personales.

Su excesiva modestia repercutía en el reato a dar a conocer su obra pictórica fuera de tales allegados. Tal así, que solamente se sabe que hasta la década del treinta el pintor participó únicamente en tres exposiciones colectivas. No obstante su extrema discreción en difundir y hacer conocer su obra, dentro del ambiente cultural de la época, su obra era conocida no sólo ella por plasmar los paisajes sabaneros sino por una peculiaridad que lo destacaba por encima de sus contemporáneos: pintaba la arquitectura santafereña, aún remitiéndose a obras anteriores de reconocidos pintores y grabadores o a antiguas láminas que describían rincones de la vieja ciudad, que ya no existían o que se encontraban modificados en su época.

Tan representativa era su pintura del Bogotá santafereño que cuando el Cabildo y el Concejo de Bogotá quisieron buscar un pintor que ilustrara la historia de la ciudad, como un homenaje a ésta en sus cuatrocientos años, escogieron a Núñez Borda sin que se hiciera necesario un concurso para tal fin. La cristalización de este homenaje la llevaron a cabo José Vicente Ortega Ricaurte y Daniel Samper Ortega en libro que editaron en 1938 con 98 cuadros de Luis Núñez Borda, los cuales sirvieron para conformar la primera exposición individual del pintor, en el antiguo Cabildo.

Los cuadros del libro del cuatricentenario de Bogotá, elaborados por el pintor, cayeron lentamente en el olvido. Parte de la colección se quemó el 9 de abril de 1948 en la Casa de los Oidores, y con el descuido propio de administradores del Estado los cuadros restantes terminaron colgados en la cafetería del Concejo. Y en 1955 fueron dados de baja por esta institución, y obsequiados como objetos sin valor definido al sacerdote Luis Alberto Castillo, director del Amparo de Niños. El Padre Castillo, a su vez, ignorando la importancia de la obra entregó a un chofer, como pago de servicios, una de las colecciones más bellas de nuestro arte, nuestra historia y nuestro patrimonio cultural.

Comparando el tamaño de los originales de los cuadros que ilustraron el libro de 1938, entre sí hoy parcialmente recuperados, y que se presentan en esta edición, puede notarse que algunos de ellos fueron repetidos en diferentes formatos por el mismo pintor a instancias del editor Ortega Ricaurte, con el objeto de que aparecieran en el libro su tamaño original. El tamaño de serie de las 98 obras es de 16 x 12 centímetros, y de esta misma serie, los que el editor quiso que aparecieran en página total, fueron los que Núñez Borda repitió en un tamaño de 34 x 24 centímetros. Posteriormente, el artista no sólo repitió en originales algunas de estas pinturas, sino que pintó detalles de las mismas, a petición de amigos y habituales coleccionistas, con el objeto de subsanar la pérdida de la colección entregada por el Concejo al Padre Castillo.

Alrededor de la primera década de 1900, Núñez Borda contrae matrimonio con Felisa Pontón Espinosa de los Monteros, sobrina de don José María Espinosa, el Abanderado de Nariño y el más grande retratista del Libertador.

Este hecho, combinado con sus exiguos ingresos de artista, hace que Luis Núñez inicie un período en su vida, en el cual, el núcleo familiar se diluye en una familia extensa. Fue así como su cuñado, Antonio Pontón Espinosa y su esposa Rebeca Pizarro, compartieron por largos años casa y hogar con la recién estrenada pareja. Y fue Antonio Pontón quien siempre llevó a cuestas, la mayor parte de la carga económica del sostenimiento de las dos parejas, que vivieron alimentadas de buena voluntad, calor y una sensibilidad artística sin límites.

A medida que fueron llegando los hijos, la colaboración entre las parejas se hizo más estrecha, y los muy bien definidos intereses artísticos de Luis Núñez y Antonio Pontón -este último gran violinista-, hicieron que los niños se interesaran por aprender música y pintura. Curiosamente, el hijo del pintor resultó músico y el del músico pintor. Más tarde, estos muchachos asumieron la pintura y la música como profesión por el resto de sus vidas: Jorge Núñez Pontón y Arturo Pontón Pizarro; el primero guitarrista y, el segundo, pintor, claramente influido por su tío, se ha dedicado a plasmar estampas bogotanas y sabaneras.

No es difícil imaginar, pues, qué ambiente, qué aire podía respirarse en la casa de los Núñez Pontón y los Pontón Pizarro, ubicada para entonces en San Cristóbal Sur, casona de tres patios y solar, de ventanas arrodilladas, portón con aldabón de cobre, zaguán, trasportón, comedor con alacenas y seibó, tinajas para recoger el agua llovida, y filtro de piedra para hacerla pura. Alberca y aljibe. Papayuela y brevo. Caracolas marinas de tranca puertas. Visillos. Postigos.

Y en las noches, la tertulia con refresco. Aquel refresco que don José María Vergara y Vergara inmortalizara en su escrito "Las Tres Tazas". En razón de su época, a las familias Núñez y Pontón debió corresponderles todavía el sabroso chocolate con espuma irisada. Pero los ingresos fijos de Antonio, empleado de la Contraloría de la Nación, no alcanzaban para estas finuras. El aguadepanela bien caliente y con mogollas, muchas veces aportadas por los mismos convidados a sus tertulias, la deliciosa charla salpicada de calambures, satisfacía plenamente a todos esos hombres y mujeres que disfrutaban de la animación de las reuniones familiares y de íntimos, donde se tocaba el tiple, la bandola, la guitarra, se cantaban a coro los bambucos, se bailaban los pasillos, y se tocaba el violín -instrumento de muy seria categoría en la escala de valores de esos años-, que en ocasiones permanecía silencioso o acompañaba a algún lieder de Schubert interpretado por una soprano improvisada, pero no por ello menos grata. El pintor, entonces, se convertía en tiplista aficionado.

Asiduos a estas frecuentes horas del refresco, cuando no de las onces, eran Mariano y Rafael Ortega, Nicolás Bayona Posada, Coriolano Leudo, los Hernández de Alba, Pepe González Concha, los Gamba y todos los Caro.

Mariano Ortega y Coriolano Leudo fueron dilectos amigos del pintor, desde su juventud, años dorados en los que desarrolló su gran capacidad como conversador de temas literarios, artísticos, musicales, ya que no políticos, a pesar de haber permanecido fiel al partido conservador. Hombre festivo, le encantaban los chistes, le encantaba la vida. Y era, en la magnífica apreciación de su médico y amigo, "un individuo que tomaba la vida con el estoicismo del buen santafereño".

Con la generosidad del bondadoso, siempre recibió en su casa a parientes y amigos, ricos o pobres, quienes, de todos modos venían a engrosar la gran familia. Unas veces -y dependiendo de las finanzas personales de cada quien-, para compartir y repartir exiguos restos de la despensa y otras veces, para surtirla, como lo hizo Luis Borda Malo quien era su primo y persona adinerada, que no llevaba "rancho" pero debaja un óbolo amplio para las necesidades.

Necesidades que iban desde el pan, colegio de los niños, las velas y luego de las bujías, hasta el obligado pago del deshollinador. De lo anterior, al transporte tranviario de mulas, para llevar a su esposa a consulta médica y, de vez en cuando, al imperativo del Tesoro Nacional, o al siempre inevitable pago del arrendamiento. Es de anotarse aquí, que los Núñez Pontón y los Pontón Pizarro, hicieron el obligado viacrucis de las familias de bien y sin bienes de la época: de Bosa a San Cristóbal y luego a Chapinero, con todo y sus inmarcesibles trasteos de armariones, piano de cola, infinidad de mesas de matas, la imposible del comedor, los doseles resquebrajados y de dudosa continuidad, el espacio habitat de las jaulas de los canarios, alondras, ruiseñores y uno que otro toche desgarbado (que durante el trasteo en zorra, debían conservar con alpiste su totuma), amén de los trebejos que nunca -afortunadamente para los anticuarios-, se pudieron botar.

Las necesidades también fueron desde la mazamorra con tallos, hasta la insaciable hambruna del pintor por sus pinceles, por su sobre qué pintar, por su con qué pintar, es decir, por su cómo pintar.

Luis Núñez Borda, el condiscípulo de Borrero, de Zamora, de Leudo, no tenía pinceles, no tenía óleos, no tenía lienzos. Pintó, como algunos otros, sobre las maderas de las cajas de bocadillos veleños y sobre cartones, y posteriormente sobre cartones recubiertos con lienzos preparados de Chantraine. No faltó el lujo de la tela. Los pinceles y óleos eran adquiridos a cambio de su propia pintura, de su propia obra, -de su propia vida-, en un almacén que vendía colores y pinceles de muy variada calidad, y que, ventajosamente, se prestaba a este trueque. Sin embargo, a pesar de toda esta situación y además de que las recompensas económicas que recibió por la venta de sus cuadros siempre fueron escasas, no menguó nunca en Núñez Borda ni su absoluta convicción en que debía persistir en sus propósitos artísticos, ni su vértebra de integridad, honestidad y pulcritud personales y profesionales.

Los cuadros de Núñez Borda, cuando no eran vendidos directamente por él mismo, encontraban mercado en el almacén de don Eduardo Caycedo y en el de los Isidro Navas Borrero, situados en la carrera séptima con calle veintidós, así como también en un almacén de Chapinero localizado en la calle sesentaidós con carrera trece y que era una mezcla de relojería, marquetería y venta de materiales de arte.

Este hombre, muy alto, de aproximadamente 1.84 metros, delgado, moreno, de modales afables y gesto de cachaco federalista, se distinguió por la disciplina con la cual asumió su carrera de artista. Luis pintaba religiosamente a diario desde las diez de la mañana hasta la una y media, reasumiendo su trabajo a las dos hasta las cinco de la tarde. Su taller estaba siempre ubicado en el segundo o tercer patio de su casa. Decía de él una sobrina: "ya se sabía cuando Luis empezaba a pintar, porque se oía algo así como repiqueteo de maderas". Era que el artista -como tantos otros modelos humanos de superación-, desde temprana edad manifestó inestabilidad de pulso, lo cual desembocó en la enfermedad de Parkinson.

No se puede dejar de tomar como tema de reflexión, de manera premonitoria o como un augurio, que resulta sorprendente el denominador común de pobreza, opacidad en la vida de salón, y enfermedades o taras que han acompañado a tantos grandes del arte, como un reto maligno: músicos sordos, escritores ciegos, pintores con parkinsonismo. Y algo más: ubicación histórica y valoración de la obra, cuando ya su artífice ha muerto.

Pero tampoco puede olvidarse que ese arte que fluye desde el artista como una onda que expande sólo hasta la finitud de la pincelada, del acorde o de la palabra, regresa de inmediato a su creador, enriquecido por las partículas de su propia inminencia. Quizás entonces, no resulta atrevido creer que Luis Núñez alcanzaba un grado sutilísimo de placer con esta, su forma introvertida de pintar.

Lo que sí es claro, es el gran disfrute que supo encontrar en su método para tomar apuntes, para hacer bocetos y aún, en algunas ocasiones cuando más joven, para realizar totalmente un cuadro in sutu. El pintor salía en los fines de semana de paseo con sus amigos, con los niños de la casa, con su esposa, a recorrer su ciudad o la Sabana, a la cual Bogotá se ha ido tragando, y a veces, realizaba viajes de más larga trayectoria, fundamentalmente a La Mesa, en Cundinamarca, donde se interesó por su topografía y brumas y a Saldaña, en el Tolima, de donde provienen la mayoría de sus cuadros de tierra caliente propiamente dichos. Visitaba mucho la finca "Saldaña" en la población del mismo nombre, invitado por su amigo Lisandro Leyva Pereira. Otros paisajes de tierra caliente fueron basados en lámina o en fotografías proporcionadas por quienes encargaban tales obras.

Una fiel amiga del pintor y especialmente de su hijo Jorge, quien como ya dijimos, escogió la música como profesión para toda su vida fundando el Grupo Madrigal, y fuera maestro de instrumentos de cuerda, cuenta que cuando ella y su familia viajaron a la isla de San Andrés, por los años en que la fotografía vivía sus glorias del blanco y negro, de recuerdo le regaló a Luis Núñez, una placa donde el mar y las palmeras eran protagonistas. De esta fotografía, el pintor hizo un bello cuadro logrando un hermoso paisaje marino.

Los ríos sabaneros con sus remansos, las quebradas con sus saltos de agua, fueron temática sobresaliente en los paisajes de Núñez Borda. El Bogotá, el Fucha, el Sibaté y el Tunjuelito están presentes, y quizá ¿por qué no? corrientes dulces que se llamaron Chiscal, Manzanares y Madrid, hoy perdidas en el recuerdo hasta del lugar de su prisión bajo el atrio de San Agustín y la antigua Plaza de Armas.

Ir a robarse un momento del río, otro de las nubes y del viento, resultaba para Luis gratificante, no sólo en el aspecto de su trabajo, sino de su vida misma. Los paseos a la Vieja, quebrada a la que se iba con chingues y comiso en canastos, eran el encanto para el pintor, que nunca abandonaba su caja de pinturas a pesar de que es sabido que le gustaba pintar a solas, ya que se sentía molesto al exhibir su pincel apoyado sobre una regla. Por tal motivo Núñez Borda se limitaba a tomar apuntes que más tarde desarrollaría durante la semana en su taller.

Salir de misa de domingo, a la que nunca faltaba aún sin ser en extremo religioso, tomar rumbo a la Gallera de las Cruces para regresar de allí con sus amigos a jugar billar en un sitio llamado El Atrio de la Catedral, no obstaba para que Luis Núñez cumpliera sus horarios preconcebidos y organizados de trabajo como pintor y como funcionario que fue, por cortos períodos, tanto de entidades oficiales como del Banco López.

La salud de Núñez Borda comenzó a deteriorarse desde la década de los años cincuenta; pero al salir de sus enfermedades retornaba a su ritmo usual de trabajo. Sus últimas pinturas datan de 1968. En 1969 sufrió una trombosis, que aunaba a la arteriosclerosis, a la acentuación del parkinsonismo y a las úlceras varicosas que venía sufriendo hicieron que el anciano pintor, ya viudo, continuara solamente al cuidado de su hijo y algunos parientes. Surgió como imperativo su retiro al Ancianato Sara Zapata, en La Mesa a donde ingresó el 3 de diciembre de 1969.

Jorge Núñez Pontón, su hijo, había logrado con esfuerzos ilimitados adquirir una guitarra que fue encargada a España, con el objeto de dar una gran calidad a sus interpretaciones clásicas. Pero la situación de salud de su padre, se constituyó en circunstancia que sentenció a venta el precioso instrumento. Jorge Núñez no dudó; el bienestar de su padre primaba sobre todo.

Se canceló entonces el valor de la pensión en el ancianato y Luis Núñez fue a acariciar con sus ojos esas vegas y lomas que tantas veces fueran su inspiración.

Murió de una trombosis el 12 de enero de 1970, como quedó consignado en el folio 73 del Registro que lleva la institución, que lo albergaba. Quizá nadie alcanzó a decirle adiós, al pintor que Ricardo Gómez Campuzano consideraba que pintaba cielos como ninguno.

Exposiciones

Individuales

1967 Higgins Gallery, Pratt Institute, New York, Usa
1968 Duke University, Durham, North Carolina, Usa
1969 Davison Collage, Davison, North Carolina, Usa
1975 Sala de exposiciones de Coltejer, Medellín, Colombia
1977 Galería la Oficina, Medellín, Colombia
1977 Galería de Arte Cooperativo, Bello, Colombia
1977 Galería Belarca (Valencia – Gilmour), Bogotá, Colombia
1978 Galería la Oficina, Medellín, Colombia
1979 Galería la Oficina, Medellín, Colombia
1980 Biblioteca de la Universidad de Medellín, Medellín, Colombia
1980 Instituto de Ciencias de la Salud, Medellín, Colombia
1983 Cámara de Comercio, Medellín, Colombia
1984 Galería Mansarda, Medellín, Colombia
1985 El Planetario, Medellín, Colombia
1987 Galería Arte Autopista, Medellín, Colombia
1988 New Sutther Paintings, Savannah, Georgia, Usa
1989 Galería Arte Autopista, Medellín, Colombia
1990 Galería Colombo Americano, Medellín, Colombia
1992 Galería Suramericana de Seguros, Medellín, Colombia
1993 Galeria Arferias, Barranquilla, Colombia
1993 Mint Museum of Art, Charlotte, North Carolina, Usa
1993 Hodges Taylor Gallery, Charlotte, North Carolina, Usa
1993 Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia

Colectivas

1974 Universidad Nacional, Medellín Colombia
1975 Salón de Arte Joven, Museo de Antioquia, Primer Premio, Medellín, Colombia
1975 Realism in North Carolina, Mint Museum of Art, Charlotte, North Carolina, Usa
1975 El hombre y el paisaje en la pintura colombiana. Banco de la Republica, Medellín, Colombia
1975 La pintura a través de la mujer en Antioquia, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia
1975 V Abril Artístico, Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia
1976 XXVI Salón Nacional de Artes Visuales, Bogotá, Colombia
1976 America the Beautiful, Dalton Collection, Duke University, Durham, North Carolina, Usa
1977 Museo La Tertulia, Cali, Colombia
1977 Biblioteca, Universidad Pontificia Bolivariana, Medellín, Colombia
1977 University of North Carolina, North Carolina, Usa
1978 Muestra de Grupo, Cámara de Comercio – Sena, U. de A., Medellín, Colombia
1978 Seis Serigrafías, Carrera de Artes, Universidad Nacional – Galería La Oficina, Medellín, Colombia
1978 XXVII Salón Nacional de Artes Visuales, Bogotá, Colombia
1980 III Regional de Salón de Arte, MENCION, Biblioteca Pública Piloto, Medellín, Colombia
1980 Galería Partes, Medellín, Colombia
1980 XXVIII Salón Nacional de Artes Visuales, Bogota, Colombia
1981 IV Bienal de Arte, Medellín, Colombia
1981Retrospectiva Arte Joven, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia
1981 Arte, Erótico, Galería Partes, Medellín, Colombia
1981 Garcés y Velásquez, González, Jaramillo, Gilmour, Bogotá, Colombia
1981 Arte Miniatura, Galería Partes, Medellín, Colombia
1982 Galería Autopista, Profesores / Artistas, Medellín, Colombia
1982 Cien Años, Museo de Antioquia, Medellín, Antioquia
1982 Mujeres de vanguardia en el arte antioqueño, Instituto de Integración Cultural, Medellín, Colombia
1983 Medellín en el MAMM 1983, Medellín, Colombia
1983 Bolívar visto por artistas de hoy, Instituto de Integración Cultural, Medellín, Colombia
1983 Profesores Universidad Nacional, Medellín, Colombia
1984 Medellín en el MAMM 1984, Medellín, Colombia
1984 La pintura y la escultura en el traje, Galería Arte Autopista, Medellín, Colombia
1984 Arte Ecología, Jardín Botánico, Medellín, Colombia
1985La mujer en el arte en Antioquia, Cámara de Comercio, Medellín, Colombia
1985 XVI Salón de Arte Joven, PREMIO DELIMA Y CIA, Medellín, Colombia
1986 Expresiones, Universidad de Antioquia, Museo Histórico de la Universidad, Medellín, Colombia
1986 Galería Fínale, Medellín, Colombia
1986 Participantes de XXX Salón Nacional, Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia
1986 XXX Salón Anual de de Artistas Colombianos, Bogotá, Colombia
1986 Eco Moda, Medellín, Colombia
1987 XXXI Salón Nacional, Medellín, Colombia
1988 Antioquia desde los 70, Galería Arte Autopista, Medellín, Colombia
1989 XXXII Salón Nacional, Cartagena, Colombia
1989 Ex – Libris, Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia
1989 Premios Universidad Nacional de Colombia, Centro Colombo Americano, Medellín, Colombia
1989 “Made in Medellín”, Traveling Show in USA, USA
1989 Exposición Colectiva, Santiago, Chile
1990 XXXIII Salón Nacional de Artistas, Bogotá, Colombia
1990 Las 30 de los 90, Biblioteca Publica Piloto, Medellín, Colombia
1991 Bodegones, Galería La Oficina, Medellín, Colombia
1991 Trece artistas colombianos, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia
1992 Art as a Heterogeneus Event, A Colombian Contemporary Art Exhibition., Holanda
1992 Flores, Museo El Castillo, Medellín, Colombia
1992 ID Medellín 1992, Galeria El Museo, Bogotá, Colombia
1992 V Salón Regional, Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia
1992 El Salón de los 40, Biblioteca Publica Piloto, Medellín, Colombia
1992 XXXIV Salón Nacional, Bogotá, Colombia
1993 La Casa de mi Mama, Museo de Arte Moderno, Medellín, Antioquia
1993 Arte Contemporáneo y Cultura Popular, Museo de Arte Moderno, Cartagena, Colombia
1994 XXXV Salón Nacional, Bogota, Colombia
1994 50 Años de Pintura en Antioquia, Suramérica de Seguros, Medellín, Colombia
1994 El Arte en Suramérica (La Colección), Exposición itinerante por el país, Colombia
1995 Pequeño Formato, Galeria Taller de Grabado, Medellín, Antioquia
1995 XVII Salón Nacional de Arte Joven, Museo de Antioquia, Medellín, Antioquia
1995 Salón Regional, Museo de Arte Moderno, Medellín, Antioquia
1995 Arte, Política, Religión. Exposición Itinerante Artistas Contemporáneos Colombianos Mead Gallery, Universidad de Warwick, Coventry, Inglaterra
1996 Arte, Política, Religión. Exposición Itinerante Barbican Centre, Londres, Inglaterra
1996 XVIII Salón Nacional, Medellín, Colombia
1996 Arte, Política, Religión. Exposición Itinerante Theorems Galerie, Bruselas, Bélgica
1996 Arte, Política, Religión. Exposición Itinerante, Centro Cultural Melina Mercury, Atenas, Grecia
1996 Arte, Política, Religión. Exposición Itinerante, Universidad de Essex, Essex, Inglaterra
1996 De la Ciudad, “Patrimonio Artístico”, De la Ciudad, “La Gente”, De la Ciudad “Espacio Urbano”, Concejo de Medellín, Medellín, Colombia
1997 “Mil Desuses”, Taller de Grabado, Medellín, Colombia
1997 Festival Internacional de Arte Ciudad de Medellín, Medellín, Colombia
1997 Salón Regional, Medellín, Colombia

Colecciones permanentes

Museo de Antioquia, Medellín, Colombia
Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia
Colección de Suramericana, Medellín, Colombia
Duke University, Durham, N.C, Usa
Mint Museum of Art, Charlotte, N.C, Usa
Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia
Con-Concreto, Medellín, Colombia

Nació en Neira, Caldas, y adelantó sus primeros estudios en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. El artista colombiano, David Manzur Londoño quien se inició en el arte en Boto, un apostadero español en la Guinea Ecuatorial, donde vivió desde los 3 hasta los 17 años, estudió en la Escuela de Arte Claret en las Palmas, Islas
Canarias, antes de ingresar a la Escuela de Bellas Artes en Bogotá.

Manzur ensayó diversas formas de expresión que fueron desde la música y la danza a la actuación y la pintura, campo en el que como creador purista y buscador de la perfección, se ha situado en la primera fila de los artistas colombianos y como uno de los latinoamericanos del realismo aséptico.

En 1961 ganó el "Premio Guggenheim" en 1962 el "I Premio Fundación Guggenheim" en Nueva York. En 1964 ganó una beca para estudiar en el Pratt Graphic Art Center, otorgada por la OEA. Luego obtuvo el premio de la Gobernación de Antioquia, en la Segunda bienal de Medellín. Algunas de sus obras se encuentran en Estados Unidos, en la Unión Panamericana de Washington, en el Banco Interamericano, en la Biblioteca del Congreso, en el Museo de la Universidad de Oklahoma y, en colecciones como la de Loockwood, Cleveland, entre otras.

Débora Arango (Medellín, 1910) dio a conocer sus desnudos por primera vez en 1939 en el Club Unión, el más exclusivo de Medellín 2 . Exhibió sus grandes acuarelas, entre otras Cantarina de la rosa y La amiga, pintadas en pliegos de papel unidos. Este procedimiento de unir pliegos de papel había sido utilizado por su amigo Carlos Correa hacia 1934 para pintar un desnudo titulado: La maternidad blanca. A diferencia de los desnudos hasta entonces pintados en Colombia, aquellas acuarelas son muy vivas, las poses están llenas de desparpajo, la modelo en muchos casos mira abiertamente al espectador y conserva su vello púbico.
Débora Arango pintó sus primeros cuadros cuando fue alumna de Eladio Vélez en la escuela de Bellas Artes de Medellín entre 1933 y 1935. Al cabo de estos años comenzó a definir sus propios intereses: "Con el maestro Eladio Vélez aprendí de preferencia la técnica del retrato. Cultivé ese estilo con entusiasmo. Pero yo sentía algo que no acertaba a explicar. Quería no sólo adquirir la habilidad necesaria para reproducir un modelo o un tema cualquiera, sino que anhelaba también crear, combinar: soñaba con realizar una obra que no estuviese limitada a la inerte exactitud fotográfica de la escuela clásica. No sabia a punto fijo lo que deseaba, pero tenía la intuición de que mi temperamento me impulsaba a buscar movimiento, a romper los rígidos moldes de la quietud (...). Un buen día hallé lo que buscaba. Los frescos de Pedro Nel Gómez me revelaron algo que hasta entonces desconocía, algo que no había tenido ocasión de aprender (...) los artistas que comulgamos con la escuela de Pedro Nel Gómez, vamos alejándonos de los viejos moldes y nos inclinamos cada vez más hacia la concepción modernista, revolucionaria, del arte destinado a interpretar el anhelo de las masas" 3
Hacia finales de los años treinta, la pintura antioqueña se encontró agrupada .en dos tendencias opuestas, cuyos enfrentamientos irónicos y agresivos pueden seguirse en la prensa de la época. La pintura de Pedro Nel Gómez se calificó de "revolucionaria" y "antiburguesa" y sus seguidores fueron llamados "pedronelistas"; mientras que los cuadros de Eladio Vélez fueron tachados de "reaccionarios", "capitalistas" y "filisteos" por sus enemigos. Sus simpatizantes fueron llamados "eladistas" 4 . Formada entre los valores estéticos de las dos corrientes pictóricas en contradicción, Débora Arango empezó a pintar independientemente en 1938. Desde este año hasta 1940 se puede hablar de un período de expresión pagana; los desnudos de que hablábamos, despertaron en la época una polémica sin precedentes en Medellín, que tomó un cariz político. El periódico liberal El Diario los defendió con vehemencia en sus columnas y atacó la posición del conservador La Defensa, para el cual se trataba de "brochazos lúbricos", "pinturas al deshabillé", "falta de higiene moral", de obras impúdicas "que ni siquiera un hombre debiera exhibir". El mismo periódico desafió a la artista a dejarse publicar "al pie del mismo cuadro con que ha querido conquistar lauros que considera muy marchitos". 5 .


Potada del catálogo de la primera exposición colectiva de Débora Arango en 1937
El Diario arguyó a favor de Débora Arango por pertenecer a "una familia de tradición católica y cristiana (...) conocida por su piedad sin estrépitos y por la noble pureza de su vida". Así mismo puso de ejemplo los desnudos artísticos clásicos localizados en algunos lugares sagrados para mostrar que eran compatibles e invitó a ver la exposición por ser "una excelente oportunidad para aprender a distinguir entre arte y falta de moralidad, entre ética y estética" 6 .
Débora Arango recibió el único premio de la exposición. Los "eladistas" rechazaron el fallo y, en carta de protesta dirigida al jurado, dijeron: "vuestro concepto artístico es lastimoso, y vuestro fallo de unos razonamientos mezquinos y parciales (...). Ahora no sabemos como os vais a defender de la lluvia de desnudos y acuarelas que mañana reclamarán premio, 7 . por SU parte, Ignacio Gómez Jaramillo (1910-1971) criticó acerbamente a la mayoría de los expositores por no ser "pintores profesionales", como sí lo eran en su opinión Eladio Vélez, Carlos Correa, Pedro Nel Gómez y él mismo.
Al año siguiente Débora Arango realizó una exposición en el teatro Colón invitada por el ministro de educación Jorge Eliécer Gaitán. La vanguardia literaria del momento, representada por el poeta piedracielista Eduardo Carranza y por César Uribe Piedrahíta, presentaron la muestra. Uribe Piedrahíta escribió: "quién iba a suponer que de un rincón de la montaña austera, de un ambiente timorato e hipócrita viniera una niña artista, pintora de grandes desnudos e iluminada con clara luz de la naturaleza inocente (...). Esta exposición de pintura ha de servir para rasgar el velo de falso pudor y de hipócritas prejuicios tras el cual se esconden maliciosamente los moralistas corrompidos" 8 . El diario El Siglo, bastión conservador, opinó, por su parte, que las acuarelas eran un atentado contra la cultura y la tradición artística, un desafío al buen gusto y un irrespeto para el aristocrático lugar donde fueron exhibidas 9 .

Horacio Longas nació en Medellin a finales del siglo pasado, fue discípulo del Maestro Francisco Antonio Cano, del cual heredó su acierto en la composición y en el dibujo; trabajó en arquitectura cuando apenas frisaba en los veinte años y en la década siguiente fue caricaturista, haciéndose notable por las historietas llamadas "Los Pueblos" y con sus producciones del mejor humorista que calificó "Sombras Chinescas" que pusieron de manifiesto sus virtudes sicológicas y la alta técnica de dibujo; por último decidió consagrarse a la pintura y escultura que constituyeron las actividades donde obtuvo los mayores triunfos.

Lo anterior muestra que el maestro Longas fue un artista polifacético cuya obra causó siempre impacto en la opinión pública que lo rodeó con simpatía y admiración durante su vida.

Sus trabajos tuvieron una orientación regionalista, con el profundo sabor de su tierra de la cual dio testimonio en todas las actividades. Puede decirse que fue un pintor de la raza tan auténtico como su colega y amigo Humberto Chaves, pues aunque uno y otro imprimieron características diferentes a sus tareas artísticas, en ambos predomina sin duda la antioqueñidad.

Tuvo una época dedicada casi por completo a las caricaturas de sentido político y en este campo dejó una obra apreciable en la cual quedaron plasmados con rasgos indelebles los grandes personajes de su tiempo como: Enrique Olaya Herrera, León de Greiff, Alfonso López Pumarejo, Guillermo Valencia, Alfredo Vásquez Cobo, entre otros. Sería exagerado decir que estuvo a la altura de Ricardo Rendón, pues éste dejó una obra más copiosa de gran agudeza política, hasta el punto que sus caricaturas producían tanto efecto en el ambiente como el editorial de un gran periódico.

Como dibujantes fueron igualmente hábiles, dado que en nada superan las caricaturas de Rendón sobre el General Berrio, el maestro Valencia u Olaya Herrera, a las que publicó con frecuencia el maestro Longas sobre los mismos personajes.

Además podría decirse que la obra de Rendón fue notoriamente política, con gran percepción de las ocurrencias nacionales, mientras la de Longas fue evidentemente social, por haber expresado los dolores y amarguras de los más pobres.

Aparte de su obra humorística, Longas dejó huellas muy personales en la arquitectura, en la ilustración de diarios y revistas, y en sus pinturas y esculturas. Con razón Jorge Cárdenas Hernández y Tulia Ramírez escribieron una reseña que puede resumirse en estas palabras: "Sus obras poseen un lenguaje poético concentrado, de estro sencillamente antioqueño, en su planteamiento formal, como pueden serlo las novelas cortas de Carrasquilla o los cuentos de Efe Gómez".

Hay un comentario muy sagaz y que varios críticos incluyeron en sus estudios sobre la obra de este singular artista de Antioquia: ninguno de sus lienzos lleva título, sencillamente porque sus obras y trazos no pueden estar limitados o definidos rígidamente por palabras.

Siempre trató de ser intérprete de su pueblo, dedicando sus trabajos a imágenes de agricultores, taúres y mineros; gente arraigada en su tierra a través de la cual logró transmitir un mensaje estético de gran emotividad y profunda autenticidad.

En todas estas pinturas el maestro Longas puso una fuerte intención sicológica para corresponder a una realidad palpitante; hay cuadros como "El Paisa" que muestra una figura del antioqueño montañero de mediana edad evidenciando la fatiga por el intenso trabajo y luciendo las prendas irremplazables del auténtico paisa: la ruana, el sombrero, el carriel y la postura de un hombre de carácter.

De la misma manera que su obra arquitectónica tiene perfiles cuidadosamente diseñados, siempre adecuados al caso, sus pinturas reflejan un estudio cuidadoso, cálculo atento y ánimo de perfección.

Tengo claro el recuerdo de una exposición personal que ofreció en el Centro Coltejer en 1972, donde aparecieron una veintena de cuadros al óleo y unas pocas esculturas en madera tallada. Fue muy favorable la crítica a las obras presentadas en dicha exposición, lo que incrementó el prestigio del maestro como gran pintor y escultor.

Las obras de Longas tienen la virtud de que se reconocen de inmediato sin que jamás se exija acercarse a comprobar su firma, de tal suerte que la simple mirada comprueba el origen del óleo, la acuarela o la escultura producida por este gran artista. En esto se identifica con ese otro ilustre antioqueño el Maestro Pedro Nel Gómez, quien le imprimió a sus obras una personalidad inequívoca, diferente, revolucionaria y admirable.

Horacio Longas se dedicó a la pintura y a la escultura en la mitad de los años 50s y nunca cambió su estilo ni su inspiración; sus mejores obras fueron pintadas en acuarela y la inmensa mayoría dedicadas a las figuras y actividades humanas, muchas de ellas campesinas.

Participó en numerosas exposiciones colectivas y en algunas individuales de verdadera resonancia, siempre soñó ser un gran pintor y no perdía la oportunidad para decir que no había logrado aprender tan difícil oficio. Longas dejó numerosa familia cuyos miembros cultivan con gran amor y admiración la memoria de su antepasado.

El maestro Longas murió en Medellín hace justamente 15 años, llegando en plena lucidez a los 83 años de edad; desde entonces su variada producción artística suscita siempre gran admiración, adquiriendo cada día mayor prestigio.

Medellín, Antioquia 1932.

ESTUDIOS

1952 - 1953 Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Medellín, Antioquia.

1954 - Viajó a Europa y estudió pintura al fresco en la Academia de Bellas Artes de Florencia.

EXPOSICIONES

1955 - Obtuvo el primer Premio de Pintura al Fresco en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia.

1956 - Participó en la Exposición de Grabado de Turín y obtuvo una mención honorífica.

1957 - Recorrió la mayoría de los museos de Europa, Egipto y el Medio Oriente. También tomó algunos cursos de arte en Francia.

1958 - Regresó a Colombia e hizo una exposición individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá.

1958 - Septiembre. Participó en el XI Salón de Artistas Colombianos con un retrato al óleo.

1959 - Hizo una exposición individual en el Museo de Zea de Medellín.

1959 - Hizo una exposición individual en La Tertulia, Cali.

Participó en la Exposición de Pintores Colombianos, que tuvo lugar en Cartagena.

1959 - Participó en el II Salón de Pintores Antioqueños y obtuvo el Primer Premio para óleo y el Primer Premio de Grabado.

1959 - Septiembre. Participó en el XII Salón de Artistas Colombianos con el grabado "Niña con Guirnalda". y el óleo "Composición".

1960 - Hizo una exposición individual en la Sala de la Inquisición de Cartagena.

1960 - Julio. Participó en el Salón de Arte Contemporáneo que tuvo lugar en el Museo de Zea, Medellín. Allí exhibió la obra "Riña de Gallos".

1960 - Julio. Participó en el I Salón de Pintura Colombiana en Cúcuta.

1960 - Participó en el I Salón de Artes Plásticas de lbagué.

1960 - Participó en el Salón de Pintores Antioqueños en Manizales.

1960 - Hizo una exposición Individual en la Escuela de Bellas Artes de Manizales.

1961 - Participó en: El II Salón de Pintura Colombiana en Cúcuta y en el II Salón de Artes Plásticas de Ibagué.

1961 - Junio. Participó en el XIII Salón de Artistas Colombianos con el grabado "Blanco y Negro., el cual le mereció una mención honorífica.

1961 - Hizo una exposición individual en el Salón de Los Amigos del Arte de Pereira.

1962 - Participó en el III Salón de Pintura Colombiana en Cúcuta y en el III Salón de Artes Plásticas de lbagué en donde obtuvo el primer Premio en Grabado.

1962 - Julio. Participó en el XIV Salón de Artistas Colombianos con un cuadro de técnica mixta.

1962 - Octubre. Hizo una exposición individual de 21 óleos y 9 grabados en la Biblioteca Luis Angel Arengo de Bogotá.

1963 - Noviembre. Hizo una exposición individual en la Biblioteca Nacional. Allí presentó 15 óleos y 22 grabados.

1964 - 1973 Estuvo trabajando como profesor de grabado en la Universidad de Antioquia.

1964 - Participó en la Exposición de la Facultad de Minas en Medellín.

1964 - Octubre. Participó en el XVI Salón de Artistas Colombianos con dos xilografías.

1965 - Fue nombrado decano de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, Medellín.

1965 - Septiembre. Participó en una exposición colectiva que tuvo lugar en la Galería Picasso de Medellín.

1966 - Agosto. Expuso varios grabados en la Biblioteca Nacional de Bogotá.

1966 - Septiembre-octubre. Hizo una exposición individual en la Galería Picasso de Medellín.

1966 - Octubre. Participó en el XVIII Salón de Artistas Colombianos con dos xilografías tituladas "Girasol No. 1 y No. 2".

1968 - Febrero. Expuso en el Salón de Artesanías en Medellín.

1968 - Participó en la I Bienal de Arte Coltejer, Medellín, y obtuvo un premio.

1968 - Noviembre. Expuso junto con Pedro Nel Gómez y Horacio Lonjas en el Centro Colombo Americano de Medellín.

1970 - Participó en la I Bienal de Grabado Latinoamericano que tuvo lugar en Puerto Rico.

1971 - Julio-agosto. Participó en la I Bienal Amerlcana de Artes Gráficas que tuvo lugar en el Museo La Tertulia de Cali, con dos grabados.

1971 - Hizo una exposición Individual en Pereira.

1971 - Participó en la Exposición Internacional de Grabado en Liubliana, Yugoslavia.

1972 - Participó en la II Bienal del Grabado Latinoamericano en San Juan de Puerto Rico.

1972 - Participó en la III Bienal de Arte Coltejer en Medellín.

1973 - Marzo. Participó en la Exposición de Grabadores y Dibujantes de Colombia, que se realizó en la Biblioteca Luís Ángel Arengo, Bogotá, con dos grabados.

1973 - Participó en el álbum de grabados de Cartón de Colombia. La colección fue expuesta en La Tertulia de Cali y la Galería 19 de Bogotá.

1975 - Septiembre. Expuso varios grabados en el Centro Colombo Americano de Bogotá.

1976 - Marzo. Participó en la III Bienal Americana de Artes Gráficas de Cali en el Museo La

Tertulia. Allí presentó un grabado.

1977 - Septiembre. Expuso varios grabados en la Galería El Callejón de Bogotá.

Aníbal Gil ha jugado un papel muy importante en el panorama de las artes plásticas de Medellín. Allí ha sido profesor y decano de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Antioquia y ha participado en los principales eventos artísticos de la ciudad. Como grabador maneja el aguafuerte, la litografía y la xilografía. Además ha sido moralista y maneja con acierto el fresco, el estuco, el temple y el mosaico.

OBRAS:

Se encuentran en: La Biblioteca Luís Angel Arengo, Bogotá y en el Museo de Arte Moderno, Bogotá; galerías y colecciones de Antioquia.

MURALES: - En el Club Campestre de Medellín, el Club Unión, Medellín, La Caja Agraria, y la Fábrica de Colcafé.

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Cali, 2005
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Ministry of Culture
4
D I E G O P O M B O
© Salamandra del Barco Ebrio Artistic Cultural Corporation
Concerted Room, Ministry of Culture and Cali’s Administrative Offi ce of Culture
ISBN 958 - 33 - 7775 -9
Editorial Management:
Diego Pombo
Carrera 36 No. 4A-31
Telefax: 554 2411 - 683 1858
E-mail:
Writings: William Ospina
Daniel Samper
Jotamario Arbeláez
Pedro Alcántara
Félix Ángel
Julián Malatesta
Carlos Fajardo Fajardo
Hoover Delgado
José Zuleta
Miguel González
Diego Pombo
Cover: The Miraculous Catch - 2005
Acrylic paint on canvas. 47.24 in x 35.43 in
Inside cover: Your Highness III - 2005
Acrylic paint on wood. 22.05 in x 22.05 in
Acknowledgements:
La Tertulia Museum of Modern Art
Ernesto Fernández Riva
Luis Mesa
Carfi col Ltda.
Layout: Art Department at Feriva Press S.A.
This book was printed at
Feriva Press S.A. in june of 2005
Calle 18 No. 3-33
PBX: 883 1595

Cali, Colombia
Pombo Buriticá, Diego Fernando, 1954-
Diego Pombo: anthology / writings: William Ospina … --
Cali: Salamandra del Barco Ebrio Artistic Cultural Corporation,
Feriva Press, 2005.
120 p.: il.; 28 cm.
ISBN 958-33-7775-9
1. Pombo Buriticá, Diego Fernando, 1953- - Pictorial work -
Expositions. 2. Colombian Art - Expositions. 3. Kitsch I. Ospina,
William II. Title
709.861 cd 19 ed.
AJD5574
CEP-Banco de la República-Luis-Angel Arango Library
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To Isabel, Beatriz and María,
the three women in my life.
6
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Content
Diego Pombo’s Anthology _____________________________ 9
My relationship with the arts __________________________ 11
The Pombo, a tropical grotesque _______________________ 53
Pombo the bad _____________________________________ 61
Alcántara and Pombo in unison ________________________ 63
Diego Pombo and the rescue of memory ________________ 65
Maculate conceptions of Pombodernism ________________ 73
Pombo in his own ink ________________________________ 77
Pombo goes retro ___________________________________ 83
Diego Pombo: The validity of the obsolete _______________ 91
Diego Pombo and the most serious of all games __________ 117
8
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Diego Pombo’s Anthology
Diego Pombo’s ultra baroque, pedantic, grotesque, poignant, prosaic,
direct, venomous work and often times of implacable diatribe, gathered
in this anthology and showing his multi-faceted productions as a painter,
drawer, graphic artist, object creator, designer, illustrator, gives us a
glimpse of his diverse interests. Musician, publicist, actor, stage designer,
cultural manager and artistic director to boot.
All of those experiences and tasks nurtured his production with
elements that characterized a very important artistic sector in the 80’s,
a decade during which he chose the visual arts as manifest activity. He
feeds his images off of the street fanfare, the peripheral mythology, the
otherness of what’s popular, the leafl et speeches; and with his unique
replying capacity and the vehement polyphony of his lapidary counterpoint,
he equally maculates and histrionices the erotic, the political, the
religious...
In contrasting and challenging colors, his work sustains a thoughtful
staging to recreate images that enclose art’s history, literary tradition
and popular icons; all staged in the most sovereign kitsch and the most
festive commonness. There, Pombo sets and reaffi rms his unmistakable
proposition generating rejection, constrained smiles, sparking lascivious,
anticlerical and perverse patriotic onslaught speculations, always on the
brink of dislocating on ambivalence, double meaning and the occult
humor, between sarcasm and wickedness.
An evident shamelessness drives the Sacred Hearts, the Procurer En10
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tourage, the Last Suppers, the Pregnant Virgins, the Negotiation Tables,
the Miraculous Catches, Wacky Guerra, Reigning Jovita, in an endless
masquerade that allegorizes the national scene, where violence, politics,
misery and religion get celebrity status. The same one that builds on the
fl ourishing taste for corruption and drug traffi cking in the ever-shocking
scenario of the armed confl ict and uncertainty. Pombo’s work functions
as a media-geared address on the onrush against aesthetic symbols and
the inoperative perpetuity of an art without comparatives.
MIGUEL GONZÁLEZ
Curator
A N T H O L O G Y
11
I was born in Manizales August 7, 1954.
My father was a sewing machine technician
and my mother, a schoolteacher. I spent my
fi rst three years in the countryside. The most
vivid images I recall from those years are
the cable cars my father built for me, which
traveled from the top of one armoire to the
other, hanging from a thread, just as the real
ones would, which departed from the Milán
funicular station with their fantastic cargo
of men, work animals and sacs, traveling
through the air at more than ninety eight
feet above, between the gigantic metal
towers crowned by pulleys, planted atop
each mountain in Old Caldas.
My father’s sequined suit of a matador
from his brief stint as an amateur bullfi ghter
and the day he lost his fancy after being
knocked down by a young bull, are some
other intense recollections that undoubtedly
marked my newly fl ashed image collection.
We moved to Cali in 1957 and started
school when I was fi ve, there I learned to
read and to fear the image of the huge cat
with striped pajamas which would return
My relationship with the arts
Selling Newspapers - 1956
DIEGO POMBO
12
D I E G O P O M B O
every night to take revenge on the boy that
had thrown him into the river during the
day, which appeared on the last page of the
elementary school book Alegría de leer.
I started going to a catholic school when
I was 7, coinciding with Óscar Muñoz. Soon
after, also out of fear, I learned to forge my
Mom’s signature fi rst, then that of my friend’s
parents, as well as altering the grades on the
grade cards, where teachers would indicate
disciplinary actions that had to be notifi ed
to our parents, which meant certain disciplinary
measures; the display of dexterity for
such actions, on which fortunately enough
I did not insist, undoubtedly constituted
my early and successful debut in the plastic
arts world, an experience that because of
its transgression, left a new, pleasant and
unknown sensation in me.
At fi fteen and after successive expulsions
from Cali’s and Manizales’ schools, my
aunt Lucy managed to enroll me in Hernán
Nicholls’ advertising agency, who was also
from Manizales, an experience that lasted
three years and allowed me to earn a living
from what I made and do as I pleased under
Carlos Duque’s lead in the art department,
working along Fernell Franco, Carlos Mayolo
and Andrés Caicedo, amongst other
important pioneering characters in Cali’s
70’s, whose gathering spot was there and for
whom like me, advertising was the military
My Grandmother and my Mother - 1955
Mi Father - 1930
María and I - 2005
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13
At Seville’s Alcázar with Pedro Alcántara, Rodolfo Vélez, Mónika
Herrán and Memo Vélez. Spain, 1986.
With Ferdie Fernández, Darío Jaramillo and Carlos Muñoz,
“Candela” Group. 1981
At an exhibit with Armando Barona and Guerra. 1990.
At the La Candelaria Theater with Santiago García during
the setup of “En la Raya”. 1993, Bogotá.
14
D I E G O P O M B O
Next page up:
Nostalgia -1981
Pencil on paper 39.3” x 27.5”
Next page down:
Allegory with Bessie Smith - 1982
Pencil on paper 39.3” x 27.5”
Picture in Seville,
Spain - 1986
At el Retiro Park with Beatriz Monsalve, Madrid - Spain - 1991
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16
D I E G O P O M B O
duty of fi ne arts.
My time at Nicholls meant the connection
with photography, art festivals, artists,
the shows at Ciudad Solar or La Tertulia,
rock concerts, psychodely and nothingarianism.
During the next four years I tried to
manage a parallel career in music, with
propositions that included salsa, jazz and
rock fusions; the scene would take place at
the Café de los Turcos, patronized by leftist
intellectuals and writers, from which I especially
remember William Ospina and Germán
Cuervo, besides musicians, poets, painters,
drug dealers and pimps; it was there were I
The Band of
Bandits - 1982
Pencil on paper.
59” x 47.2”
Intuition - 1982
Pencil on paper.
19.6” x 27.5”
A N T H O L O G Y
17
Dizzy Gillespie. Allegory - 1982
Pencil on paper. 27.56 in x 19.69 in
18
D I E G O P O M B O
began to sense Cali’s imagery and the main
characteristics of its identity, which will end
up being the heart and soul of my plastic
dissertation. Eventually, my musical journey
ended up dissolving with the decade, giving
way to painting as a career of systematic
dedication in my life.
The fi rst exposition in 1981 coincided
with my last presentation as a musician in
concert next to Ferdie Fernández and Larry
Joseph, at the Gaceta Hall. It was comprised
of pencil drawings on paper infl uenced by
surrealists and Peter Milton’s engravings with
aerial trains, giant snails, weightless nudes
and animated musical instruments that inhabited
a strange black and white world.
My love of jazz and a happy coincidence
took me to New Orleans by the hand
of Eduardo Mejía (r.i.p.), a friend and great
painter who managed to program one of
my expositions during the New Orleans Jazz
Festival in 1983 through his agent, it then
went on to the Jazz Museum at San Juan
de Puerto Rico, this being my fi rst tour as
an artist abroad.
That same year in Barcelona, at editor Felipe
Domínguez’ request, I made the Bolívar
en Guerra, La banda de Guerra, Sagrado corazón
de Guerra superstar and Adivina con
quién, lithographs at Vicente Aznar’s shop
(Joan Mirós work printer for many years),
From the series
Illogical zoo
1985.
Pen-style and
collage on
paper
A N T H O L O G Y
19
with which I participated at several graphic
arts biennials and expositions in Europe.
I moved to Bogotá in 1984 and became
part of the La Huella shop, where I alternated
with Lugo, Dioscórides, Rendón, Granada,
Roda and Caro, amongst other plastic artists;
there I created six or seven metal etching
editions.
The multiplying possibilities of the
graphic work and my admiration of Pedro
Alcántara’s work drew me near the Corporación
Prográfi ca de Cali, the most important
serigraphy shop in the country at the time,
led by the master, where works by artists
such as Portocarrero, Lam, Obregón, Torales,
Sánchez, Obelar and other stellar fi gures in
Latinamerican plastic arts were printed —
often times with the direct assistance of the
authors. Beginning in 1985 I took part in the
majority of the serigraphy portfolios created
by the Corporation, up until its dissolution
and started my phase as a true painter, using
the canvas as support and acrylics as the media;
that same year I made a series of collages
in black and white called El zoológico-ilógico
(The Illogical Zoo), inspired on the Max Ernst
series and the animalistic component of the
human condition.
My work’s main thematic character from
1985 to 1991 was «Guerra», a memorable
lunatic that lived off of giving blessings and
From the series
Illogical zoo
1985.
Pen-style and
collage on
paper
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D I E G O P O M B O
whose holy ire inspired something like fear
of God. He died that last year in the middle
of the shooting of a short fi lm about him I
had undertaken in collaboration with Antonio
Dorado, which won the award as best
Colombian documentary at the Cartagena
Film Festival that year.
From the close cooperation I established
with maestro Alcántara during the 80’s
second half, which includes a series of oneof-
a-kind jointly created paints, I rescue the
specially shared taste for the theater in compositions,
the use of photographic collages
to reinforce the character’s gesticulations
and, above all, the enrichment of my politics
in art concept.
With the Corporación Prográfi ca’s group
I also traveled to Havana’s Biennial as a guest,
representing Colombia, and created a serigraphic
edition at René Portocarrero’s shop;
I also represented my country at the Arco de
Madrid Fair in 1986 and at Seville’s Biennial
that same year, and was part of Cali’s group
exhibit at the São Bento gallery in Lisbon.
During the following four years I continued
exhibiting nationally and internationally
on a regular basis, keeping the Colombian
social circus and its most accentuated features
as themes: from the erotic, the religious,
the political and histrionic to the acerbic;
specially featuring the exhibit at New York’s
From the series
Illogical zoo
1985.
Pen-style and
collage on
paper
A N T H O L O G Y
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Barnard Biderman Gallery and the collective
exhibit by Colombian artists at the Queens
Museum.
The beginning of the 90’s marked the
beginning of my relationship with the world
of theater: fi rst as a poster designer and later
as scenographer, musician and eventually, as
an actor. The invitation made by the Festival
de Cádiz to do an individual exhibit in 1990,
the commission to design the poster for the
following year and another exhibit in the
1992 edition, as well as joining La Candelaria
Theater with the production of En la raya,
and the hundreds of exhibits by groups from
all over the world that I was able to enjoy
during those years, determined my defi nite
entrance into the world of theater.
Upon TEC’s breakup with Beatriz Monsalve,
Hoover Delgado, Henry Castillo, María
Fernanda Agudelo and Daniel Rodríguez
(r.i.p.) in 1994, which coincided with my
studio’s construction at the house I had
bought from my father’s family, together,
we decided to create a group that would
rehearse where up until then, it had been
my workspace. We called it Drunken Ship
(Barco Ebrio) and the place, Salamander.
The fi rst presentation took place in October
of that year with El Puente de Cuba Group
and we staged Crápula Mácula, an adaptation
of an essay by Riunosuke Akutagawa,
From the series
Illogical zoo
1985.
Pen-style and
collage on
paper
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D I E G O P O M B O
which was invited to the leading Colombian
festivals and Spain’s Cádiz in 1995. Since
then, Salamandra has kept an important
uninterrupted programming — and has also
served as exhibit hall, auditorium, facilities,
concert hall, for studies, conferences, rituals,
banquets and even for wakes, as when our
sceneshifter Daniel Rodríguez “El Capi” was
killed in 1996.
In 1997 we presented Santo Ofi cio, with
a grant from Colcultura, written and directed
by Hoover Delgado.
That year, my plastic work had a great
Mixed amusing pieces - 1983
Etched on metal. 13.78 in x 19.69 in
A N T H O L O G Y
23
transformation when lithographic wastepaper
(paper used for proofs before and
after an edition) appeared, which I had
been using in collages on some areas of the
compositions, but now as features and sole
support, intervened with acrylic paint, which
I called Maculate Conceptions, and whose
themes derived randomly.
These pieces were shown to the public at
galleries, museums and Colombian universities
in 1996 and 1997, and at the Bonnat
Museum in Bayonne and Chateauneuf le
Rouge in France, as well as the Cádiz Theater
Guerra’s Band - 1984
Lithograph. 39.37 in x 27.56 in
24
D I E G O P O M B O
Festival in 1998. That same year, when new
talks began to take place between the FARC
guerrillas and the government, the Negotiation
Tables were born, a series inspired
on The Last Supper, with a Sacred Heart of
Jesus divided in half, embodying Colombia’s
role, which divides the country in two factions.
This series gave rise to the Miraculous
Catches a year later, which were visual metaphors
of the massive kidnappings, where
a Sacred Heart’s dichotomy turns it into fi sh
and fi sherman at the same time.
In 1998 Fanny Mickey proposed to us
the co-production of a street musical for
adults called Pombo by Pombo, in which we
recreated Rafael Pombo’s fables at a jazz and
rock rhythm, which premiered at Bogotá’s
Spanish-American Theater Festival’s V
version, where I debuted as an actor and
composer.
We presented Casting in 1999, which
was created and directed by Hoover Delgado,
where I played the part of an unscrupulous
businessman along with Barco
The Champ and His Fans - 1983
Acrylic paint on wood. 19.69 in x 27.56 in
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Empera the womanrefrigerator
- 1984
Mixed on
refrigerator.
59” x 27.5” x 27.5”
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The Divine Visage - 1986
Acrylic paint and barbed wire on wood.
9.8” x 7.8”
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The Thinker - Self portrait - 1985
Acrylic paint on canvas. 39.37 in x 27.56 in
Self portrait - 1985
Acrylic paint on canvas. 19.69 in x 27.56 in
Ebrio’s cast.
At the same time since 1999, together with
Salamandr

BOGOTA, Colombia (AFP). -El pintor colombiano Saturnino Ramírez, uno de los primeros artistas nacionales en inspirarse en el mundo urbano nocturno, falleció el jueves a los 56 años víctima de una enfermedad terminal que lo obligó a recluirse en una clínica de la ciudad de Bucaramanga (noreste), informaron este viernes sus familiares.

Ramírez, que alcanzó el reconocimiento en Colombia en los años setenta con el premio del Salón Nacional de Artistas, hizo famosas a sus obras en el campo de la pintura figurativa, en el que el tema de los billares, los bares de mala muerte, la prostitución y los cafés fueron sus ejes centrales.

Amante de la música de Carlos Gardel y admirador del pintor holandés Vincent Van Gogh, Ramírez expuso su obra en la Galería Aberbach de París, lo que le valió, a principios de los ochenta, que una de sus pinturas fuera escogida para ser el afiche central de la Feria Internacional de Arte de París (Fiat).

Pintora, historiadora y crítica de arte santandereana (Bucaramanga, 1938). Beatriz González Aranda estudió Bellas Artes con Juan Antonio Roda en la Universidad de los Andes e hizo un curso de grabado en la Academia Van Beeldende Kunsten de Rotterdam. Como historiadora ha publicado: Ramón Torres Méndez, entre lo pintoresco y la picaresca (1985), Roberto Páramo, pintor de la sabana (1986), José Gabriel Tatis, un pintor comprometido (1987), Fídolo Alfonso González Camargo (1987) y "Las artes plásticas en el siglo XIX", en la Gran Enciclopedia de Colombia (1993). Beatriz González tiene una amplia producción que se remonta a los primeros años sesenta. En 1964 se presentó por primera vez en Bogotá con una exposición sobre La encajera del pintor holandés del siglo XVII Jan Vermeer. Inspirada en este cuadro, Beatriz González realizó una serie de variaciones de indiscutible buen gusto. Su obra se caracterizó por los colores vivos y planos y las composiciones armónicas. Posteriormente vinieron, en 1965, las variaciones sobre La niña-montaje, en las que reafirmó su refinamiento cromático.

Este mismo año realizó las dos versiones de Los suicidas del Sisga (segundo premio especial en Pintura del XVII Salón de Artistas Nacionales, 1965), trabajadas a partir de una fotografía de prensa, con las que se inicia su obra más característica, siempre relacionada con el país y lo colombiano y plenamente consciente de que sólo desde lo provinciano se puede alcanzar lo universal: «Yo creo que el arte es universal y que eso de la pintura colombiana son tonterías. Creo que lo que más daño le ha hecho al arte colombiano fue tratar de ser colombianista. Uno debe tratar de ser universal, lo demás viene por añadidura». A Los suicidas del Sisga [ver tomo 6, p. 131] siguieron, según inventario de Marta Traba, los próceres de la historia extensa de Colombia, los retratos de familias "decentes" que se publicaban en los periódicos, los episodios de las páginas sociales y la crónica roja, las escenas ingenuas pintadas en los buses, las estampas populares y los cromos de venta en el pasaje Rivas y en la populosa carrera décima de Bogotá, recorrida por el servicio doméstico atraído a la capital. En toda su obra, Beatriz González alude no sólo a una manera de ser, a una idiosincrasia peculiar, sino también al gusto «de la gente», que la artista trata como socióloga, aunque sin dejar de incluir una dosis de ironía: «Mi pintura no es la búsqueda de un fin por intermedio de temas irónicos, sino una pintura con temperatura. No hago objetos cursis con la misma especie de morbosidad que mueve a ciertas personas a coleccionar objetos del llamado mal gusto. No creo que la sociedad en que trabajo sea cursi sino desmedida, en todas las proporciones y sentidos [...]». «A mí lo que me interesa es el gusto. Me interesa el porqué una persona coloca estas cosas y no otras en su casa. Si hubiera sino una artista conceptual, desde el 70 habría puesto una tarjeta diciendo: vayan y vean la casa de zutano. Y otra: vayan y vean la casa de fulano. Pero como soy una artista a la antigua, necesito pintar y pinto. Yo me pregunto porqué diablos me llamó la atención la foto de los suicidas en el periódico. ¿Fue el gris de la cara, igual a unos trabajos que estaba realizando, o fue la cosa popular de dos personas que entran en un pacto suicida y que unen sus manos para una foto que envían a sus familiares? Pero no, porque el tema lo leí después. Era la foto, el sombrero que él llevaba, en fin [...] En mí hay una predisposición a mirar el gusto de la gente».

Paralelamente a estas obras realizadas a partir de fotografías de prensa y cromos populares, Beatriz González ha trabajado numerosas versiones de obras de grandes maestros. Desde La encajera de Vermeer hasta el Guernica de Pablo Picasso, titulado Mural para fábrica socialista, la artista ha hecho variaciones de Leonardo da Vinci, Rafael, Sandro Botticelli, Jean-AugustDominique Ingres, Jean-François Millet, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Edgar Degas, Pierre-August Renoir, Georges Braque, etc. Dos razones han llevado a Beatriz González a trabajar con obras famosas de la historia de la pintura: su inhabilidad para componer y su admiración por las obras artísticas. La pintora confiesa tener una visión prejuiciada de la historia del arte. A toda hora, en todas partes, asocia experiencias visuales con cuadros famosos. A partir de un objeto cualquiera, a partir de la textura de una madera o de la forma de un mueble, surge la asociación estética. Así, por ejemplo, de unos toalleros en forma de concha surgió la imagen de la obra de Boticelli El nacimiento de Venus; de una lámina de madeflex estriado, un bodegón de Braque; de un peinador con espejo circular un tondo de Rafael. Otras veces, el procedimiento es a la inversa: a partir de un cuadro surge la idea del objeto donde debería estar su composición. Así surgieron los telones inspirados en Edouard Manet, Claude Monet y Paul Gauguin.

Como la artista trabaja sobre superficies de diversos materiales y texturas (láminas de metal, maderas varias, toallas, hules, cubrelechos, etc.) debe inventar constantemente nuevas facturas. Con óleos, esmaltes o acrílicos, Beatriz González no sólo domina cada una de las técnicas, sino que trabaja con una gama muy variada de colores. Desde sus óleos sobre lienzo de comienzos de su carrera, hasta los telones pintados en acrílico y el Guernica (1981), realizado en esmalte sintético sobre tablex, pasando por sus numerosos esmaltes sobre lata (muchos instalados en muebles como "marcos"), Beatriz González se ha dado el lujo de dominar los medios y procedimientos y, sobre todo, de transvasar con talento las pinturas en que se inspira. Porque si es cierto que Beatriz González copia la composición de las obras del pasado, no hay duda de que siempre inventa una nueva relación cromática y muchas veces también un nuevo procedimiento. Desde comienzos de los ochenta, su producción se ha centrado, siempre con el apoyo de las fotografías de prensa, en la realidad colombiana. Desde sus numerosos trabajos relacionados con la figura del presidente Julio César Turbay (dibujos al grafito, la serigrafía Decoración de interiores) hasta sus dramáticas versiones de la muerte del narcotraficante Gonzalo Rodríguez Gacha (Retratos mudos), pasando por Las Ibáñez, las viñetas de la tragedia (Un uxoricidio) y la comedia (Turbay condecorando a un personaje), los temas relacionados con los presidentes de la República (Plumario colombiano, Los papagayos, Sr. Presidente qué honor estar con Ud. en este momento histórico, alusivo a los acontecimientos relacionados con la toma del Palacio de Justicia en 1985), el ciclista Martín Emilio Rodríguez "Cochise", el ciclista Lucho Herrera y su apoteosis con el presidente Virgilio Barco, el futbolista René Higuita, los soldados vestidos en traje de campaña, los hombres asesinados etc., hay ahora un exclusivo y profundo interés por todo lo nacional, tanto desde el punto de vista histórico como desde el de la actualidad. Pero el cambio no es solamente temático, también es formal y de contenido. El manejo de los elementos formales (planos, colores, composiciones) es ahora más complejo y descarnado y la intención de decir, a través de aquellos elementos, cuán caótica y dramática es la situación, es más escueta y aladina. La artista no hace concesiones a nada, su tono se ha vuelto severo. Esto no significa que sus cuadros hayan perdido la calidad artística que los ha caracterizado: muy lejos de cualquier noción de belleza, sus representaciones siguen atrayendo por las convincentes relaciones de las formas y de éstas con sus contenidos. Como acertadamente lo ha señalado Luis Caballero, el color de sus cuadros sigue siendo refinado, aun en las armonías más absurdas, y la línea de sus dibujos sigue siendo acertada dentro de las torpezas más sofisticadas. Con ocasión del Quinto Centenario del descubrimiento de América en 1992, Beatriz González realizó una serie de serigrafías con el tema de un indígena en una barca. Aparte de sus pinturas y dibujos, González tiene una extensa producción de grabados [Ver tomo 6, Arte, pp. 130 y 131].



BEATRIZ GONÁLEZ

Bucaramanga, Colombia 1938


1959-62 Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de los Andes (Bogotá), donde obtuvo la maestría.


1990
EXPOSICIONES RECIENTES

Retrospectivas
Beatriz González una década

1980-1990 Museo de Arte Universidad Nacional, Bogotá, Colombia
Colectivas
XXXIII Salón Anual de Artistas Colombianos, Corferias, Bogotá, Colombia
Arrtistas Santandereanos en la década de 1960, Banco de la Republica y Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Colombia, Octubre

1991
Colectivas
Dibujantes Latinoamericanos de hoy, Museo de San Diego, California, Estados Unidos
Painting, Misión Permanente de Colombia Ante las Naciones Unidas, Nueva York, Estados Unidos
Reencuentro, Juan Antonio Roda, Beatriz González, Luis Caballero y Lorenzo Jaramillo, Galería Garcés Velásquez.

1992
Individuales
1/500 Galería Garcés Velásquez, Bogotá, Colombia


Colectivas

America, la novia del sol, Museo Real de Bellas Artes de Amberes, Bélgica
Ante América, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá, Colombia
XXXIV Salón Anual de Artistas Colombianos, Corferias, Bogotá, Colombia

1993
Colectivas

The Feeling of Space Colombian Sculpture I, Colombian Center, Nueva York, Estados Unidos.
Por Humor al Arte, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá, Colombia


1994
Retrospectivas

Beatriz González, restrospectiva,Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.
El Color de la Muerte, Sala de Arte Suramericana, Medellín, Colombia

Colectivas
XXXV Salón Anual de Artistas Colombianos, Corferias, Bogotá, Colombia

1995

Retrospectivas

El Color de la muerte, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia


Colectivas

Mujeres artistas en latinoamérica, itinerante por el Museo de Arte de Milwakee, Wisconsi, Estados Unidos, 3 de marzo/28 de mayo; el Museo de Arte de Phoenix, Arizona, Estados Unidos, 7 de junio/1 de octubre; el Museo de Arte y el Museo de las Américas, Denver, Colorado, Estados Unidos.
Bienal de Kwangju 1995 , Kwangju Corea, 20 de septiembre/20 noviembre
Arte, políitica, religión Artistas Contemporáneos Colombianos, Warwich Arts Center, Coventry, Inglaterra.
XI Muestra de Grabado Ciudad de Curitiba, Curitiba, Brasil, 21 de octubre 29/diciembre

1996
Retrospectivas

30 años en la obra gráfica de Beatriz González, itinerante por las sucursales del Banco de la República, Colombia

Colectivas

Mujeres Artistas en Latinoamérica, National Museum of Women in the Arts, Washington D.C. Estados Unidos.
Centro para las Artes, Miami, Estados Unidos
América Latina 96, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
Arte, política religión, Artistas Contemporáneos Colombianos, Barbican Centre, Londres, Inglaterra, Galería Teorema, Bruselas, Bélgica, Centro Cultural Melina Mercury, Atenas, Grecia, Universidad de Essex, Inglaterra.
Premios Nacionales Uniandinos, Galería Espacio Alterno, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Autorretrato Colombiano del Siglo XX, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia
1997
Individuales

Beatriz González, Las Delicias, Galería Garcés Velásquez, Bogotá, Colombia


Colectivas

Arco 97, Galería Garcés Velásquez, Madrid, España
Re aligning Vision , Alternative Currents in South American drawing, el Museo del Barrio, Nueva York, Estados Unidos, Arkansas Art Center , Little Rock, Arkansas Estados Unidos