¿Qué te inspiró a crear arte y convertirte en artista? (eventos, sentimientos, experiencias...)
Mi relación con el arte es netamente profesional; En mi caso, no fue la típica situación en la que tus padres te apuntaban a clases de dibujo y aprendías a dibujar, fue todo lo contrario; Mis padres vieron muy bien que yo siempre estaba dibujando y garabateando cosas en papel y fue entonces cuando quisieron fomentar esta vocación temprana.
¿Cuál es tu formación artística, las técnicas y temas con los que has experimentado hasta ahora?
Por último, siempre he dicho que a pintar se aprende pintando. Si tienes suerte, encontrarás algunos profesores que te califican y saben orientarte bien, respetando tus particularidades, pero no es nada fácil. Estudié con varios profesores, como la acuarelista Aurora Charló, que fue un referente para mí, sobre todo en el uso del color, y luego estudié en la Escuela de Artes de Zaragoza. En cuanto a técnicas y experimentación, cada día, con cada cuadro, siempre intento hacer algo nuevo, cosas que un ojo inexperto quizás no pueda ver, pero que siempre hacen que mis procesos sean muy divertidos y nada monótonos. Estoy haciendo exactamente lo mismo que Miquel Barceló cuando creó el gigantesco mural de arcilla para la catedral de Mallorca, España. Dijo que cada día jugaba haciendo una cosa totalmente diferente, por eso llegó a trabajar con arcilla de muchas maneras, incluso poniéndose guantes de boxeo y dando puñetazos.
¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas y hacen que tu trabajo sea único?
Creo que sólo hay un aspecto que me diferencia de otros artistas y hace que mi trabajo sea único; que soy yo quien lo hace, y lo hago de la manera más honesta posible. Como dijo Dalí: “Si Velázquez copia una fotografía lo mejor que puede, obtiene un Velázquez”. Y eso es porque su honestidad habla a través de su pintura.
¿De donde viene tu inspiración?
Porque mi arte y mi vida son absolutamente inseparables. La inspiración proviene de tu relación con la vida; En mi caso, los viajes que he realizado, todos los lugares donde he vivido, o las personas que he conocido en el camino, han guiado y transportado mi pintura de un lugar a otro. Austria me dio confianza en mí mismo y en mi obra, como decía Picasso al hablar de Barcelona: "Fue allí donde comprendí hasta dónde podía llegar", Nueva York me borró el miedo a resolver determinadas líneas, me dio espontaneidad, o Canarias Las islas, por nombrar sólo algunos lugares en los que viví, me dieron una luz y un amarillo diferente.
¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o sentimientos quieres evocar en el espectador?
Normalmente no me importa la sensación que tendrá un espectador al contemplar mi obra, para mí la relación con la pintura es mucho más personal, más íntima, me importan las sensaciones que genera en el proceso, y la satisfacción de saber cuándo terminar un trabajo; y que hay otro esperándome justo después. Es cierto que con series como "Iptics" o mi obra "Overdose" que presenté en la Bienal de Estructuras Personales de Venecia el año pasado, quiero generar una interacción con el espectador, haciéndolo partícipe del juego en el que debemos busca las formas que aparecen en los títulos de las obras, en pinturas aparentemente abstractas.
¿Cuál es el proceso de creación de tus obras? ¿Espontáneo o con un largo proceso preparatorio (técnica, inspiración en clásicos del arte u otros)?
Normalmente me enfrento al lienzo sin saber qué voy a hacer, el trabajo se va haciendo poco a poco. Últimamente hasta los colores me están diciendo de qué color quieren que sea el siguiente, es un proceso muy orgánico y divertido. Tengo obras, como las de mi serie “Crowds”, que son absolutamente espontáneas y otras en las que pienso en lo que voy a hacer. Cuando esto sucede, paso muchas horas delante del tablero, pensando.
¿Utilizas alguna técnica de trabajo en particular? En caso afirmativo, ¿puedes explicarlo?
Una técnica bastante particular que utilizo es el desenfoque, normalmente fondos; casi como lo hace una lente fotográfica, y de esta manera puedo acercar y alejar las cosas que me interesan en una toma u otra. Esta técnica la realizo usando los dedos, o un pincel muy suave, poniendo mucho énfasis en los bordes de un color con otro.
¿Hay algún aspecto innovador en tu trabajo? ¿Puedes decirnos cuáles?
Creo que no soy yo quien debería responder a esta pregunta, y también creo que hay que conocer muy bien mi trabajo desde el principio para poder entender estas pequeñas "innovaciones" que surgen con la evolución del trabajo. En mi relación con el cubismo (no centrado en la interpretación tradicional de un objeto desde distintos puntos de vista, sino desde un punto de vista exclusivamente formal y geométrico), en este contexto aparece en mi obra una aportación que consiste en acercar la pintura en perspectiva “formalmente”. cubista” mediante el desenfoque, es decir sin utilizar ninguno de los medios tradicionales en el campo de la perspectiva, simplemente haciendo ir y venir los diferentes planos pictóricos.
¿Tiene algún formato o medio con el que se sienta más cómodo? si es así por qué ?
Mi medio favorito es sin duda el óleo, porque ofrece una versatilidad que otras técnicas no te pueden ofrecer: digamos que es el más completo. Aunque me gusta jugar con muchas técnicas para aportar matices a mis obras, uso acrílicos en las bases, ceras y pasteles al óleo para dibujar en la pintura, como aprendí viendo "Rush hour" de Condo. En cuanto a formatos, me gustan mucho los formatos grandes, de más de 3 metros, aunque también me gusta la variedad, y generalmente me apoyo en obras de gran tamaño, con otras mucho más pequeñas, de apenas 50 x 65 cm.
¿Dónde produce sus obras? ¿En casa, en un taller compartido o en tu propio taller? Y en este espacio, ¿cómo organizas tu trabajo creativo?
Desde hace varios años vivo en un home studio en los últimos lugares del mundo donde viví, en Berlín, Londres, Canarias y ahora, Madrid. Necesito techos muy altos para poder realizar grandes trabajos. Entonces, para responder a tu pregunta, podrías decir que vivo en mi estudio. Trabajo todos los días (de hecho, mi día laboral favorito es el domingo), en un entorno creativo continuo y desconectado, muy exigente pero muy gratificante.
¿Tu trabajo te lleva a viajar, a conocer nuevos coleccionistas, a ferias o exposiciones? Si es así, ¿qué hay para ti?
Sí, en los últimos meses he viajado mucho, hice mi primera exposición individual en Corea del Sur (Seúl) y también expuse en el Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona. La experiencia de viajar a Seúl fue increíble, es una cultura totalmente diferente y conocerla me influyó mucho. De hecho, pinté nada más llegar mi obra “Corea”, y no descarto hacer otras fotografías entre las cientos que he tomado de arte tradicional coreano.
¿Cómo imaginas la evolución de tu trabajo y tu carrera como artista en el futuro?
Estoy en un muy buen momento de mi carrera, en muchos sentidos, pero sé que todavía me queda un largo camino por recorrer. Mi trabajo evolucionará, por supuesto, y veremos hacia dónde. Tengo muchas ideas en la cabeza y tengo que sacarlas poco a poco.
¿Cuál es la temática, estilo o técnica de su última producción artística?
Varío mucho de una obra a otra, en general se podría decir que tengo una línea de trabajo neofigurativa y abstracta, aunque no he abandonado por completo la figuración en mi abstracción. No trabajo en series "habituales", sino que creo obras a lo largo de los años, que se organizan, como diría Juan Uslé, en familias.
¿Puedes contarnos tu experiencia expositiva más importante?
Se me ocurren varias exposiciones, solo puedo elegir una: la Bienal de Estructuras Personales de Venecia en 2022, la creación de "Lampedusa" en el Museo Centro de Historias de Zaragoza en 2017, la retrospectiva que realicé en el Museo Orus En 2013, con más de 70 obras, también me entusiasmaron mucho mis exposiciones individuales en Nueva York, o la que mencioné anteriormente en Corea.
Si pudieras crear una obra famosa en la historia del arte, ¿cuál elegirías? ¿Y por qué?
Es muy difícil elegir una entre tantas maravillas que se han logrado; tal vez volvería a retomar “Rush Hour” de George Condo por lo que significó para mí verla por primera vez, todo lo que buscaba en la pintura de repente se materializó en esta obra: abstracción y figuración, pintura y dibujo juntos en el mismo lienzo y con una armonía que nunca antes había visto. También me hubiera gustado pintar "Recuerdo a mi querida Udnie" de Picabia, es una de las obras que más me impresionó en mi vida, la vi en mi primera visita al MoMA y quedé asombrada. .. incluso más que ver las magníficas “Les demoiselles d’avignon”.
Si pudieras invitar a cenar a cualquier artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo le sugeriría que pasara la noche?
Casi preferiría que la persona que cena delante de mí estuviera viva, por seguridad, pero omitiendo eso, y a estas alturas de mi vida, con 40 años, creo que me encantaría cenar con Picasso, pero un Picasso ya en su época madura. Me parece un artista único y estoy seguro de que también fue muy divertido. Me hubiera encantado estar en ese momento en el que Picasso iba a pagar todas las comidas de sus amigos con un dibujo, el camarero estaba encantado, por supuesto, y cuando le pidió que firmara el dibujo, respondió: "Quiero pagar la comida, no comprar el restaurante"
Olimpia Gaia Martinelli
