¿Qué te inspiró a crear arte y convertirte en artista? (Acontecimientos, emociones, experiencias…)
En cierto modo, mi destino de ser artista estaba predeterminado: nací en una familia de artistas. La única duda era qué camino creativo tomaría.
De joven, me atraía mucho el diseño de moda, pero terminé estudiando diseño gráfico y, posteriormente, ilustración de libros en la Academia de Artes de Kiev. Apliqué todos los conocimientos adquiridos allí durante mis más de 20 años trabajando como ilustradora y diseñadora publicitaria, llegando a ser directora creativa en varias agencias y, posteriormente, fundando la mía propia.
Lo que me hizo volver a la pintura fue mudarme de Europa a Estados Unidos. Este nuevo entorno, y la oportunidad de empezar de cero, reavivó mi pasión por la pintura y también me llevó a la fotografía. En Florida, descubrí la belleza de los paisajes naturales planos (playas, carreteras) y he estado explorando ese tema durante los últimos diez años.
¿Cuál es tu experiencia artística y con qué técnicas o temáticas has experimentado ya?
Hubo un período en el que me centré en la pintura simbólica: imágenes cargadas de emotividad que me perseguían y que tenían que salir a la superficie.
Actualmente, me muevo entre paisajes y abstracción, explorando tanto entornos naturales como urbanos.
¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas y hacen que tu trabajo sea único?
Creo que es la variedad de temas que exploro y mi constante experimentación con técnicas.
Cada obra o tema me exige inventar un método que transmita mejor la idea. Por eso mi práctica abarca una amplia gama de direcciones, pero siempre con un estilo reconocible.
¿De dónde viene tu inspiración?
De viajes, conversaciones, experiencias internas, visitas a exposiciones e historia del arte. Y a veces, es simplemente una coincidencia, algo fortuito que resuena en mí en el momento.
¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o emociones buscas evocar en el espectador?
Depende del tema de la obra, pero generalmente busco evocar calma y serenidad; a veces, ironía o una sensación de velocidad. Desde que vivo lejos de mi tierra natal, pintar se ha convertido en un refugio de la ansiedad que siento por mis seres queridos y mi país, especialmente durante los últimos diez años de guerra. En cierto modo, es una forma de arteterapia. Intento pintar lo que todos necesitamos tanto: confianza, paz, contemplación relajada y una sensación de quietud interior.
¿Cuál es tu proceso de creación de obras de arte? ¿Es espontáneo o sigues una larga fase preparatoria (planificación técnica, inspiración en el arte clásico, etc.)?
Disfruto de una especie de caos planificado en mi trabajo. Uso bocetos, referencias fotográficas y la computadora para explorar colores y composiciones. Pero luego, el propio proceso de pintura empieza a sugerir nuevos matices; es importante escucharlos y responder a ellos en la búsqueda de la honestidad. Una pintura exitosa debe irradiar verdad; solo así podrá ser verdaderamente amada y terminar colgada no solo en mi pared. :)
¿Utilizas alguna técnica específica en tu trabajo? Si es así, ¿podrías explicarla?
Prefiero trabajar sobre superficies rígidas, como paneles de madera o lienzos montados sobre un soporte duro. No me gustan las vibraciones del lienzo tensado sobre un bastidor tradicional, sobre todo porque suelo usar una espátula y varios tipos de raspadores para crear texturas naturales. Una de mis herramientas favoritas, por ejemplo, son las tarjetas de crédito o de hotel antiguas.
¿Hay algún aspecto innovador en tu trabajo? ¿Podrías contarnos cuáles son?
Busco lo abstracto dentro de lo real. Disfruto descubriendo fragmentos impactantes de la realidad para crear abstracción. Me gusta cuando el espectador, al principio, se intriga y, tras pasar un rato con la obra, sonríe al darse cuenta.
¿Tienes algún formato o medio preferido? Si es así, ¿por qué?
Me gustan mucho los formatos cuadrados medianos —de unos 90 a 100 cm— por su versatilidad y equilibrio. Este tamaño también me permite terminar una pieza con relativa rapidez, lo cual es importante para conservar la frescura de la impresión inicial. A veces incluso prefiero dejar una pintura ligeramente inacabada en lugar de sobrecargarla. En mi opinión, solo una de cada tres o cuatro obras resulta realmente exitosa, cuando la idea, la técnica y esa presencia elusiva, ese toque de magia (que a menudo ni siquiera depende de mí), se unen.
Actualmente, mis técnicas favoritas son el óleo y el acrílico. Cuando trabajaba como ilustradora, usaba principalmente acuarela y pastel.
¿Dónde creas tus obras? ¿En casa, en un estudio compartido o en tu propio estudio? ¿Y cómo organizas tu proceso creativo en ese espacio?
No me gusta perder el tiempo, así que siempre he intentado trabajar cerca de donde vivo. Ahora mismo, trabajo en mi propio estudio con mucha luz natural que entra por dos paredes. Trabajo mejor cuando puedo sumergirme en el proceso a solas, con música de fondo.
¿Tu trabajo te obliga a viajar para conocer nuevos coleccionistas, asistir a ferias de arte o exposiciones? De ser así, ¿qué te aporta esto?
Viajo mucho y visito aún más exposiciones y museos. Analizar las tendencias, tanto actuales como históricas, es uno de mis temas favoritos para reflexionar y hablar. Recientemente, con el auge de las ventas en línea, los coleccionistas suelen "visitar" virtualmente y, por supuesto, a veces vienen en persona al estudio.
¿Cómo visualizas la evolución de tu trabajo y carrera artística en el futuro?
Cada vez me interesan más los formatos complejos, desde dípticos hasta polípticos. También me inspira la idea de crear lienzos más monumentales y soluciones 3D. Creo que esto podría evolucionar hacia un nuevo tipo de escultura con color, sobre todo porque ya tengo experiencia con relieves de madera. Pero la vida va tan rápido que es difícil saber con certeza qué estaré haciendo dentro de unos años. ¡Mantengo mi puerta abierta, como dicen en Estados Unidos!
¿Cuál es el tema, estilo o técnica de tu obra de arte más reciente?
Estoy trabajando en varias series simultáneamente, lo que me permite cambiar de enfoque, analizar lo que ya se ha hecho y encontrar soluciones innovadoras para futuras obras. Uno de los temas recientes es una nube abstracta solitaria con una franja de color que la atraviesa, como una especie de fallo técnico o error visual. Creo que esta combinación funciona bien gracias al contraste de forma y color. Es uno de los enfoques que estoy explorando en mi búsqueda de un lenguaje pictórico contemporáneo, que también planeo utilizar en otras narrativas.
Cuéntanos cuál fue tu experiencia ferial más importante.
He participado en muchas exposiciones, pero creo que la más importante aún está por venir.
Si pudieras invitar a cenar a un artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo sugerirías pasar la velada juntos?
Hay varias personas a las que me encantaría invitar, pero si tuviera que elegir solo a una, probablemente sería Gerhard Richter. Estoy profundamente impresionado por su evolución artística y las tendencias pictóricas que ha abierto. Me interesaría mucho saber qué nuevas cosas quiere explorar en el futuro.
Olimpia Gaia Martinelli
