Tres innovaciones en bodegones fotográficos

BODEGÓN N°2 (2021) Fotografía de Séverine Maigre (AERIN m.).

1. Otro tipo de vanitas...

Una mesita iluminada por una luz tenue nos recuerda la inexorable precariedad de nuestras vidas, albergando en su superficie flores marchitas, calaveras y unos cuantos bienes de lujo que resultarán del todo inútiles una vez crucemos el umbral del ultratumba. Esta descripción podría yuxtaponerse con un elevado, y casi indefinido, número de vanitas, naturalezas muertas con elementos simbólicos alusivos al tema de la fugacidad de la vida, que pretenden servir como memento mori, es decir, una seria advertencia de la condición efímera de la existencia humana, al menos, en esta tierra. Tal vez, se pueda considerar una suerte de vanitas, reducida a sus mínimos términos y colocada en un contexto de retrato un tanto insólito, esa especie de "sello", decorado con una calavera y un hueso, que podemos admirar dispuesto en el cuadro de Frida Kahlo. frente, precisamente en su autorretrato de 1943, titulado Pensar en la muerte. Esta nueva interpretación del mencionado género, ahora integrado en la vista frontal de los rasgos del pintor, proviene de un período sumamente atormentado del artista, que puesto a prueba por numerosas enfermedades y complicaciones, se sentía condenado a muerte. En todo caso, en la antigua cultura mexicana, la muerte también significa renacer a una nueva vida, tanto así que la Frida de la citada obra maestra se rodeó de plantas florecientes, símbolos de la eternidad que la acompañarán en su próximo largo viaje. Volviendo, sin embargo, al concepto de pena capital, y abandonando la pintura por el medio fotográfico, las innovaciones de vanitas continúan en la contemporaneidad, a través de la obra de Mat Collishaw, artista británico especializado en el uso del vídeo y la fotografía, que ha creó Last Meal on Death Row, una serie de imágenes que representan la última comida elegida por siete condenados a muerte, que han sido recreadas en composiciones de bodegones que, sin hacer referencia a las típicas calaveras, ofrecen una nueva interpretación y puntos de vista sobre el mencionado género .

BEAUTYGONE 2 (2023) Fotografía de Edgar Garces.

BODEGÓN ETERNO... [ EXTRACCIÓN 2 ] (2020) Fotografía de Cédric Zuwala.

2. La explosión...

¡BOOOOM! Este sonido, que inmediatamente nos hace pensar en una explosión violenta, se asocia abrumadoramente con obras de artes figurativas, que representan escenas dramáticas y algo detalladas, o con obras maestras que retoman el tema a través del lenguaje más conciso de las tiras cómicas. Para ilustrar el primer ejemplo citado, me refiero a Explosión (1917) de George Grosz, que, al representar un paisaje urbano de casas destrozadas y en llamas, ventanas rotas, cubiertas semidesnudas, rostros sombríos y personajes abrazados, perseguía la intención de escenificando los horrores de la Primera Guerra Mundial. Los dramas de este último acontecimiento se interiorizan mediante el uso de múltiples perspectivas y colores intensos, que, al acentuar los sentimientos de inestabilidad y peligro, nos devuelven a una clara interpretación del enfoque futurista. Hablando en lugar del mundo de las historietas, es imposible no pensar en la conocida Explosión (1965-66) de Roy Lichtenstein, cuyo lenguaje pop, a partir de 1962, se dedicó a tomar prestadas imágenes de explosiones de las historietas bélicas para para "transportarlos" a sus pinturas más icónicas. Llegando al mundo más contemporáneo, el "fenómeno explosivo", a través de la intervención de Ori Gersht, fotógrafo de bellas artes israelí, ha aterrizado también, de manera impredecible, en el género de la naturaleza muerta, tal y como lo demuestra su serie de obras que , titulada Blow Up, retrata elaboradas composiciones florales, basadas en las pinturas de flores del siglo XIX, y en especial las de Henri Fantin-Latour, que son captadas por precisos planos, destinados a captar el momento en que estallan. Sin embargo, la explosión no es la única novedad que trae este tipo de bodegones, ya que sus secuelas transforman las flores, símbolo de la paz por excelencia, en una especie de corderos sacrificados: víctimas de un terror brutal, que, injustamente, con demasiada frecuencia arremete contra las formas de vida más delicadas, frágiles e inconscientes.

FOTOGRAFÍA JEANTURCO NÚMERO 1589 (2022) Fotografía de Jean Turco.

3. Nuevos materiales...

Por último, os remito a la imagen de uno de los bodegones florales más clásicos de la historia: Flores en un jarrón de madera de Jan Brueghel el Viejo, obra maestra de hacia 1606, destinada a fijar en la pintura un recipiente en el que multitud de recortes se colocaron las flores y se ordenaron por tamaño, de manera que en la parte inferior se colocan los ejemplares más pequeños y en la parte superior los más grandes. Aunque desde la época de los griegos se habían ideado las primeras flores artificiales, sabiamente tomadas de las costumbres orientales, generalmente los pintores del siglo XVII flamencos utilizaban plantas reales como modelos, en consecuencia me pregunto: ¿y si las modernas flores de plástico entraran en la naturaleza muerta más clásica? ¿género? Esta curiosidad nos la revela con creces Richard Kuiper, fotógrafo que, inspirado en el Siglo de Oro holandés y, en particular, en las colecciones de pintura de los ricos comerciantes de la época, encargó obras a maestros como Pieter Claesz, Floris van Dijck, Frans Snyders, Adriaen Coorte y Balthasar van der Ast, plasma bodegones de plástico, denunciando no solo los cambios de vestuario sino también la amplia difusión de este material nocivo para nuestro medio ambiente. Continúa el análisis de bodegones fotográficos, involucrando el trabajo de algunos de los artistas de Artmajeur, como The Imaginati, Ordo Abkao y Sofia Zelenskaya.

UN ZAPATO COMO BODEGÓN CON FRUTAS (2023) Fotografía por The Imaginati.

Los Imaginati: Un zapato como un bodegón con frutas

¿Qué tiene de innovador la fotografía de The Imaginati? ¡Para explicarlo, necesito a Miró! El maestro español realizó, precisamente en 1937 y durante su estancia en París, Bodegón con zapato viejo, en el que los objetos aislados, representados a no escala, encuentran un punto de referencia espacial en el reverso, borde irregular del plano sobre el que descansan , que se puede leer como una línea de horizonte aproximada. En cuanto al cromatismo, en cambio, el color de la obra se presenta un tanto ácido, muy saturado y disonante, con el propósito de captar, refiriéndose a las propias palabras del artista, una realidad profunda y fascinante. En realidad, sin embargo, tales matices apocalípticos surgen del contexto de la Guerra Civil española, acontecimiento que se sintetiza e interioriza en los fuertes sentimientos de angustia y miedo del artista, tanto que a menudo se compara el cuadro con el inquieto Guernica de Picasso. La obra de 1937 es uno de los tantos ejemplos de zapatos representados "pasivamente" dentro del género de la naturaleza muerta, mientras que en Un zapato como naturaleza muerta con frutas, en cambio, el citado objeto se distingue por su papel "activo", en que no sólo aparece por lo que es, sino que se convierte también en una especie de recipiente para frutas, utilizado del mismo modo que un cuenco más común. Quizás, el hecho de que el zapato esté algo desgastado, y probablemente poco utilizable para su función original, justifica la elección ecológica del artista de no deshacerse del viejo, para darle una nueva función vital. Finalmente, cito las propias declaraciones de The Imaginati de que la foto representa un medio temporal: "Un zapato como un bodegón con frutas es una creación artística original que combina una zapatilla moderna con frutas o verduras para crear una composición simbiótica, una alquimia entre el pasado y el presente. ."

PRINCESA (2018) Fotografía de Ordo Abkao.

Ordo Abkao: Princesa

Los restos de una princesa T-rex, o de cualquier otro espécimen de dinosaurio, aparecen como protagonistas únicos y frontales de la irónica fotografía de Abkao, capaces de atribuir los más altos títulos nobiliarios a un animal que murió incluso antes del nacimiento del hombre y, en consecuencia, de estos últimos "reconocimientos" sociales. Un humor "prehistórico" similar se encuentra, esta vez en la escultura, en Félix, un esqueleto creado para el MCA (Sydney) de Maurizio Cattelan, quien, inspirado por la popularidad del Tyrannosaurus rex expuesto en el Field Museum (Chicago), quiso reinterpretar su figura amenazante y gigantesca en una versión de un gato doméstico más amigable y "afable", persiguiendo la intención de desafiar la percepción del sujeto, cuestionando las nociones preestablecidas de artefacto y exhibición. En cuanto al nombre de la escultura, sin embargo, se inspiró en el conocido personaje de dibujos animados Felix the Cat, evocado para involucrar al público más joven en la narrativa museística contemporánea. Volviendo al artista en Artmajeur, sin embargo, su vanitas, respetando la semejanza más fiel del depredador, se desprende de una intención puramente perceptiva, demostrando, más bien, cómo el día de nuestra muerte todo título honorífico ganado en vida será del todo inútil. .

PRIMAVERA (2021) Fotografía de Sofia Zelenskaya.

Sofía Zelenskaya: Primavera

Sofia Zelenskaya es una fotógrafa rusa que se especializa en la representación de la figura femenina, tanto que sus trabajos, centrados principalmente en temas femeninos, a menudo investigados en versión desnuda, se caracterizan por una luz nueva y visionaria, casi revelando puntos de vista. aún desconocido para el ojo humano. De hecho, la fotografía Primavera yuxtapone, de una manera un tanto inédita, un primer plano femenino con un retrato floral, fusionando dos géneros en un relato, que parece narrar la afinidad entre la delicadeza de la mujer y la de una planta en particular, que se separa en dos fragmentos en la parte inferior del pómulo de la modelo. Un perfil "similar" de mujer aparece también en una conocida obra maestra de la historia del arte que, una vez más, situaba la presencia femenina al lado del género de la naturaleza muerta: me refiero a la Naturaleza muerta con una figura de Balthus (1940), una pintura al óleo dominada por una composición de naturalezas muertas dispuestas sobre una mesa, en la que, en el extremo derecho, está la presencia de una joven y enigmática figura femenina, bruscamente recortada en el borde derecho de la imagen de forma que sólo queda su cabeza, las manos y una manga de su vestido son visibles. Así, aunque la obra del maestro polaco no supone la "fusión" física de la mujer y la naturaleza, al igual que la del artista de Artmajeur, nos ofrece una estudiada perspectiva del cuerpo femenino, que sirve para mostrar y presentar , como una especie de ayuda de cámara, las peculiaridades de las flores, frutas, etc.