Top 10: pinturas de músicos

LADY GAGA (2022)Artes digitales por Sobalvarro.

Katy Perry, Beyoncé y Lady Gaga...

Mis diez mejores pinturas relacionan el arte y la música en la forma en que la primera de estas dos formas de expresión se acerca a la segunda, inmortalizando y concretizando su sonido intangible. De hecho, probablemente fue la pintura la que primero se acercó al mundo abstracto de las notas, primero a través de un realismo destinado a plasmar instrumentos musicales y músicos y, más tarde, desligándose del dato real más evidente, tal y como enseñaba el ejemplo de Kandinsky y Klee. a nosotros. El primero de estos dos maestros dio a sus obras nombres relacionados con la música, centrando su trabajo en los equilibrios y tensiones entre los colores, dando lugar a acordes de diferentes tonos, declarando explícitamente que la pintura podía desarrollar precisamente los poderes de la música. Sobre el segundo, sin embargo, él, también músico, se inspiró en las técnicas del sonido para dar forma desarrolladas a través de su investigación pictórica. Esta exaltación del papel de la pintura, entendida como medio de plasmar el arte efímero de la música por excelencia, no debe, sin embargo, perder de vista cómo el sonido, a su vez, inspira también el lenguaje del pincel, a través de los más abstractos. formas de su vocabulario, algo que se puede ver, por ejemplo, en la actividad de James McNeill Whistler, pintor que tituló muchas de sus obras con términos musicales. Además de esto último, el artista PJ Crook también se fijó en la música, diseñando una serie de portadas de álbumes inolvidables que combinaban perfectamente con las notas extravagantes y exploratorias de la banda King Crimson.

KATY PERRY (2021) Pintura de Iryna Kastsova.

BEYONCÉ, CUADRO ORIGINAL, HERMOSA CANTANTE DE CELEBRACIÓN (2023)Cuadro de Marina Fedorova.

Cambiando, además de continuar, ese discurso hacia el presente más cercano, después de ver las obras de arte de Artmajeur que representan a Lady Gaga, Beyonce y Katy Perry, muy parecidas a las ejecutadas por Iryna Kastsova, Marina Fedorova y Sobalvarro, se me ocurrió cómo estos tres cantantes han a veces en realidad se movió del mundo de la música al mundo de las artes visuales. De hecho, la primera estrella colaboró con Jeff Koons, se embarcó en el "método Abramovic" al recrear las actuaciones pasadas del icónico artista y ha sido retratada por el artista y fotógrafo Robert Wilson como una de las figuras más famosas de la colección del Louvre. En cuanto a Beyonce, por otro lado, la cantante es conocida por mezclar magistralmente referencias histórico-artísticas en sus videos, revistas y portadas de discos, en un look diseñado para realzar su imagen como una diosa asertiva. Esta forma de hibridación entre las artes proviene del contexto familiar en el que creció la artista, donde su madre la animó a reflexionar sobre sí misma mediante el uso de imágenes positivas, nobles y fuertes de la iconografía africana, afroamericana y, en general, femenina. . Terminando con Kety, tiene la distinción de haber colaborado con el pintor Will Cotton para diseñar el video California Gurls y con el escultor Urs Fischer, artista suizo a quien involucró en la promoción de su álbum Witness, animándolo a crear una escultura de plastilina refractando a Perry. sí misma. Finalmente, después de dar a conocer incluso las referencias al arte menos populares del mundo de la música, vuelvo a mi top 10, cuyo objetivo es ilustrar cómo los pintores más populares de todos los tiempos han plasmado músicos, partituras e instrumentos musicales.

Top 10: pinturas de músicos

Édouard Manet, El pífano , 1866. Óleo sobre lienzo, 160×98 cm. Museo d'Orsay, París.

10. El pífano (1866) de Édouard Manet

Sobre un fondo neutro y vacío, en el que el suelo es casi indistinguible de la parte superior del soporte, representando, quizás, la pared de un interior, se sitúa la figura de un joven gaitero, que por su vestimenta se infiere estar destinado en la Guardia Imperial, peculiaridad que hace pensar que tal modelo fue procurado para el artista por el comandante Lejsne, aunque algunos críticos han abrigado la hipótesis de que se trata de Léon-Édouard Koëlla, el presunto hijo de Manet y Suzanne Leenhoff . A pesar de estos parlanchines supuestos identificativos, lo realmente importante es la forma en que se trata el tema mencionado, encaminado a hacer explícita la intención del maestro francés de trascender los cánones de la pintura de figuras mediante la elaboración de un lenguaje simplificado, que, al tiempo, fue percibido como un tanto provocativo en su modo de representar formas, dado por la yuxtaposición de fondos bidimensionales. Finalmente, volviendo a la efigie, es importante, más que su identidad, destacar cómo se trata de una figura de clara inspiración hispánica, país al que Manet también empezó a buscar inspiración a partir de las obras que alberga el Museo del Prado de Madrid, lugar donde admiró especialmente la obra de Velázquez, quedando particularmente impresionado por la obra maestra titulada Pablo de Valladolid.

Edgar Degas, La Orquesta de la Ópera , 1868. Óleo sobre lienzo, 56,5×46 cm. Museo d'Orsay, París.

9. La Orquesta de la Ópera (1868) de Edgar Degas

El corte en perspectiva de la obra maestra en cuestión, destinado a "decapitar" la parte superior del cuerpo de los bailarines, retratados para hacernos entender dónde estamos, mientras centramos la atención en el tema de la orquesta, parece haber sido tomado de el recién nacido arte fotográfico, técnica que Degas utilizó como fuente de inspiración para muchas de sus pinturas, experimentando también con una relación familiar y extemporánea. Volviendo a la obra maestra en cuestión, L'orchestre de l'Operà retrata principalmente a algunos de los músicos del célebre teatro parisino, colocando en el centro el retrato de un oboe, que se encuentra rodeado de otros instrumentistas, a los que se observa, en un casi inquietante, por una figura solitaria en el fondo, retratada dentro de un escenario lateral. Es importante señalar que el enfoque del tema antes descrito era algo novedoso y poco convencional para la época, ya que en las pinturas de la misma época el tema investigado era generalmente el del escenario, mientras que de hecho hay pocas representaciones. de la orquesta, que se encuentra en la obra de Doré y Daumier. Además, no sabemos si la elección de tal tema estuvo favorecida por el hecho de que los citados músicos fueran en realidad conocidos de Degas, tanto que entre ellos se encuentran el compositor Emmanuel Chabrier y la oboísta Désiré Dihau, que vivían justo al lado de la taller del pintor una vez que regresó de Italia.

8. Hombre con violín de George Braque

Una visión un tanto confusa de las formas, dentro de la cual sólo aparecen con claridad los claroscuros, destinada a originar, como necesariamente deja claro el título, la figura de un hombre con violín, un tema representado a través de la óptica cubista más típica de Braque, capaz de convertir efigies a través de la yuxtaposición de formas descompuestas, que en este caso toman la apariencia de un instrumento musical de cuerda, cuya presencia es intuible en la parte inferior iluminada del soporte. Seguramente la intención de este peculiar punto de vista sobre la realidad es ir más allá del diseño geométrico más tradicional de la imagen, favoreciendo una descripción de las formas que va más allá de la mera observación, estimulando al espectador a imaginar cosas nunca antes percibidas. Esta concepción del arte acepta un componente de abstracción, cuyo principal interés se concreta en la descomposición figurativa, encaminada a convertirse en un enunciado preciso del ideal estético, en el que el hombre y el violín son identificables muy difícilmente y, ciertamente, por medio de pocos detalles. capaz de guiar el desciframiento de las formas.

7. Lección de piano (1916) de Herni Matisse

A diferencia de la mayoría de las obras maestras de la historia del arte, diseñadas para revelar la relación entre el hombre y la música a través de la representación más popular del movimiento sinuoso en sucesión de las manos de las efigies, convirtiendo sus "caricias" en un instrumento musical específico, la obra de Matisse obra maestra esconde, detrás de una partitura, esta visión recurrente del encuentro táctil. Me refiero a Lección de piano, un cuadro de 1916 del maestro francés, en el que se plasma el acontecimiento señalado por el propio título, que, teniendo lugar en el salón de la casa del pintor en Issy-les-Moulineaux, capta la imagen más joven del artista. hijo, a saber, Pierre, mientras se afana en practicar con el mencionado instrumento, rodeado de la escultura realizada por su padre, titulada Figura decorativa (1908) y situada en la parte inferior izquierda del soporte, y el cuadro del mismo autor, que representa una mujer en un taburete. Todo está narrado a través de rasgos estilísticos naturalistas que son progresivamente abandonados, desprovistos de detalles y enriquecidos con amplios fondos de color "abstracto", con el propósito de evocar ese preciso instante, en el que la luz se revela repentinamente en un interior, tomando forma en el triángulo verde situado junto a la puerta-ventana, así como en la misma figura geométrica que aparece en el rostro del joven protagonista de la obra.

Amedeo Modigliani, El violonchelista , 1909. Óleo sobre lienzo, 73,5×59,5 cm. Colección privada.

6. El violonchelista (1909) de Amedeo Modigliani

Antes de analizar El violonchelista, conviene dejar claras algunas claves de la investigación figurativa, en cuanto al género del retrato, llevada a cabo por el maestro italiano en cuestión, un típico pintor drogadicto y alcohólico maldito, que entendió la sujeto humano como posibilidad concreta de entrelazar intercambios relacionales, destinados a dar voz a un talento intrusivo dispuesto a captar los aspectos más íntimos de la efigie, revelándolos en una especie de espejo interior. Por eso, en la mayoría de los casos, el artista captura a sus sujetos de frente, resaltando sus facciones y sus ojos muchas veces ciegos. En el caso de El violonchelista, sin embargo, la esquiva perspectiva con la que se capta el rostro del protagonista nos priva de una cuidadosa exteriorización de su interioridad, que queda plasmada, más bien, en la íntima relación que tiene con su instrumento. Además, El violonchelista es también una de las pocas obras maestras de Amedeo en las que el sujeto queda atrapado en otra cosa, ya que está extremadamente concentrado en la ejecución de una acción, en lugar de ser un modelo estático a la espera de ser retratado.

Marc Chagall, El violinista , 1913. Pintura,   188 × 158 cm. Museo Stedelijk en Ámsterdam, Países Bajos.

5. El violinista (1913) de Marc Chagall

El "retrato musical" de March Chagall va más allá de la mera representación de un personaje culto en su empeño por tocar música, ya que supone también una clara evocación del acervo cultural de la patria del pintor, que se recuerda con nostalgia, tanto por la semejanza del mencionado ejecutante y el pueblo rústico en el que trabaja para ejercer. A lo anterior se suman también las creencias religiosas de Chagall, que, refiriéndose a la figura del Jabad Hasidim, reconocen la música y la danza como medios para alcanzar la comunión con Dios, tanto que el propio violinista era considerado una presencia necesaria dentro de las ceremonias. y festivales Aunque el cuadro en cuestión refleja la proximidad de su creador a su país natal, fue terminado en 1913, es decir, cuando el pintor se encontraba en Francia, lugar donde también asimiló algunos de los rasgos estilísticos cubistas, para dar vida a la la citada representación, que, ambientada precisamente en Vitebsk, resume en un solo personaje esa batalla existente en el interior de todo individuo medio, con el fin de contrastar el paso de las diferentes etapas de la vida.

4. Música I (1895) Gustav Klimt

Con Klimt conocemos un tipo de representación de la música que, hasta este momento en el top 10, ha estado algo descuidada, es la alegórica, representada a través de la representación de dos sujetos principales: una mujer que sostiene una lira y su contrapartida, representada en forma de esfinge pintada en el lado derecho del soporte, destinada a representar a esa criatura mitológica egipcia que, mitad mujer y mitad león, es capaz de unir en sí misma la polaridad de los mundos animal y espiritual, así como las del instinto y la razón. En cuanto a la lira, en cambio, ella, objeto de otras dos obras del artista, como una tabla publicada en Ver Sacrum en 1901 y una escena del Friso de Beethoven, fue creada como síntesis de las teorías de Schopenhauer. , Nietzsche y Richard Wagner, tuvo como objetivo identificar la música como el arte superior, ya que es capaz, independientemente de las palabras y las imágenes, de transmitir conocimiento al hombre. Toda esta compleja narrativa se traslada al espectador a través de precisos artificios estilísticos, que concurren en mezclar figuración y ornamentación, así como bidimensionalidad y relieve, convirtiéndose en claros manifiestos del estilo juvenil del artista, indisolublemente marcado por el Art Nouveau.

Jan Vermeer, La lección de música , 1662. Óleo sobre lienzo, 74,6 cm × 64,1 cm. Galería de la Reina, Londres.

3. La lección de música (1662) de Jan Vermeer

Antes de analizar la obra maestra fechada en 1662, conviene explicar cómo la música es un tema un tanto recurrente en la obra de Vermeer, pintor que interpretó este tema, uno de los más icónicos de la pintura holandesa del Siglo de Oro, en no menos de doce de los treinta -Seis obras de arte de su mano actualmente conocidas. Esta elección figurativa podría estar ligada al hecho de que las obras de temática musical tuvieron bastante éxito entre los clientes del artista, quienes, miembros de la alta sociedad, sin duda tenían formación musical. El tipo de pinturas en cuestión también era bien conocido y buscado porque a menudo contenían referencias traviesas, así como cautivadoras, a la intriga romántica, diseñadas para aumentar el interés que se tenía en tales representaciones. Lo que acaba de comprobarse también se reflejaría en La lección de música (1662), obra maestra en la que el espejo revela cómo, en realidad, la doncella está más interesada en observar al caballero que tiene a su lado que al piano. Reforzando estas suposiciones estaría también el lema latino que aparece en el virginal: “la música es compañera de la alegría y bálsamo de las penas”, destinado a aludir, tanto a los poderes calmantes de la música como a las vicisitudes sentimentales.

Pablo Picasso, El viejo guitarrista , 1903. Óleo sobre tabla, 122,9 cm × 82,6 cm. Instituto de Arte de Chicago.

2. El viejo guitarrista (1903) de Pablo Picasso

Es imposible hablar del Viejo guitarrista ciego sin hacer referencia al período azul al que pertenece la propia obra maestra, que se remonta a un lapso de tres años, de 1901 a 1904, y que se dedica a exteriorizar, a través del arte, un profundo dolor que se apoderó del artista, marcado de forma indeleble por la muerte de su amigo Carlos Casagemas, pintor que se suicidó por su amor no correspondido a la modelo y bailarina francesa Germaine Pichot, protagonista de muchos de los lienzos de Picasso. Al nefasto hecho anterior se suman las dificultades económicas de Pablo, quien encuentra en el color azul un medio para expiar su tristeza, plasmada principalmente en la representación de sujetos marginados, inquietos y dramáticos. El Viejo Guitarrista Ciego encaja bien en lo que acabamos de describir, presentando él mismo una expresión de inequívoco drama y sufrimiento, que es contrarrestado por su guitarra: un instrumento musical que representa la vida y la salvación, pues el arte, per se, se entiende siempre como un medios para superar la adversidad y ver visible, de nuevo, la belleza del mundo.

Caravaggio, Los músicos , 1597. Óleo sobre lienzo, 87,9×115,9 cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

1. Los músicos (1597) de Caravaggio

El óleo sobre lienzo del maestro italiano concreta sobre el soporte pictórico la visión de una alegoría pagana, que pretende plasmarse en los retratos de tres jóvenes músicos ataviados a la antigua, que encuentran su lugar en un entorno reducido. Lo descrito parece difícil de interpretar en clave erótica, aunque esto sería posible, ya que la presencia de la figura del cupido alado, que se afana en arrancar un racimo de uvas, parecería indicar un reencuentro de carácter íntimo. , destinado a estallar en una pasión amorosa, propia de la ambigüedad de las primeras obras de Caravaggio. El erotismo en cuestión cobra vida en los cuerpos de jóvenes idealizados, con rostros más bien delicados y refinados, en los que sólo el personaje que toca la corneta, dispuesto en el centro, parecería adscrito al género del retrato, y precisamente del autorretrato, tanto que podría representar al propio Caravaggio joven, dada la afinidad que éste presenta con otras pinturas contemporáneas, en las que el pintor había plasmado sus propios rasgos. En cuanto a la indumentaria, en cambio, no es de extrañar que el maestro hiciera referencia a la antigüedad, ya que en la época los jóvenes músicos vestían a la usanza clásica, es decir, como Eros, Baco o cantores angélicos, así como podría haber sido el caso durante las actuaciones amadas por el mayor mecenas del pintor: el cardenal del Monte. Finalmente, dentro de la gran tradición histórico-artística italiana, cabe destacar cómo pintores de la talla de Giorgione y Tiziano solían disponer temas musicales en escenarios al aire libre, pastoriles y alegóricos, mientras que Caravaggio trasladaba el tema a un interior, reuniendo de forma innovadora retratos capturados de las representaciones naturales y alegóricas.