Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Óleo sobre lienzo, 100×128 cm. Museo de Arte de Berna.
Nociones básicas del arte abstracto
Sólo para proporcionarle al lector un "cuándo" y un "dónde": el abstraccionismo, un movimiento artístico de vanguardia, nació a principios del siglo XX en Alemania, extendiéndose a varias regiones del país bastante distantes entre sí, donde adquirió diferentes variaciones visuales y conceptuales. En esencia, el arte abstracto se refiere a toda producción artística cuyo núcleo gira en torno a la creación de obras que exploran realidades liberadas de tradiciones artísticas previas, donde los colores y las formas se convierten en el nuevo foco de una narrativa, lista para expresar las emociones, ideas y experiencias del artista. . Es importante precisar que existen dos formas de ser abstracto: parcial y completo. En el primer caso, nos referimos a obras que todavía presentan temas identificables, pero que han sido simplificados, distorsionados, representados de manera poco realista o eliminados de su contexto habitual. En cuanto a la abstracción completa, por otro lado, se refiere a creaciones que trascienden la representación de contextos, buscando inspirarse en la realidad visual actual. En ambos casos, el objetivo es cuestionar el propósito y el significado del arte, liberándolo potencialmente de su relación con el mundo circundante, ampliando los límites de lo que podría entenderse como producción artística. En consecuencia, esto desafía los cánones estéticos más tradicionales para tomar el arte de la mano y conducirlo hacia modalidades más abiertas y experimentales. Estos son particularmente efectivos cuando uno desea expresar principios e ideologías filosóficas, ideas que a veces son demasiado complejas y esquivas para limitarlas a temas figurativos. El espectador también está incluido en este "juego", y su papel cobra nueva importancia: el de interpretar lo que ve, tanto a su manera como comparándolo con la perspectiva del artista. Ahora que hemos aclarado brevemente el contexto histórico y artístico en el que nos movemos, podemos comenzar con nuestro top 10, que, en orden cronológico de fecha de las pinturas mostradas, puede considerarse una continuación de la narrativa antes mencionada, capaz de presentando las diversas evoluciones del movimiento en cuestión.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, Sin título (Primera acuarela abstracta), 1910. 49,6x64,8cm. Centro Georges Pompidou, París.
10 mejores
1.Wassily Kandinsky, Sin título (Primera acuarela abstracta) (1910)
¿Por qué empezar con Kandinsky? Elegí colocar Sin título en el número uno de mi lista porque los críticos lo consideran el comienzo del arte abstracto. En esta acuarela, el pintor ruso eliminó cualquier referencia al mundo visible, creando una síntesis entre música y pintura para generar imágenes completamente nuevas que aluden a emociones y estados de ánimo. Esto se logra a través de colores, líneas, puntos y manchas cuidadosamente elegidos, organizados de manera extremadamente armoniosa. Vale la pena señalar que antes de Kandinsky, el cubismo y el impresionismo habían traspasado los límites de la comprensión visual, como se ve en las obras de Braque, Picasso o los últimos nenúfares de Monet. Sin embargo, dentro de sus obras aún persistía alguna referencia al mundo visual real, mientras que en Sin título, Kandinsky decidió deliberadamente eliminar todas las referencias a la realidad tangible, pintando sólo líneas, manchas y marcas destinadas a representarse a sí mismos. En la acuarela predominan manchas marrones, amarillas y anaranjadas, algunas más densas que otras, que forman un grupo que recuerda a las constelaciones. El ritmo de estos elementos, combinado con el uso armonioso de los colores y la relación entre las marcas, da una sensación de composición.
Joan Miró, El cazador (Paisaje catalán), julio de 1923-invierno de 1924. Óleo sobre lienzo, 64,8 x 100,3 cm. Mamá, Nueva York. @ssteph888
2.Joan Miró, El cazador (Paisaje catalán) (1923-24)
La segunda posición de mi ranking, por orden cronológico de ejecución, es para Joan Miró con su cuadro El cazador (Paisaje catalán). Esta obra de arte ejemplifica el concepto antes mencionado de arte abstracto parcial. Puedo afirmarlo con seguridad porque tras una cuidadosa observación, la obra maestra revela la representación de un paisaje distintivo con figuras humanas y animales, aludiendo a un período específico de la vida del artista cuando vivía en la finca de su familia en Montroig (Cataluña). ¿Por qué llevar al espectador a este lugar de España? Efectivamente, el cuadro podría hablar de la tierra natal del maestro, con el objetivo de resaltar una cierta inclinación hacia el nacionalismo catalán, evidente en la alusión a la danza tradicional de la región, expresada explícitamente por la palabra "sard", junto con la presencia de la bandera catalana, así como como las banderas española y francesa. Dejando de lado tales interpretaciones, lo cierto de la obra es que representa al propio artista, retratado, como en otros casos, bajo la apariencia de un cazador. Me refiero a la figura estilizada de cabeza triangular, situada en el lado izquierdo del lienzo, que sostiene un conejo recién sacrificado y un rifle aún humeante. Sin embargo, todo lo descrito también puede interpretarse dentro del ámbito de lo onírico, ya que la obra maestra surrealista es producto del automatismo, el uso del subconsciente, propicio para representar nuevas formas e interpretaciones de la realidad.
Piet Mondrian, Composición con rojo, amarillo y azul, 1930. Óleo sobre lienzo, 45 cm × 45 cm. Kunsthaus Zúrich
3.Piet Mondrian, Composición con rojo, amarillo y azul (1930)
Volvamos a la abstracción total con Piet Mondrian y su famosa Composición con rojo, amarillo y azul, obra creada en el período de entreguerras, durante el apogeo de la carrera del artista. Dadas las circunstancias, se sintió más sereno y capaz de dedicarse a sus investigaciones artísticas, encaminadas al objetivo de la síntesis neoplástica. Me refiero al proceso de simplificación formal, encaminado a lograr un deseo específico de purificación espiritual sentido por el pintor, quien, influido también por los estudios teosóficos, abandonó progresivamente la figuración. Esto se materializa en la obra antes mencionada, caracterizada por la presencia de gruesas líneas negras que se cruzan para crear campos rectangulares y cuadrados, algunos de los cuales están coloreados en rojo, amarillo y azul. La elección de los colores primarios pretende reproducir el equilibrio formal y cromático, reflejando la búsqueda espiritual del artista, guiado por el equilibrio universal. En este caso, el equilibrio se encuentra en ausencia de un centro geométrico compositivo, lo que implica que la obra maestra podría potencialmente extenderse más allá del lienzo pintado.
Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Óleo sobre lienzo, 100×128 cm. Museo de Arte de Berna.
4.Paul Klee, Ad Parnassum (1932)
Nos encontramos ante otro ejemplo de abstracción parcial: Ad Parnassum, una obra maestra sobre lienzo que Klee creó inspirándose en su estancia en Italia seis años antes. Durante esa época, quedó impresionado por los mosaicos de Rávena, que reinterpretó utilizando una nueva técnica neodivisionista. Esta técnica se caracteriza por pinceladas puntillistas distintivas, que crean una textura cromática densa donde los colores emiten una luz única y brillante que recuerda al arte paleocristiano. En cuanto a la paleta de colores, predominan los tonos azul verdoso y amarillo anaranjado, que aportan dinamismo a toda la composición. El brillo uniforme se rompe por la presencia de líneas que forman la silueta de un cerro piramidal, acompañada de un sol alto en el cielo. Finalmente, concluimos esta descripción con las esclarecedoras palabras del artista: "El tema era el mundo, aunque no este mundo visible". A pesar de estas palabras, lo que observamos no pierde por completo el contacto con la realidad que conocemos; en cambio, lo recuerda en forma de recuerdos y fragmentos, transmitidos a través de una compleja armonía de colores que revelan las melodías musicales que el maestro, un hábil violinista, conocía bien.
A la izquierda: Ben Nicholson OM, 1934 (relieve), 1934. Pintura al óleo sobre caoba, 718 × 965 × 32 mm. Tate. @ jay.parmar
5.Ben Nicholson OM, 1934 (relieve), 1934
Para comprender la obra maestra de Nicholson, debemos considerar el contexto histórico en el que el artista desarrolló su perspectiva sobre el arte. Durante el turbulento período de entreguerras, cuando los artistas recurrieron a la abstracción en busca de la inocencia y la pureza perdidas en la humanidad, Nicholson comenzó a experimentar con diferentes formas de representar el espacio. Persiguió estos objetivos mediante la creación de obras en relieve, donde áreas de diferentes profundidades definían el espacio, a veces coloreadas sólo en blanco o gris, en los tonos de la pureza. Un ejemplo por excelencia de esta pintura monocromática y de múltiples capas es 1934 (relief), una obra maestra que se inspira en la influencia de Mondrian, al igual que Miró y Calder. Para crear esta obra, Nicholson talló un círculo y un cuadrado en un panel de madera, en alusión a la idea de ausencia y presencia importante en tiempos de conflicto. El uso de formas geométricas, capas dimensionales y una paleta monocromática contribuyen a la eliminación de las emociones.
A la derecha: Mark Rothko, Centro blanco (amarillo, rosa y lavanda sobre rosa), 1950. 205,8 cm × 141 cm. La familia real de Qatar.
6.Mark Rothko, White Center (Amarillo, rosa y lavanda sobre rosa) (1950)
En 1950, Rothko comenzó a dividir el lienzo en bandas horizontales de color, y durante este año se creó el Centro Blanco (amarillo, rosa y lavanda sobre rosa). La obra maestra presenta una composición frontal donde grandes bandas de color parecen flotar y fusionarse con el campo de color en el que se colocan. En esencia, White Center es parte del distintivo estilo multiforme de Rothko, en el que diferentes bloques de colores complementarios se superponen en un gran lienzo. Al describirlo con la adición de color, el trabajo comienza con un rectángulo horizontal amarillo, continúa con una franja horizontal negra, una banda rectangular blanca, culminando en la mitad inferior en tonos lavanda. La luminosidad de toda la pieza se logra mediante repetidas capas de finos velos de pintura, de los cuales emerge algo de pintura base en las capas superiores. Lo analizado podría aplicarse, ciertamente con variaciones, a gran parte de la obra del artista durante este período. Pretendía buscar sutiles variaciones de proporción y color, sugiriendo múltiples emociones y atmósferas con el objetivo de envolver al espectador.
Jackson Pollock, Convergencia, 1952. Óleo sobre lienzo, 237 cm × 390 cm. Museo de Arte Buffalo AKG, Buffalo. @Jackson_pollock
7.Jackson Pollock, Convergencia (1952)
El lienzo está cubierto de marcas enredadas, y la presencia de líneas circulares negras aparece uniforme en todo el soporte, mientras que en otras partes se ven rastros de rojo, amarillo, azul y blanco. Me refiero a la obra de arte que ocupa la séptima posición, Convergence, inicialmente juzgada por los críticos como poco impresionante pero que luego se hizo muy conocida. El escepticismo inicial de los historiadores del arte probablemente se debió a que la obra, inicialmente en blanco y negro, representó una reconsideración por parte del artista, quien luego añadió colores adicionales. La redención de Convergencia no sólo se produjo a través de reevaluaciones posteriores sino también a través del reconocimiento de Harold Rosenberg, un crítico de arte que la identificó como el máximo ejemplo de expresionismo abstracto y pintura de acción. Con estos términos me refiero simplemente a la práctica artística desarrollada por el pintor, donde dejaba fluir libremente sus gestos más instintivos durante la creación de sus obras, traduciéndolas en lienzos con inconfundible energía.
Helen Frankenthaler, Montañas y mar, 1952. Óleo y carboncillo sobre lienzo, 220 cm × 297,8 cm. Galería Nacional de Arte, Washington, DC @ helenfrankenthalerfoundation
8.Helen Frankenthaler, Montañas y mar (1952)
Hablemos de técnica: Montañas y mar se creó colocando el lienzo en bruto y sin imprimación en el suelo y vertiendo pintura a base de aceite y trementina sobre él. Me refiero a la práctica pictórica personal de Frankenthaler, conocida como tinción, que utilizó por primera vez en este caso particular. El resultado son campos de color transparente que parecen flotar pero que en realidad están anclados en la textura del lienzo, proporcionando planitud y estabilidad. En este contexto, los colores no están colocados al azar sino que sirven para evocar un entorno natural, cada vez único y diferente. Al igual que Convergencia, Montañas y Mar, la primera obra expuesta profesionalmente por Frankenthaler, fue inicialmente criticada pero luego comprendida, hasta el punto de que The New York Times le dedicó esta delicada y festiva descripción: "Montañas y Mar" es "una obra ligera y evocación diáfana de cerros, rocas y agua."
Robert Motherwell: Elegía a la República Española n.º 57, 1957-1961. Carboncillo y óleo sobre lienzo, 213,36 cm × 277,18 cm. Colección SFMOMA.
9.Robert Motherwell: Elegía a la República Española No. 110 (1971)
La obra maestra en cuestión, como sugiere en parte su título, surge de los recuerdos que la Guerra Civil española dejó impresos en la mente del pintor cuando sólo tenía veintiún años. El impacto de este desastroso acontecimiento fue tal que Motherwell volvió a abordar el tema no sólo en Elegía a la República Española nº 110 sino en una serie de más de 200 pinturas dedicadas a este tema. De la misma manera, podemos recordar el famoso Guernica de Picasso, fechado en 1937, que vuelve a hacer referencia al episodio de la Guerra Civil Española. En el caso del autor de Elegía a la República Española nº 110, sin embargo, el conflicto en cuestión se convierte en una forma de aludir a todas las formas de injusticia, hasta el punto de que concibió la citada serie como una conmemoración del sufrimiento humano, una sentimiento expresado en forma de símbolos abstractos y poéticos que contrastan la muerte y la vida. Este enfoque del expresionismo abstracto hereda algunos elementos del lenguaje del simbolismo francés, particularmente el de Stéphane Mallarmé, un poeta que defendía representar el efecto emocional producido por eventos o ideas en lugar de los eventos o ideas en sí. Finalmente, la oposición antes mencionada entre la vida y la muerte se plasma concretamente en el lienzo a través de la yuxtaposición del blanco y negro, así como el contraste entre formas ovaladas y rectangulares.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, firmado, fechado en 1987, numerado 636. @theartbystander
10.Gerhard Richter, Abstraktes Bild (809-1) (1994)
La obra maestra de Richter, conocida por ser una de las pinturas más caras entre sus diez mejores, forma parte de una serie de cuatro obras y es el resultado de un proceso creativo complicado, repetitivo y probablemente tedioso, del que el propio lienzo es testigo, como muestra signos de interrupciones temporales en la obra. Sin embargo, una vez terminado, Abstraktes Bild tomó la forma de rayas y manchas de pintura que fueron arrastradas hasta el borde del lienzo con una espátula y enriquecidas con la adición de otros colores aplicados de manera similar. De hecho, el proceso de aplicación de la pintura, rápido, aleatorio y repetitivo, implica capas de color que se suceden hasta que el artista considera que la pintura está completa. Esto suscita una reflexión sobre cómo, a través de la superposición de diferentes capas, los métodos de creación de la obra sólo son reconocibles superficialmente porque, de hecho, están ocultos en los niveles subyacentes. Sin embargo, podemos describir Abstraktes Bild de la siguiente manera: una superficie de líneas verticales y horizontales ricas en color, destinada por el artista a transmitir calma y armonía al espectador.
Olimpia Gaia Martinelli