Pablo Picasso, Retrato de Dora Maar , 1937. Óleo sobre lienzo, 92×65 cm. Museo Nacional Picasso, París.
Grandes maestros y grandes obras maestras...
La historia de la pintura española se puede contar refiriéndose a los periodos más importantes, que marcaron su desarrollo y evolución, como son el gótico, el manierista, el siglo de oro y el siglo XX. Estas épocas también pueden interpretarse como una progresiva exteriorización de la creatividad de dicho país, pues, si en el gótico este último reprodujo casi pasivamente rasgos estilísticos franceses e italianos, y en el renacimiento-manierismo tomó como modelo, ambos el Bel Paese, y los Países Bajos, sólo más tarde, y luego con la España del Siglo de Oro y el siglo XX, se materializa la existencia de una lengua puramente española, exteriorizada a través de la presencia de maestros de talla mundial, como El Greco, Diego Velázquez, Francisco Goya y, posteriormente, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Miró, etc. Todas estas personalidades fueron esencialmente independientes de estar asociadas a multitud de exponentes de un mismo movimiento, tendencia o corriente artística para vincularse fundamentalmente a la expresión de un país específico, como fue, por ejemplo, el Renacimiento para Italia y el Impresionismo para Francia. Tomando como ejemplo a Dalí, como también podría hacerse con Picasso, fue el único español extremadamente popular que formó parte del Surrealismo, pero su presencia fue de extrema importancia para el movimiento, tanto que fue capaz de transmitir universalmente los valores de la cultura española a través de su destacado papel dentro de la citada "tendencia". En consecuencia, también podríamos decir que el arte español, más que de movimientos y corrientes, está formado por personalidades influyentes e individuales, que, con claros rasgos estilísticos, guiaron por sí solos toda la expresión de un país a nivel mundial. Lo dicho otorga a mis diez mejores cuadros el papel de guía, dentro de una narración real de una historia del arte español compuesta principalmente por grandes maestros y grandes obras maestras.
10 mejores
Juan Gris, Retrato de Picasso , 1912.
10. Juan Gris, Retrato de Picasso (1912)
En el puesto número diez he optado por destacar la obra de Juan Gris, pintor español y exponente del cubismo conocido, entre otras cosas, por su célebre Retrato de Picasso, obra maestra fechada en 1912, en la que el maestro madrileño inmortalizó uno de los artistas más importantes del siglo XX, apelando a su característico cubismo integral, es decir, un estilo propio marcado por la más regular fractura de las formas, donde las figuras geométricas se unen a estructuras diagonales, encaminadas a crear semejanzas casi cristalinas. Hablando de la relación entre los dos pintores, sin embargo, Gris llegó en 1906 a París, donde conoció a Picasso y Braque, sumándose al desarrollo de la corriente cubista, que lo identificó, apenas seis años después, como discípulo de Pablo. De hecho, el punto de vista de Juan se inspira en el cubismo analítico del andaluz, refiriéndose a su deconstrucción y punto de vista simultáneo de los objetos, pero recuperando una geometría más sistemática y cristalina, plasmada en el retrato en cuestión por un fragmento cabeza, donde el cuello y el torso se descomponen en varios planos y formas geométricas simples, organizados dentro de una estructura compositiva regida por diagonales, todo ello explicitado mediante el uso de una paleta de tonos fríos de azul, marrón y gris. Finalmente, los rasgos estilísticos de Retrato de Picasso dan lugar a una obra destinada a inmortalizar la efigie como pintor, ya que el sujeto porta una paleta en sus manos, detalle que, al igual que la inscripción "Hommage à Pablo Picasso", claramente nos hace pensar cómo Gris estimaba al innovador del cubismo por excelencia.
Joan Miró, El carnaval del arlequín , 1924/1925. Óleo sobre lienzo, 66 cm × 90,5 cm. Galería de arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York.
9. Joan Mirò, El carnaval del arlequín (1924-25)
El lienzo de Joan Mirò, fechado entre 1924 y 1925, está ocupado por multitud de figuras híbridas festivas, mitad humanas mitad animales, a veces antropomorfizadas, ya que poseen partes anatómicas humanas, que el español ha asociado con formas objetales. Este ambiente desenfadado invita al espectador a perderse en la celebración, sugiriendo incluso que se tome el tiempo de imaginar una melodía, que sirve de telón de fondo a la vivacidad de las figuras. Sin embargo, desde un punto de vista puramente histórico-artístico, la obra forma parte del período surrealista de Miró; en particular, es anterior a la época en que Breton redactó el manifiesto del movimiento, aunque en la obra maestra de Joan ya estaba bien concretado el automatismo psíquico promovido posteriormente por el citado poeta francés. De hecho, El Carnaval de Arlequín da forma a las visiones fantásticas y surrealistas de la imaginación, que el artista quiere exteriorizar asociándolas a algún elemento de la realidad, que, tomando otro significado, se transforman dando lugar a nuevas interpretaciones visionarias. En este sentido, cabe explicitar que lo que ha sido plasmado por el pintor es la dimensión del inconsciente, muchas veces narrada a través de la representación de una escalera de tijera, que, recurrente en la obra del maestro y presente también en el cuadro en cuestión , representa un trampolín, destinado a partir de la realidad para ir más allá, es decir, hacia la imaginación.
El Greco, El entierro del conde de Orgaz , 1586. Óleo sobre lienzo, 480×360 cm. Iglesia de Santo Tomás, Toledo.
8. El Greco, El entierro del conde de Orgaz (1586)
Mi top ten no podría ser creíble en su función de resumir las figuras clave del arte español si no mencionara a El Greco, pintor, escultor y arquitecto griego, así como una de las figuras más importantes del Renacimiento español, a menudo considerado ser el primer maestro de la Edad de Oro. La obra maestra en cuestión, a saber, el Entierro del Conde de Orgaz, fechado en 1586, representa alegóricamente el acontecimiento explicitado por el propio título, teniendo como tema principal al difunto señor de la ciudad de Orgaz, que fue sepultado milagrosamente por san Esteban y San Agustín, que descendió del cielo exclusivamente para la ocasión. Este tema, inspirado en una leyenda de principios del siglo XIV, fue realizado por el pintor en pleno cumplimiento del contrato suscrito con la iglesia parroquial de Santo Tomé de Toledo, España, lugar donde se conserva el cuadro hasta el día de hoy. En cualquier caso, a pesar del fiel cumplimiento de las peticiones de los mecenas, El Greco introdujo algunos elementos modernizadores, como una serie de elementos atribuidos a un cortejo fúnebre habitual del siglo XVI, las vestiduras de los dos santos, así como la representación de eminentes toledanos de su época. Este modo de interpretación pretendía promover la finalidad puramente didáctica del óleo, que, de acuerdo con las doctrinas de la Contrarreforma, perseguía el propósito de promover la veneración de los santos y las buenas obras para la salvación del alma.
Francisco Goya, Saturno devorando a su hijo , 1821-1823. Mural de técnica mixta transferido a lienzo, 143,5 cm × 81,4 cm. Museo del Prado, Madrid.
7. Francisco Goya, Saturno devorando a su hijo (1821-1823)
La obra maestra creada entre 1821 y 1823 concreta una espantosa visión: Saturno muerde el cuerpo de su hijo como si fuera una presa animal, que, en parte cubierta por riachuelos de sangre, aparece ahora decapitada, mientras el brazo reposa en la boca del padre, todo ello rodeado de un fondo indefinido y oscuro, que sitúa el acto extremo en el centro de atención. En cuanto a la interpretación de esta escalofriante composición, perteneciente al ciclo Pinturas Negras, obras realizadas por el artista para los muros de su propia casa a orillas del río Manzanares (Madrid), podría evocar, tanto el conflicto entre la juventud como la vejez. , donde el tiempo parece devorarlo todo, y la personificación de la España de entonces, un país capaz de comerse a sus hijos a través de amargas guerras, revoluciones y absolutismo. A lo anterior se suma otro significado atribuible a la obra maestra, que simplemente está vinculado a un deseo más evidente de representar la condición humana en los tiempos modernos. Aunque subsiste la duda interpretativa, es claro cómo la pintura representa la culminación extrema de las Pinturas Negras, caracterizada, además de los tonos oscuros y amenazantes, por un hilo temático relacionado precisamente con la figura de Saturno, tradicionalmente asociada a la desesperación y la vejez. época, plasmada en obras maestras anteriores que, como la de Rubens, parecen ciertamente más convencionales, así como alejadas de la locura freudiana del protagonista de la obra de Goya.
Francisco Goya, La maja desnuda, 1790-1800. Óleo sobre lienzo, 97 cm × 190 cm. Museo del Prado, Madrid.
6. Francisco Goya, La maja desnuda, (1790-1800)
Una joven modelo desnuda mira con desvergonzada confianza al espectador mientras aparece recostada sensualmente con las manos cruzadas detrás de la nuca, un punto de su cuerpo en cuya proximidad también encuentra su lugar su cabello oscuro y rizado, cayendo libremente a los lados de su su rostro, que está rodeado por sus mejillas llenas y sonrojadas. Tal visión encuentra su lugar en la superficie de un sofá cubierto de terciopelo verde, donde también están dispuestos los dos cojines forrados sobre los que descansa la mujer, así como la sábana que subyace a la parte inferior de su cuerpo. La atrevida obra maestra en cuestión, conocida, además de por su audacia y picardía, por mostrar de manera innovadora, además de escandalosa, la línea negra que conecta la vulva con el ombligo, podría representar, tanto a la amiga del pintor, a saber, la duquesa de Alba, como a su amante Pepita. Lo cierto es que el lienzo representa el desnudo profano más explícito de la colección de Godoy, un militar a político español de gran renombre, que poseía una rica colección sobre el citado género, que incluía obras maestras de toda Europa, así como la célebre Venus de Velázquez. Rokeby. Precisamente en este contexto, es necesario precisar cómo en el siglo XVIII los desnudos estaban efectivamente prohibidos en España, en contra de la doctrina cristiana, tanto que Godoy encargó también la versión vestida de la citada obra maestra, con el fin de ocultar la mayor explícito.
Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907. Óleo sobre lienzo, 243,9 cm × 233,7 cm. Museo de Arte Moderno. Adquirido a través del legado de Lillie P. Bliss, ciudad de Nueva York.
5. Pablo Picasso, Las señoritas de Aviñón (1907)
¿Por qué Les Demoiselles d'Avignon es una obra maestra indispensable de la historia del arte, es decir, una de esas obras que, de no haberse realizado nunca, el curso de la investigación creativa que conocemos seguramente habría tomado otros caminos? La respuesta está en que se considera que el cuadro es la primera obra cubista de Picasso, que, realizada en la época africana del maestro, posterior a la época rosa, probablemente se inspiró en la visión que el artista obtuvo de frecuentar un prostíbulo barcelonés, situado en la calle d'Avinyò. Además, es bueno resaltar cómo la pintura en cuestión es el resultado de más de un centenar de estudios, dentro de los cuales el artista también incluyó la presencia de algunas figuras masculinas, hecho que lleva a especular cómo el tema podría representar una suerte de memento mori, en el que el pintor quería advertir sobre los peligros del sexo, a saber, la entonces popular sífilis. En cuanto a la descripción de la obra maestra fechada en 1907, muestra a cinco muchachas que, probablemente citando a las Venus de la tradición clásica, se ofrecen a la mirada del espectador mostrando descaradamente su desnudez. Finalmente, en lo que se refiere a sus rostros, representan una cesura deliberada con la tradición artística anterior, pues se encarnan en la intensidad de miradas, tanto directas como reconocibles, y más esquivas, siempre caracterizadas por la deformidad, destinadas a retrotraer al ejemplo de las máscaras africanas tradicionales.
Francisco Goya, El tres de mayo de 1808, 1814. Óleo sobre lienzo, 268 cm × 347 cm. Museo del Prado, Madrid.
4. Francisco Goya, El tres de mayo de 1808 (1814)
Francisco Goya, El tres de mayo de 1808 (1814): en un escenario envuelto en tinieblas, donde sólo un farol ilumina la penumbra del atardecer, un haz de luz llega a iluminar con mayor intensidad a un campesino indigente rebelde, que con gran dignidad y coraje, acepta que debe sacrificar su existencia en nombre de la libertad. Del mismo modo, sufriente y en extrema angustia, se ha presentado a menudo dentro de la narración de la historia del arte la figura de Cristo crucificado, quien en este caso profano está rodeado de sus compañeros caídos o asustados, que tienen ante sí un pelotón de fusilamiento compuesto por un grupo de soldados franceses bajo el mando de Napoleón. De hecho, la pintura está destinada explícitamente a representar la resistencia de las tropas de Madrid al ejército francés, que tuvo lugar durante la ocupación de 1808 de la Guerra de Independencia española. De similar interés temático resultan también otras obras del artista, en concreto la serie de grabados titulada Los desastres de la guerra, donde el maestro da lugar a una exteriorización concreta de su dolor por la invasión de España por las tropas napoleónicas. Sin embargo, en lo que respecta al estilo de la obra maestra de 1814, el drama crudo de esta última no puede considerarse puramente romántico, aunque es indiscutible que su sensible exteriorización emocional parece afín a la obra de los pintores del movimiento en cuestión. Del mismo modo, la pintura se distancia de la idealización de la belleza perseguida, tanto por el romanticismo como por el neoclasicismo.
Diego Velázquez, Las Meninas , 1656. Óleo sobre lienzo, 320,5 cm × 281,5 cm. Museo del Prado, Madrid.
3. Diego Velázquez, Las meninas (1656)
Una de las escenas más conocidas de la historia del arte, que no quiero describir simplemente aventurándome en la banalidad, tuvo lugar en el estudio de Diego Velázquez, ya que el rey Felipe IV de España concedió al pintor, hacia 1650, el uso de la principal salón del Real Alcázar de Madrid como su atelier, un espacio en el que el soberano solía pasar el tiempo observando al maestro en el trabajo, tanto que muchos creen que Felipe rompió las leyes reales de comportamiento, llegando incluso a hacerse amigo del pintor. Hablando de la obra maestra en cuestión, representa solo ostensiblemente un retrato de la corte, ya que fue diseñado para convertirse en un manifiesto de propaganda, destinado a hacer explícito cómo el arte puede reproducir la realidad de manera efectiva. En cualquier caso, la intrincada composición está lista para múltiples interpretaciones y preguntas, entre ellas, por ejemplo: ¿por qué aparecen los soberanos en el espejo? Es probable que estas figuras pretendieran espiar la escena del posado en la penumbra, mientras que la luz proviene del fondo, donde encuentra su lugar el asistente de la reina Nieto, cuya entrada en escena resulta un tanto enigmática. Por último, tiene gran relevancia la presencia del propio artista dentro de la obra, figura que probablemente pretendía indicar su intención de celebrarse a sí mismo, su presencia en la corte de Felipe IV, su papel, así como su voluntad de exteriorizar su concepción personal. que la pintura resulta ser superior entre las artes.
Salvador Dalí, La persistencia de la memoria , 1931. Óleo sobre lienzo, 24 cm × 33 cm. Museo de Arte Moderno, Ciudad de Nueva York.
2. Salvador Dalí, La persistencia de la memoria (1931)
Muchos recuerdan los relojes "blandos", es decir, de consistencia casi líquida, presentes en La persistencia de la memoria, aunque pocos saben que estos se inspiraron en la observación de los alargamientos del queso Camembert, que Salvador admiraba expuesto frente a una fuente de calor. De hecho, fue precisamente el excéntrico cerebro del maestro español el que fue capaz de transformar una visión tan ordinaria en una obra maestra, destinada a dar forma concreta al paso del tiempo, que, aunque medible, sigue siendo bastante variable cuando se lo considera en relación con la percepción humana. , es decir, a los estados de ánimo que lo hacen, si gozoso más rápido, cuando doloroso más lento. Además, según Dalí, la memoria también exhibe un funcionamiento similar, en el sentido de que es fácil recordar cosas que nos interesan, aunque sean lejanas, mientras que es muy probable que olvide momentos cercanos que son bastante triviales para nosotros. En pocas palabras: los relojes pintados en La persistencia de la memoria se mantendrían precisamente para simbolizar esa condición temporal incontrolablemente asociada tanto con los estados mentales como con la memoria. Finalmente, siempre en el tema de la obra maestra, cabe destacar cómo esta, una de las obras más conocidas de Dalí, fue expuesta por el marchante de arte Julien Levy en su galería de Nweyork en 1931, hecho que fue seguido por público y crítica. interés por el maestro catalán.
Pablo Picasso, Guernica , 1937. Óleo sobre lienzo, 349,3×776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
1. Pablo Picasso, Guernica (1937)
Incluso en el caso de la obra que ocupa el podio, quiero huir de la descripción más simple y habitual del cuadro para centrarme en sus rasgos estilísticos, fruto del acercamiento de Pablo a mediados de los años veinte al punto de vista surrealista. , que en ese momento se expresó principalmente a través de la creación de interiores con bodegones, objetos e instrumentos musicales. Fueron estos temas tradicionales los que dieron lugar a la innovación, tanto que en este mismo período Picasso tomó conciencia de las múltiples formas de ruptura de la forma, así como de la presentación de la composición desde múltiples perspectivas, que más tarde animarían la "revolución" cubista. " En cualquier caso, sin embargo, el artista, que consideraba el arte un instrumento de exteriorización del yo, plasmó esta investigación figurativa a través de la construcción de espacios claustrofóbicos, probablemente inspirado en los tristes acontecimientos relacionados con la contemporánea y angustiosa Primera Guerra Mundial. Además de la mencionada investigación intimista, la obra del maestro español del período también estuvo marcada por la presencia constante de la figura femenina, entendida como musa inspiradora capaz de tomar forma en las múltiples y turbulentas relaciones entabladas por el maestro. Además, en los mismos años que precedieron a la creación de Guernica, Picasso se centró en el simbolismo que transmite el cuerpo femenino, investigación que culminó, junto con las anteriores, en la creación de la obra maestra en cuestión. De hecho, Guernica representa la culminación de la labor artística de Picasso, en la que se incorporaron todos los rasgos visuales que le dieron fama, tanto que la obra no puede entenderse en absoluto sin analizar, aunque sea brevemente, las etapas precedentes y necesarias en el desarrollo. de su lenguaje visual. En cualquier caso, la pintura resulta más conocida por el hecho de que, al representar los horrores de la guerra, se ha convertido en el símbolo por excelencia de la lucha contra todas las formas de conflicto nefasto.
Olimpia Gaia Martinelli
