Top 10: Bigotes en la Historia del Arte

"Una mujer con bigote siempre ha sido popular".

El antiguo proverbio italiano "La mujer con bigote siempre ha sido popular", originalmente quizás más bien "La mujer barrigón siempre ha sido popular", nos da una idea de la popularidad del bigote, incluso entre los representantes del sexo débil. Dejando de lado por un momento a las mujeres con bigote o vello facial, y el debate relacionado sobre su atractivo erótico, vale la pena resaltar en el homólogo masculino la antigua costumbre de enfatizar el vello facial, que puede incluso remontarse a la Edad de Piedra cuando, efectivamente, los ejemplares de mono más evolucionados tenían a su disposición herramientas de corte. Dejando de lado la discusión sobre la evolución del bigote en la historia, sujeta a múltiples tendencias e interpretaciones religiosas, queremos centrarnos en las obras maestras más famosas de la historia del arte que lo han inmortalizado. Esta intención nos retrotraerá a las queridas y esperadas mujeres barbudas, pero también a los artistas y sujetos con ese vello facial, así como a cuadros "desfigurados", casos humanos de todos los gustos y géneros, e historias de películas de terror. ¡Aquí está el top 10!

¡Los 10 mejores!

Salvador Dalí, Suave autorretrato con tocino frito, 1941.

1.Salvador Dalí: Suave autorretrato con tocino frito (1941)

Empecemos por el bigote más icónico de la historia del arte, seguramente personificado en la figura surrealista de Salvador Dalí, autor de Suave autorretrato con tocino frito, en el que el pintor se ha retratado precisamente con su vello facial más típico, rizado y prolijamente recortado, tal vez aludiendo a una realidad paralela en la que la gravedad no empuja hacia abajo el vello corporal. Dejando a un lado la existencia del gel fijador, la obra maestra en cuestión presenta a Dalí como un espectro irónico de rostro amorfo y tal vez moribundo, que, sostenido por muletas, descansa sobre un pedestal en el que está escrita la inscripción del título de la obra, y presenta en su superficie una rebanada de tocino frito, en alusión al menú de desayuno diario del maestro. Respecto a la ironía antes mencionada, su divertida identidad se nos revela precisamente por la presencia de esos lindos bigotes mirando hacia arriba, que, a modo de antenas dispuestas a percibir la surrealidad en todas partes, fijan su presencia en la mente del espectador. En cualquier caso, la alegría en cuestión pasa a un segundo plano cuando comprobamos que los ojos del pintor no han sido pintados, sino que albergan, en sus huecos, unas hormigas trepando en ellos, destinadas a simbolizar una interpretación más triste de la obra. inexorablemente ligada a la decadencia, la caducidad del ser y la debilidad.

Marcel Duchamp, LHOOQ, 1919. Confeccionado. Colección privada, Nueva York.

2.Marcel Duchamp: LHOOQ (1919)

Cuando mencioné anteriormente el tema de las obras maestras "desfiguradas", imaginé literalmente a Duchamp, irrumpiendo en el Louvre por la noche, para pintar la Mona Lisa, dando origen a LHOOQ, en realidad su distintivo ready-made rectificado, destinado a confirmar, una vez más, el atractivo atemporal de las mujeres con bigote. De hecho, la obra profanadora e irónica del cuadro más famoso del mundo representa una versión inédita de la Mona Lisa, que, manipulada, se nos aparece ahora con exuberante bigote y perilla. Semejante ironía no se queda en la citada revisión del personaje, sino también en el propio título de la obra del maestro francés, que debe leerse como un juego de palabras en pleno espíritu dadaísta. De hecho, LHOOQ, pronunciado en francés, suena como "Elle a chaud au cul", frase que nos haría revisar la figura de la efigie, para entenderla ahora como una prostituta insaciable y con un fuerte apetito sexual. Precisamente a través de esta provocación, Duchamp quiso despertar la conciencia de los espectadores, que a menudo quedan encantados y ebrios ante las obras maestras, a las que adoran indiscriminadamente.

Frida Kahlo, Autorretrato con collar de espinas y colibrí, 1940. Óleo sobre lienzo sobre masonita. Centro Harry Ransom, Austin, Texas, Austin.

3.Frida Kahlo: Autorretrato con collar de espinas y colibrí (1940)

Así que lo siento mucho por Duchamp, pero la mujer bigotuda más famosa de la historia del arte sigue siendo Frida Kahlo, cuyo famoso vello facial, que se mezclaba con su igualmente conocida uniceja, quedó inmortalizado en el retrato más codiciado por todos los esteticistas del mundo, que desde hace años están dispuestas, con unas pinzas de metal en la mano, a eliminar cada uno de los pelos, arrancándolos uno a uno con gran satisfacción. Pero llegados a ese punto todos nos sentiremos algo decepcionados, porque el bigote de Kahlo, como en el caso de Dalí, también ayudó a crear al propio artista. En cuanto a la descripción de la obra maestra en cuestión, ésta no resulta tan irónica como mi texto, ya que está llena de dolorosos significados simbólicos, destinados a ir más allá de una narrativa realista para expresar los sentimientos del artista, quien, como un Pájaro negro y sin vida, tuvo que pasar parte de su vida sufriendo las consecuencias del accidente de autobús que trastocó su vida cuando tenía dieciocho años. Sólo a partir de ese fatídico momento, la artista tuvo que someterse a unas treinta y cinco intervenciones quirúrgicas, cuyas cicatrices, dolorosas como espinas, hicieron todo lo posible por reparar su cuerpo. Sin embargo, la esperanza nunca tuvo que abandonar a la pintora, que, a pesar de los dramáticos avatares de su vida, se retrató con el telón de fondo de un frondoso paisaje natural, marcado por la presencia de grandes hojas, que se evidencian detrás de su figura.

Amedeo Modigliani: Retrato de Paul Guillaume, Novo Pilota (1915). Óleo sobre lienzo, 105×75 cm. Museo de la Orangerie, París.

4.Amedeo Modigliani: Retrato de Paul Guillaume, Novo Pilota (1915)

Modigliani personalmente no puede formar parte de nuestra narrativa, porque en las fotografías y pinturas que lo representan aparece siempre suave como la piel de un niño lleno de ungüentos, dispuesto, como buen italiano, a hacer hablar de él a todas las mujeres de Montparnasse. El tenaz intérprete de genio rebelde, sin embargo, realizó el cuadro bigotudo de Paul Guillaume, galerista y marchante de arte que tenía negocios y amistad con el pintor de Livorno. Hablando del retrato de Guillaume, es importante destacar que forma parte de una serie de tres del mismo tema, aunque nos limitaremos a describir el ejemplar conservado en el Musée de l'Orangerie (París). Este último, fechado en 1915, fue realizado en casa de Beatrice Hasting, precisamente en la rue Norvins (París), lugar donde también había vivido Emile Zola. Hablando de estilo, sin embargo, la obra del italiano presenta, en el rostro anguloso de la efigie, claras influencias cubistas, listas para moldear un personaje, que encuentra espacio frente a un piano vertical, destinado a romper el contacto con el fondo de la composición. La obra resulta un tanto festiva, ya que el apellido de Guillaume, escrito en letras mayúsculas, aparece en la parte superior izquierda del soporte, acompañado, en la parte inferior izquierda, por el título del cuadro.

Edvard Munch, Autorretrato con brazo de esqueleto, 1895. Litografía.

5.Edvard Munch: Autorretrato con brazo de esqueleto (1895)

Los bigotes de Autorretrato con brazo esquelético son algo insinuados, ligeros, sutiles, ondulados, a veces ralos, aunque, dentro del repertorio retratístico, tanto fotográfico como pictórico, destinado a representar al maestro noruego, resultan ser una presencia bastante constante. , además de grueso, definido y grueso en el rostro del artista. En el caso particular de la obra en cuestión, sin embargo, pasan a formar parte de un contexto bastante macabro, ya que aunque el pintor tenía sólo treinta y un años en ese momento, se retrató a sí mismo como una figura fantasmal, explicitada por la presencia de una serie de huesos que, presentándose en la parte inferior de la litografía, funcionan a modo de recordatorio de la muerte. Estos restos humanos encuentran su contraparte cromática y de disposición en la parte superior de la imagen, dispuestos a albergar el nombre y la fecha del artista, que evocan, interpretados en una visión de conjunto, la imagen de una fría lápida. Finalmente, esta triste historia podría resumirse, así como encontrar su explicación última, en las palabras del propio pintor, quien reveló: "La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles oscuros que custodiaron mi cuna y me siguieron toda mi vida. "

Retrato de Vlad Hagyak III, alrededor de 1560. Castillo de Ambras en Innsbruck, Austria.

6.Retrato de Vlad Hagyak III, hacia 1560

Entonces, ¿recuerdas la introducción del top 10? Bueno, cualquiera que sea tu respuesta te lo recuerdo... Había hablado explícitamente de historias de películas de terror, que, en este caso, pasan del libro al medio pictórico, como ocurre con el cuento de Drácula. ¿Cómo no sabías que el conde Drácula tenía bigote, incluso grande, me atrevería a decir?, como se desprende del cuadro que lo representa, fechado hacia 1560 y que, de autor desconocido, se conserva en el castillo de Ambras (Innsbruck). Se dice que este último es una copia de un original legendario, realizada en la época en que vivía el noble, soldado y político rumano, nacido en 1431, época en la que se distinguió como un gobernante sanguinario, un hombre despiadado con tal punto que fue apodado el Empalador, ya que solía matar a sus más acérrimos enemigos mediante esta cruel práctica. ¡Está bien, pero de aquí a chupar sangre hay una gran diferencia! Pues bien, el Drácula más conocido es producto de la pluma de Bram Stoker, un escritor que se inspiró en la figura antes descrita para dar vida al popular Conde Drácula, vampiro de Transilvania. Llegados a este punto, te hago una pregunta retórica: ¿colgarías el cuadro en cuestión en tu casa, o tendrías miedo de que te roben tu propia sangre?