AZUL AGRIETADO II (2018) Escultura de Pin Vega
El arte abstracto es un movimiento artístico que se aparta del arte figurativo tradicional, representando una realidad no objetiva e irreconocible. Mientras que el figurativismo se centra en la representación fiel de los datos visibles, el arte abstracto pretende expresar emociones, ideas y conceptos a través de formas, colores y líneas que no imitan directamente el mundo exterior. Esta divergencia significa que el arte abstracto a menudo requiere alguna explicación para ser comprendido y apreciado por completo.
El arte abstracto surgió en el contexto de la pintura a principios del siglo XX como una reacción a las transformaciones culturales y sociales de la época. Entre los pioneros del arte abstracto se encuentran maestros como Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Piet Mondrian. Kandinsky, en particular, creía que el arte debía ir más allá de la mera representación visual para explorar el mundo interior del artista y el espíritu humano. Su ensayo de 1911 "Sobre lo espiritual en el arte" representa uno de los primeros intentos de teorizar el arte abstracto.
Posteriormente, el arte abstracto se desarrolló rápidamente en una variedad de estilos y movimientos, como el suprematismo de Malevich y el neoplasticismo de Mondrian, cada uno con su enfoque único de la forma y el color. Estas visiones buscaban destilar la esencia de la realidad en formas geométricas puras y colores primarios, creando obras que eran a la vez contemplativas y revolucionarias.
Es evidente que, por el momento, hemos hablado de una historia que ya es bastante conocida por todos: las formas en que el arte abstracto nació y se estableció en el lenguaje de la pintura. Ahora quiero explicar e ilustrar cómo este lenguaje se ha expresado posteriormente en la escultura, la fotografía y otros medios artísticos. Todo esto se ilustrará con ejemplos contemporáneos seleccionados del rico corpus de obras que forman parte de la colección en evolución de Artmajeur. ¡Comencemos, pues, con la historia del dibujo!
He visto tantos paisajes (2023) Dibujo de Frank Verreyken
Dibujo abstracto: historia, estilo y obras maestras
El dibujo y la pintura siempre han estado estrechamente vinculados, y el dibujo se ha considerado a menudo como una fase preliminar o un estudio para obras pictóricas de mayor tamaño. En el arte abstracto, esta relación sigue siendo evidente, ya que muchos pintores abstractos también han producido dibujos abstractos que reflejan sus exploraciones pictóricas. ¿Cómo se manifiesta esta conexión entre los dos lenguajes? Se ve en el hecho de que comparten temas, técnicas y objetivos: ambos buscan trascender la representación figurativa tradicional para explorar nuevas formas de expresión artística.
Para profundizar más, el mencionado Wassily Kandinsky, por ejemplo, creó numerosos dibujos abstractos que, al igual que sus pinturas, evitan las representaciones reconocibles para centrarse en composiciones puramente ideales destinadas a explorar el color y la forma y evocar emociones y conceptos espirituales.
De la misma manera, Piet Mondrian aplicó principios geométricos tanto en sus dibujos como en sus pinturas, mientras que Kazimir Malevich, con su suprematismo, creó dibujos que exploran la sensibilidad pura de la forma, sin ninguna referencia a objetos físicos, tal como en su arte pictórico.
¿Qué es lo que distingue entonces a un dibujo de una pintura abstracta? Si bien es cierto que el primer medio comparte muchas características con el segundo, como el uso de formas geométricas, líneas fluidas y colores contrastantes destinados a evocar emociones y conceptos, el dibujo abstracto también tiene sus peculiaridades distintivas. Mientras que la pintura puede explotar las cualidades únicas del color y la textura, el dibujo tiende a centrarse más en la línea, la composición y la forma, utilizando una gama más limitada de colores, concentrándose a menudo en el blanco y negro o en tonos monocromáticos para enfatizar la estructura y el movimiento. Por último, mientras que el dibujo abstracto a menudo explora la espontaneidad y la inmediatez de la marca, la pintura puede requerir procesos más largos y capas de trabajo.
Sin título 838 (2024) Pintura de Oto Macek
Ejemplos contemporáneos: Comparación de la pintura y el dibujo de Oto Macek
Como prueba de la conexión entre la pintura abstracta y el dibujo, podemos considerar la obra del artista contemporáneo Oto Macek. Su pintura "Sin título 838" (2024) y su dibujo "Sin título 3732" (2023) representan el mismo tema y la misma exploración de la forma, pero difieren en el uso del color, la técnica y los tonos empleados.
En "Sin título 838", Macek emplea varios tonos de azul y azul cielo, utilizando una técnica de pintura en capas para crear una composición dinámica y vibrante donde las líneas y las formas geométricas se entrelazan y superponen, generando una sensación de movimiento y profundidad.
Por otro lado, "Sin título 3732" presenta un enfoque de dibujo un poco más minimalista. Las formas geométricas están dibujadas con líneas precisas y limpias, predominantemente en blanco y negro. La composición es menos densa, con espacios en el color del papel, lo que permite que la vista descanse y se concentre en las interacciones entre las formas.
Estas dos obras de Macek demuestran cómo el dibujo y la pintura abstractos pueden explorar los mismos temas y sujetos a través de diferentes interpretaciones, manteniendo la coherencia conceptual mientras varían en la ejecución y el impacto visual.
¡Pasemos ahora al grabado!
Miroir (2024) Lámina de Benedicte De Nouel Imbert
Breve descripción del grabado artístico: pasado y presente
Al igual que el dibujo, la estampa artística, inspirada en la pintura, ha abrazado la abstracción al presentar temas afines a los que se encuentran en la pintura. Una vez más, algunos de los pintores abstractos más reconocidos también han creado estampas, al igual que el famoso maestro Joan Miró.
Un ejemplo contemporáneo de esta tradición es "Miroir" (2024), una estampa de la pintora Benedicte De Nouel Imbert, creada con la técnica del linograbado sobre papel. Este método consiste en tallar un diseño en una placa de linóleo, que luego se entinta y se presiona sobre el papel para transferir la imagen. Esta técnica es conocida por su capacidad para producir líneas nítidas y contrastes audaces, ideales para la expresión artística abstracta.
La técnica del linograbado ha permitido a De Nouel Imbert explorar la repetición y variación de formas con gran detalle. La obra presenta una composición abstracta con motivos orgánicos y geométricos superpuestos. Los colores dominantes son el naranja y el azul, lo que crea un fuerte contraste visual. Las formas anaranjadas evocan características naturales similares a las hojas, mientras que la figura central azul añade un elemento de profundidad y complejidad. El uso de colores vivos y patrones repetitivos imparte una sensación de movimiento y dinamismo a la obra.
Sin título (n° 121) (2024) Escultura de Didier Fournier
Escultura abstracta: historia, estilo y obras maestras
La escultura abstracta comenzó a desarrollarse a principios del siglo XX, en paralelo a los cambios que se produjeron en la pintura. De la misma manera, los escultores buscaron liberarse de las tradiciones y las representaciones naturalistas, explorando en su lugar formas puras, geometrías y nuevos materiales. A través de este enfoque, pudieron expresar conceptos y emociones a través de la forma y la estructura en lugar de la representación figurativa.
Uno de los primeros y más influyentes escultores abstractos fue, sin duda, Constantin Brâncuși. Nacido en Rumania, Brâncuși es conocido por revolucionar el lenguaje escultórico con su aproximación a la forma y el material. Sus obras se caracterizan por líneas limpias y superficies suaves, diseñadas para capturar la esencia del movimiento y la vida, trascendiendo cualquier detalle realista.
Otro pionero de la escultura abstracta es Jean Arp, que contribuyó al movimiento con sus distintivas obras biomórficas. Conocido por trabajar principalmente con bronce y piedra, Arp creó formas orgánicas que parecen surgir espontáneamente de la naturaleza. Sus creaciones ejemplifican su enfoque de la abstracción a través del uso de formas fluidas y naturales.
Además, Naum Gabo es un destacado escultor abstracto conocido por explorar el espacio y el tiempo a través de formas geométricas y materiales transparentes, utilizando líneas y planos interconectados. Las obras de Gabo tienen como objetivo representar volúmenes de espacio vacío, desafiando las concepciones tradicionales de la escultura.
Para ilustrar aún más esta narrativa histórica y artística, algunas obras maestras notables de la escultura abstracta de estos maestros incluyen: "Pájaro en el espacio" de Constantin Brâncuși (1932-40), "Escultura para perderse en el bosque" de Jean Arp (1932) y "Construcción en el espacio" de Naum Gabo (1937-39).
En resumen, la escultura abstracta se manifiesta a través del uso de formas geométricas, líneas limpias y materiales innovadores destinados a expresar ideas, emociones y conceptos abstractos.
Axoliz I (2014) Escultura de Vincent Champion-Ercoli
Gran bañista (2024) Escultura de Roberto Canduela
Ejemplos contemporáneos: Vincent Champion-Ercoli y Roberto Canduela en comparación
He encontrado dos ejemplos contemporáneos en las esculturas “Axoliz I” de Vincent Champion-Ercoli y “Gran bañista” de Roberto Canduela. ¿Qué tienen en común estas obras? Aparte de su planteamiento abstracto, ambas utilizan metales como material expresivo principal. Profundicemos en el análisis...
Comenzando con la primera obra, "Axoliz I" es una creación compuesta por dos elementos lineales de bronce que se unen formando un desarrollo ascendente. Esta descripción encarna una especie de dualismo de pesadez y ligereza, expresado a través de una sensación de movimiento ascendente, que simboliza el crecimiento y la perseverancia. Además, la obra conlleva otros significados, ya que las superficies lisas y la composición imponente evocan elegancia y optimismo, sugiriendo un ascenso continuo a pesar de las dificultades.
Por otra parte, “Gran bañista” recuerda, según revela el propio artista, el tema de “Les Grandes Baigneuses” de Cézanne, reinterpretado en los rasgos abstractos de una persona que descansa en la orilla. En este sentido, la forma geométrica se arquea de un extremo al otro, creando un óculo en el centro, que recuerda a un rostro. Los elementos oblicuos permiten que la escultura descanse sobre el plano, de forma similar a los brazos y codos de una bañista secándose al sol. Reflejando este último elemento, la escultura hereda el brillo del sol, con un acabado dorado.
Con un poco de imaginación, “Axoliz I” también puede interpretarse como una figura humana, con líneas ascendentes que sugieren la postura erguida de un cuerpo humano. De esta manera, la naturaleza de las formas geométricas analizadas anteriormente puede relacionarse con una narrativa más familiar, más cercana a la realidad del espectador. ¡ Ahora vamos a centrarnos en el collage!
Textura social 6 (2022) Collages de Henok Getachew Woldegebreal
Una breve descripción del collage: pasado y presente
La abstracción encontró terreno fértil en la técnica del collage, que permitió a los artistas explorar nuevas modalidades expresivas a través de la combinación de diversos materiales. El uso del collage en el arte abstracto comenzó a tomar forma a principios del siglo XX, gracias a la innovación de artistas pioneros que buscaban romper con las convenciones tradicionales de la pintura y la escultura.
En el collage abstracto, los artistas utilizan una variedad de materiales y técnicas para crear obras que enfatizan la composición, el color y la textura. Esta forma de arte se aleja de las representaciones figurativas y se centra en la interacción de diferentes elementos para evocar emociones y conceptos abstractos. Los artistas pueden combinar recortes de periódicos, fotografías, telas y otros materiales para crear obras dinámicas y con múltiples capas.
Además, el collage permite una gran libertad expresiva, ya que los artistas abstractos pueden manipular y reorganizar los materiales para crear nuevas configuraciones visuales. Este proceso de ensamblaje y desensamblaje refleja una experimentación y un descubrimiento constantes, propios del arte que escapa a la representación realista.
Entre los artistas pioneros que adoptaron el collage dentro del arte abstracto se encuentra Hans Arp, conocido por obras como "Sin título" (1916-17) y "Gran collage" (1918). En cuanto a los artistas contemporáneos, destaca "Societal Texture 6" del artista de Artmajeur Henok Getachew Woldegebreal. Este collage, creado a partir de cajas de embalaje obtenidas de mercados locales, diseccionadas y reensambladas, explora la compleja interacción entre la modernidad, el consumismo y la globalización en la sociedad contemporánea. Fue concebido para criticar el consumismo desenfrenado y la producción cíclica y el desperdicio típicos de las sociedades actuales.
Après le feu - Pink Orange Pink de Rothko (2018) Fotografía de Véronique Durruty
Fotografía abstracta: historia, estilo y obras maestras
La fotografía abstracta empezó a expresarse casi inmediatamente después de la invención de esta tecnología. En 1842, John William Draper creó imágenes utilizando un espectroscopio, dispersando rayos de luz en patrones visibles que no tenían ninguna relación con la realidad visible. Estas imágenes demostraron la capacidad de la fotografía para transformar lo invisible en una presencia tangible. Aunque fueron concebidas como documentos científicos, estas imágenes son apreciadas hoy en día por su calidad artística innovadora.
De manera similar, Anna Atkins, una de las primeras fotógrafas, produjo un libro de fotogramas en 1843 colocando algas secas sobre papel cianotipio, creando imágenes etéreas en blanco sobre azul con una cualidad abstracta. A pesar de estar concebidas como estudios científicos, estas obras tienen un valor artístico significativo.
Durante la primera década del siglo XX se produjo una oleada de exploración artística que dio lugar a la transición del postimpresionismo a movimientos como el cubismo y el futurismo. Artistas como Alfred Stieglitz, Paul Strand y Edward Steichen comenzaron a experimentar con composiciones fotográficas abstractas. En 1914, Erwin Quedenfeldt expuso las primeras fotografías abstractas reconocidas públicamente, mientras que Alvin Langdon Coburn creó la serie Vortografas (1917) utilizando un prisma multifacético para lograr imágenes que rompían con la realidad visible.
A partir de los años 1920 y 1930, hubo un aumento significativo en el número de maestros que exploraron imágenes abstractas. ¿Cómo continuó manifestándose este movimiento en la fotografía? Lo hizo a través de diversas técnicas, como la doble exposición, la fotografía macro y la manipulación en la cámara. Estas técnicas permiten la creación de obras que desafían la percepción convencional, invitando al espectador a mirar más allá de la superficie aparente.
Hablando de maestros y obras maestras, entre los fotógrafos de renombre que crearon obras abstractas se encuentran los ya mencionados Alfred Stieglitz, Paul Strand y Edward Steichen, así como Man Ray y László Moholy-Nagy. La "Rayografía" de Man Ray (1922) y los "Fotogramas" de Moholy-Nagy son obras maestras que transformaron objetos ordinarios en composiciones visuales extraordinarias, desafiando las convenciones y abriendo nuevas posibilidades expresivas en el arte fotográfico.
Serie Materia - Composición nº 32 (2024) Fotografía de Alessandro Idini
Ejemplo contemporáneo: Serie Materia - Composición nº 32 de Alessandro Idini
"Serie Materia - Composición nº 32" de Alessandro Idini es una fotografía que forma parte de una serie diseñada para explorar el concepto de abstracción a través de la materia en varios estados. Esta obra se inspira en la filosofía de Aristóteles, que postula que la materia es necesaria para la composición de la realidad. La fotografía presenta formas delicadas y sinuosas que parecen flotar en el espacio, generando movimiento y la sensación de transformación y creación continuas.
Además, la elección de representar la materia en estos estados extremadamente fugaces le otorga a la obra un carácter efímero, orientado a capturar un momento único que desaparece en la materia misma poco después. Es evidente que la exploración continua de la abstracción en la fotografía de Idini utiliza la materia en varios estados para explorar las posibilidades expresivas de las formas, creando composiciones que viven solo por un instante antes de disolverse.
Linealidad #7 (2024) Arte digital de Carla Sá Fernandes
Una breve descripción del arte digital
El arte digital comenzó a tomar forma en los años 50 a través de la experimentación de Ben Laposky en Estados Unidos y Manfred Frank en Alemania. Ambos eran matemáticos y programadores, no artistas tradicionales, pero poseían una sensibilidad creativa que los llevó hacia el arte gráfico.
Poco a poco, el mundo del arte digital ha ido avanzando de forma significativa, buscando hacerse un espacio propio y establecer un nicho de mercado. Se han organizado numerosas exposiciones y se han entregado premios con el objetivo de dar a conocer esta nueva forma de arte al público.
Curiosamente, el arte digital se expresa a través de la imitación y reinterpretación de diversos movimientos artísticos tradicionales. Gracias a software avanzado, los artistas digitales pueden replicar técnicas de pintura clásicas, como el óleo y la acuarela, y experimentar con nuevas formas expresivas como la realidad aumentada (RA) y la realidad virtual (RV). Estas tecnologías permiten a los artistas explorar e innovar continuamente, integrando técnicas tradicionales con herramientas modernas para crear obras que van desde el impresionismo hasta el foco de nuestro interés: el arte abstracto.
"Linearity #7" es un ejemplo emblemático de cómo la abstracción digital toma forma y cobra vida. Esta obra es una sinfonía de líneas vibrantes, donde cada color toca su propia melodía mientras armoniza con sus vecinos. La pieza explora el orden y el ritmo, infundiendo al espacio una energía poderosa que celebra tanto la unidad como la diversidad.
Olimpia Gaia Martinelli
