Los diez mejores fotógrafos de moda

YEUX DE BICHE 3/3 (2023)Fotografía de Bettina Dupont.

Fotografía de moda: cuento para perezosos

Este artículo está dedicado a todos aquellos que quieren saber de fotografía pero les da pereza comprometerse a estudiar. Este artículo está hecho para todos aquellos que están aburridos de leer Wikipedia, porque más allá de la lista de fechas o de una interpretación más bien fría, necesitan urgentemente ser estimulados, entretenidos y acompañados en el aprendizaje. Este artículo te contará, intentando ser menos aburrido y desafiante, sobre la historia de la fotografía de moda, tema al que seguirá la presentación de los diez mejores artistas del sector. Antes de partir con el propósito número uno, os contaré qué es la fotografía de moda, intentando no recurrir a definiciones demasiado exigentes, sino destripar el tema para que sea asequible para todos. Entonces, simplificarlo: ¿conoces el arte pictórico más antiguo? Pues en este, por ejemplo, está el género del paisaje, que recoge todas las pinturas que muestran vistas naturalistas. En consecuencia, si hablo de fotografía de moda, me refiero a todas aquellas imágenes que captan prendas y complementos de la vestimenta, que pueden ser más o menos usados por modelos y modelos, captadas al aire libre o en interiores. Hasta aquí podemos considerar que la fotografía y la pintura son similares, aunque, en el primer caso, es importante señalar cómo dicha producción artística estuvo ligada, sobre todo en sus inicios, a las imágenes difundidas por las revistas de moda (pensemos en las (La mode practique, Harper Bazar y Vogue), contexto del que poco a poco también se ha ido desvinculando, ya que algunos de sus exponentes más conocidos han conseguido elevarlo a la categoría de arte, existiendo incluso fuera del mundo puramente comercial. He llegado a este punto huyendo del estilo de Wikipedia, es decir, sin referirme a una sucesión compulsiva de fechas, aunque llegados a este punto, al menos para orientar mi narrativa en un periodo histórico, me gustaría señalar cómo la fotografía -La relación entre revistas se afianzó en el siglo XIX, mientras que la interpretación artística de la misma debe situarse aproximadamente durante la década de 1930, a través de la obra de grandes maestros del género, como Irving Penn, Martin Munkacsi, Richard Avedon y Louise Dahl-. Wolfe. En cualquier caso, cabe destacar cómo estos últimos no habrían alcanzado la visibilidad necesaria para imponer sus opiniones si, durante el siglo XX, la fotografía de moda no hubiera ido adquiriendo un nuevo estatus, otorgado por el creciente interés del público por los desfiles. , diseñadores y modelos. Ahora que la historia de la fotografía ha sido simplificada, es decir, reducida a su mínimo indispensable, para que tal vez puedas recordarla de una vez por todas, pasemos a la presentación de los diez fotógrafos...

'ROSÉ' (2021) Fotografía de Dasha & Mari.

Los diez mejores fotógrafos de moda

Adolf de Meyer, vía Wikipedia.

1. Barón Adolf de Meyer

La narrativa continúa en las presentaciones individuales de los fotógrafos, quienes serán investigados por su estilo, ya que quería tratar de evitar repetir mecánicamente las etapas de su existencia, tal como lo hace mi ahora archienemigo (es broma) Wikipedia. Empezando por el barón Adolf de Meyer, el francés nacido en 1868 es conocido por haber sido el primer fotógrafo de Vogue, distinguiéndose por el uso de una lente defectuosa, que daba a sus imágenes una inolvidable apariencia de borrosidad. Además de esta peculiaridad, lo que distinguió la obra de Adolf de Meyer fue el hecho de que dejó de retratar sistemáticamente a damas de la alta sociedad, transeúntes elegantes, modelos, etc., para fijarse como objetivo interpretar al sujeto inmortalizado, que, exponente de un estilo, se convierte en una especie de colaborador del fotógrafo, dispuesto a moverse en sintonía con él para ser auténticamente descubierto. El resultado fueron, para la época en cuestión, fotografías inéditas dispuestas a reflejar no sólo la ropa sino también los estados de ánimo de las modelos, sentimientos que transformaron el género por primera vez en una especie de modo comunicativo, capaz de revelar no sólo lo que somos, sino también cómo nos gustaría parecer.

El estanque: luz de luna (1904) de Edward Steichen

2. Eduardo Steichen

Edward Jean Steichen (1879-1973), fotógrafo, pintor y curador estadounidense nacido en Luxemburgo, es conocido por haber sido, junto con el ya mencionado Adolph de Meyer, un pionero del género en cuestión, al que le dio un enfoque artístico, así como un estilo un tanto pictorialista, en el que se concretó un enfoque suave, acompañado de retoques estéticos, dispuesto a distinguirse de las imágenes mecánicas y nítidas realizadas por sus colegas comerciales de la época. Todo esto no podría ser sin un hábil toque de imaginación, estilo y deseo de experimentar, tal como emerge en la fotografía, publicada en la edición de febrero de 1928 de Vanity Fair, en la que Steichen capturó a Gloria Swanson colocándose un trozo de velo de encaje negro sobre su cara. En esta última idea la mujer se reconoció a tal punto que dilató su mirada imitando la de una leopardo, dispuesta a atacar desde detrás de un arbusto, mientras observa, anticipando, a su presa. Precisamente aquí la descripción anterior muestra cómo la fotografía de moda, con Edward Jean Steichen, huyó de su estéril repetitividad, buscando en los modelos una interpretación original del vestido o complemento en cuestión, y recreando así esa antigua relación que, durante siglos, ha unido la trayectoria del pintor. talento a la capacidad de actuación de su modelo favorito.

Lee Miller durante la Segunda Guerra Mundial, vía Wikipedia.

3. Lee Miller

Lee Miller (1907-1977), antes de ser fotógrafa, fue modelo, tanto para su padre como para algunos fotógrafos relevantes de su época, como Edward Steichen, George Hoyningen-Huene y Arnold Genthe, quienes la retrataron para Vogue. antes de 1929, cuando Miller decidió pasarse al otro lado del objetivo, para colaborar también con el gran Man Ray. Volviendo rápidamente a su punto de vista, podemos hacernos una idea de este último describiendo la glamurosa fotografía con la que el fotógrafo capturó, en 1933, a la actriz Lilian Harvey, decidida a lucir un elegante y vistoso vestido de noche de raso y lentejuelas, realzado por una postura parcialmente reclinada en la que la modelo encuentra el equilibrio sobre su brazo izquierdo. Lo que lo hace un tanto peculiar, sin embargo, es el proceso fotográfico de solarización, mediante el cual, al sobreexponer deliberadamente la película durante el revelado, las imágenes resultan parcialmente negativas. Esta técnica transformó el vestido y la figura al mismo tiempo, desdibujando tanto la mano como la definición de la manga del vestido y el espacio del fondo. A todo esto le sigue la presencia de fuertes contrastes cromáticos, que toman forma en el citado cuerpo yacente, que poco a poco aparece cada vez más achatado e insustancial, de modo que el sujeto, con una sonrisa cómplice, parece disolverse, progresivamente, en espacio.

4. Helmut Newton

Elsa Peretti con disfraz de conejita Halston, Nueva York (1975): esta es la toma con la que quiero presentar el trabajo de Helmut Newton (1920-2004), quien, en este caso concreto, plasmó a Peretti, modelo y posterior joya. diseñadora, captada posando para la revista Vogue francesa vestida con un disfraz de conejita en el tejado de su apartamento de Nueva York. Todo toma forma con el telón de fondo de la mencionada metrópolis, un lugar donde las atmósferas típicas de la noche se revelan a la luz del día, probablemente en alusión a una forma de voyeurismo revelado. Seguramente lo que acabamos de describir se inspiró en la experiencia Palyboy del fotógrafo, que decidió explorar libremente el erotismo y la sexualidad femenina, dimensiones dispuestas, de forma innovadora, a entrar en el género de la fotografía de moda. En aquella época, este enfoque del fotógrafo daltónico se percibía como muy sensual, a veces sadomasoquista, estilizado o incluso fetichista. A pesar del extremismo de algunas valoraciones, lo cierto es que el artista quería retratar a la mujer bajo una nueva luz, poniendo énfasis en una naturaleza dominante, capturada a través de ángulos extraños, iluminación dramática y poses eróticas hábilmente seleccionadas y compuestas, listas para dar lugar a a visiones fuertes y provocativas.

5. Richard Avedón

Richard Avedon, nacido en 1923, fue un fotógrafo y retratista estadounidense, sumamente famoso por sus innumerables retratos en blanco y negro, que destacaron en diversos géneros, incluido el del reportaje y el de la moda, donde, por ejemplo, el impacto de las tomas como Dovima con elefantes, vestido de noche de Dior, Cirque d'Hiver, París (1955) siguen siendo inmortales. Esta última fotografía revela el estilo del maestro, presentándose como un juego de contrastes, contrastando la piel pálida de la modelo con su cinta y la piel gris oscuro de los elefantes ásperos y arrugados, dispuestos a hablar del paso del tiempo, al que el La joven parece no tener nada que temer y adopta una postura fuerte, aunque algo angulosa. Los opuestos vuelven a atraerse en las líneas, ya que el rigor de la mujer parece destacarse de las instintivas pero pesadas curvas animales. Aunque la foto en cuestión marcó el ascenso del maestro en el campo de la fotografía de moda, la recuerda con una especie de pesar: "Todavía miro esa foto hoy y no sé por qué no tenía la banda a la izquierda". "Saldrá para completar la línea de la imagen. Para mí la foto siempre será un fracaso porque esa faja no está".

6. Ellen von Unwerth

Ellen von Unwerth es una fotógrafa alemana nacida en 1954, que comenzó su carrera como modelo antes de convertirse en un icono de la fotografía de moda y publicitaria, especializándose en el tema femenino, que interpreta tomando como ejemplo el trabajo de Guy Bourdin y Helmut Newton. El tema principalmente abordado por la artista radica en la potenciación del poder de la mirada femenina, así como su capacidad de explotar el erotismo, que, a veces percibido de manera provocativa, alude a la emancipación del sexo justo, narrándola a través de la Evocación de un punto de vista glamoroso, destinado a presentar elementos visuales que sean a la vez tranquilos y fuertes. Esta narrativa toma forma, tanto en blanco y negro como en color, en composiciones clásicas y atemporales, así como en tomas dinámicas y divertidas. En cuanto a este último aspecto, su trabajo se caracteriza por presentar un enfoque lúdico, destinado a tranquilizar a los modelos, fomentando actitudes positivas y un tanto espontáneas, que llevan al fotógrafo y al sujeto a explorar juntos los temas del fetichismo, la sexualidad y la feminidad, al mismo tiempo que intentan para revelar la personalidad de la efigie.

7. Tim Walker

Timothy Walker es un fotógrafo de moda británico nacido en 1970 que, expresándose regularmente para revistas como Vogue, W y Love, explicita un punto de vista ciertamente dispuesto a atraer la atención de todos aquellos que se niegan a crecer, esperando ver realizó los sueños que se hicieron realidad en sus cuentos de hadas favoritos. De hecho, los planos de Walker, mediante el uso de colores principalmente suaves, se caracterizan por dar rienda suelta a una imaginación infantil, dispuesta a adoptar la apariencia de historias encantadas y, al mismo tiempo, delicadas, que llevan al observador a alejarse. de los rígidos patrones mentales del mundo adulto. Casi parece que el artista le haya hecho la cita de Irving Penn: "La fotografía de moda se trata de vender sueños y no ropa", para acercar la vida cotidiana a la magia de una manera surrealista, pero bastante creíble. Este encanto, sin embargo, no es el resultado de la manipulación digital que el fotógrafo evita, hasta el punto de que lo que aparece en la toma fue auténticamente compuesto en el set, exclusivamente en tamaño natural. De ello se deduce que el espectador se siente "érase una vez", es decir, capaz de experimentar esas sensaciones olvidadas, dispuesto a hacerle volver a vestir las alas de la fantasía...

8. Roxanne Lowit

Roxanne Elizabeth Lowit (1942-2022) fue una fotógrafa estadounidense de moda y celebridades, cuyo principal deseo era no perder ningún detalle, fijarlo en imágenes, encaminadas a darle rostro a una época, deteniéndola en momentos eternos. Su visión presenta una peculiaridad específica, que es la de permitir al observador entrar en la esfera privada, íntima y personal de los sujetos representados, accediendo también al codiciado backstage del mundo de la moda. En su investigación figurativa se fusionan dos componentes en particular, como el hedonismo y el glamour, a menudo expresados también desde un punto de vista nocturno. Sin embargo, las peculiaridades del mundo que retrató sólo fueron posibles de captar en el momento en que practicaba principalmente, ya que, refiriéndose a sus propias palabras, la fotógrafa explicó cómo: "Entonces definitivamente hubo más alegría. Las modelos realmente tenían grandes personalidad y gran encanto. Hoy en día encuentro que las chicas son más o menos iguales... las top models realmente lo tienen todo resuelto".

9. David LaChapelle

David LaChapelle es un fotógrafo y director estadounidense nacido en 1963, que ha trabajado en el campo de la moda, la publicidad y en un sentido más amplio de la fotografía artística, expresándose a través de un punto de vista pop muy personal, que tomó forma en la fusión de temas principalmente eróticos, purpurinos, sagrados y mitológicos. Estos temas encuentran su realización en fotografías que parecen pinturas, destinadas a dar forma a los sueños del artista, que ciertamente también remiten a las enseñanzas del surrealismo. A través de este último aspecto fue posible concretar un lenguaje en el que se fusionan espiritualidad y provocación, dentro de una mezcla que parece incorporar cuentos de hadas y kitsch, pero también el ejemplo de Miguel Ángel, Botticelli, Dalí y Koons, que se traduce a través de el uso de colores translúcidos e imágenes brillantes ricas en alegría y blasfemia. Del mismo modo, se hace explícita la referencia al culto a las celebridades, al consumismo y su consecuente voracidad expresiva, sin olvidar cómo LaChapelle declaró sentir una especial admiración por maestros del calibre de Andrea Pozzo y Caravaggio, considerando además que su El trabajo probablemente estuvo influenciado por el trabajo de Salvador Dalí, Jeff Koons, Miguel Ángel, Cindy Sherman y Andy Warhol.

10. Annie Leibovitz

Sin título (2017): foto de Leibovitz que explica en parte su punto de vista expresado en la fotografía de moda, representado, en este caso particular, por la portada de la edición de Hollywood de Vanity Fair, en la que once estrellas posan con ropa de diseñador, que presenta colores coordinados, mientras se destaca contra el telón de fondo de un estudio de cine. Los sujetos de la composición están dispuestos, ya sea de pie, sentados o acostados, pareciendo unidos sólo por el hecho de que cada uno de ellos dirige su mirada al objetivo, presentando una expresión impasible. La portada parece decididamente glamurosa y elegante, aunque, al aparecer cada año con diferentes protagonistas, según la costumbre de los Oscar, también es algo efímera e intercambiable. Sin embargo, es este tipo de retratos grupales de celebridades los que han contribuido a hacer famosa a la fotógrafa, conocida por su capacidad de generar interés visual gracias a su inteligente disposición de los sujetos, así como de las luces y el atrezzo. Todo es el resultado de una gran reflexión y planificación, que se opone idealmente a la superficialidad del culto a los personajes famosos, aunque es también a través de esta ligereza como es posible conocer el momento cultural en el que tomó forma un plano...