Arte húngaro: introducción en 5 puntos
Raíces: La mayoría de los historiadores creen que el pueblo húngaro surgió alrededor del 895 d. C. bajo el liderazgo del príncipe Árpád, una época en la que también se desarrollaron sus primeras formas de expresión artística. En el período posterior a la conquista de Árpád, se generalizó el uso de motivos ornamentales, utilizados para decorar tanto la ropa como el equipamiento de los caballos, destacando el tema de la palmeta. Lo descrito siguió siendo popular hasta el siglo XI.
Del románico al gótico: el arte del reino húngaro medieval se presenta como un entrelazamiento de culturas que se sucedieron en el estado milenario de la cuenca de los Cárpatos. Esto da como resultado una mezcla de los estilos esteparios originales y el arte románico europeo contemporáneo. Este encuentro generó un estilo arquitectónico que recuerda particularmente al arte vikingo y celta escandinavo. En cuanto al gótico, llegó a Hungría a finales del siglo XIV, influyendo en la arquitectura, la pintura y la escultura. En pintura, durante esta época fueron muy populares los frescos que representan la leyenda de San Ladislao, dedicados al rey del mismo nombre y que se encuentran en muchas iglesias.
Renacimiento: la influencia italiana se hace bastante evidente en las artes. Esto se debe a la fuerte conexión que el rey Matías Corvino de Hungría estableció con la Península Italiana durante su reinado.
Barroco, neoclasicismo y secesionismo: la mayoría de los edificios que podemos admirar hoy en Hungría son de estilo barroco, que ganó prominencia en el país después de la expulsión de los otomanos en 1686. Los ejemplos de edificios neoclásicos son el resultado de un renacimiento de la antigua Tradiciones griegas tras la era de las reformas. El triunfo de la popularidad del estilo secesionista posterior queda evidenciado en arquitecturas como la del Museo de Artes Aplicadas (Ferencváros, Hungría), diseñado por uno de los más grandes arquitectos de la época, Ödön Lechner.
JACUZZI NO2Pintura de Tibor Simon-Mazula
JUEGO DE SOMBRA III. (2023)Pintura de László Barna
El siglo 20
La introducción al mundo del arte húngaro nos ha permitido llegar donde queríamos estar: el siglo XX, las vanguardias y sus artistas más famosos. En este contexto específico, los maestros húngaros se mostraron particularmente activos y receptivos a todas las innovaciones artísticas provenientes principalmente de Europa occidental en ese momento. Durante este período, los artistas húngaros se distinguieron, entre ellos pintores fauvistas como Béla Czóbel, Dezső Czigány, Bertalan Pór, así como artistas de vanguardia como Gyula Tornai, Gyula Benczúr y Sándor Bihari. Posteriormente, durante la era socialista, hubo una producción artística más experimental, crítica y provocadora, alineándose con una facción activista occidental de carácter templado. Finalmente, el colapso del régimen condujo a una nueva libertad y apertura al arte occidental. ¡Ahora es el momento de presentar, en orden cronológico ascendente según sus fechas de nacimiento, algunos de los artistas húngaros más influyentes del siglo XX!
TRABAJO DURO (2024)Pintura de Peter Duhaj
André Kertész
¿Quién revolucionó la composición fotográfica y el ensayo fotográfico con aportaciones pioneras de carácter lírico, elegante y riguroso? ¡André Kertész! El fotógrafo húngaro nacido en 1894, sin embargo, no encontró inmediatamente el reconocimiento que merecía porque al principio no se entendieron bien sus ángulos poco convencionales y su estilo más espontáneo, más que precisión técnica. Sin embargo, actualmente se le considera una de las figuras fundamentales de la fotografía del siglo XX, como lo ejemplifica su obra "Fork" (1918). Este tema pretende yuxtaponer lo bello con lo simple, conceptos iluminados en su esencia cotidiana y resaltados por la presencia de sombras dramáticas colocadas debajo del tenedor. Esto crea casi la impresión de una composición abstracta, aunque la naturaleza del utensilio se muestra explícitamente. ¿Qué podemos deducir de esto? Sin duda, el poder del medio fotográfico, capaz de transformar una simple herramienta en un objeto con un gran potencial poético.
László Moholy-Nagy
László Moholy-Nagy (1895 – 1946) fue un pintor y fotógrafo húngaro, además de profesor en la escuela Bauhaus. Este maestro modernista estuvo influenciado por el dadaísmo, el constructivismo, el suprematismo y los debates sobre la fotografía, lo que le dio un enfoque más práctico, experimental y tecnológico. Hablando de uno de sus cuadros, podemos hacer referencia a la famosa "Konstruktion in Emaille 1" (Construcción en Esmalte 1, también conocida como Pintura Telefónica) (1922-23), una composición geométrica abstracta que toma forma en forma de una gruesa barra vertical negra sobre un fondo blanco. Lo que se acaba de describir va acompañado de la presencia de un pequeño rectángulo horizontal amarillo, rodeado de rojo, que aparece detrás de una línea vertical roja. Además, se coloca una figura similar en forma de cruz en la esquina superior derecha del lienzo, creando profundidad en la composición. Si bien estos componentes más pequeños de la obra maestra parecen acercarse progresivamente al espectador, las formas más grandes permanecen estáticas, aludiendo al orden minimalista más típico. Finalmente, la obra, por sus características, muestra afinidades tanto con el constructivismo como con el movimiento holandés De Stijl contemporáneo.
BALLET 2. (2020)Escultura de Kristof Toth
Brassai
Brassaï (1899 – 1984), fotógrafo, escultor, medallista, escritor y cineasta húngaro-francés, alcanzó fama internacional en la Francia del siglo XX. Lo que lo hizo famoso fue su exploración fotográfica de la vida nocturna parisina, recopilada en el libro "París de noche". Sin embargo, como fotógrafo y fotoperiodista, contribuyó principalmente al ámbito de la fotografía vernácula, aunque su trabajo a menudo se sitúa entre la fotografía callejera y el arte surrealista. Para representar sus temas, vistos principalmente como resultado de su curiosidad por los fenómenos de urbanización de la época, me remito a la siguiente fotografía: "El arroyo serpenteando por la calle vacía" (1930-32). Esta fotografía pone de relieve el interés del fotógrafo por el tema de la calle, iluminada por luz eléctrica, dispuesta a revelar la acera en todos sus detalles. Siguiendo estos intereses, las ciudades de noche se inmortalizan a través de dos principios básicos: la disciplina sistemática del plano y una visión y sensibilidad poéticas. De hecho, sus fotografías fueron descritas por Christian Bouqueret así: Brassaï es el fotógrafo "de un mundo nuevo", "donde la noche ya no es noche y donde la luz irrumpe brutal y ruidosamente [...] haciendo visibles cosas que antes sólo eran especulaciones."
Marcel Breuer
Marcel Lajos Breuer (1902 - 1981) fue un arquitecto y diseñador de muebles modernista húngaro-alemán, cuya carrera abarcó todos los aspectos del diseño tridimensional, desde objetos hasta edificios. En particular, él, estudiante y luego profesor en la Bauhaus, es mejor conocido por sus diseños de sillas icónicas, donde era evidente su gran interés en probar los últimos avances tecnológicos para romper con las convenciones y lograr resultados notables. En cuanto a su sillón Club (modelo B3) (1927-28), fabricado en cuero y tubos de acero, es nada menos que icónico, aunque fue creado durante la época en que el artista aún era aprendiz en la Bauhaus. Estilísticamente, la silla se inspira en los principios constructivistas del movimiento De Stijl y reinterpreta la idea de cuadro de bicicleta de forma esencial, adhiriéndose a los principios de funcionalidad y simplicidad.
LÁNY FÁCÁNNAL (2022)Pintura de Attila Karácsony
Victor Vasarely
Victor Vasarely (1906 – 1997), el "abuelo" y líder del movimiento Op art, fue un artista húngaro-francés ampliamente conocido por sus obras que presentan efectos óptico-geométricos logrados mediante una combinación de precisión técnica virtuosa y una reconocida conciencia científica. De hecho, su arte pretende jugar con el sentido visual del espectador creando efectos ilusorios y múltiples profundidades, perspectivas y movimientos. El aspecto más importante pasa a ser el acto de mirar, comparando lo que realmente vemos con lo que está verdaderamente presente. En "Zebra" (1937), los dos animales representados se entrelazan sobre un fondo negro, dando a la composición profundidad junto con intimidad, energía y sensualidad. La sensación general de movimiento se ve reforzada por el hecho de que los animales carecen de contornos, pero están definidos por franjas onduladas en blanco y negro, lo que hace que todo parezca en constante movimiento. En este uso de efectos ópticos, "Zebra" a menudo se ha considerado una de las primeras obras del Op Art.
Roberto Capa
Robert Capa, fotógrafo de guerra y fotoperiodista húngaro-estadounidense nacido en 1913, solía utilizar una cámara pequeña para acercarse a zonas de acción peligrosas y representar los efectos devastadores de la violencia. Además, sus fotografías de guerra, creadas para contar historias y capturar la esencia de los sujetos, son conocidas por su patetismo. Sigue siendo un modelo a seguir para quienes se dedican a esta rama de la fotografía hasta el día de hoy. Una de las tomas más emblemáticas de Capa es sin duda "El soldado que cae" (1936), obra que capta a un soldado recién alcanzado por un disparo mortal, cayendo de espaldas en un campo desolado, soltando poco a poco también su rifle. La fotografía captura verdaderamente lo que Henri Cartier-Bresson llamó el "momento decisivo", en el que se percibe tanto el movimiento de la caída como la quietud de la muerte. Finalmente, la dramática composición de la fotografía, ahora ampliamente considerada como la fotografía de guerra más famosa jamás tomada, recuerda los brazos extendidos del soldado, que recuerda a "El 3 de mayo de 1808" (1814) de Francisco Goya.
SZENVEDÉLY (2023)Pintura de Rékai Zsolt
Simon Hantai
Simon Hantaï (1922 – 2008) fue un pintor francés naturalizado, nacido en Hungría, generalmente asociado con el arte abstracto. Sus obras, incluidas las pinturas "pliage", son el resultado de una fusión de automatismo surrealista y gestos expresionistas abstractos. Este particular método de creación artística caracterizó la mayor parte de su carrera y adoptó diversas formas. En cuanto a la técnica en cuestión: en el "pliage", el lienzo se pliega en diversas formas, luego se pinta y se desdobla, dejando al descubierto partes del soporte desprovistas de color. Como ejemplo de su obra, "Sin título [Suite 'Blancs']" (1973) fue creada utilizando el método "pliage", en este caso anudando partes del lienzo sin estirar, aplicando pintura y luego soltando el soporte.
Dora Maurer
Dóra Maurer es una artista visual húngara nacida en 1937, conocida por expresarse a través de casi todos los medios artísticos, incluida la fotografía, el cine, la pintura, la performance y la escultura. Experimenta con un lenguaje contemporáneo y modernista que toma forma a través de procesos matemáticos y sistemas complejos, con el objetivo de ofrecer diferentes opciones al espectador, quien debe decidir cómo responder y actuar de forma independiente. En cualquier caso, el trabajo del artista implica a menudo descomponer acciones simples, permitiendo al espectador contemplar los componentes del movimiento. Al describir una obra específica, "Hétpróba" (Siete pruebas) es un retrato íntimo de la cantante y madre Póka Eszter y sus cuatro hijos adolescentes. La voz fuera de pantalla de Maurer acompaña a cada miembro de la familia mientras se les pide que respondan a una serie de desafíos divertidos, que revelan pensamientos privados y dolorosos. Esta narrativa está casi desdramatizada por las estrategias cinematográficas de Maurer, a través de las cuales los personajes son diseccionados, repetidos, reformateados, pausados y distorsionados, para hacernos centrarnos más en sus conexiones y diferencias.
Olimpia Gaia Martinelli
