Tsanko Tsankov - Galería Maestro, Silencio blanco , 2020. Óleo sobre lienzo, 80 x 110cm.
La historia de la desnudez femenina en el arte nunca es la misma, ya que diferentes sociedades y culturas han aceptado escenas de desnudos en diversos grados a lo largo de los siglos y milenios. De hecho, la desnudez en el arte refleja las normas sociales de un tiempo y lugar determinados, refiriéndose a las formas en que se representan las cosas, indeleblemente vinculadas a la concepción de lo que está bien o mal representar. En cualquier caso, aunque la desnudez suele asociarse a la sexualidad más escandalosa, también puede tener otros significados, tanto que se vincula a interpretaciones derivadas del ámbito de la mitología y la religión, así como del estudio de la anatomía y la expresión de la belleza ideal y la perfección estética. Estos múltiples enfoques han determinado cómo el desnudo femenino ha sido y sigue siendo objeto de diferentes modos de representación dentro de la historia del arte occidental.
Jean-Pierre André Leclercq, Courbes 12 , 2008. Dibujo, Pastel sobre Cartón, 60 x 80cm.
El desnudo femenino: entre el arte y la obscenidad
Aunque algunos de los tipos de representaciones del cuerpo femenino antes mencionados parecen claramente artísticos y poco escandalosos, en la mayoría de las sociedades del pasado las mujeres, probablemente porque disfrutaban de menos derechos que los hombres, rara vez estaban liberadas de una representación predominantemente asociada con la sexualidad. Precisamente por eso, parece probable que sólo cuando las mujeres adquirieron mayores derechos políticos el desnudo femenino fue aceptado de manera oficial y progresiva en el art. La historia de la representación del cuerpo femenino parece así ir de la mano con la de la emancipación, cuyas etapas figurativamente marcadas principalmente por el arte griego, italiano y francés. Es precisamente a través de estos puntos de vista que se hará evidente cómo el papel de la mujer desnuda en el arte es único, en perpetuo equilibrio entre el arte y la obscenidad. Esto significa que cuando un artista comienza a mostrar una mujer desnuda, automáticamente camina por el filo de la navaja entre la representación artística y la "pornográfica".
Brigitte Derbigny, Vénus mama , 2020. Dibujo, acrílico, spray, lápiz y rotulador sobre papel. 100 x 70 cm.
1. Prehistoria: el desnudo de la fertilidad y el desnudo "realista"
En el arte paleolítico, la desnudez femenina estaba íntimamente ligada al culto a las deidades de la fertilidad. Esto es evidente en las primeras representaciones de la forma del cuerpo humano femenino, que se denominan "Venus paleolíticas", caracterizadas por los rasgos prominentes de mujeres obesas con caderas y senos anchos, que sobresalen o cuelgan hacia abajo. La mayoría de ellos datan del período Auriñaciense y están hechos de piedra caliza, marfil o esteatita. Las más famosas, además de la Venus de Willendorf, son la Venus de Lespugue, la Venus de Savignano, la Venus de Laussel y la Venus de Doln Vstonice. Hablando de pintura, por otro lado, el desnudo femenino aparece incluso desde el arte rupestre, especialmente en el norte de España (área franco-cantábrica) y la cuenca mediterránea, donde los sujetos femeninos son plasmados dentro de escenas comunitarias de caza o rituales y bailes En estos últimos contextos, las mujeres son inmortalizadas de una manera realista más estilizada, como en el ejemplo de Tassili n'Ajjer.
El arte rupestre prehistórico de Tassili N'Ajjer, Argelia. Crédito de la foto: Patrick Gruban/Wikimedia.
Pinturas rupestres del Tassili n'Ajjer
El Tassili n'Ajjer es una cadena montañosa situada en el sureste de Argelia, cerca de la frontera con Libia. Gran parte de esa meseta, que alberga cipreses y sitios antiguos, está protegida por un Parque Nacional, una Reserva de la Biosfera y un Sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO. En cuanto a la desnudez femenina, el Tassili n'Ajjer es conocido por su arte rupestre que, que data de entre 9000 y 10 000 años, muestra principalmente manadas de bestias, grandes animales salvajes como elefantes, jirafas y cocodrilos, y personas haciendo cosas como cazar. y bailando. En este contexto, es interesante observar la imagen de cinco mujeres con los senos desnudos, cabello alto, con físicos extremadamente "realistas", tratando de descansar y hablar casualmente.
Pictor Mulier, Cleopatra desnuda con su leopardo , 2017. Acrílico sobre madera, 80 x 60 cm.
2. Antiguo Egipto: belleza para llevar al más allá
Es importante señalar un elemento fundamental de la cultura figurativa del antiguo Egipto: en las obras de la época, es bastante raro encontrar mujeres representadas en sus años posteriores o maduros. De hecho, los personajes femeninos se representaban esbeltos, bellos y en su mejor momento, rasgos que, precisamente por haber sido inmortalizados por el arte, se esperaba que pudieran ser asumidos por la efigie incluso en el más allá. En general, el arte egipcio era cualquier cosa menos realista, ya que esta civilización estaba extremadamente preocupada por cómo se percibía. De hecho, casi no hay imágenes de mujeres embarazadas o cuerpos femeninos después del parto, para poder inmortalizar exclusivamente a las personas en el apogeo de su belleza y juventud. Sin embargo, en el Tercer Período Intermedio, los estudiosos notaron un cambio en el estilo artístico dirigido a representar a las mujeres. Fue precisamente en esa época cuando apareció un tipo de cuerpo más redondeado, engrosado, con senos más grandes y caídos. En cuanto al cuerpo descubierto, en cambio, la desnudez era normal en esa época, tanto que ciertas posiciones sociales, así como algunas tareas específicas, como la pesca y el trabajo manual, requerían que el cuerpo estuviera desnudo. Hablando de trabajo, los sirvientes, bailarines, acróbatas y prostitutas andaban total o casi completamente desnudos, como lo demuestran los "bailarines desnudos" representados en una pintura de la tumba de Nebamun (c. 1350 a. C.).
Fresco de la tumba de Nebamun, bailarines y músicos, XVIII dinastía. Londres: Museo Británico.
La Tumba perdida de Nebamun fue un antiguo cementerio egipcio de la XVIII Dinastía, que se encontró en la necrópolis tebana en la orilla occidental del Nilo, un lugar hoy identificable con la actual ciudad de Luxor (Egipto). De esta tumba proceden algunas famosas escenas funerarias decoradas, que actualmente se pueden admirar en el Museo Británico de Londres. En este último lugar es posible admirar las paredes estucadas de esa tumba, cubiertas de vívidos frescos, que muestran escenas idealizadas de la vida de la época y sus actividades. Entre ellos, algunos de los cuadros más famosos resultan ser los que representan escenas de caza y bailarinas semidesnudas en un banquete.
Monika Mrowiec Monika Mrowiec, Venus de Milo , 2021. Pintura, Aerosol / Acrílico / Tinta / Óleo sobre Lienzo, 140 x 90cm.
3. Antigua Grecia: el cuerpo como el de Afrodita
En la antigua Grecia, la mujer ideal debía tener formas suaves, realzadas por glúteos redondos, cabello largo con ondas y un rostro hermoso e impecable. Tales requisitos convenían a una época en que tener más grasa en el cuerpo significaba ser rico, es decir, poder permitirse el lujo de comer bien, distinguiéndose de las clases sociales más bajas y hambrientas. En este contexto, Afrodita, diosa del amor, el sexo, la belleza y la fertilidad, era representada con rostro redondo, grandes pechos y cuerpo en forma de pera. El modelo figurativo indiscutible de tales cánones es la Afrodita cnidia de Praxíteles, obra que, al mismo tiempo, es muy importante ya que fue la primera en romper moldes al introducir el desnudo femenino en el arte griego. De hecho, la sociedad griega había representado predominantemente el sexo masculino, limitando la desnudez femenina a escenas de cautiverio, sumisión y pequeña escala.
Atribuido a Onésimo (griego (ático), activo entre 500 y 480 a. C.), pintor Kylix de figuras rojas en el ático , alrededor de 490 a. C. Terracota, 8,5 × 36,9 cm (3 3/8 × 14 1/2 pulg.) Museo J. Paul Getty , Colección Villa, Malibú, California, 82.AE.14
Kílix ático de figuras rojas de Onésimo
Un ejemplo de estos primeros acercamientos al desnudo femenino en la pintura es el Kylix ático de figuras rojas, atribuido a Onésimo (500 - 480 a. C.), una obra en la que una mujer reclinada y desnuda toca kottabos, una actividad popular en el simposio masculino. festival. De hecho, siguiendo la tradición del evento, la niña con el asa de una copa honda (skyphos), sujeta a su dedo índice, intenta arrojar las sobras del fondo de la copa hacia un objetivo lejano. En este contexto, sin embargo, es importante señalar que, en realidad, el simposio fue exclusivamente para hombres, por lo que las presencias femeninas solían estar en el lugar para entretener a los hombres. Efectivamente, la desnudez de las mencionadas hubiera sido demasiado subida de tono para las mujeres respetables de Atenas, pero podría haberse permitido a las esclavas contratadas como prostitutas, o a las "etere", mujeres adineradas que enriquecían la velada de copas masculinas cantando, hablando , y mostrando atractivo sexual.
Tito Villa, mural de Pompeya , edición abierta. Artes digitales, impresión giclée / Impresión digital, varios tamaños disponibles.
4. El mundo romano: el arte erótico de Pompeya y Herculano
El arte erótico en Pompeya y Herculano salió a la luz a través de una larga serie de excavaciones arqueológicas que comenzaron en el siglo XVIII. Esta misma actividad reveló cómo dicho sitio era rico en arte erótico, representado tanto en forma de frescos como de esculturas. Las peculiaridades de tales temas indican que las costumbres romanas eran más liberales que en la mayoría de las culturas que conocemos, aunque debe enfatizarse que muchas de las que nos pueden parecer imágenes exclusivamente eróticas podrían ser, de hecho, símbolos de la fertilidad de la naturaleza en el mundo. sentido más amplio, así como talismanes de buena suerte y auspiciosidad.
Venus en una concha , fresco. Pompeya: Casa de la Venus en una concha.
Fresco de la Venus en una Concha - Pompeya
La Casa de la Venus en Concha, un sitio descubierto entre 1933 y 1935, presenta un gran peristilo, que es esencialmente el centro de la domus. Esta misma habitación estaba dominada por las distintas estancias de la casa, con paredes decoradas al estilo pompeyano IV. En realidad, sin embargo, la casa lleva el nombre de su fresco más famoso, a saber, la Venus en una concha, que, en comparación con el erotismo que prevalecía en la antigua ciudad romana, resulta bastante recatado. De hecho, la Venus desnuda simplemente yace en un caparazón, mientras está acompañada en el acto del nacimiento por un cupido y un niño, presumiblemente el bebé Marte.
Miguel Rojas, Adán Eva , 2022. Dibujo, Tinta sobre Papel, 20,5 x 12,5cm.
5. Edad medieval: la desnudez de Eva
En la época medieval, a raíz de la difusión de la cultura derivada del cristianismo, el cuerpo comenzó a cobrar intensidad como templo sagrado del alma, que debía ser preservada a toda costa de los impulsos carnales, presagios de graves pecados a los ojos de Dios. A pesar de tales suposiciones, el vicio siguió campando a sus anchas, tanto que fue en la sensualidad del cuerpo femenino, derivado de la pecadora Eva, que se identificó al diablo y la personificación de la lujuria. Por esta razón, la época medieval presenta muchas obras, que representan a la progenitora, a menudo representada en su desnudez ingenua e inmadura, ya capaz de agarrar la manzana del pecado.
Masaccio, Expulsión de los progenitores del Edén , 1424-25. Fresco, 214 x 88 cm. Florencia: Capilla Brancacci (iglesia de Santa Maria del Carmine).
Expulsión de los progenitores del Edén (1424-1425) por Masaccio
La Expulsión de los progenitores del Edén es un fresco de Masaccio, ubicado en la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia. Muestra a Adán y Eva después de haber quebrantado las reglas de Dios y así haber comido el fruto del conocimiento. De hecho, se les muestra desnudos e indefensos mientras son sacados del Paraíso Terrenal. En realidad, sin embargo, es bueno resaltar cómo, en el relato de la Biblia, Adán y Eva atravesaron vestidos el umbral del Paraíso.
Masolino, Tentación de Adán y Eva , 1424-25. Fresco, 260 x 88 cm. Florencia: iglesia de Santa Maria del Carmine.
Tentación de Adán y Eva (1424-25) de Masolino
En la misma capilla que la Expulsión de los progenitores del Edén de Masaccio, hay otra obra de tema "relacionado": La tentación de Adán y Eva o el pecado original, obra de Masolino de hacia 1424-1425. El fresco muestra una escena famosa del Antiguo Testamento, concretamente cuando la serpiente del libro del Génesis intenta convencer a Adán y Eva de que rompan las reglas. Este episodio, ambientado en el gótico tardío, se caracteriza por la luz, que modela las figuras de forma suave y envolvente, como si emanaran un resplandor difuso. Además, el fondo oscuro realza la plasticidad sensual de los desnudos de las dos pecadoras.
Nagy Peter, Venus , 2021. Pintura, Acrílico / Rotulador sobre Lienzo, 40 x 50 cm.
6. La época del Renacimiento: el comienzo de la sensualidad
Desde finales de la Edad Media hasta principios del Renacimiento, los cánones de belleza de la mujer cambiaron radicalmente: se pasó de modelos pálidas y flacas con los pechos apenas visibles a féminas carnosas de anchas caderas y labios y mejillas pintadas de rojo. La mayoría de los mecenas de la época no pudieron resistirse a tales cánones estéticos, tanto que exigieron temas sagrados como excusa para contemplar la citada sensualidad. En este contexto cristiano, la desnudez se convirtió cada vez más en un signo de santidad, pureza y mortificación del cuerpo, y, si se entendía fuera de este ámbito, se interpretaba como una referencia evidente a la lujuria y lascivia más inescrupulosas. Del mismo modo, en ese momento los desnudos eran aceptados, y no demonizados, si estaban vinculados a una alegoría específica o la recreación de un evento mitológico. Un ejemplo de lo anterior es la criatura celestial y asexual de la Venus de Botticelli, una obra que contrasta radicalmente con las tendencias del Renacimiento tardío, bien ejemplificada por la Venus de Urbino más “provocadora” de Tiziano.
Sandro Botticelli, Nacimiento de Venus , 1485. Témpera sobre tabla, 172,5 x 278,5 cm.
El nacimiento de Venus (1476-1487) de Sandro Botticelli
En el centro de la pintura, Venus, de pie sobre una concha que emerge del agua, parece moverse como si flotara suavemente sobre las olas. La diosa está desnuda, rodeada en el lado derecho del lienzo por Céfiro, quien, decidido a sujetar a la ninfa Clori, sopla hacia Venus. La idea de esta obra maestra fue tomada de las Metamorfosis de Ovidio. De hecho, el escritor latino cuenta que Venus, diosa romana del Amor, nació directamente de la espuma del océano, frente a las costas de la isla de Chipre. Es precisamente en este último destino que parece aterrizar la diosa de Botticelli, maestra, quien, en la concepción de tal obra maestra, se inspiró en la cultura neoplatónica imperante en la Florencia de la época, dentro de la cual triunfa el pensamiento , según el cual, el amor representa un principio vital y la fuerza de renovación de la naturaleza.
Tiziano Vecellio, Venus de Urbino , 1538. Óleo sobre lienzo, 119 x 165 cm. Florencia: Galería Uffizi.
Venus de Urbino (1538) de Tiziano Vecellio
La Venus de Urbino es un cuadro perfectamente equilibrado, cuya composición no desmerece la naturalidad sensual de la efigie, retratada sin ropa mientras se encuentra recostada sobre un colchón cubierto de tela con motivos florales y una sábana blanca encima. En este contexto, Venus, que luce preciosos detalles y lleva el pelo parcialmente recogido hacia atrás formando un coletero que corona la nuca, se apoya en dos almohadas para sujetar la parte superior del cuerpo. El rostro de la diosa, que cubre sensualmente su pubis con la mano izquierda, está vuelto hacia delante, como si quisiera mirar directamente al espectador. En la habitación que alberga a Venus, ricamente amueblada en estilo renacentista, también se vislumbra la presencia de un pequeño perro y dos criadas, atentas a sacar ropa de un arcón. Interpretando con más precisión las intenciones de Tiziano, la obra fue creada a instancias de Guidobaldo, que deseaba utilizar la obra maestra como ejemplo de vida conyugal para proponerle matrimonio a su esposa Giulia da Varano. Por lo tanto, para satisfacer al mecenas, el artista italiano actualizó la figura clásica de Venus, estirándola en un escenario del siglo XVI y convirtiéndola en portadora de un mensaje moral innovador. De hecho, la presencia de rosas alude a la belleza, mientras que la del perro hace referencia a la fidelidad, una peculiaridad menos afímera, pero esperemos que más duradera.
Niko Sourigues, Desnudo de pie , 2017. Óleo sobre lienzo, 41 x 33 cm.
7. Manierismo y Barroco: la sensualidad de la torsión y el dinamismo
El manierismo es una corriente artística, primero italiana y luego europea, cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Los desnudos femeninos de esta corriente figurativa se ubicaron predominantemente dentro de composiciones complejas, estudiadas hasta el punto de ser artificiales, ya que están marcadas por distorsiones de perspectiva construidas, en las que la disposición excéntrica de los sujetos, representada a través de la típica figura serpentina, se realiza como el se destaca el dinamismo de una llama de fuego. A la sensualidad "retorcida" se suma un uso certero de la luz, destinado a enfatizar expresiones y movimientos, a costa de ser a veces poco realista. Vale la pena destacar cómo tales peculiaridades serán heredadas por el período barroco posterior y relacionado, dentro del cual, el desnudo femenino, aún más erótico por la acentuación de la sensualidad manierista, continuó siendo explotado para inmortalizar temas principalmente mitológicos y alegóricos.
Bronzino, Alegoría con Venus y Cupido , 1540-45. Óleo sobre tabla, 1,46 x 1,16 m. Londres: Galería Nacional.
Alegoría con Venus y Cupido (1540 1545) de Bronzino
"Venus desnuda con Cupido besándola, y Placer por un lado y Goce con otros amores, y por otro lado Fraude, Celos y otras pasiones de amor". La descripción de Giorgio Vasari nos introduce en la Alegoría con Venus y Cupido de Bronzino, obra encargada hacia 1540 por Cosme I, segundo y último duque de la República Florentina, que quería rendir homenaje, mediante el obsequio de la citada obra maestra, al Rey de Francia Francisco I, para ganarse oportunidades políticas ventajosas. Es precisamente esta intención la que hace que la obra, que inmortaliza a Venus venciendo a Cupido, aún no esté clara en su significado, tanto que el tema representado puede haber sido elaborado por un literato, probablemente miembro del próspero medio cultural del siglo XVI. Corte de los Médici del siglo. Hablando de la descripción de la obra maestra, el óleo representa a Venus y Cupido, los protagonistas indiscutibles del cuadro, quienes han sido inmortalizados sin ropa, mientras sus cuerpos, tan fríos que parecen esculturas de cera, se entrelazan armoniosamente entre sí, tanto de modo que la diosa parece asumir la pose contorsionada de una serpiente sensual. En este ambiente lánguido Venus y Cupido vienen a besarse, mediante una relación confusa, demasiado sensual para ser una manifestación del casto amor entre madre e hijo. A la ambigüedad de los dos protagonistas se suma la de los personajes que los rodean, así como las máscaras que descansan en el suelo. En efecto, el monstruo con rostro de doncella, que tiene en una mano un dulce panal y en la otra un aguijón venenoso, se convierte en probable personificación del "engaño", mientras que las máscaras aluden al hecho de que todo en esta escena es un acto. Justo, Venus y Cupido, bien observados, revelan su inminente traición: mientras se besan, ella saca una flecha de su aljaba y él, al mismo tiempo, está a punto de robarle la diadema de los cabellos.
Peter Paul Rubens, Venus en el espejo, 1613/14. Cuadro. Viena: Museo de Liechtenstein.
Venus en el espejo (1613-14) de Peter Paul Rubens
En la sensual obra maestra del maestro flamenco, el espejo se utiliza para mostrar la belleza de la diosa desde diferentes puntos de vista. Tal estratagema de perspectiva tiene lugar en una escena de la vida privada, dentro de la cual la diosa se muestra de espaldas usando solo un velo blanco, que rodea sus caderas. Es precisamente a través del espejo volcado, sostenido por un cupido, que se puede conocer el rostro perfecto de Venus, distinguido por su óvalo regular, avivado por la presencia de mejillas sonrosadas y una mirada concentrada, que se acompaña de un indicio de una sonrisa. La sensualidad de este ambiente voyeurista se ve realzada por el movimiento sinuoso de la larga melena rubia, cuidadosamente trabajada como si se tratara de finas hebras de oro. Finalmente, esta obra maestra resulta estar claramente inspirada en Tiziano y Veronese, ya que la luz cálida y los colores brillantes crean contrastes de color sorprendentes diseñados para resaltar aún más la belleza de la diosa.
Naïs Philip, Venus , 2020. Óleo sobre lienzo de lino, 97 x 146 cm.
8. Romanticismo y Realismo: un poco explícito
El desnudo femenino, a partir de la segunda mitad del siglo XVIII, es decir, coincidiendo con el advenimiento del Siglo de las Luces, se desvincula del mito, tal como lo demuestra, por ejemplo, la investigación artística de François Boucher que, en obras como Brown Odalisque (1745) y Fragonard (1765-72), pintaron mujeres jóvenes ordinarias atrapadas en escenarios íntimos y muy sensuales. Esta narrativa libre y audaz de la feminidad continuó con gran éxito en el romanticismo y el realismo. En el primero de los dos últimos movimientos artísticos, el desnudo femenino se volvió muy expresivo, ya que el romanticismo enfatizó fuertemente el color para lograr representaciones más dramáticas, a propósito de sujetos que exploran múltiples temas, como orientalista, extraño, misterioso, trágico, heroico y extremadamente pasionales, encaminadas a exaltar la más pura libertad de expresión del ser humano. En cuanto al realismo, en cambio, queda bien resumido a través del análisis de la investigación figurativa de Gustave Courbet, padre del movimiento que superó los "errores románticos y clasicistas" para dar mayor fidelidad a la representación de lo real. datum en el desnudo, superando esa concepción idealizada del cuerpo femenino.
Jean-Auguste-Dominique Ingres, La gran odalisca , 1814. Óleo sobre lienzo, 91 x 162 cm. París: Museo del Louvre.
La gran odalisca (1814) de Jean-Auguste-Dominique Ingres
Entre el neoclasicismo y el romanticismo posterior se encuentra uno de los desnudos más conocidos de la historia del arte, a saber, La gran odalisca de Jean-Auguste-Dominique Ingres, un óleo sobre lienzo conservado en el famoso Museo del Louvre de París. La protagonista de esta obra maestra es una bella odalisca joven, que ha sido captada en el momento en que se encuentra cómodamente tumbada en una cama cubierta con finas sábanas. En cuanto a su desnudez supina, ésta, haciéndose eco de los modelos clásicos, tomados de los griegos, resulta limpia, elegante y refinada. De hecho, las partes más íntimas de la odalisca se han disimulado hábilmente, de modo que solo se ve la parte inferior de un seno. Hablando de la mirada, la raggazza, vista en vista de tres cuartos, expone su hermoso rostro al espectador, a quien también dirige sus ojos, enmarcados por la presencia de un hermoso turbante, que, atado alrededor de su cabeza, oculta la mayor parte de su pelo. Finalmente, tal imagen es claramente el resultado de la influencia que el mundo oriental ejerció sobre el maestro francés, realidad que probablemente conoció a través de las campañas de Napoleón en Oriente.
Goya, Maja desnuda , 1790-1800, óleo sobre lienzo, 95 x 190 cm. Madrid, Museo del Prado.
Maja desnuda (ca. 1790) de Francisco Goya
Maja desnuda y Maja vestida son dos pinturas de Francisco Goya que, realizadas a finales del siglo XVIII y principios del XX, se pueden ver en la institución del Museo del Prado de Madrid. En la primera obra maestra del pintor que anticipó el romanticismo, la pose de la mujer, en este caso desnuda, es la misma que en la segunda: la mujer se acuesta en un sofá con los brazos detrás de la cabeza rodeada de un fondo oscuro. Es casi seguro que estas dos pinturas sensuales fueron encargadas por Manuel Godov, el presidente del Gobierno español, una persona muy poderosa que podía permitirse el lujo de ir en contra del conservadurismo de la Iglesia. A pesar de ello, las atrevidas obras fueron incautadas y posteriormente requeridas por el Tribunal de la Inquisición, que había prohibido en toda España los desnudos sin pretextos alegóricos o mitológicos. En cuanto a la identidad de la modelo, muchos relatos de la época reconocen en sus rasgos a María Teresa Cayetana de Silva, duquesa de Alba que solía hospedar en su casa a ilustres políticos y artistas, entre ellos, también Francisco Goya, pintor con quien tuvo una relación apasionada.
Gustave Courbet, El origen del mundo , 1866. Óleo sobre lienzo, 46 x 55 cm. París, Museo de Orsay.
El origen del mundo (1866) de Gustave Courbet
El origen del mundo de Gustave Courbet es una pintura que muestra, en la perspectiva de un primer plano realista, la zona púbica del cuerpo de una mujer, sensualmente rodeada por los senos y los muslos adyacentes, que aparecen con naturalidad y comodidad, recostados sobre una sábana blanca despeinada. Un tema tan innovador causó escándalo en el momento de su creación, ya que ofrecía una visión casi extremadamente correcta y sin filtros del cuerpo femenino, que era tomada, por primera vez, en un contexto y desde un ángulo que era extremadamente íntima y privada, capaz de revelarnos lo que se ocultaba entre las piernas de la efigie. En realidad, sin embargo, debe enfatizarse que El origen del mundo no es una obra pornográfica, ya que es el resultado del estudio diligente del artista, que se centró en representar lo mejor posible los rasgos de la realidad. La intención que acabamos de mencionar se logró mediante un cuidadoso estudio de la representación, así como el uso de la técnica italiana del tonalismo, que transforman la obra maestra en una obra de gran maestría técnica. Además, el significado potencialmente escandaloso podría ser sustituido por la representación de una auténtica metáfora, la de la gran magia de la reproducción femenina. Sin embargo, aún hoy, el fuerte realismo con el que fue pintada la modelo, probablemente Constance Queniaux, bailarina de la Ópera de París, hace que el cuadro sea "incómodo" de contemplar, cuando en realidad, la obra más escandalosa del siglo XIX también cuenta otra historia: la de la difusión de las primeras fotografías eróticas, que tuvo lugar precisamente en el momento de la concepción de la obra maestra.
Trnski Velimir, Baño en el bosque , 2021. Acrílico sobre Lienzo, 58 x 40 cm.
9. El impresionismo y la Escuela de París: las modelos prostitutas.
Las obras de los impresionistas suelen mostrar mujeres desnudas, aunque este tipo de temas incomodaban a la Academia y a los parisinos en general, tanto que en 1863, es decir, cuando se expuso Desayuno sobre la hierba de Manet, el cuadro provocó un gran escándalo. debido a que la mujer desnuda de la obra maestra aparecía sentada en el césped con dos miembros de la burguesía parisina. El problema era que la modelo, que no era ninfa ni figura alegórica, sujetos predilectos de los artistas académicos que buscaban emular a los grandes artistas como Rafael, parece posar con actitudes de prostituta, cuya mirada se dirige provocativamente hacia el espectador, como si quisiera invitarlo al "banquete". Justificaría esta interpretación el hecho de que Manet pintó en la obra una rana, animal que, en el lenguaje parisino de la época, aludía precisamente a la figura de la prostituta. Por último, cabe señalar cómo este tipo de sujeto femenino persistiría en la obra del maestro, tal como lo demuestra Olympia, un óleo de 1863 que retrata a una mujer en una actitud aún más explícita y desvergonzada, advertencia de una mala reputación. Posterior a los impresionistas, los artistas de la Escuela de París, grupo nacido a principios del siglo XX, continuaron escandalizando con sus desnudos femeninos, tal y como demuestra el caso de Amedeo Modigliani.
Édouard Manet, Olimpia , 1863. Óleo sobre lienzo, 130,5 x 190 cm. París: Musée d'Orsay.
Olimpia (1895) de Édouard Manet
Olympia de Édouard Manet es una pintura muy conocida cuyo estilo innovador, precursor del impresionismo, y el tema femenino representado, probablemente una prostituta, causaron mucha discusión en el Salón de París de 1865. En la obra, la doncella en cuestión es captada recostada sensualmente en una cama, lugar desde el cual lanza una aguda mirada al espectador. Además, la protagonista, cuyo rostro no muestra ninguna emoción, viste, en su total desnudez, únicamente zuecos, una pulsera, pendientes de perlas y un fino cordón negro anudado al cuello. En este contexto, cabe señalar cómo en esta obra maestra, en la que también aparecen una mujer negra y un gato negro, Manet proponía una nueva forma de mirar a las mujeres desnudas, representándolas de una manera directa, cruda y sin compromisos con la moral. del tiempo. De hecho, en lugar del clásico desnudo idealizado, propuso la imagen fría y realista de una joven prostituta, cuya figura no fue revisitada con intenciones mitológicas, alegóricas o simbólicas. Además, precisamente la pose clásica de la Venus recatada, es decir, la Venus con la mano en el pubis, se retoma en este contexto decididamente más terrenal.
Edgar Degas, La tina , 1886. Pastel sobre cartón, 60 x 83 cm. París: Museo d'Orsay.
La tina (1886) de Edgar Degas
Edgar Degas estaba sumamente interesado y atraído por la vida parisina, incluso por la vida más íntima y oculta de la ciudad, aspecto que se nota mucho en su serie de pinturas "voyeuristas", destinadas a retratar mujeres desnudas que, dentro de sus casas, luchaban contra vendaje. El pastel de 1886, titulado La tina, reinterpreta el tema mencionado, tan querido por los artistas del Renacimiento, a través de un corte novedoso de la composición, destinado a romper las reglas tradicionales del desnudo, para mostrar el cuerpo de una mujer visto desde arriba. De hecho, la joven aparece replegada sobre sí misma, con la mano izquierda sobre la palangana y la derecha sobre el cabello. Además, su rostro está oculto por una sombra cómplice, mientras que su hermosa espalda se curva como un arco, mostrando su cuello y glúteos.
Amadeo Modigliani, Nu couché , 1917-18. Inmersión en.
Desnudos escandalosos de Amedeo Modigliani
En 1917, el artista de Livorno Amedeo Modigliani, también conocido como Modì y Dedo, realizó una exposición individual en la Galería Berthe Weill de París. En esta especial ocasión, Léopold Zborowski, marchante de arte polaco que vendió las obras del joven italiano a la citada empresa, fue el encargado de montar dicho evento. Antes de este proyecto, Modigliani nunca había sido exhibido antes, tanto que el de Weill representó su primera exposición individual. A pesar de la "inexperiencia", este fue un debut candente, ya que los desnudos exhibidos en la ventana, inusualmente bellos y alejados de las normas de la época, provocaron la intervención de la policía, que procedió a bajar las ventanas y desbaratar aquellas escandalosas visiones. . Lo curioso es que cuando Berthe Weill preguntó a los oficiales qué tenía de impactante una serie de desnudos, es decir, sujetos que han sido pintados durante miles de años, respondieron, “ahí es que esos desnudos tienen pelo”. Por esta razón, la primera exposición de desnudos de Modigliani fue cancelada antes de que comenzara.
Victor Molev, Cabalá , 2020. Pintura, Óleo sobre Lienzo, 28 x 36 cm.
10. Expresionismo y Surrealismo: interpretaciones personales y visionarias
Entre los movimientos de vanguardia del siglo XX, los desnudos expresionistas y surrealistas se distinguen por su sensualidad, significados ocultos, alusiones y vínculos con el mundo interior e íntimo del artista. Respecto al Expresionismo, el desnudo tiende a expresar, a través del cuerpo, el sentimiento individual del artista, más que una mera representación objetiva del dato anatómico. Por ejemplo, la angustia, la tristeza y el drama existencial son los temas principales de la investigación artística de Edvard Much, sentimientos que vuelve a proponer en Pubertad, una obra de 1894 destinada a inmortalizar a una adolescente desnuda. Del mismo modo, los artistas de Die Brücke (Expresionismo alemán) también suelen retratar a niñas adolescentes desnudas, como Kirchner, quien en 1910 produjo Marcella, una obra en la que se representa a una niña con formas simplificadas, colores nítidos y resonantes, y un fuerte, trazo expresivo. Finalmente, otro expresionista es Schiele, artista cuyo tema de la corporeidad femenina fue uno de los más populares, plasmado a través de la fusión de la sexualidad y el tormento. En cuanto al Surrealismo, en cambio, la visión del desnudo femenino de esta corriente artística se puede resumir en la obra de su más célebre maestro, Salvador Dalí, artista que abordó la feminidad a través de un enfoque poético de la dimensión inconsciente y onírica de la ser humano.
Edvard Munch, Pubertad , 1894-1895. Óleo sobre lienzo, 151,5 × 110 cm. Oslo: Galería Nacional.
Pubertad de Munch (1893)
El desnudo femenino, así como el tema de la sexualidad, es investigado en el cuadro Pubertad, realizado por Munch en 1893. La primera versión de este tema fue realizada en 1885 o 1886, pero se perdió, por lo que, con el tiempo, la maestro lo reprodujo en varias obras. En el cuadro de 1893, una adolescente, retratada dentro de un lugar desnudo, aparece sentada al borde de la cama, mientras, sola y desnuda, tiene las piernas juntas y los brazos cruzados sobre el pubis. En esta pose, sus ojos están muy abiertos y su boca está cerrada, como si sugiriera un estado emocional perturbado, probablemente debido a la inmadurez de su cuerpo, iluminado por una luz proveniente de la izquierda, destinada a generar un espeluznante y amenazante estado. sombra. Es precisamente esta última zona oscura la que parece aludir al futuro de la niña, que se proyecta dramático o incluso trágico. De hecho, el sentido de la obra podría ser reconocer en la pubertad el poder de transformar niñas inocentes en mujeres, cuya sexualidad puede ser una herramienta, ya sea de placer o de dolor, para sus contrapartes masculinas.
Salvador Dalí, Sueño provocado por el vuelo de una abeja , 1944. Óleo sobre tabla, 51× 40,5 cm. Madrid: Museo Thyssen-Bornemisza.
Sueño provocado por el vuelo de una abeja (1944) de Salvador Dalí
En la composición rica, onírica y surrealista de Sueño causado por el vuelo de una abeja, obra de Salvador Dalí de 1944, encontramos también el cuerpo desnudo y tendido de una mujer, empeñada en flotar sobre una roca en medio del mar. La tranquilidad de tal sujeto es bastante inimaginable si, como en la pintura, imaginamos el acercamiento repentino de dos tigres enormes y hambrientos, así como la llegada de una pistola de bayoneta, cuya punta está incluso a punto de tocar la piel de la mujer. brazo. Además de estas, son múltiples las imágenes que aparecen en el cuadro, tanto que la obra parece haber sido concebida a partir de un sueño, una realidad en la que la extrañeza se sucede al referirse al mundo real. De hecho, la obra maestra tiene su origen en el relato de un suceso onírico que le sucedió a la amada del maestro español, a saber, Gala, quien, debido al zumbido de una abeja que volaba alrededor de su oreja, imaginó todas las visiones anteriores en sucesión.
Andrea Vandoni, La pereza , 2022. Óleo sobre lienzo, 73 x 116 cm.
11. Arte contemporáneo: libertad de expresión y múltiples puntos de vista
Los artistas contemporáneos pueden representar el desnudo femenino, ya sea refiriéndose a la gran tradición figurativa del pasado o expresándose a través de puntos de vista libres e innovadores. En cualquier caso, el objeto de tal investigación, teniendo como tema a la mujer, es desvelar la semejanza de aquello que, según la artista, podría expresar la más pura idea de feminidad, capaz de animar, intrigar, atraer y conmover sus imaginación. En este contexto, es imposible no mencionar la investigación artística de Tom Wesselmann, Marina Abramović, Yayoi Kusama, Takashi Murakami, Damien Hirst, Jeff Koons y Fernando Botero, quienes, en algunas ocasiones, también han representado el cuerpo femenino desnudo.
tom wesselmann
Wesselmann comenzó a pintar mujeres desnudas alrededor de 1959, rechazando el estilo predominante del expresionismo abstracto para expresarse a través de retratos gráficos y provocativos. Estos últimos, perfectamente adaptados a la revolución sexual de los años 60, yacen a menudo en poses sugerentes y sensuales, en las que, por momentos, no falta un atisbo de ironía. Sus figuras, muchas de las cuales siguen el modelo de la esposa del artista, Claire Selley, a menudo presentan líneas de bronceado vigorosas, con el propósito de atraer la atención del espectador hacia los puntos focales de los senos y el pubis. Desde su primera serie de desnudos, titulada "Great American Nude" (1961-73), hasta su más reciente "Sunset Nudes" (2003-04), Wesselmann ha incursionado en la experimentación con nuevas técnicas y composiciones artísticas, en las que los primeros planos no convencionales Destacan los ups del cuerpo, con el propósito de generar nuevas formas de provocar a los espectadores con la forma femenina. En resumen, para comprender mejor su obra, podemos citar directamente las palabras de la artista: “No represento desnudos con ninguna intención sociológica, cultural o emocional”. "Creo que el desnudo es una buena manera de ser agresivo, en sentido figurado. Quiero provocar reacciones intensas y explosivas en los espectadores".
Retrospectiva " Yayoi Kusama: 1945 al Presente". Hong Kong: ¡Museo M+!
Yayoi Kusama
En los últimos 50 años, artistas, historiadores del arte y teóricos han pensado mucho sobre la política, el dolor y los placeres del cuerpo y cómo se relaciona con la identidad. El extenso cuerpo de trabajo de Yayoi Kusama, lleno de trabajos que invitan a la reflexión, ha abordado muchos de los temas anteriores. En efecto, a través de su amplia gama de estilos e imágenes, que bien plasman su complicada personalidad, la artista ha investigado el cuerpo, principalmente a través de la performance. Tal investigación, ha captado también la desnudez de la propia artista, que, marcada por sus icónicos puntos, aparece en famosas fotografías de finales de los años 60, dentro de las cuales Kusama posa junto a su serie "Accumulation".
Roman Rembovsky, En el jardín del Edén , 2022. Óleo sobre lienzo, 120 x 140 cm.
El inmortal atractivo del desnudo: continuará...
El desnudo, al igual que las naturalezas muertas, los paisajes y los retratos, representa un tema inmortal en la historia del arte, con el que los artistas nunca dejarán de enfrentarse, entrando en "competencia" con los más grandes maestros de todos los tiempos. En este contexto, el desnudo femenino resulta ser un tema de gran interés, ya que, si en la antigüedad eran los hombres los más representados, se sabe cómo, a partir del Renacimiento, el sexo débil se "impuso" en este tipo. de representación Por lo tanto, el relato anterior no resulta ser exhaustivo, ya que puede ser implementado continuamente por puntos de vista futuros, inéditos, originales y, probablemente, escandalosos.
Olimpia Gaia Martinelli
