Kristina Korobeynikova, La fusión , 2022. Acrílico sobre lienzo de lino, 180 x 110 cm.
El puntillismo contado por Georges Seurat
"La incapacidad de algunos críticos para unir los puntos no hace que el puntillismo sea inútil"
Las palabras del pionero del puntillismo Georges Seurat, probablemente nacido en un contexto "defensivo" de las particularidades artísticas de la técnica de finales del siglo XIX, resumen a la perfección sus peculiaridades, destacando la fragmentación de los colores en pequeños puntos como elemento distintivo a ser se remonta al movimiento neoimpresionista. Sin embargo, para comprender la contribución real del puntillismo dentro del mundo del arte, es necesario ahondar en el tema, haciendo hablar al mencionado pintor a través de su obra, en particular, analizando el cuadro El Circo , fechado en 1891 y conservado en la Museo de Orsay en París. Esta obra maestra del "circo", identificada como una de las mayores investigaciones puntillistas, inmortaliza un tema querido por el mundo del arte de la década de 1880, también investigado por maestros como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec. Además, el lienzo forma parte de una serie que, entre las que se encuentran las obras Circus Sideshow (1888) y The Can-can (1889-1890), persigue el objetivo de "documentar" las actividades de ocio nocturno del París de la época.
Georges Seurat, El circo , 1891. Óleo sobre lienzo, 185,5 x 152, 2 cm. París: Museo de Orsay
Sobre la composición de la obra maestra de 1891, la obra representa el interior de un circo, donde se desarrolla un espectáculo rico y dinámico, animado por múltiples presencias, como: un payaso, quien, captado en primer plano desde atrás, probablemente esté dirigiendo su mirada hacia sus compañeros; una amazona intentando equilibrarse sobre un caballo que corre, retratada en la parte más central del cuadro; un entrenador, que, centrado en dirigir la carrera del mencionado animal, encuentra emplazamiento en la parte derecha de la lona; y dos payasos atrapados en la ejecución de un acto de circo peculiar y temerario, que tiene lugar en el otro extremo de la arena. Para observar esta escena colorista, viva e imaginativa nos encontramos con una ordenada multitud de espectadores, dispuestos en gradas altas en las que destacan personajes más o menos elegantes, acompañados por la actuación de una orquesta situada en el extremo superior de la obra. A pesar de esta cuidada disposición de los personajes, la principal intención del lienzo de Seurat es evocar el espíritu más auténtico del espectáculo circense, reconstruido mediante una hábil yuxtaposición de los colores rojo, amarillo, naranja y azul, que, enriquecidos por el blanco del puro luz, hacen que la atmósfera sea auténtica, intensa, cautivadora, brillante y armoniosa. Por último, es importante destacar cómo este buscado cromatismo se ve acompañado, realzado y enriquecido por las propias peculiaridades de la técnica del puntillismo, respecto de la cual la pintura se aplicó sobre el soporte mediante la creación de puntos de color puro yuxtapuestos. entre sí, que, estudiadas en su disposición cromática, son percibidas por el espectador como si se hubieran mezclado canónicamente.
Frédéric Durieu & Nathalie Erin, Marilyn con mariposas , 2016. Obra digital 2D sobre metal, 40 x 40 cm.
Mariana Prochkaruk, Marrón-azul , 2020. Óleo sobre lienzo de lino, 160 x 90 cm.
Curiosidad: ¿cuál es la diferencia entre el puntillismo francés y el divisionismo italiano?
Las mencionadas particularidades del puntillismo son fruto del clima positivista de finales del siglo XIX que, marcado indeleblemente por la idea imperante del triunfo del progreso, así como por la fe extrema en la técnica y la ciencia, llegó a cargar de racionalidad incluso a los mundo del arte, antes dominado por el "romanticismo" de los impresionistas. De hecho, los rasgos estilísticos de Seurat antes mencionados representan la interpretación artística de algunos descubrimientos científicos fundamentales que, ocurriendo en el campo de la óptica en esos años, están inextricablemente vinculados a la investigación del químico francés Michel Eugène Chevreul y el físico estadounidense Nicholas Ogden Rood. En detalle, el primero de ellos descubrió que dos tonos yuxtapuestos, ligeramente superpuestos o muy próximos, tienen el efecto de otro color cuando son percibidos por el ojo humano desde cierta distancia (principio de "contraste simultáneo"). Además, el químico francés también señaló que al yuxtaponer dos tonos complementarios, el aura de uno fortalece la del otro, aumentando mutuamente su brillo. Hablando de Nicholas Ogden Rood, su investigación se puede resumir con tal revelación: la yuxtaposición de tonos primarios crea un color más intenso, luminoso y agradable que el que se logra mezclando directamente los pigmentos. En consecuencia, el pintor puntillista, refiriéndose a los estudios antes mencionados, tiende a yuxtaponer matices complementarios, disponiéndolos como puntos de color puro en el lienzo, que luego serán "interpretados" por el observador, a través de "mezclas ópticas". En cuanto al divisionismo, por otro lado, este movimiento pictórico, que se desarrolló en Italia a partir de la última década del siglo XIX, tomando pistas técnicas parciales del puntillismo francés, deriva principalmente de la corriente Scapigliatura Lombarda y el Decadentismo. De hecho, en el divisionismo los pequeños puntos neoexpresionistas se convierten en filamentosas, diminutas y vibrantes pinceladas de puro color, que interactuando entre sí en un sentido óptico, pretenden convertirse en portavoces de intensos significados simbólicos, religiosos, políticos y sociales, teniendo el papel de dar vida a un ideal de salvación alcanzable a través del arte.
Van Lanigh, Sparkles of joy , 2022. Escultura, arcilla polimérica/resina sobre lienzo, 30 x 24 x 8 cm / 4,00 kg
Françoise Suzanne, Serie sobre la pista - pistas en tierras africanas n°11 , 2022. Acrílico sobre cartón, 80 x 60 cm.
El puntillismo en las obras de los artistas de Artmajeur
La narrativa del puntillismo, a pesar de alcanzar su apogeo a finales del siglo XIX, continúa en el arte contemporáneo, donde muchos de sus conceptos, ideas y puntos de vista se suceden para tomar forma a través de la obra de artistas populares como, por ejemplo, Miguel Endara, Ana Enshina, Kyle Leonard (KAL), Philip Karberg, Herb Williams, Jihyun Park y la conocida Yayoi Kusama. Tal "renacimiento" también continúa a través del trabajo de los artistas de Artmajeur, como lo demuestra el arte de Dent-De-Lion Du Midi, Sophie Artinian y A-Criticart.
Dent-De-Lion Du Midi, lunes | Seurat | Reimaginar el arte , 2021. Pintura digital sobre papel, 90 x 127 cm.
Dent-De-Lion Du Midi: Lunes | Seurat | reimaginar el arte
Tal como sugiere el mismo título de la obra, Monday | Seurat | Reimagine art representa un remake "a principios de semana" de A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte , la obra maestra "abarrotada" de Georges Seurat, que, fechada entre 1884 y 1886, se conserva en el Instituto de Arte de Chicago. Hablando de este último cuadro, resume a la perfección las costumbres y hábitos del París de la época de la Revolución Industrial, cuando, con la aparición del trabajo asalariado y fabril, tanto el tiempo de ocio como el tiempo social y la yuxtaposición de los tiempos y lugares de trabajo con el tiempos y lugares de la vida cotidiana se establecieron. De hecho, en el ambiente dominical que captó el maestro francés en un parque a orillas del Sena, se "inhala" ese auténtico humor de la jornada de descanso, que, en este caso, se expresa a través de las actitudes relajadas de las mujeres paseando. alrededor cobijándose con bonitos parasoles, de remeros descansando después de la competición, de niños jugando tranquilamente, del mono amaestrado con correa, etc. Lunes | Seurat | Reimaginar el arte , por su parte, nos permite conocer cómo sería un mismo lugar durante una tarde de lunes, ambientado en el marco temporal tanto del siglo XIX como de la época contemporánea, ya que, a pesar del paso de los siglos, muchos aspectos unir la vida de hoy con la de los más grandes maestros de todos los tiempos.
Sophie Artinian, Eternidad , 2017. Óleo sobre lienzo de lino, 60 x 60 cm.
Sophie Artinian: Eternidad
En Eternity , una pintura al óleo de Sophie Artinian, el puntillismo se encuentra con el abstraccionismo, creando una "sinfonía" de colores que casi nos hace imaginar que estamos vislumbrando la silueta de unas montañas que, idealmente ubicadas en la mitad inferior de la obra, adquiere los tonos más oscuros del lienzo. Además, precisamente el mencionado cromatismo, caracterizado por el triunfo de los tonos violeta, rosa, azul y celeste, hace que el cuadro se asemeje a una conocida obra maestra realizada con tonalidades similares y la misma técnica, a saber, La playa de Ambleteuse en Low Marea (1900) de Theo van Rysselberghe. Esta última obra forma parte de una serie de paisajes marinos creados por el artista belga en Ambleteuse, Francia, que, teniendo como tema la misma vista, capturan sus variaciones en la luz, las mareas y los movimientos del mar. Finalmente, al igual que Eternity , la obra maestra de 1900 aparece dividida en "bandas" de luz, es decir, áreas más o menos brillantes, construidas a partir de parches individuales de color puro similares a un mosaico.
A-Criticart, Pixel Jordan , 2019. Dibujo, conté/bolígrafo/lápiz sobre papel, 75 x 55 cm.
Un crítico: Pixel Jordan
La contemplación de Pixel Jordan invita a la formulación de un pensamiento revelador: el pixel art representa, en cierto sentido, la forma más extendida y actual de "puntillismo". De hecho, el pixel art, cuidadosamente simulado por el dibujo de A-Criticart, es una forma de arte digital que, nacida en la década de 1980 a partir de la expansión de las máquinas tragamonedas y los videojuegos, construye imágenes controlando deliberadamente la posición de los píxeles, o de esos pequeños unidades compositivas de color en toda la obra. Por lo tanto, aunque los píxeles puedan parecer el resultado de un desarrollo reciente, en realidad son la aplicación moderna de las mismas teorías del siglo XIX que subyacen al puntillismo. En consecuencia, Micheal Jordan de A-Criticart puede representar una especie de interpretación reciente del retrato "puntillista", que, entre sus principales obras maestras, cuenta con obras como Seated Model, in Profile, Study for The Models (1887) de Seurat, Seurat's Young Woman Empolvándose (1890) y El joven campesino de Pissarro en su tocador (1888). Finalmente, a la investigación figurativa que llevan a cabo estas últimas obras, el dibujo de Artmajeur del artista añade un desafío, ya que la "baja definición" de la imagen pretende poner a prueba la capacidad interpretativa del cerebro humano.
Olimpia Gaia Martinelli
