Era Janel Sobel en lugar de Jackson Pollock...

Situando este relato dentro de la historia de la técnica del dripping, empiezo, por el momento de forma comprensible, hablando de Janel Sobel en lugar de Jackson Pollock, para ilustrar la vida y el recorrido artístico de un pintor que, aún comprendiendo apreciado, en realidad cambió drásticamente la suerte del mundo del arte, así como el enfoque abstracto del mencionado y conocido maestro estadounidense. Sobel fue un pintor expresionista abstracto nacido en 1893 en Dnipro, actual Ucrania, en el seno de una familia judía, que, por desgracia, perdió al cabeza de familia durante un sangriento pogromo, motín del que el artista se vio obligado a refugiarse en Nueva York con su madre y hermanos. Su difícil vida no la llevó, en un principio, a acercarse al arte, disciplina por la que ella, aunque alimentaba un amor e interés desmesurados, tuvo que dejar de lado para dedicarse a sus cinco hijos, que tuvo de su matrimonio con un orfebre. a la edad de dieciséis años. Sin embargo, fue su descendencia quien le ofreció la oportunidad de despertar su pasión dormida, tanto que Sobel comenzó a pintar a los cuarenta y cuatro años animada por su hijo adolescente, quien, como una especie de "Pigmalión", reconoció su el talento de la madre y promovió su desarrollo artístico. A partir de este momento, Sobel comienza a pintar en su apartamento de Brighton Beach (Nueva York), dando rienda suelta a su creatividad "virgen", es decir, autodidacta, mediante el uso de los materiales de arte de sus hijos, entre los que se incluyen recortes de papel, sobres, pedazos de cartón, conchas encontradas en la playa, etc. Los motivos de estos procedimientos a menudo convergieron en dar forma a los recuerdos de su infancia, representados a través de citas del arte popular ucraniano, costumbres regionales, familias judías tradicionales, etc., a veces también pintados a través de la uso de innovadoras técnicas automáticas inventadas, que dieron lugar a composiciones abstractas cercanas a algunos métodos empleados por la pintura surrealista. En este contexto cabe destacar cómo, si sus primeras obras, marcadas por una poesía primitivista predominante, estuvieron marcadas por formas oníricas que flotaban sobre paisajes encantados dignos del ejemplo del Chagall un poco mayor, sus obras posteriores transitaron de una expresividad amorfa más ambigua. cadencia, a los impulsos surrealistas, a la pura abstracción, en la que, por primera vez en la historia del arte, Sobel inventa la técnica del goteo experimentando con el uso de un gotero. Sí, leíste bien, la historia del arte, como siempre se ha contado, reporta una gran inexactitud, señalando a menudo a la figura de Jackson Pollock, también conocido con simpatía como Jack the Dripper, como el creador de la mencionada forma de hacer pintura. comunicarse con el medio. A pesar de este susto, es bueno no olvidar cómo fue la obra del artista norteamericano la que puso en primer plano la mencionada técnica, que, por primera vez, se vinculaba efectivamente al mundo del inconsciente, como herramienta reveladora, capaz de dar forma, a través de los impulsos del acto físico de pintar, a un gesto con un alto poder emocional, capaz de revelar los movimientos profundos del ser. Además, este último maestro no ocultó que se inspiró en Sobel, tal y como declaró en 1961, año en el que el crítico de arte Clement Greenber escribiría: "Pollock admitió que las pinturas de Sobel le habían impresionado".

SANSON (2022) Pintura por Ykstreetart.

DISFRUTA DEL FONDO AZUL (2022) Pintura de Michael Edery.

Comparación entre Sobel y Pollock

Después de esta revelación, por la que estoy seguro que no dormirán esta noche, me parece oportuno comparar la obra de los mencionados maestros, a través de una comparación encaminada a involucrar técnica, cromatismo y temas, que se realizaron en algunas de las obras maestras indicadas. a continuación, en primer lugar, la Vía Láctea de Sobel (1945) y la Galaxia de Pollock (1947). En la primera pintura, materializada a través de un modo de realización rápido y espontáneo, el dripping se coloca sobre un fondo multicolor, donde cobra vida entrelazándose en tonos rosa y amarillo, este último color, detectable, esta vez exclusiva y predominantemente, también en la mencionada obra de 1947. Más allá de las afinidades técnicas y cromáticas, los propios títulos de los cuadros nos remiten a la inmensidad del universo, que, en el caso del pintor estadounidense, tomó forma a partir de un pincel chorreante, que deliberadamente no cubrió toda la capa de pintura. debajo, sobre el que el artista también insertó pequeños trozos de grava, con el fin de aumentar su consistencia. Afinidades puramente cromáticas, en cambio, se pueden encontrar entre Sin título (JS-015) (1946-48) de Sobel y Forma libre de Pollock (1946), donde se impone la presencia del rojo y el negro, aunque en la obra del pintor ucraniano es el color sangre el que se impone a todos los demás, mientras que en la pintura del americano es el negro el que dice lo último, imponiéndose como capa más alta de la composición. Pensando sólo por un momento en Sobel, en el mismo año produjo otras dos obras en las que el rojo tuvo un papel destacado, como, por ejemplo, Sin título (1946) y Sin título (1946-1948), que vistas juntas las tres , parecen ser una escalada gradual de predominio de la tonalidad antes mencionada. Volviendo al "Sobel versus Pollock" propongo comparar el animal, parecido a un zorro antropomórfico, de Sin título (1947) del pintor Dnipro, con las bestias inmortalizadas por Jackson's Mural (1943), ya que, en este último caso en particular, la abstracción faunística del maestro estadounidense probablemente habría precedido a la de Sobel. Hablando de Mural, en efecto, da forma, mediante signos que se entrelazan sobre un fondo blanco, a líneas, letras y rostros de animales, que, muy estilizados, pretenden describir el vuelo vertiginoso de las bestias de las llanuras de América Occidental. , inspirado en las manifestaciones artísticas de los nativos americanos y los murales mexicanos. Para concluir con la figura humana, tres grandes rostros estilizados, realizados en tonos predominantemente rosas y rojos, animan Sin título (1946) de Sobel, mientras que, para reconocer la figura humana en la obra mayoritariamente abstracta de Pollock, tenemos que remontarnos a 1942, año de la creación de La mujer luna, un cuadro que pretendía testimoniar cómo en sus primeros trabajos el artista estuvo fuertemente influido por Joan Miró y Pablo Picasso, además de hacer suyo el concepto surrealista del inconsciente como fuente del arte. Finalmente, la historia de Pollock continúa en el arte contemporáneo, donde su obra será comparada, esta vez, con la investigación pictórica de artistas de Artmajeur como: Dam Domido, Carolina Vis y Emily Starck.

NARANJA (2017) Pintura de Alessandro Butera.

GOTEO AMARILLO (2023) Pintura de Dam Domido.

Presa Domido: goteo amarillo

La creatividad pictórica de Dam Domino se sitúa, desde un punto de vista histórico artístico, dentro de las investigaciones realizadas por el Expresionismo Abstracto, movimiento que incluye, ineludiblemente, la técnica del dripping, que suele ser protagonista de las obras del citado artista. Precisamente de esta última manera, el acrílico, u óleo, cae del pincel de Domino de manera intuitiva, para sintetizar, también mediante el uso de intensos matices, fragmentos de sentimientos, que son minuciosamente investigados, captados y plasmados por el pintor. El objetivo, la síntesis del todo, es la consecución de una subjetividad más auténtica, que se hace explícita a través de la plasmación más total de la libertad tonal y rítmica de la creación pictórica. Tal exteriorización se encuentra, por ejemplo, en Yellow dripping de Domino, una obra que debe entenderse como una pura síntesis de la energía del gesto, que identifiqué, un tanto creativamente, como una especie de "zoom", es decir, una forma más sintética. detalle, de una obra maestra que, además de ser de mayor tamaño, se caracteriza por una mayor superposición de la capa pictórica: Blue Poles Number 11 de Pollock (1952). Sobre este último, sobre el campo pictórico triangular se han dispuesto una serie de intervenciones gestuales que comprenden múltiples orientaciones, dentro de las cuales se identifican goteos, ovillos y marañas de líneas coloreadas. En tal tejido de trazos líquidos y curvilíneos, se identifican ocho formas verticales oscuras que, según el título, podrían ser objetos identificables de lo real, es decir, polos, que se han interpretado como asimilados a las "siluetas" del tótem. postes o los mástiles altos de los barcos.

EMOTOGRAFÍA (I) (2022) Pintura de Aatmica Ojha.

Aatmica Ojha: Emotógrafo

El goteo también es parte fundamental del abstraccionismo de Aatmica Ojha, artista nacida en 1989 que utiliza y experimenta la técnica, no solo a través del movimiento más clásico del goteo, sino incluso a través de una pintura más sólida y compacta. El pintor, que se describe a sí mismo como un medio entre la creación espontánea y la planificada, y cuyo trabajo se centra abiertamente en la búsqueda de la belleza, ha creado él mismo la palabra que da título a la obra, a saber, Emotograph, que según Ojha significaría " gráfico de emociones", un concepto que debe entenderse como un procedimiento artístico en blanco y negro destinado a combinar el goteo y el flujo. Este último término hace referencia a aquella particular y sentida pasión/inspiración, que impulsa el proceso de creación artística, entendida como un momento fértil, en el que las ideas e intuiciones, que fluyen más rápido, dan una satisfacción, así como una intensa fusión, con lo que estamos haciendo. Este goteo intuitivo y primordial nos remite necesariamente al ejemplo de Pollock, en el que al propio encuentro cromático de Emotograph parece seguirle una hipotética explosión, destinada a separar más estrechamente la distribución del blanco y el negro sobre el soporte, tal como ocurre en el cromáticamente afín Number 23 (1947) del maestro estadounidense. Hablando de la última obra maestra, la pintura sobre papel se compone de madejas en capas de pintura esmaltada en blanco y negro, cuya composición fue creada por el goteo y el flujo de color sobre el soporte desde los cuatro lados, una técnica que representa muy bien la idea de un sensación de movimiento frenético inherente a la imagen, visible desde diferentes orientaciones de ésta.

LA CRÍTICA ES MÁS FÁCIL QUE LA PRÁCTICA (2022) Pintura de Emily Starck.

Emily Starck: La crítica es más fácil que la práctica

Emily Starck es una pintora abstracta autodidacta que, al probar varias técnicas, ha tenido que enfrentarse necesariamente a una legendaria, a saber, la iniciada por Max Ernst, desarrollada por Janel Sobel y formalizada por Pollock: el mencionado dripping. Aunque poco queda ahora por decir sobre esta última técnica tan comentada anteriormente, nos hace reflexionar el propio título de la obra del artista Artmajeur, perfecto para resumir una tendencia secular que hoy encuentra un lugar especialmente en medios de comunicación social. “Criticar es más fácil que hacer”, criticar es más fácil que ser, criticar es más fácil que pensar, esto es lo que nos viene a la mente cuando leemos comentarios en Instagram, donde todos se hacen pasar por expertos, sin siquiera tener la conciencia de lo que es. pasando en la cabeza, vida, billetera, etc., de la persona que aparece en la pantalla. Tanta superficialidad, traducida al lenguaje artístico es la siguiente: ¡el goteo de Pollock yo también lo podría haber hecho! Es precisamente a estas voces insidiosas a las que muy probablemente Starck ha querido responder, queriendo sugerir a aquellos que no reservan las buenas palabras para su obra, que respondan con el pincel, en lugar de con la boca. Volviendo a la historia del arte, la cromática de la Crítica es más fácil que la práctica, ejecutada predominantemente en blanco y negro, recuerda múltiples obras de Pollock, como por ejemplo: Greyed Rainbow (1953), Number 32 (1950), Yellow Islands ( 1952).