Historia del arte y la publicidad
Izquierda : Roy Lichtenstein, Roto Broil , 1961. Museo de Arte Contemporáneo de Teherán.
Derecha : Roy Lichtenstein, Kitchen Range , 1961-62. Museo Nacional de Australia, Canberra.
Algunos artistas son una maravillosa ilustración de los puentes existentes entre el arte, la publicidad y el consumo. Desde finales del siglo XIX, los directores de cabaret estaban acostumbrados a solicitar a los artistas parisinos que crearan carteles promocionando los elogios y los excesos de sus bailes. Este fue especialmente el caso del emblemático Toulouse-Lautrec , y su no menos famoso cartel publicitario realizado para La Goulue : veladas enmascaradas organizadas por el Moulin Rouge y conducidas por una excéntrica bailarina del mismo nombre.
Izquierda : Henri de Toulouse-Lautrec, cartel promocional del Moulin Rouge - La Goulue , 1891. Museo de la publicidad, París.
Derecha : Henri de Toulouse-Lautrec, cartel promocional de Les Ambassadeurs ( Aristide Bruant en su cabaret ), 1892. Museo Toulouse-Lautrec, Albi, Francia.
Estos dos carteles se exhibieron simultáneamente durante la exposición Arte y Publicidad organizada por el Centre Pompidou en 1990.
Más tarde, a mediados de la década de 1950, fue el surgimiento del arte pop al otro lado del Atlántico lo que abrumó al mundo del arte con intrusiones publicitarias. Sopa de tomate enlatada deAndy Warhol y las estilizadas instrucciones de producto de Roy Lichtenstein simbolizarán esta nueva tendencia: la interferencia recíproca de las Bellas Artes en la cultura publicitaria . El uso de productos de consumo diario por parte de artistas estampados en Pop Art demostrará rápidamente su valor en el mundo empresarial. Campbell Soup Company (una empresa estadounidense que comercializa los famosos productos enlatados) no podría haber soñado con una mejor estrategia de marketing que la ofrecida por el genio creativo de Andy Warhol. Hoy en día, estas cajas Pop Art se han vuelto icónicas en todo el mundo , aunque solo están disponibles en los supermercados estadounidenses. Para un industrial, esta es una forma eficaz de hacer historia gracias al arte: la exposición de la obra aumenta mecánicamente la exposición del producto .
Gradualmente, los límites entre el arte , el entretenimiento y los productos de consumo se volverán cada vez más porosos. Andy Warhol va aún más lejos, diciendo esta famosa frase: " Cuando lo piensas, los grandes almacenes son un poco como museos ".
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans , 1962. Museo de Arte Moderno de Nueva York.
(Si eres fanático del Pop Art, no dudes en descubrir nuestro artículo sobre las 5 obras emblemáticas del movimiento )
En otros lugares, a lo largo del siglo XX, muchos artistas legendarios prestan sus marcas de pinceles para promocionar sus productos: por ejemplo, el estadounidense Edward Hopper y el belga René Magritte participaron en estas mascaradas comerciales para financiar sus jóvenes años de creación.
Desde los años 80, el arte nunca ha estado tan presente en las estrategias de marketing y campañas publicitarias de las empresas. Las primeras colaboraciones entre Keith Haring y ciertas marcas emblemáticas ( Lucky Strike , Absolut Vodka , Quick ) marcaron el advenimiento de la cooperación a largo plazo entre diseñadores y marcas que desean (re) promover su imagen ante un público determinado. Estas alianzas financian al artista tanto como participan en la difusión masiva de su arte : una propuesta que los creadores contemporáneos difícilmente pueden rechazar. Incluso en Francia, en las estanterías de nuestros supermercados, estas colaboraciones son legión: Papelería Ben Vautier y Quo Vadis , Bebar y botellas de Ron Havana Club…
Izquierda : Keith Haring, póster publicitario de Lucky Strike , 1987.
Derecha : Keith Haring, cartel publicitario de Absolut Vodka , 1986.
Otras marcas también utilizan obras que han pasado a ser de dominio público desde hace mucho tiempo para servir el propósito de una estrategia de marketing : este es particularmente el caso de la marca La Laitière , que utiliza la obra maestra del mismo nombre producida en 1660 por Johannes Vermeer . También podemos citar a Van Gogh , cuya turbulenta trayectoria vital permite ahora fluir varios miles de litros de absenta cada año, ya que uno de sus autorretratos adorna las botellas de la marca Absente. Asimismo, el Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci ilustró a la perfección las intenciones del logotipo de Man Power (servicio interino y de reclutamiento) durante muchos años.
Hoy vamos a ver 3 casos curiosos en los que el proceso creativo de un artista influyó enormemente en la notoriedad de una marca o un producto, con los ejemplos deSalvador Dali y la marca Chupa Chups. , Victor Vasarely y la Renault. grupo, y que finalmente va a volver a la (muy) en particular influencia de René Magritte, cuyo trabajo inspirado y sigue inspirando a una multitud de anunciantes en el siglo 21.
Estos precisos análisis nos permitirán responder con elegancia y sustancia a las siguientes preguntas: ¿Cómo influye el arte en la publicidad? ¿Y por qué los anunciantes necesitan arte para mejorar sus productos?
1. Salvador Dali y Chupa Chups
La marca de piruletas dulces que todo el mundo conoce hoy fue fundada en 1958 por el empresario español Enric Bernat . El nombre proviene de la contracción del verbo " chupar " y de la onomatopeya " chups " que evoca el silbido de los labios cuando el chupete sale de la boca. Durante los primeros años de industrialización, las ventas de piruletas iban bien, pero desafortunadamente eran solo un dulce entre muchos.
Esta gama de caramelos nunca habría alcanzado el éxito que hoy reconocemos sin su famoso logo regordete . El fundador de la empresa rápidamente se dio cuenta de que una buena marca no es nada sin un buen logo : afortunadamente, tenía entre sus amigos una leyenda bigotuda con el nombre de Salvador Dalí . El líder del movimiento surrealista aceptó sin pestañear bajar a una reinterpretación del logo inicial. Modificó el detalle del logo y así le dio a estas piruletas una identidad visual tan simplista como icónica: una forma de margarita y un código cromático - amarillo y rojo - que recuerda a los colores de la bandera española. La marca también se beneficia de una tipografía redonda y delicada , realzada por curvas vivas y atractivas: aquí, la glotonería está a la orden del día.
Imágenes : Evolución del logo de la marca Chupa Chups. Intervención de Salvador Dali en 1969.
Una elección de comunicación de la que la firma nunca se arrepentirá: hoy se estima que Chupa Chups vende más de cuatro mil millones de piruletas al año: la mitad de la población mundial ya ha probado uno de estos dulces perfumados.
2. Victor Vasarely y el logotipo de Renault
Si sale de su casa con regularidad (y con suerte) , es muy probable que se encuentre con este logotipo icónico al menos una vez al día. ¿Pero sabías que detrás de este pequeño diamante gris se esconde una verdadera historia artística?
La empresa Renault fue creada en 1898. Desde esa fecha, varios logotipos han adornado los vehículos de la marca: inicialmente eran dos "R " entrelazadas que representaban a los creadores del emblema: los hermanos Renault. Luego se han logrado incluir diferentes logotipos a través de la representación de un tanque durante la 1ª Guerra Mundial. A partir de 1925, la marca adoptó el patrón de malla de diamantes , porque se adaptaba mejor a las líneas de las capuchas de sus productos. Sin embargo, seguirá siendo muy rústico. durante varias décadas.
Imágenes . Evolución del logotipo del grupo Renault de 1900 a 1925.
Fue en 1972 , después de haber pasado por dos guerras mundiales e innumerables nacionalizaciones, cuando el grupo decidió ofrecerse una nueva imagen , más en sintonía con la evolución de la sociedad y la globalización emergente. Luego deciden llamar a Victor Vasarely y a su hijo, Yvaral , para diseñar un logotipo limpio, suave y hermoso. Un nuevo emblema para nuevas ambiciones.
Imágenes . Evolución del logotipo del grupo Renault desde 1946 hasta la actualidad.
En ese momento, esta pareja familiar ya había colaborado para la realización de la fachada de los RTL Studios en París (ahora destruida). Victor Vasarely es un artista franco-húngaro nacido en 1906, y sobre todo, es el fundador del Op Art ( " Optical Art " ), movimiento artístico que se traduce en un conjunto de prácticas e investigaciones basadas en los conceptos de tronco. - el ojo y las ilusiones ópticas .
Victor Vasarely, OND-LZ , 1971. Esta obra es un símbolo perfecto del arte óptico .
En unos días, el dúo diseñará un logo que causará una gran impresión. Gráficamente depurado, símbolo de modernidad, obviamente será validado por la empresa, que lo integrará de inmediato en toda su estrategia de comunicación: campañas de marketing, carteles, anuncios televisivos, etc.
Las líneas y los detalles ligeros presentes en las esquinas del diamante sugieren así el dinamismo del constructor gracias a un delicado efecto 3D que le da consistencia y carácter.
Desde entonces, aunque el logo ha sufrido sutiles variaciones, conserva el ADN inyectado por el genio Vasarely. En 2021, Renault volverá a desempolvar su fiel emblema. Algo poco común en las estrategias de marketing, la marca ha decidido resucitar el diseño original propuesto por Vasarely. Un reciclaje sobrio y elegante, artefacto sobreviviente de un artista adelantado a su tiempo.
3. René Magritte: el surrealismo al servicio del imaginario publicitario
René Magritte, El hijo del hombre , 1964. Detalle. Colección privada.
Niño o adulto, consciente o inconsciente: todo el mundo conoce y reconoce la obra de René Magritte. Con su imaginación hábil, luminosa y profundamente original, logró seducir a la opinión pública y hacer que las masas se adhirieran al ardor del movimiento surrealista. Donde, para un público laico, el dadaísmo de Duchamp o Man Ray a menudo parecía absurdo o incluso irritante, y donde el surrealismo de Dalí a menudo parecía demasiado onírico y fantasioso, René Magritte supo convencer a los más reticentes con obras tranquilas, geométricas, simbólicas, en las antípodas de la sobrecarga sistemática de sus homólogos parisinos . El artista belga ha producido más de 1.500 obras curiosas y explosivas, en las que hay elementos recurrentes y emblemáticos: objetos que participan del mito de Magritte , ahora casi inseparables de su pincelada. Manzanas verdes, cielo azul, nubes, puertas, bombines, hombres de traje, paraguas, pájaros y farolas son herramientas que se utilizan para desarrollar una mitología surrealista muy bien pensada .
René Magritte, La Trahison des Images , 1928. Pintura expuesta en el Museo de Arte Moderno de Bruselas.
El estilo de Magritte ha impactado la imaginación publicitaria y la sociedad de consumo de formas completamente nuevas. Y es ciertamente porque se forjó como comunicador en su juventud que sus obras se han vuelto tan prominentes en la cultura popular. En 2021, pocos son los que no conocen el famoso cuadro " Esto no es una pipa " , su nombre real La Trahison des Images . Sin embargo, es evidente que este trabajo reúne todos los elementos de una publicidad eficaz : un mensaje legible que cuestiona y una imagen potente. Aparte de estos dos componentes, no hay nada: vacío, nada. Esta ausencia de conexión entre los dos elementos permite al espectador pensar en ella, buscar una correlación, reflexionar y dedicar tiempo al análisis de la pintura. Esto es exactamente lo que busca un anunciante a la hora de conceptualizar una estrategia de marketing : quiere que el observador se detenga, piense y dedique su atención al beneficio de un eslogan o un mensaje, porque es el primero. No hacia el consumo de un producto. .
No es de extrañar entonces que encontremos esta particular sobriedad en las campañas publicitarias de nuestro tiempo, desde Apple hasta Netflix y McDonald's . No es de extrañar tampoco que descubramos con regularidad esta tabla reinterpretada en exceso por anunciantes faltos de inspiración, aunque signifique destruir su significado principal mediante distracciones irreflexivas.
Cartel publicitario de Allianz. Un buen ejemplo de una mala interpretación del mensaje inicial defendido en el cuadro de René Magritte. Detalle: 'Este es un aplastador de dedos común' .
Incluso si René Magritte dominaba maravillosamente los códigos de la comunicación, odiaba la publicidad. Incluso consideró la publicidad como "un arte aplicado que mata al arte puro" . Esto explica por qué su pintura a veces puede parecer juguetonamente sarcástica . Sin embargo, tuvo que participar en estas mascaradas para satisfacer sus necesidades alimentarias. Por eso trabajó para muchos patrocinadores de Bruselas, principalmente joyeros y modistos, pero también con una aerolínea belga, Sabena (ahora desaparecida).
Carteles de una campaña de marketing de la marca Absolut Vodka al estilo de las obras de Magritte.
Como has visto, el arte y la publicidad comparten vínculos mucho más complejos de lo que parecen. Desde Citroën Picasso hasta las cafeteras Keith Haring, incluidas las colaboraciones entre Louis Vuitton y Takashi Murakami , podríamos haber evocado muchas otras situaciones elocuentes en las que el arte abraza la publicidad, para mejor y a veces (a menudo) para peor.
“El arte ya es publicidad. La Mona Lisa podría haber servido de soporte para una marca de chocolate, Coca-Cola o lo que sea ". (Andy Warhol, 1981).
Bastien Alleaume (Crapsule Project)