Marion Roy, Elles , 2021. Zeichnung, Bleistift/Pastell auf Papier, 18 x 13 cm.
Akzeptanz von Vielfalt: eine lange Errungenschaft
Es ist unwiderlegbar: Unsere Gesellschaft ist buchstäblich besessen von der Größe und Form des menschlichen Körpers, die auch zu Unrecht und oberflächlich als eine Art Spiegel der persönlichen Identität angesehen werden. Aber war das schon immer so? Die Kunstgeschichte lehrt uns gerade durch ihre verschiedenen Richtungen, dass auch in den Zeitaltern vor unserer eigenen ein gewisser Kanon der Schönheit stark verfolgt und gesucht wurde. So zeigten Skulpturen und Kunstwerke in vorgeschichtlicher Zeit vor allem kurvige und wohlgeformte Silhouetten, die wie die berühmte Venus von Willendorf auf die weibliche Fruchtbarkeit anspielen sollten. Später, im antiken Griechenland, wurde die ideale Frau oft mit kleinen Brüsten verewigt, die in einem länglichen Körper platziert waren, wie die berühmte Venus von Milo . Dieses anatomische Modell blieb bis ins 17. und 18. Jahrhundert in Mode, wie die von Peter Paul Rubens dargestellten üppigen Frauen belegen. Etwa zur gleichen Zeit und bis zum Beginn des neunzehnten Jahrhunderts führte die Verwendung von Röcken mit Struktur zu noch runderen Silhouetten und Darstellungen, wie die Gesichtszüge der Protagonisten von Las Meninas von Diego Velázquez veranschaulichen. Ende des 19. Jahrhunderts setzte sich jedoch ein neuer Kanon der Schönheit durch, der auf das Werk des amerikanischen Künstlers Charles Dana Ginson folgte, der immer noch üppige, aber größere und dünnere Frauen zeichnete. In der Folge führten die künstlerischen Experimente des 20. Jahrhunderts zu verschiedenen Arten weiblicher Attraktivität, die in den schlanken und fließenden Körpern der Frauen von Henri Matisse, in den rundlichen und verdrehten von Pablo Picasso und in den weichen Formen von Fernando Botero zum Ausdruck kommen .
Tony Rubino, Venus de Milo-Studie mit farbenfroher Mustermalerei , 2021. Acryl / Lithografie auf Leinwand. 61 x 50,8 cm.
Robin Austin, Marilyn Monroe - allure , 2014. Digitaldruck auf Metall, 135 x 101,6 cm.
Allerdings waren es in dieser Zeit die Modewelt und die Medien, die ihre ästhetischen Kanons durchsetzten und zunächst eher jüngere, athletische und schlanke Frauenfiguren wie die „Flapper“ der zwanziger Jahre förderten. Dieser Trend wurde erst in den 50er Jahren unterbrochen, als mit der Verbreitung von Pin up wohlgeformte Frauen wieder in Mode kamen, so wie die von Andy Warhol unsterblich gemachte Ikone Marilyn Monroe. Zwischen den sechziger und siebziger Jahren näherten sich die Schönheitsstandards jedoch wieder denen der zwanziger Jahre an und änderten ihre Größe erst gegen Ende des Jahrhunderts, als die neuen Supermodels wie Model Cindy Crawford ein gesünderes, sportlicheres Aussehen präsentierten fit. In den 90er Jahren verlagerte sich der Schwerpunkt jedoch wieder auf die Schlankheit, die übertrieben und mythisiert bis in die 2000er Jahre als Synonym für Schönheit galt. Erst seit Beginn des 21. Jahrhunderts hat sich eine neue Orientierung durchgesetzt, die offener, realistischer und produktiver darauf abzielt, die Schönheit in ihrer unterschiedlichsten Vielfalt zu zelebrieren und sich von Größen, Farben und anderen nutzlosen und relativen Standards zu befreien. In diesem Sinne hat sich die zeitgenössische Kunst klar ausgedrückt. Mit der Arbeit von Künstlerinnen wie Jenny Saville, Sally Hewett, Stella Maria Baer und Prudence Flint wollte sie sowohl der Schönheit aller Frauen huldigen als auch den Wert der Einzigartigkeit und Einfachheit fördern, indem sie gewöhnliche und zugängliche physische Modelle hervorhebt.
Yanis Salimov, Rote Königin , 2022. Öl/Acryl auf Leinwand, 70 x 50 cm.
Zeitgenössische Kunst: Die Feier der universellen Schönheit
Die Künstler von Artmajeur haben sich weitgehend an diese neuen Absichten gehalten, die von einem Großteil der zeitgenössischen Kunst übernommen werden, und beziehen sich manchmal sogar ausdrücklich auf die Werte der „Body Positive“-Bewegung, die durch das Infragestellen gesellschaftlicher Kanons und Vorurteile über Körper darauf abzielt, die Akzeptanz aller zu fördern Menschentypen, unabhängig von Größe, ethnischer Zugehörigkeit, Geschlecht oder körperlichen Fähigkeiten. Tatsächlich taucht diese Ideologie stark in den Werken von Armen Manukyan-Burovtsov, Sviatlana Petushkova, Zhenya Grosh, Laurence Pustoc'H und Harrison Ebwele auf, deren Absicht es ist, Körper hervorzuheben, die zu oft von den Medien zensiert oder falsch dargestellt wurden.
Armen Manukyan-Burovtsov (armmenart): She-predator, 2010. Digitale Fotografie auf Papier, 80 x 75 cm.
Armen Manukyan-Burovtsov (armmenart): Sie-Raubtier
Die Arbeit des Artmajeur-Künstlers Armen Manukyan-Burovtsov zeigt nicht nur eine wohlgeformte Frau in einer mehrdeutigen, provokanten und sinnlichen Haltung. Tatsächlich hat der Künstler, der sich eindeutig auf die schmutzigen Atmosphären des Fotografen Jan Saudek beruft, nach eigener Aussage einen wahren „Raubtier des „Body Positive““ geschaffen. Aber worauf bezieht sich diese Aussage? Wahrscheinlich will das Foto auf die Geburt einer neuen Frau verweisen, einer Art Amazone, die bereit ist, ihre Vielfalt "bis zum Tod" zu verteidigen, sich ihrer Einzigartigkeit, ihrer Stärke und ihrer starken zweideutigen Sinnlichkeit bewusst.
Sviatlana Petushkova, Gerda / Vitiligo beauty, 2021. Malerei, Acryl / Lack / Marker auf Leinwand, 50 x 40 cm.
Sviatlana Petushkova: Gerda / Vitiligo-Schönheit
In dem Gemälde der Artmajeur-Künstlerin Sviatlana Petushkova wird eine neue Art von Schönheit hervorgehoben, die, lange zensiert und verboten, erst in den letzten Jahren geschätzt, gewürdigt und normalisiert wurde. Tatsächlich ist das Thema der Arbeit ein Körper, der, durch die Zeichen der Vitiligo einzigartig und besonders gemacht, zum Symbol einer modernen Weltoffenheit wird, Träger von neuem Reichtum, Vielfalt und Sensibilität. Diese Erhöhung der Vielfalt ist ein wiederkehrender Aspekt in der künstlerischen Produktion von Sviatlana Petushkova, deren Arbeit sich oft mit dem menschlichen Körper auseinandergesetzt und ihn als Symbol einer neuen universellen Schönheit interpretiert hat, die durch Selbstakzeptanz geht. Untermauert wird das Gesagte schließlich durch die eigenen Aussagen des Künstlers: „Ich hoffe, dass meine Kunst vielen Menschen hilft, sich selbst zu lieben und ihren Körper zu akzeptieren.“
Zhenya Grosh, Wo sind die Flügel, 2018. Digitale Fotografie auf Papier, 40 x 60 cm.
Zhenya Grosh: Wo sind die Flügel
Die Fotografie der Künstlerin von Artmajeur, Zhenya Grosh, liefert uns ein äußerst intimes und hyperrealistisches Bild der alltäglichen Realität, das die sinnlichsten Teile des weiblichen Körpers einrahmt, die unaufhaltsam von einigen offensichtlichen Unvollkommenheiten gekennzeichnet sind. Dies scheint ein "Schrei" zu sein, eine ausdrückliche Erklärung, die darauf abzielt, hervorzuheben, was wir wirklich sind: unvollkommene Wesen. Wahrscheinlich verbirgt sich hinter diesem Bewusstsein ein starker Wunsch, uns selbst akzeptieren zu können.
Laurence Pustoc'H, Les demoiselles d'…. , 2021. Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm.
Laurence Pustoc'H: Les demoiselles d'….
Das Kunstwerk des Artmajeur-Künstlers Laurence Pustoc'H ist ein zeitgenössisches und innovatives „Remake“ von Pablo Picassos Les Demoiselles d'Avignon , einem Meisterwerk, das bereits einen Kanon der Schönheit über den Tellerrand hinaus vorgeschlagen hat. Tatsächlich hat Pustoc'H in Übereinstimmung mit dem spanischen Meister weibliche Figuren gemalt, die nicht sehr kanonisch sind und sich ausschließlich auf seine Sensibilität und die Ziele seiner künstlerischen Untersuchung beziehen. Zudem geht aus den expliziten Äußerungen der Künstlerin hervor: Die porträtierten Körper, gezeichnet von der Brutalität des Lebens, verzehrt von zu viel Liebe oder Gewalt, zeigen sich stolz, um ihrer Lebenslust Ausdruck zu verleihen.
Harrison Ebwele: „Schau mich nicht an“, 2021. Malerei, Kugelschreiber auf Papier, 54 x 43 cm.
Harrison Ebwele: „Schau mich nicht an“
Das Gemälde des Artmajeur-Künstlers Harrison Ebwele mit dem Titel „Don’t look at me“ ist Teil der Kollektion „Self-value“, die ein deutlicher Hinweis auf das Gefühl derer ist, die leiden, weil sie nicht den Mut dazu haben sich selbst akzeptieren, neigen sie dazu, den Blick anderer zu scheuen. Diese Konzepte sind das Ergebnis einer autobiografischen Erfahrung, durch die der Künstler verstanden hat, wie wichtig es ist, mit sich selbst im Reinen zu sein. Trotz dieser starken und ernsten Themen wird die Arbeit durch die verwendeten Farben und die anmutigen runden Formen des Protagonisten äußerst lebendig.
Olimpia Gaia Martinelli
