UNVERGESSLICHES DU (2024)Gemälde von Chantal Proulx
Im weiten Universum der Kunst hat die Präsenz der Frauen einen gewundenen und tiefgreifenden Entwicklungsweg durchlaufen. Historisch gesehen wurden Frauen oft aus den dominierenden Künstlerkreisen ausgeschlossen, ihre Beiträge wurden auf Randrollen verwiesen oder in die Anonymität verbannt. Erst in den letzten Jahrhunderten haben Künstlerinnen durch unermüdliche Kämpfe um Emanzipation und Anerkennung begonnen, den ihnen zustehenden Platz in der Kunstwelt einzunehmen.
Der Übergang von der Unbekanntheit zur Anerkennung war ein schwieriger Weg, der von soziokulturellen Barrieren geprägt war, die Frauen daran hinderten, ihr Talent frei zum Ausdruck zu bringen. Akademische Beschränkungen und ein begrenzter Zugang zu Förderern, einst ausschließlich männlichen Vorrechten vorbehalten, waren erhebliche Hindernisse, die den Aufstieg der Frauen in der Kunstwelt bremsten. Ab dem 20. Jahrhundert wurden die Beiträge der Frauen jedoch zunehmend anerkannt, was zum Teil der Entstehung der Frauenrechtsbewegungen zu verdanken ist, die sich für mehr Gleichberechtigung der Geschlechter einsetzten.
Dank Plattformen wie Artmajeur erleben wir heute eine zunehmend ausgewogene und vielfältige Darstellung, bei der Künstlerinnen jedes künstlerische Medium meisterhaft beherrschen. Malerei, Skulptur, Fotografie, Zeichnung, Collage, Textilkunst und digitale Kunst sind nur einige der Bereiche, in denen Frauen unauslöschliche Spuren hinterlassen haben und weiterhin hinterlassen.
In genau diesen Bereichen repräsentieren die Künstler von Artmajeur eine außergewöhnliche Bandbreite an Talenten, erforschen und transformieren verschiedene Medien und zeigen, wie Kunst ein mächtiges Ausdrucks- und Veränderungsinstrument sein kann. Mit jedem Werk fordern sie traditionelle Wahrnehmungen heraus und erweitern den Horizont des Möglichen. Damit bestätigen sie die entscheidende Rolle der Frauen bei der kontinuierlichen Definition und Erneuerung der zeitgenössischen Kunstlandschaft.
Jetzt sind wir bereit, die weibliche Perspektive durch verschiedene Medien zu erkunden und die Werke von Malern, Bildhauern, Fotografen und anderen Künstlern auf Artmajeur zu analysieren und zu vergleichen. Auf die Plätze, fertig, los!
Drei Maler, die die Kunst neu schreiben
Beginnend mit der Malerei haben wir die einzigartigen Ansätze zur Kreativität dreier außergewöhnlicher Künstler untersucht, von denen jeder eine unverwechselbare Vision hat. Dieselbe Analyse wird auf Skulptur und Fotografie ausgeweitet, wo wir verschiedene künstlerische Ausdrucksformen anhand der Werke anderer talentierter Künstler erkunden werden. Für die anderen Disziplinen – Zeichnen, Collage, Textilkunst und digitale Kunst – werden wir jeweils einen Vertreter auswählen und dessen einzigartige Wirkung hervorheben.
SPIEGELUNG (2023)Gemälde von Agnese Kurzemniece
WENN DEIN KOPF IN DEN WOLKEN IST (2023)Gemälde von Agnes Kurzemniece
Die Malerei von Agnese Kurzemniece , einer Künstlerin, die in Riga (Lettland) lebt und arbeitet, erforscht das Thema Weiblichkeit in einer sich verändernden, „expressionistischen“ und surrealen Umgebung durch eine sehr persönliche, fast symbolische Linse. Agnese wurde zunächst an der Kunsthochschule Janis Rozentāls in Riga ausgebildet und verfeinerte später ihre Malerei- und Grafikkenntnisse an der Kunstakademie Lettlands. In den letzten Jahren hat sie ihren Schwerpunkt auf die Acrylmalerei verlagert und die Themen ihrer frühen grafischen Arbeiten fortgeführt und weiterentwickelt.
Bei der Analyse zweier Gemälde von Agnese Kurzemniece, „Mirroring“ (2023) und „When Your Head Is in the Clouds“ (2023), treten deutliche stilistische und thematische Wiederkehrungen zutage, die das gesamte Werk der Künstlerin nahezu synthetisieren können.
In „Mirroring“ ist die Figur einer jungen Frau zu sehen, die ihr Spiegelbild betrachtet. Diese Szene ist von heiterer Ruhe durchdrungen, die durch die Verwendung einer „weichen“ und harmonischen Farbpalette wiedergegeben wird, die die Figur sanft in ein subtiles Licht hüllt und Intimität und Reflexion suggeriert. Darüber hinaus lädt die Komposition zur Kontemplation ein und betont den nachdenklichen und ernsten Ausdruck des Motivs, das völlig in Selbstreflexion versunken ist. Das Gemälde ruft auch Eleganz und Ruhe hervor, Empfindungen, die durch die kontrollierte Verwendung nüchterner Töne hervorgerufen werden, die in einem wohlüberlegten Kontext zum Leben erwachen.
Ähnlich präsentiert „When Your Head Is in the Clouds“ eine surreale Atmosphäre, in der das Gesicht einer Frau zwischen sich bewegenden grünen Wolken den Betrachter in eine traumhafte Welt entführt. Die Figur mit ihrem verlängerten Hals und ihrem heiteren Aussehen erzeugt ebenfalls eine Aura von Geheimnis und Charme und hebt sich von einem grün-rosa Hintergrund ab, der der Szene Tiefe verleihen soll. Die gesamte Vision ruft im Kontext einer imaginären, ätherischen Landschaft Wunder und Erstaunen hervor.
Letztendlich wird deutlich, dass beide Werke Kurzemnieces Fähigkeit demonstrieren, Themen im Zusammenhang mit weiblicher Identität und Selbstwahrnehmung in unterschiedlichen Kontexten zu untersuchen und dabei eine stilistische Kohärenz beizubehalten, die Realismus mit surrealen Elementen vermischt. Während „Mirroring“ die innere Reflexion in einer ruhigen und intimen Umgebung untersucht, bringt „When Your Head Is in the Clouds“ diese gleichen Empfindungen in einer äußeren Umgebung zum Ausdruck. Diese Diversifizierung der Umgebung ermöglicht es uns, über räumliche Vielfalt nachzudenken und zeigt, wie Kunst als Brücke zwischen dem Realen und dem Surrealen, dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren dienen kann.
TROPISCHER SONNENUNTERGANG (2024)Gemälde von Nataliia Sydorova
THREADS (2024)Gemälde von Naoko Paluszak
Wir sind nun beim Vergleich zwischen zwei abstrakten Gemälden angekommen: „Tropical Sunset“ (2024) von Nataliia Sydorova und „Threads“ (2024) von Naoko Paluszak .
Was Nataliia Sydorova betrifft, so hat die zeitgenössische ukrainische Malerin eine lebendige Darstellung eines tropischen Sonnenuntergangs auf Leinwand geschaffen, wobei sie eine Explosion von Orange-, Rosa- und Blautönen verwendet. Dieses Ölgemälde spiegelt die Inspiration der Werke Gerhard Richters wider, in denen reiche Texturen und helle Farben miteinander verschmelzen, um das warme Licht der Sonne hervorzurufen. Ebenso ist Sydorovas Ansatz stark von Künstlern wie Mark Rothko und Cy Twombly beeinflusst, die für ihre Meisterschaft im Umgang mit kräftigen Farben bekannt sind, wie in „Tropical Sunset“ deutlich wird. Neben dem spielerischen Farbakzent soll dieses Gemälde außerdem gute Laune und Inspiration ausstrahlen und die Umgebung, in der es platziert ist, energetisch verwandeln.
Was die abstrakte Auseinandersetzung von Naoko Paluszak betrifft, der preisgekrönten japanischen Künstlerin, die in den Vereinigten Staaten lebt, so ist ihr Werk in „Threads“ zusammengefasst, einem Acrylwerk, das auf innovative Weise die Besonderheiten des abstrakten Expressionismus erforscht. Es besteht aus farbigen Linien, die kompliziert ineinander verschlungen, aber klar geformt sind und ein Bild erzeugen, das uns durch seine Fähigkeit beeindruckt, intensive Emotionen und Erinnerungen hervorzurufen, die oft in unserem Unterbewusstsein verwickelt und gefangen sind. Apropos Ausbildung: Paluszaks Hintergrund als Grafikdesignerin hat ihre Kunst deutlich mit einer besonderen emotionalen Dynamik bereichert, die manchmal fast greifbar ist.
So arbeiten beide Künstler zwar in persönlichen und unterschiedlichen Stilen, haben aber eine Vorliebe für den kräftigen Einsatz von Farben und eine Tendenz zur Abstraktion und fordern den Betrachter auf, die Werke auf sehr persönliche Weise zu interpretieren. Während Sydorova sich auf eine von Naturphänomenen inspirierte Abstraktion konzentriert, erforscht Paluszak die Spannung zwischen Abstraktion und Figuration und schafft Formen, die die traditionelle visuelle Wahrnehmung herausfordern.
Zwei Stimmen in der Welt der Skulptur
Nachdem wir die Malerei erkundet haben, tauchen wir nun in die Welt der Skulptur ein und heben den Beitrag der Frauen anhand der Werke zweier talentierter Bildhauerinnen hervor – Ielizaveta Portnova und Joanna Zakrzewska-Cholewa.
PLAISIR (2023)Skulptur von Ielizaveta Portnova
AINSI VA LA VIE (2023)Skulptur von Ielizaveta Portnova
Wenn wir über Ielizaveta Portnova sprechen, tauchen wir ein in die Welt einer ukrainischen Bildhauerin, die Innovation und Experimentierfreude zu den Säulen ihrer Kunst gemacht hat. Die in Frankreich lebende Portnova hat die Grenzen der Keramikkunst neu definiert, indem sie traditionelle Techniken mit mutigen und kreativen Erkundungen kombiniert. Ihre Fähigkeit, Ton mit den Händen zu formen, verbindet sich mit der Verwendung von Oxiden, Schlickern und Glasuren, um ihren Kreationen Tiefe und visuelle Komplexität zu verleihen. Sie enthalten oft organische und anorganische Materialien in einem Spiel der Mehrdeutigkeit, das die Wahrnehmung des Publikums herausfordert.
Die Werke von Portnova sind zudem tief in natürlichen und archäologischen Inspirationen verwurzelt und schaffen ein unverwechselbares Universum, das Texturen widerspiegelt, die an geschichtetes Gestein oder erodierte Fossilien erinnern sollen und eine innere Fragilität und Unvorhersehbarkeit aufweisen, die den Launen der Natur ähnelt.
Wenn wir uns nun auf die Skulpturen „Plaisir“ (2023) und „Ainsi Va La Vie“ (2023) konzentrieren, bemerken wir eine faszinierende thematische Entwicklung, die nicht nur Portnovas Kunst, sondern auch ihr Privatleben widerspiegelt. Beide Skulpturen wurden ursprünglich 2020 in der Ukraine modelliert und nach Kriegsbeginn nach Frankreich transportiert, wo sie eine Reise symbolisieren, sowohl physisch als auch emotional. „Plaisir“ ist mit Aufklebern bedeckt, die Verse von André Breton und Noten von Vivaldi enthalten, eine Hommage an Portnovas glückliche Erinnerungen in Italien und eine Bejahung des Lebens durch künstlerisches Schaffen. In ähnlicher Weise präsentiert „Ainsi Va La Vie“ einen gesichtslosen Körper, gezeichnet von Veränderungen und Nöten, der ebenfalls mit Versen bedeckt ist.
Darüber hinaus können wir uns beim Betrachten der beiden Skulpturen vorstellen, dass die eine die Fortsetzung der anderen ist, als ob die Figur von „Plaisir“, die zunächst aufrecht und gelassen steht, in einer anschließenden Bewegung fällt und sich dreht, um zu „Ainsi Va La Vie“ zu werden. Dieser visuelle Übergang zwischen den Werken suggeriert einen Fluss von Erzählung und Form, der Vergänglichkeit und kontinuierliche Transformation hervorhebt, Schlüsselelemente in Portnovas künstlerischer Auseinandersetzung.
Abschließend zeigt die obige Analyse nicht nur Portnovas technische Meisterschaft, sondern auch ihr Engagement bei der Erforschung von Themen wie Erinnerung, Verlust und Hoffnung, wodurch ein tiefer Dialog zwischen der Künstlerin, ihrer Arbeit und dem Publikum entsteht. Tatsächlich lädt Portnovas Kunst die Betrachter dazu ein, über persönliche und kollektive Herausforderungen nachzudenken und bietet Raum für Erkenntnis und Katharsis.
ZIRKUSAKROBATEN, NR. V/VIII, HOCH 49CM (2024)Skulptur von Joanna Zakrzewska-Cholewa
NEUES SPIEL, NEIN. EA I/II (2022)Skulptur von Joanna Zakrzewska-Cholewa
Wenn wir von Joanna Zakrzewska-Cholewa sprechen, treffen wir auf eine polnische Bildhauerin, die 1976 geboren wurde und die Akademie der Schönen Künste in Krakau absolvierte. Sie verwendet vorwiegend Bronze und arbeitet im Wachsausschmelzverfahren. Ihre Skulpturen zeichnen sich durch ihre Reinheit und die materielle Schwere des Metalls aus.
Die Skulpturen „Circus Acrobats, No. V/VIII“ (2024) und „New Game, No. EA I/II“ (2022) sind hervorragende Beispiele ihres künstlerischen Ansatzes, da sie sich mit Themen wie Bewegung und Gleichgewicht befassen, die durch das Studium der menschlichen Form wiedergegeben werden. „Circus Acrobats“ zeigt Figuren bei einem akrobatischen Akt, bei dem die Starrheit der Pose und die Harmonie der Formen in Bronze festgehalten sind. Darüber hinaus zeigt diese Skulptur eine geschickte Handhabung des Metalls, wodurch trotz des von Natur aus schweren Materials ein Gefühl von Dynamik und Leichtigkeit entsteht.
Im Gegensatz dazu erforscht „New Game“ das Gleichgewicht in einem anderen Kontext, wo nicht die Interaktion zwischen menschlichen Figuren die Szene dominiert, sondern die Verbindung zwischen Mensch und einem geometrischen Element, dem Ring. Dieses Werk drückt einen Dialog zwischen Körper und Objekt aus und erforscht, wie das körperliche Gleichgewicht durch äußere Strukturen beeinflusst und aufrechterhalten werden kann. Der Ring stützt nicht nur, sondern integriert sich in die Dynamik der Figur und suggeriert eine Symbiose zwischen Mensch und seiner Umgebung. Er spiegelt ein Spiel der Formen wider, das die Schwerkraft herausfordert und einen Moment ästhetischer Spannung und Balance einfängt.
Somit betonen beide Skulpturen die Bewegung, nicht nur physisch, sondern auch emotional und konzeptionell, und laden den Betrachter ein, über die Natur der Unterstützung und des Gleichgewichts in menschlichen Beziehungen und zwischen dem Menschen und seinem Lebensraum nachzudenken. Auf diese Weise bringt Zakrzewska-Cholewa die Bedeutung von Vertrauen und Gleichgewicht sowohl in zwischenmenschlichen als auch in individuellen Kontexten visuell zum Ausdruck und verstärkt die Idee der Interaktion als grundlegendes Element für Harmonie und persönliches Wachstum.
Visionen zweier Fotografen
Wir vertiefen uns jetzt in das Feld der Fotografie und beleuchten den Einfluss von Frauen anhand der Arbeiten zweier unterschiedlicher Fotografinnen: Valera Samarine und Mariska Karto.
SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE F19F (1999)Fotografie von Valera Samarine
SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE FN03F (1996)Fotografie von Valera Samarine
Valera Samarine ist eine talentierte Fotografin, die Alltagsgegenstände in wahre visuelle Offenbarungen verwandelt. Als erfahrene Lehrerin und Ingenieurin hat Samarine umfangreiche Kenntnisse in Schwarzweißfotografie und den Grundlagen der Komposition erworben. Ihre Werke werden international geschätzt und sind in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen sowie renommierten Galerien zu sehen.
Ein besonderer Aspekt ihrer Kunst zeigt sich in der zwischen 1994 und 1999 entstandenen Serie „Fourchettes“. Diese Serie untersucht das alltägliche Objekt der Gabel mit einem scharfen Auge für Form und Licht und erinnert an André Kertészs Arbeit und sein berühmtes Foto „Die Gabel“ (1928). Kertész, der ebenfalls für seine Fähigkeit gefeiert wird, einfache Details zu meditativer Poesie zu erheben, hat viele Fotografen beeinflusst und sie dazu gebracht, durch den sorgfältigen Einsatz von starkem Licht und dramatischen Schatten die verborgene Schönheit des Alltäglichen zu erkunden.
Die beiden präsentierten Werke, die Teil der Serie „Fourchettes“ sind, zeigen Samarines Talent, die Dualität und Spannung zwischen Einfachheit und Ausarbeitung einzufangen. Das erste Bild zeigt eine Gabel, die auf einen gestreiften Hintergrund projiziert wird, um ein Spiel aus Licht und Schatten zu erzeugen und geometrische und lineare Formen hervorzuheben. Das zweite Foto hingegen verwandelt die Gabel durch Schatten in ein Objekt mit doppelter Identität und hebt ihr transformatives Potenzial durch fotografische Abstraktion hervor.
WÄSCHETAG (2021)Fotografie von Mariska Karto
DIVA ATTACK (2017)Fotografie von Mariska Karto
Mariska Karto , geboren in Suriname und aufgewachsen in den Niederlanden, verbindet in ihren Werken ein reiches kulturelles Erbe, das von Südamerika bis Indonesien, von Afrika bis Holland reicht. Ihre Kunst spiegelt diese Vielfalt durch eine einzigartige Verschmelzung von Stilen und Themen wider und zeigt eine starke Neigung zur figurativen Kunst, die in menschlichen Formen wiedergegeben und mit Farben, natürlichen Elementen und der Umgebung integriert wird. Mariska beschränkt sich nicht darauf, diese Ästhetik äußerlich zu erforschen, sondern vertieft sich in die Erzählung und spielt auch auf das innere Geheimnis der dargestellten Charaktere an.
Ihre Fotografien „Laundry Day“ (2021) und „Diva Attack“ (2017) verkörpern den Stil der Fotografin auf brillante Weise und erwecken eine kraftvolle und sinnliche Darstellung der Weiblichkeit zum Leben. „Laundry Day“ verwandelt eine gewöhnliche häusliche Szene in einen humorvollen Ausdruck weiblicher Stärke, wobei Alltagsgegenstände die Widerstandsfähigkeit und Unabhängigkeit der Frau symbolisieren. In ähnlicher Weise spielt „Diva Attack“ mit Leichtigkeit und einem etwas kitschigen Geschmack auf ähnliche Situationen und Themen an.
Beide Werke zeigen zwar weibliche Figuren in Positionen, die verletzlich oder unterwürfig erscheinen könnten, kehren diese Wahrnehmungen jedoch durch einen intelligenten Einsatz von Ironie und Symbolik um und enthüllen die wahre innere Stärke und Widerstandskraft der Frauen. Tatsächlich fängt Karto mit einer Mischung aus Verspieltheit und kraftvollem Ausdruck nicht nur das äußere Erscheinungsbild ihrer Modelle ein, sondern dringt auch in ihr tieferes Wesen ein und verwandelt jedes Foto in eine kraftvolle Bestätigung der Stärke und Schönheit der Frauen. Es wird deutlich, dass ihre Werke von Weiblichkeit nicht als Schwäche, sondern als einer mächtigen Kraftquelle sprechen, selbst wenn sie unter Schichten alltäglicher Kontexte begraben oder verborgen zu sein scheint.
TOMATE NOIRE (2023Zeichnung von Sylvie Talon
Profil einer Zeichnerin
Sylvie Talon ist eine autodidaktische französische Künstlerin, die sich auf Bleistift- und Tuschezeichnungen spezialisiert hat. Sylvie wurde 1962 in Bayonne geboren und richtete ihr Atelier in einem kleinen Dorf mit 200 Einwohnern an der Grenze zwischen Landes und Gers in Frankreich ein, wo sie die nötige Ruhe findet, um sich ihrer langjährigen Leidenschaft, dem Malen und Zeichnen, zu widmen.
Ihre Werke, die sich durch tadellose technische Meisterschaft und zarte Farben auszeichnen, erforschen das weibliche Leben in seiner Dualität und spielen auf Träume, Sehnsüchte und Erfolge an. Sylvies sinnliche Charaktere, die oft schwebend dargestellt werden, hüllen den Betrachter in eine traumhafte Atmosphäre und erschaffen eine Welt der Zartheit und visuellen Intimität.
Eines ihrer jüngsten Werke, „Tomate Noire“ (2023), ist ein hervorragendes Beispiel für ihr Talent, die einzigartige Schönheit der Natur einzufangen. Diese mit Bleistift auf Papier angefertigte Zeichnung zeigt eine wunderschöne schwarze Tomate aus ihrem Garten. Trotz des Titels ist die Farbe dieser Frucht ein tiefes Rot, das mit einer Präzision wiedergegeben wurde, die ihre außergewöhnliche und originelle Form hervorhebt und sie in ihrer Sinnlichkeit zum Leben erweckt.
Diese besondere Eigenschaft der Frucht erinnert an die Werke von Edward Weston, insbesondere an „Pepper No. 30“, wo der Alltagsgegenstand durch fotografische Kunst zu einer Ikone der Schönheit und reinen Form erhoben wird. In ähnlicher Weise hat Sylvie Talon eine einfache Tomate in ein Kunstwerk verwandelt und damit die Einzigartigkeit natürlicher Formen gefeiert.
EMANATION 6 (2024)Collagen von Annemarieke Van Peppen
Eine künstlerische Vision der Collage
Annemarieke van Peppen ist eine 1971 in Rotterdam geborene Künstlerin, die an der Akademie für Kunst und Industrie (AKI) in Enschede ausgebildet wurde, wo sie sich auf Mode spezialisierte. Nach ihrem Studium reiste sie nach Indonesien, Australien und Malaysia, um Inspiration zu finden und einen persönlichen künstlerischen Stil zu entwickeln. Ihre Arbeit umfasst Collagen, Installationen, wirkungsvolle Kunstprojekte, Fotografie, Skulpturen und Kleidung, wobei sie ständig nach der menschlichen Essenz sucht, auch in ihrer Komplexität.
Die Serie „Emanations“, zu der die obige Collage gehört, reflektiert den Begriff „Emanation“, der etwas bezeichnet, das aus einer Quelle hervorgeht und sich in neuen Formen manifestiert, um die Essenz menschlicher Erfahrung durch die Schaffung neuer Identitäten zu erforschen. Diese sollen die kontinuierliche Suche nach Selbstfindung und Wachstum symbolisieren. Dieser Ansatz fungiert für die Künstlerin als Spiegel, lädt zur Selbstbeobachtung und Reflexion ein und erzählt auch von ihrem persönlichen Prozess der Neuerfindung und Akzeptanz im Hinblick auf den ständigen Fluss von Veränderung und Entwicklung.
Bei „Emanations 6“ handelt es sich um eine Collage aus einem Porträt in Graustufen, das aus zahlreichen kleinen Stücken Textilfaser besteht, die auf eine Holzoberfläche geklebt sind. Die einzelnen Teile des Werks sind sorgfältig angeordnet, um ein zusammenhängendes und detailliertes Bild des Gesichts einer Person zu bilden, wobei besonderes Augenmerk auf Tonabstufung und Texturen gelegt wird, um eine realistische Darstellung zu erzielen. Darüber hinaus erzeugt der überlappende Stoff eine einzigartige und strukturierte Oberfläche, die die visuelle Tiefe und Komplexität des Porträts verstärkt. Schließlich ist es offensichtlich, dass das Werk Elemente der traditionellen Porträtmalerei mit zeitgenössischen Collagetechniken kombiniert und die Fähigkeit des Künstlers zeigt, Materialien zu manipulieren, um Emotionen und Bedeutungen hervorzurufen.
VASENKOMPOSITION VI‘24 (2024)Textilkunst von Milena Paladino.
Textilinnovation von Frauen
Milena Paladino , 1985 in Polen geboren, schloss ihr Kunststudium an der Adam-Mickiewicz-Universität in Posen ab, bevor sie nach Italien zog, um ihrer Leidenschaft für die Kunst nachzugehen. Ihre Suche nach dem idealen Ausdrucksmedium führte sie dazu, sich auf Textilarbeiten mit der Punch-Needle-Technik zu spezialisieren.
Ihre Kreationen zeichnen sich durch einfache und filigrane Kompositionen aus, die Form und Proportionen anhand von Stillleben erforschen. Geleitet von der Suche nach Essenz und formaler Reinheit strebt Milena nach klarer Harmonie und Proportionen, was zu minimalistischen und sinnlichen Werken führt. Durch die Arbeit mit natürlichen Stoffen wie Wolle oder Alpaka verleiht Milena ihren Werken eine starke visuelle Wirkung und eine taktile Qualität, sodass der Betrachter mehrere Sinne anspricht.
In ähnlicher Weise veranschaulicht „Vase Composition VI'24“ (2024) Paladinos Kunst, indem es eine Kombination aus Figuren und Materialien formt, wobei die textile Anordnung auf innovative Weise Textur und Farbe erforscht. In diesem Zusammenhang schafft die Punch-Needle-Technik zusammen mit natürlichen Materialien eine Oberfläche, die wiederum reich an visuellen und taktilen Variationen ist.
DEEP SOUL 138 (2023)Digitale Kunst von Laurence Verney
Die digitale Zukunft ist weiblich
Laurence Verney ist eine 1962 geborene französische Künstlerin, deren künstlerisches Universum heute durch digitale Kunst zum Ausdruck kommt. Verney liebt es, Illusionen zum Leben zu erwecken. Material, Textur, Tiefe, Bewegung und Kontrast in ihren Werken erzeugen eine Ausdruckskraft, die ihren Bildern Bedeutung verleiht und die Fantasie anregt. In diesem Sinne spielt auch die geheimnisvolle Qualität des Lichts eine Rolle, die tiefe Emotionen hervorrufen und den untersuchten Motiven Glanz und Vibration verleihen kann.
Apropos Illusion: Laurence Verney findet Inspiration in der optischen Kunst von Victor Vasarely, aber auch in der Abstraktion von Pierre Soulages, der Schwarz-Weiß-Fotografie von Edward Weston und den flüchtigen Bildern großer Städte von Ernest Pignon-Ernest und JR. Diese Meister beeinflussen ihre kreative Forschung, die auch von der Spontaneität der Straßenkunst inspiriert ist.
Das digitale Kunstwerk „Deep Soul 138“ (2023) ist eine Kombination aus manipulierter Digitalfotografie, KI-generierten Bildern und 2D-Fotomontagen auf Aluminium. Es wurde geschaffen, um durch die Verwendung komplexer Texturen und Lichtspiele die Essenz menschlicher Erfahrung zu erforschen und ein fast greifbares Werk zu schaffen. Das abgebildete Gesicht taucht aus einem ätherischen Schleier auf und vermittelt ein Gefühl von Tiefe und Introspektion, während die digitale Manipulation und die Verwendung von Materialien wie Aluminium ein zeitgenössisches Bild schaffen, das Tradition und Innovation miteinander zu verbinden vermag.
Olimpia Gaia Martinelli
