Kunst als „ewiges Remake“
Die Auswahl zeigt ausschließlich einige Kunstwerke, darunter Gemälde und Skulpturen, die sich durch ihr großes Format auszeichnen und Teil der Sammlung von Artmajeur sind. Alle diese Werke sind trotz ihrer starken Originalität und Unabhängigkeit durch eine tiefe Verbindung mit den berühmtesten künstlerischen Strömungen oder den Meisterwerken der großen Meister verbunden, die die Geschichte der westlichen Kunst unauslöschlich geprägt haben. Ein Gemälde zu besitzen, das von der großen künstlerischen Tradition inspiriert ist, bedeutet, unsere Vergangenheit zu kennen und zu schätzen, aber auch zeitgenössischen Werken einen Wert zu geben, die mehr oder weniger unbewusst das Ergebnis eines starken und unsterblichen kulturellen Erbes sind. Tatsächlich ist es gut zu betonen, dass die Kunst, selbst die innovativste, immer in die Vergangenheit geschaut hat, wenn auch nur mit dem Ziel, sich abrupt von ihr zu lösen. Aus diesem Grund ist die Verbindung zwischen den Klassikern der Kunst und zeitgenössischen Werken, wenn auch manchmal unbewusst und ungewollt, grundsätzlich unvermeidlich, da sie ohne Bezugspunkte nicht hergestellt werden kann.
Keith Haring, Tuttomondo , 1989. Wandbild, 1000 × 1800 cm. Pisa: Kirche Sant'Antonio Abate.
Vincent Bardou, Graffiti Pop , 2021. Acryl auf Leinwand, 100 x 200 cm.
Vincent Bardou: Graffiti-Pop
Das Kunstwerk des Artmajeur-Künstlers Bardou vereint, wie der Titel schon sagt, die Besonderheiten zweier unterschiedlicher künstlerischer Strömungen, die die figurative Tradition der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts geprägt haben, wie Graffiti und Pop-Art. In Bezug auf die erste Bewegung, die Ende der sechziger Jahre in Amerika geboren wurde, wollte sie der Wut der städtischen Unterschicht Ausdruck verleihen, die unter Bedingungen totaler sozialer und rassischer Marginalisierung lebte. Tatsächlich verwendet die Sprache der Graffiti, die durch die starke Ausdruckskraft und Unmittelbarkeit der leuchtenden Farben von Sprühdosen gekennzeichnet ist, als Stütze die alten Mauern von Häusern, verlassenen Gebäuden und schmuddeligen Unterführungen der Vorstadtstadt. In den 1980er Jahren begann sich die Kunstwelt für diese Bewegung zu interessieren, die, nachdem sie kommerziell geworden war, in den Figuren Keith Haring und Jean Michel Basquiat ihre wichtigsten Botschafter fand. Bardous Malerei zeigt die Vervielfältigung und Überlagerung von Tags und Graffiti, die über die gesamte Fläche der Leinwand angeordnet sind. Diese „Serienproduktion“ aus bunten Schriftzügen verwandelt das Underground-Thema in einen Pop-Refrain. Gerade die Gegenüberstellung dieser beiden künstlerischen Strömungen mit ihrer völlig gegensätzlichen Ideologie macht Bardous Werk zu einem innovativen und einzigartigen Kunstwerk.
Joan Mitchell, Exponentin des abstrakten Expressionismus, in ihrem Atelier in Vértheuil, Frankreich (1983).
Peter Nottrott, Gelbe Energiewellen XXL 1, 2021. Acryl auf Leinwand, 100 x 200 cm.
Peter Nottrott: Gelbe Energiewellen XXL 1
Das Werk von Nottrott, Künstler von Artmajeur, zeichnet sich durch einen ockerfarbenen Hintergrund aus, auf dem sich großflächige Farbflecken abheben, die, zusammengesetzt aus unterschiedlichen Farbtönen, einen leicht schwankenden Verlauf aufweisen. Diese einfache Interpretation könnte jedoch auch durch eine tiefere Analyse des Gemäldes bereichert werden, um darin ein wirkliches Thema oder eine Bedeutung zu finden. In Wirklichkeit wollte Nottrott einfach seine persönliche Vision teilen, die, da sie zutiefst künstlerisch ist, sich unaufhaltsam von der bloßen Beschreibung der gewöhnlichen visuellen Erfahrung löst. Tatsächlich werden die Farben und Pinselstriche zum Sprecher für völlig innovative Botschaften und Konzepte, die der Monotonie und Wiederholung der realen Welt entfliehen. Darüber hinaus hat das Bild, selbst wenn es unkenntlich geworden ist, die Fähigkeit erworben, uns durch die evokative Kraft der Farben die Gefühle mitzuteilen, die der Künstler zum Zeitpunkt der Konzeption des Werks empfand. All diese Merkmale erlauben es schließlich, Nottrotts Malerei in die künstlerische Strömung des Abstraktionismus einzuordnen, der ersten Bewegung, die das Ende der Beziehung zwischen Kunst und Wirklichkeit erklärt.
Giovanni Boldini, Die Marchesa Luisa Casati mit einem Windhund , 1908. Öl auf Leinwand. Privatsammlung.
Cynthia Pedrosa, Enfermé Dehors , 2021. Öl auf Leinwand, 120 x 150 cm.
Cynthia Pedrosa: Enfermé Dehors
Die Arbeit des Künstlers aus Artmjeur, Pedrosa, schlägt auf sehr persönliche und originelle Weise ein "Kultthema" der Kunstgeschichte wieder vor, nämlich den Hund, der seit der Antike, wie in den Werken der Antike, vorkommt Ägypten und die Römer, wurde oft verewigt. In der Folge, und genauer gesagt in der Zeit vom Mittelalter bis zum 20. Jahrhundert, war dieses Tier der Protagonist, oft zusammen mit seinem Meister, vieler berühmter Gemälde, wie zum Beispiel: Herr und Frau Arnolfini von Jan Van Eyck, der Zwei venezianische Damen von Vittore Carpaccio, das Porträt Karls V. mit Hund von Tizian, die Zwei Jagdhunde von Jacopo Bassano, der Kampf zwischen Hunden und Wölfen von Frans Snyders, Der treue Freund von Federico Zandomeneghi, die Dynamik eines Hundes an der Leine von Giacomo Balla, die Zwei Akrobaten mit Hund von Pablo Picasso und das Selbstbildnis mit Hund von Antonio Ligabue. Pedrosas Leinwand zeigt jedoch Windhunde, eine Rasse, die in der westlichen figurativen Tradition ein besonderes Glück hatte, insbesondere beispielsweise im Werk des italienischen Malers Giovanni Boldini. Letzterer hat dieses Thema in Meisterwerken wie Page spielt mit einem Windhund und Lady mit einem schwarzen Windhund dargestellt, wo im Gegensatz zum Gemälde des Künstlers von Artmajeur die Zuneigung zwischen Hund und Besitzer stark zum Vorschein kommt. Tatsächlich liegt die Innovation und Besonderheit von Pedrosas Arbeit genau in ihrem Thema, das darauf abzielt, die Einsamkeit, Isolation und Enge zu zeigen, in der die oben genannten Tiere leben. Dies wird durch ein Gemälde von eindeutig expressionistischer Natur erzählt, das wie die größten Meisterwerke dieser Gattung darauf abzielt, die Realität, in der wir leben, einzufangen und ihre Dramatik, Schwierigkeiten und Widersprüche zu fotografieren.
Claude Monet, Seerosen , 1914-1917. Öl auf Leinwand. Toledo: Kunstmuseum von Toledo.
Luigi Maria De Rubeis, Seerosen , 2021. Acrylöl und Tempera auf Leinwand, 150 x 100 cm.
Luigi Maria De Rubeis: Seerosen
Die Leinwand des Künstlers von Artmajuer, Luigi Maria De Rubeis, schlägt ein Thema vor, das die künstlerische Forschung eines der wichtigsten Meister der Kunstgeschichte aller Zeiten, Claude Monet, unauslöschlich geprägt hat. Tatsächlich hat der französische Künstler in den neunziger Jahren des neunzehnten Jahrhunderts, aber auch später oder in den frühen Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts hartnäckig an dem Thema der auf dem Wasser schwimmenden Blumen gearbeitet. Während dieser langen Zeit wurden die Seerosen für Monet zu einer wahren Obsession, die eine unerschöpfliche Inspirationsquelle darstellte, die in den unterschiedlichsten Licht- und Farbeffekten verewigt werden musste. Die Arbeit des Künstlers von Artmajeur, der dieses Thema auf sehr persönliche Weise neu aufgreift, konnte einem heute weit verbreiteten Thema einen Hauch von Zeitgenossenschaft und Neuheit verleihen. Tatsächlich hat De Ruben den impressionistischen Stil vollständig aufgegeben, er hat sein Interesse an Reflexionen, Licht und Wasserbewegungen verringert und sich auf umschriebenere und statischere Seerosen konzentriert, die so fein ausgeführt wurden, dass sie zu perfekt erscheinen, um echt zu sein.
Pythokrit von Rhodos, geflügelter Sieg von Samothrake , ca. 2. Jahrhundert v. Parischer Marmor, 245 cm (Höhe). Paris: Louvre-Museum.
Jean-Yves Verne, Femme Rouge , 2019. Resina, 120 x 70 x 55 cm.
Jean-Yves Verne: Femme Rouge
Diese Skulptur des Artmajuer-Künstlers Jean-Yves Verne fügt sich in die berühmteste figurative Tradition ein, da sie mit ein wenig Fantasie eine zeitgenössische Neuauflage des geflügelten Sieges von Samothrake darstellen kann, bei der die Flügel in die Ärmel eines eleganten roten Kleides verwandelt wurden , voller Dynamik und reflektierender Wellen. Vernes Werk wird damit eine griechische Skulptur gegenübergestellt, die mittlerweile zu einer weltberühmten Medien- und Kulturikone geworden ist und das unübertroffene Vorbild der weiblichen Schönheit der hellenistischen Kunst darstellt. Dieser Titel wird sicherlich einigen Besonderheiten des Winged Victory zugeschrieben, wie der starken Dynamik, die ihn auszeichnet, als würde er landen oder abheben. Daher könnte die Skulptur des Künstlers aus Artmajuer eine neue Siegesgöttin darstellen, die mit Eleganz und Originalität die Kleider und Farben unserer Zeit kleidet.
Olimpia Gaia Martinelli
