Wertvolle Materialien in der zeitgenössischen Kunst: Bronze, Glas und Marmor

Aphrodite II (2024) Skulptur von Jan Witte-Kropius

Bronze in der Kunst: Gestern und heute

Bronze, eine Legierung, die hauptsächlich aus Kupfer und Zinn besteht, hat in der Menschheitsgeschichte eine entscheidende Rolle gespielt, nicht nur wegen ihrer praktischen Verwendung, sondern auch wegen ihres außergewöhnlichen künstlerischen Potenzials. Ihre Reise ist eng mit der Entwicklung der Metallurgie und kultureller und ästhetischer Ausdrucksformen verknüpft und prägt jede Epoche mit ihren einzigartigen Merkmalen.

Die Entdeckung der Bronze geht auf das Ende des 4. Jahrtausends v. Chr. zurück und markiert den Beginn der Bronzezeit (3300-1200 v. Chr.), einer Zeit, in der diese Legierung zunächst zur Herstellung von Werkzeugen und Waffen verwendet wurde. Ihr künstlerisches Potenzial wurde jedoch schnell deutlich, wie eines der frühesten Beispiele einer Bronzeskulptur zeigt: das berühmte tanzende Mädchen (ca. 2500 v. Chr.), das im Indus-Tal entdeckt wurde. Diese Figur stellt einen Wendepunkt dar und zeigt, wie Metallurgie nicht nur für praktische Zwecke, sondern auch für ästhetische Darstellungen genutzt werden konnte.

Es war jedoch das antike Griechenland, das einen Wendepunkt in der künstlerischen Verarbeitung von Bronze markierte und diese in ein äußerst raffiniertes Ausdrucksmittel verwandelte. Werke wie die Riace-Bronzen (5. Jahrhundert v. Chr.) und der Zeus von Capo Artemisio (460 v. Chr.) zeugen von der technischen Fertigkeit der Griechen, die die Wachsausschmelztechnik perfektionierten, um monumentale Statuen zu schaffen. Bronze ermöglichte die Schaffung außergewöhnlicher Details, da sie sich vor dem Erstarren leicht ausdehnen und jeden Teil der Form ausfüllen konnte.

Die Römer übernahmen diese Tradition und verwendeten Bronze für Skulpturen von Kaisern, Gottheiten und öffentlichen Denkmälern. Ein ikonisches Beispiel ist die Reiterstatue von Marcus Aurelius (2. Jahrhundert n. Chr.), eines der wenigen Bronzewerke aus der Antike, das aufgrund seiner Weihe während der christlichen Ära intakt geblieben ist.

Mit dem Untergang des Römischen Reiches und dem Aufstieg des Christentums nahm die Verwendung von Bronze als Skulpturenmaterial in Europa deutlich ab. Darüber hinaus wurden die meisten antiken Werke für Gebrauchs- oder Militärzwecke eingeschmolzen. In Asien, insbesondere in China und Indien, wurde Bronze jedoch weiterhin für religiöse Statuen und dekorative Töpferwaren verwendet.

Entspannt (2013) Skulptur von Angelika Kienberger

Anschließend markierte die Renaissance die Rückkehr der Bronze in die westliche Kunst, dank des erneuten Interesses an der klassischen Antike. Bildhauer wie Donatello und Lorenzo Ghiberti nutzten die Vielseitigkeit der Legierung, um innovative Werke wie David (1440) und die Paradiespforte des Baptisteriums von Florenz zu schaffen. Technische Perfektion verschmolz mit künstlerischer Ausdruckskraft und machte Bronze zu einem bevorzugten Material für Statuen und Reliefs.

Im Barock hingegen wurde es verwendet, um dynamische und theatralische Werke zu schaffen, wie etwa Giambolognas Raub der Sabinerinnen (1579-1583). Die Technik des indirekten Gusses ermöglichte die Schaffung komplexer Kompositionen, die eine 360-Grad-Ansicht ermöglichten. In der darauffolgenden Rokoko-Zeit wurde vergoldete Bronze zu einer dekorativen Wahl für die Verzierung von Porzellan, Möbeln und Kronleuchtern.

Mit der industriellen Revolution gewann die Legierung dank technologischer Fortschritte, die die Herstellung komplexerer Werke ermöglichten, wieder an Popularität. Im 19. und 20. Jahrhundert erkundeten Künstler wie Auguste Rodin und Alberto Giacometti das Ausdruckspotenzial von Bronze. Rodins Der Denker (1903) und Giacomettis längliche Silhouetten sind ikonische Beispiele dieser Wiederbelebung.

Auch heute noch inspiriert Bronze zeitgenössische Künstler, wie beispielsweise Louise Bourgeois mit ihrem monumentalen Werk Maman (1999). Das Wachsausschmelzverfahren und die Möglichkeit, individuelle Patinas zu erzeugen, bieten noch immer vielfältige und endlose kreative Möglichkeiten.

La Pausa (2006) Skulptur von di Vito Antonio Mastrorocco

Ein zeitgenössisches Beispiel

„La Pausa“ ist ein Werk des ArtMajeur-Künstlers Mastrorocco, das einen Moment der Schwebe und Introspektion verkörpert und ihn in eine Skulptur verwandelt, die Festigkeit und Leichtigkeit vereint. Das Motiv, eine stilisierte weibliche Figur, evoziert ein zeitloses Ideal von Schönheit und Harmonie, dargestellt durch geometrische Linien und eckige Flächen, die eine futuristische Ästhetik suggerieren. Das Gleichgewicht zwischen Stillstand und Bewegung verleiht der Skulptur eine kontemplative Dynamik und macht sie zu einer modernen Interpretation der Beziehung zwischen Körper und Geist.

„La Pausa“ besteht aus Bronze und Glas und nutzt den Kontrast zwischen Undurchsichtigkeit und Transparenz, um die dualen Eigenschaften von Materie zu erforschen. Dabei wird die Stärke des ersten Materials mit der Zerbrechlichkeit des zweiten kombiniert.

APFELBLAU Muranoglas (2023) Skulptur von Milena Bini

Glas in der Kunst: Gestern und heute

Die Geschichte des Glases, eines Materials, das durch die Verfestigung einer Flüssigkeit ohne Kristallisation gewonnen wird, reicht mehr als viertausend Jahre zurück. Einer Legende zufolge wurde es zufällig am Sandufer eines Flusses in Syrien entdeckt, als phönizische Kaufleute Natronblöcke als Brennmaterial für einen Herd verwendeten. Durch die Verschmelzung von Natron mit Sand entstand dieses neue Material. Andere Theorien führen seine Entdeckung auf Rückstände zurück, die bei Metallschmelzprozessen entstanden.

Die ersten Belege für die Glasverarbeitung stammen aus dem 3. Jahrtausend v. Chr. in Mesopotamien, wo Glas für Dekorationen und Ziergegenstände verwendet wurde. Im pharaonischen Ägypten wurden während des Mittleren Reiches (2055–1790 v. Chr.) ähnliche Techniken entwickelt, während im Mittelmeerraum bereits 1700 v. Chr. auf Sardinien bedeutende Glasverarbeitungsbetriebe entdeckt wurden. Zwischen dem 10. und 4. Jahrhundert v. Chr. verbreitete sich Glas auf dem Balkan und in Südeuropa. Während der hellenistischen Periode (4.–1. Jahrhundert v. Chr.) verbreitete es sich im gesamten Mittelmeerraum und wurde zu einem unverzichtbaren Material für Alltags- und Dekorationsgegenstände wie kleine Gefäße und Parfümfläschchen.

Ein entscheidender Durchbruch erfolgte jedoch im 1. Jahrhundert v. Chr. mit den ersten Belegen für die Glasbläsertechnik, die durch Artefakte dokumentiert wurden, die in einer Mikwe (rituelles Bad) im jüdischen Viertel des alten Jerusalem gefunden wurden. Zu den entdeckten Materialien, die auf die Zeit zwischen 37 und 4 v. Chr. datiert werden, gehörten Fragmente von feuerversiegelten Glasröhren, die teilweise aufgeblasen wurden, indem man in das noch heiße offene Ende hineinblies, wodurch kleine Flaschen entstanden. Diese Artefakte stellen eine rudimentäre Form der Glasbläserkunst dar und markieren einen bedeutenden Wandel in der Glasverarbeitung.

Diese Technik entwickelte sich schnell im Levante, wo die Fähigkeiten von Glasmachern wie dem berühmten Ennion zur Herstellung hochraffinierter Dekorationsgegenstände wie geformter geblasener Glasvasen führten. Diese Innovationen ersetzten traditionelle Methoden wie Gießen und Kernformen, da sie schneller und kostengünstiger waren.

Bald darauf gaben die Römer der Glasproduktion einen neuen Impuls und förderten die Entwicklung der Glasbläsertechnik im gesamten Reich. Die ersten Glasfabriken entstanden in Syrien, Palästina und Zypern, während wichtige Werkstätten in Ägypten und später in Rom gegründet wurden, das zu einem der wichtigsten Produktionszentren wurde. Die Technik verbreitete sich dann in andere italienische Provinzen wie Kampanien, Morgantina und Aquileia und erreichte schließlich die nördlichen Regionen des Reiches.

Die Römer perfektionierten die Glasverarbeitung, führten Neuerungen wie farbloses Glas ein, das sich ideal für edle Objekte eignete, und förderten die Herstellung von Gefäßen, Flaschen, Gläsern und sogar Fensterscheiben. Ein Zentrum der Exzellenz befand sich im Rheinland, wo Werkstätten mit Rippen verzierte Vasen und Flaschen mit dem Stempel CCAA (Colonia Claudia Agrippinensis) herstellten, ein Beweis für die Raffinesse der römischen Glasherstellung.

Datensicherung 1.0 (2020) Skulptur von Dennis Josef Meseg

Nach dem Untergang des Römischen Reichs blühte die Glaskunst im Byzantinischen Reich weiter. Zwischen dem 5. und 7. Jahrhundert n. Chr. erreichten Glasmosaike ihren dekorativen Höhepunkt und schmückten Kirchen und Paläste. Im Mittelalter unterschied sich nordeuropäisches Glas von mediterranem Glas durch die Verwendung von Pottasche statt Soda.

Im 13. Jahrhundert wurde Venedig jedoch zum neuen Epizentrum der Glasproduktion. Die Verlagerung der Glasherstellung nach Murano im Jahr 1291 festigte die technologische Innovation und das Ansehen der venezianischen Meister. Zu den berühmtesten Erfindungen gehörten Angelo Baroviers „Kristall“ (1450) und Spiegel (1369), die den Ruhm des venezianischen Glases in ganz Europa festigten.

Mit der Renaissance verbreitete sich die Glasproduktion in ganz Europa. Zentren entstanden in Ländern wie Böhmen und Frankreich. Im 17. Jahrhundert zeichnete sich böhmisches Kristallglas durch seine Transparenz und Brillanz aus. Im 19. Jahrhundert wurde die Glaspresse eingeführt, die eine industrielle Produktion im großen Maßstab ermöglichte.

Im 20. Jahrhundert wurde Glas zu einem grundlegenden Material für zeitgenössisches Design und Bildhauerkunst. Künstler wie Dale Chihuly erkundeten das Potenzial von geblasenem und geschmolzenem Glas und verwandelten es in ein ausdrucksstarkes Medium für monumentale Skulpturen. Techniken wie Floatglas und 3D-Druck erweiterten die Anwendungsmöglichkeiten von Glas noch weiter und machten es zu einem zentralen Material in Architektur und Technologie.

helicuma Scultura von Nikolaus Weiler

Ein zeitgenössisches Beispiel

Die Arbeiten des Artmajeur-Künstlers Nikolaus Weiler entwickeln sich in einem Wechselspiel aus eckigen und geschwungenen Formen, deren aufsteigender Rhythmus eine spiralförmige Bewegung suggeriert. Die scharfen Linien und präzisen Konturen verleihen „Helicuma“ eine skulpturale Qualität, die mit der umgebenden Umgebung interagiert. Die glatten, polierten Oberflächen des Acrylglases reflektieren das Licht dynamisch und erzeugen Spiele aus Transparenz und Schatten, die sich je nach Perspektive des Betrachters verändern.

Bevor wir zur Beschreibung des Stücks zurückkehren, ist es wichtig, kurz abzuschweifen: Acrylglas oder Plexiglas kann als „zeitgenössisches Glas“ angesehen werden, da es die Ästhetik von traditionellem Glas mit den kreativen Bedürfnissen und Möglichkeiten der modernen Welt verbinden kann. Ursprünglich als Alternative zu Glas entwickelt, hat dieses Material nicht nur die Industrie, sondern auch die Kunst-, Architektur- und Designlandschaft revolutioniert und ist zu einem Symbol für Innovation und Vielseitigkeit geworden.

Zurück zu „Helicuma“: In diesem speziellen Fall verstärkt Acrylglas, das Schlüsselelement des Werks, das Gefühl von Transparenz und Leichtigkeit. Im Gegensatz zu herkömmlichem Glas lässt sich das von Weiler verwendete Plexiglas in komplexe Formen gießen und behält dabei die strukturelle Festigkeit, die gewagte Kompositionen wie die betreffende Skulptur ermöglicht.

In jedem Fall ist Acrylglas in dieser Skulptur nicht nur ein Material, sondern ein ausdrucksstarkes Element, das die Dualität zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit, Transparenz und Opazität verkörpert. Weilers Wahl von Acrylglas ermöglicht ein einzigartiges Spiel mit Licht und verwandelt das Stück in einen fast lebendigen Organismus, der durch Reflexionen und Hohlräume atmet. Dies erinnert an die Tradition des Glasblasens, bei der Luft das Material formte und ihm Form und Bedeutung verlieh.

Wingface Carrara-Marmor (2014) Skulptur von George Dapsevicius

Marmor: Gestern und Heute

Die Verwendung von Marmor als bildhauerisches Material geht auf die Jungsteinzeit zurück, als Menschen begannen, Steinmaterialien mit Poliertechniken zu bearbeiten. Die Kykladeninseln, insbesondere Paros und Naxos, wo Marmor in großen Mengen vorkommt, waren die ersten Orte, an denen bedeutende künstlerische Produktion stattfand. Kleine Idole und anthropomorphe Figuren aus dem 4. und 3. Jahrtausend v. Chr. stellen außergewöhnliche Beispiele kykladischer Kunst dar. Ebenso verwendete die minoische Zivilisation auf der Peloponnes Marmorsorten wie „grün antik“ und „rot antik“ für prestigeträchtige Objekte.

Im alten Ägypten wurde Marmor zusammen mit ähnlichen Materialien wie Granit, Alabaster und Basalt zu rituellen Vasen verarbeitet und zur Dekoration von Denkmälern verwendet. Ab der 2. Dynastie wurde Syenit zur Dekoration der Pyramiden von Chephren und Mykerinos verwendet, was von außergewöhnlichem technischen Können und einem ausgeprägten Sinn für Ästhetik zeugt.

Auch dieses Jahr war es das klassische Griechenland, das den entscheidenden Moment für die Marmorverarbeitung markierte, mit der Gewinnung wertvoller Sorten wie Pentelischer, Thasiatischer, Naxosischer und Parischer Marmor. Seit den Anfängen der griechischen Skulptur war Marmor das bevorzugte Material für die Darstellung von Gottheiten und idealisierten menschlichen Formen, wie die Werke zeigen, die im 5. Jahrhundert v. Chr. dem Parthenon auf der Akropolis von Athen gewidmet waren.

In diesem Zusammenhang verlieh die Qualität des Steins und seine Fähigkeit, Licht zu brechen, den Skulpturen eine optische Weichheit und Durchsichtigkeit, wodurch Marmor ideal für die Darstellung von Haut und anatomischen Details war. Bildhauer wie Phidias und Polyklet perfektionierten Techniken, die das Ausdruckspotenzial des Materials hervorhoben und den Grundstein für seine Verwendung in den folgenden Jahrhunderten legten.

Mit der römischen Expansion und dem kulturellen Einfluss Griechenlands wurde Marmor zu einem Symbol für Luxus und Macht. Während der Republik wurden aus Griechenland importierte Marmorsorten zum Bau von Tempeln verwendet, wie zum Beispiel dem Tempel des Herkules Victor im Forum Boarium, einem frühen Beispiel für die Verwendung von weißem Stein in der Architektur.

Das Römische Reich perfektionierte die Verwendung von Marmor weiter und förderte den Import farbiger Sorten wie „Yellow Antique“, „Cipollino“ und „Red Antique“. Diese Steine wurden für Innendekorationen, Säulen und Fußböden verwendet. Die Steinbrüche von Luni (Carrara) wurden im 1. Jahrhundert v. Chr. ausgebeutet und lieferten hochwertigen weißen Marmor, der günstiger war als griechische Materialien, wodurch Marmor für große monumentale Projekte zugänglich wurde.

Während der augusteischen Epoche wurde Marmor zu einem kaiserlichen Propagandamittel. Kaiser Augustus prahlte damit, Rom von einer Ziegelsteinstadt in eine Marmorstadt verwandelt zu haben, und betonte damit die Macht und Raffinesse des Reiches. Die ägyptischen Steinbrüche, die nach der Eroberung 31 v. Chr. kaiserliches Eigentum wurden, lieferten exotische Materialien wie roten Porphyr und schwarzen Granit, die in den wichtigsten öffentlichen Monumenten verwendet wurden.

Nach dem Untergang des Römischen Reiches erlebte die Verwendung von Marmor einen Wandel. Während der byzantinischen Zeit wurde er vor allem für Mosaike und architektonische Verkleidungen verwendet, wie man in der Basilika San Vitale in Ravenna sehen kann. In Westeuropa wurde Marmor jedoch weiterhin für Skulpturen und Dekorationen verwendet, allerdings in einem weniger naturalistischen und eher symbolischen Stil, der typisch für die romanische und gotische Kunst war.

Magdalena • Skulptur aus Carrara-Marmor von Jan und Jo Moore

Zur Zeit der Renaissance stand Marmor wieder im Mittelpunkt der künstlerischen Produktion. Meister wie Michelangelo entdeckten das klassische Erbe wieder und verwendeten Carrara-Marmor für Meisterwerke wie David und die Pietà. Michelangelo selbst beschrieb seinen kreativen Prozess als „Befreiung der im Marmorblock gefangenen Figur“ und betonte die einzigartige Qualität dieses Materials bei der Darstellung von Fleisch und menschlicher Anatomie.

Im 19. Jahrhundert definierten Künstler wie Antonio Canova und Auguste Rodin die Verwendung von Marmor neu und wechselten vom Neoklassizismus zur Romantik. Insbesondere Rodin nutzte die Lichtdurchlässigkeit von Marmor, um tiefe Emotionen hervorzurufen, wie man im berühmten „Kuss“ sehen kann. In dieser Zeit wurde Marmor auch zunehmend für Gedenk- und Grabskulpturen verwendet, wobei der Schwerpunkt auf Ausdruckskraft und Pathos lag.

Später, mit dem Aufkommen der Avantgarde-Bewegungen, revolutionierten Künstler wie Constantin Brâncuși die Verwendung von weißem Stein und verlagerten den Schwerpunkt vom Naturalismus zur Abstraktion. Die Werke dieses Meisters erforschten wesentliche und symbolische Formen und definierten die Rolle von Marmor in der modernen Kunst neu.

Heute ist Marmor noch immer ein begehrtes Material, das von zeitgenössischen Künstlern wie Anish Kapoor und Massimiliano Pelletti neu interpretiert wird, indem sie traditionelle Techniken mit modernen Technologien wie dem 3D-Druck kombinieren. Marmor bleibt somit ein unveränderliches Symbol für Eleganz und Haltbarkeit, ein zeitloses Material, das Tradition mit Experimenten verbindet.

Carrara-Marmortier - Pferd 2 (2020) Scultura di Jean-Michel Garino

Die Skulptur „Carrara Marble Animal - Horse 2“ (2020) des ArtMajeur-Künstlers Jean-Michel Garino ist die Darstellung eines Pferdes, gefertigt aus hochwertigem Carrara-Marmor, genauer gesagt Arabescato, einer Sorte, die für ihre zarten Adern und ihre Leuchtkraft geschätzt wird. Das Werk ist das Ergebnis sorgfältiger Handwerkskunst im Atelier des Künstlers in Mougins, einer Gegend, die für ihre künstlerische Tradition und Steinbearbeitung bekannt ist.

Das Pferd ist mit einem Realismus gestaltet, der zwar eine starke Wahrhaftigkeit bewahrt, aber durch einige Stilisierungen die Dynamik und Eleganz des Motivs betont. Obwohl die Figur ein natürliches Aussehen behält, wird ihre Bewegung durch eine ungewöhnliche Haltung verstärkt, die sie in der Luft schweben lässt. Dieser Kontrast zwischen der körperlichen Kraft des Tieres und seiner Levitation verleiht dem Werk ein surrealistisches Element, das durch die Festigkeit des Schweifs noch verstärkt wird, der zum physischen und symbolischen Ankerpunkt der Skulptur wird.

Die erhobenen Vorderbeine und der als Stütze dienende Schweif erzeugen die Illusion einer in der Zeit eingefrorenen Bewegung und drücken eine dynamische Spannung aus, die der Skulptur trotz ihrer scheinbaren Stille ein Gefühl von Vitalität verleiht. Das Werk zelebriert auch die Kraft und Stabilität des Marmors, den der Künstler verwendet, um sowohl die Bewegung als auch die Festigkeit des Pferdes auszudrücken.