Umweltverschmutzung in der Kunst: Turner, Monet und Boccioni als "Vorreiter" der Umweltkunst

Vincent Bardou, Save the Planet , 2022. Sprühfarbe / Acryl / Tusche / Lack auf Leinwand, 100 x 70 cm.

Turner, Monet und Boccioni „Vorläufer“ der Umweltkunst

Die Realität des 19. und 20. Jahrhunderts, erzählt von Künstlern, die wie Turner, Monet und Boccioni ohne den Anschein einer ökologischen Denunziation, die der zeitgenössischeren Environmental Art, Land Art und Ecological Art würdig sind, die Auswirkungen der Industrialisierung dokumentierten über die Umwelt, kann durch die Einbeziehung einer moderneren Sensibilität neu gelesen werden, die in der Lage ist, in diesen Werken, die einfach die Abgase von Fabriken und Eisenbahnen zeigen, ein wertvolles Dokument der ersten Veränderungen zu erkennen, die der Mensch der Umwelt auferlegt hat. Die erwähnten Meister näherten sich dem Fortschritt auf unterschiedliche ideologische und stilistische Weise, wie die Analyse einiger ihrer Meisterwerke zeigt, allen voran Turners Rain Steam and Speed (1844), Monets La Gare de Saint Lazare (1877) und Boccionis Gli addi ( 1911). Beginnend mit dem ersten Meisterwerk wurde es durch eine Flut von Pinselstrichen geschaffen, um die schnelle und dynamische Fahrt eines Zuges hervorzuheben, der sich angesichts des fallenden Regens der statischen Natur seines eigenen Dampfs widersetzt, der in die Atmosphäre freigesetzt wird. Die Arbeit, die den Zug der Great Western Railway zeigt, der über die Maidenhead-Eisenbahnbrücke fährt, ist ein Dokument, das zeigen kann, wie fasziniert der britische Künstler von der „jungen“ Lokomotive aus dem 19. Jahrhundert war, dass er sogar so weit ging, ihr darin zu huldigen ein Werk, das neben der Darstellung des ungewöhnlichen Bildsujets des Zuges die Kraft des menschlichen Einfallsreichtums zelebriert, denn die Lokomotive wagt es nicht, angesichts des Dauerregens nachzugeben, sondern scheint ihm fast zu trotzen und einen Vorgeschmack darauf zu geben die Zukunft der Technologie, die mit der Zeit zunehmend als eine Kraft erkennbar wird, die in der Lage ist, der Natur entgegenzuwirken und sie zu überwältigen. Turner feierte dieses neue „Gebilde“, war sich jedoch seiner schädlichen Aspekte nicht bewusst, da zu dieser Zeit wenig oder gar kein Wissen über Umweltverschmutzung bekannt war, so sehr, dass Fabriken und Züge aus dem Boden schossen und sich unerbittlich ausbreiteten. Ein weiteres Werk des Meisters, das darauf abzielt, uns einen Einblick in das Gesicht des Fortschritts und der Industrialisierung der damaligen Zeit zu geben, ist An Industrial Town at Sunset, Wahrscheinlich Birmingham oder Dudley (um 1830), eine Farbstudie, die durch die Anwesenheit eines "schweren" Atmosphäre, in der sich das Rot des Sonnenuntergangs, der dichte Nebel und die Abgase einer Industriestadt in den Midlands, vermutlich Dudley, dem Ort, an dem erstmals eine Dampfmaschine in Betrieb genommen wurde, vermischen.

JMW Turner, Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway , 1844. Öl auf Leinwand, 91 x 121,8 cm.

Umberto Boccioni, Die Abschiede , 1911. Öl auf Leinwand, 70,5 x 96,2 cm. New York: Museum of Modern Art (MoMA).

Wenn wir uns Frankreich zuwenden, ist es ein Muss, über Monet zu sprechen, einen Meister, der ähnlich wie Turner vom Fortschritt so fasziniert war, dass er ihn in einer Serie von vier Gemälden mit demselben Thema darstellte, nämlich The Gare de Saint Lazare, in dem sich die Hymne an ihre Lokomotiven und ihre entsprechenden Abgase manifestiert, die in diesem Fall als eine Art deutliche Wolken in der Atmosphäre dargestellt werden, anstatt gut mit ihr und ihren vielfältigen Phänomenen zu verschmelzen. In Bezug auf den Bahnhof Saint-Lazare (1877) zeigt das Öl auf Leinwand den Ankunftsabschnitt der Gleise des oben genannten Pariser Ortes und hebt die "dunkle" Präsenz, fast eine Art Silhouette, von zwei Lokomotiven hervor, die sich dem Bahnhof nähern und unter dem vorbeifahren Kommandobrücke, eingetaucht in die Dämpfe des Dampfes, die trotz ihrer beharrlichen Präsenz den Blick auf einige große Gebäude der Stadt freigibt, die geschickt im Hintergrund angeordnet sind. Eine Reihe von Monets späteren Arbeiten untersucht andererseits die Waterloo Bridge in London und ist vielleicht wegen des ähnlichen Ortes von Turners Atmosphäre beeinflusst, in der die „verschleierte“ Landschaft die unvermeidliche Verschmelzung von Wetter und Umweltverschmutzung offenbart. Eine "synthetischere" und weniger realistische Annäherung an dieses Thema bietet uns dagegen das Pastell von 1899, das unter dem Titel The Waterloo Bridge in London nur im oberen Teil des Werks die Dämpfe der Industrie bindet, nämlich der des kleinen Himmels, der sich direkt über der Brücke befindet. Im Sinne des Pastellstils wurden die Spannweiten der Brücke mit dicken, nebeneinander liegenden Linien gezeichnet, um eine kompakte architektonische Masse zu schaffen. Der Wasserfluss hingegen ist das Ergebnis weicher, wellenförmiger Linien, genauer als die wenigen vertikalen und horizontalen Markierungen, die die Stadt im Hintergrund charakterisieren. Um mit Frankreich abzuschließen, ist es auch erwähnenswert, Gustave Caillebottes Ansicht der Umweltverschmutzung zu erwähnen, die von The Bridge of Europe wiedergegeben wurde, einem Gemälde, das den Zweck hatte, einen der modernsten Orte im Paris der 1870er Jahre einzufangen, der sich über dem befindet der wimmelnde Gare Saint-Lazare, ordnet die Dampfspuren im Hintergrund an und gibt den Blick auf die Stadt frei, um den Spaziergang der Pariser jener Zeit hervorzuheben, die noch weit davon entfernt waren, die schändlichen Auswirkungen des Fortschritts auf die Umwelt zu entdecken. Abschließend kommen wir zum Italien des frühen 20. Jahrhunderts, einer Nation, in der die futuristische Bewegung im Gegensatz zum oben Gesagten kam, um die Maschine, die Geschwindigkeit und den Fortschritt zu feiern, und sie zu einem höheren Zustand als der bloßen Bewunderung, d. h. der Transformation, führte zu regelrechten Kultobjekten, um eine künstlerische Sichtweise zu schaffen, die sich drastisch gegen Stasis und Immobilität rüstet. Das Gesagte zusammenfassend ist der Standpunkt eines der berühmtesten Futuristen, Umberto Boccioni, eines Meisters, der in Gli addi, einem Gemälde von 1911, aufbewahrt in Moma (New York) und Teil der Stati d'Animo-Serie, zu sehen ist , stellt eine Lokomotive dar, die bei schneller Fahrt ein Gewirr kreisförmiger Linien erzeugt, die sich mit den anderen horizontalen Linien schneiden. Diese Ansicht, in der „6943“ auffällt, also die Identifikationsnummer des Zuges, der Rauch aus seinem Schornstein erzeugt, ist wahrscheinlich das Ergebnis der Zeit, die der Künstler damit verbracht hat, die Begrüßungs-, Ankunfts- und Abfahrtsszenen im Mailänder Zug zu beobachten Station, eine Stadt, die in einem anderen Meisterwerk des Italieners abgebildet ist, wieder zu einem "ökologischen" Thema. Das fragliche Werk ist Officine di Porta Romana, das im heutigen Mode- und Luxusviertel neben der Prada-Stiftung von dem Meister gemalt wurde, der sich von seinem Haus in der Via Adige aus inspirieren ließ, indem er von seinem Fenster aus die Stadt bewunderte ferne Dämpfe einer Stadt, die immer in Aufruhr ist. Schließlich bietet uns die figurative Untersuchung von Artmajeur-Malern, wie zum Beispiel Ronald Houriez, Anita Kaufmann und Victor Molev, zeitgenössische Ansichten zum Binomial Verschmutzung-Kunst.

Andrea Vandoni, Am Horizont , 2010. Öl auf Leinwand, 50 x 100 cm.

Edith Donc, atme! , 2010. Acryl auf Leinwand, 92 x 73 cm.

Ronald Houriez, Planet A , 2022. Öl auf Leinwand, 116 x 116 cm.

Ronald Houriez: Planet A

Dieses Gemälde, das eine zerquetschte Cola-Dose vor einem undeutlichen himmlischen Hintergrund umrahmt, soll eine starke emotionale Wirkung haben, da der Betrachter ohne viel Aufhebens mit einem dieser klassischsten Müll konfrontiert wird, der aufgrund menschlicher "Sorglosigkeit" begegnet uns oft, wenn wir durch unsere Städte spazieren, im Wasser des Meeres baden oder die Freuden des Landlebens genießen. Der Künstler selbst beginnt, um Planet A zu beschreiben, mit klaren, direkten, prägnanten und unmissverständlichen Worten, wonach das Werk den „Archetyp der Vernachlässigung und Missachtung der Umwelt“ darstellen würde. Dieser Satz, der wie ein Schlag ins Gesicht klingt und darauf abzielt, denen ins Gesicht zu schlagen, die fast fassungslos lange auf Missachtung verharrten, holt selbst die Rückfälligsten in die Realität zurück und macht ihnen die Notwendigkeit drastischer Veränderungen bewusst. An diesem Punkt präsentiert sich die Kunstgeschichte als eine Art unerschrockener Verfechter der Umwelt, der es uns, reich an „ökofreundlichen“ Werken, erlaubt, Houriez' Werk etwas phantasievoll und gewagt mit Pam Longobardis Bounty, Pilfered zu assoziieren. Da das Gemälde Planet A keinen Hintergrund hat, können wir uns vorstellen, dass es aus dem verschmutzten Hornrohr der oben erwähnten amerikanischen öko-feministischen Künstlerin kommt, indem wir unserer Vorstellungskraft freien Lauf lassen. Apropos letzteres: Ihr Houriez with Bounty wurde mit der Absicht konzipiert, ein unmissverständliches visuelles Statement über den globalen Konsum und die Auswirkungen von Plastikobjekten auf die Orte und Kreaturen der Welt abzugeben. Eine solche Botschaft hat den symbolischen Wert des Füllhorns für immer verändert, das als altes Manifest des Überflusses oft in griechischen und römischen Kunstwerken auftauchte und auf die wohltätigeren mythologischen Bedeutungen von Wohlstand, Fülle und Glück anspielte.

Anita Kaufmann, Rettet unseren Ozean Nr. 1722 , 2022. Acryl auf Leinwand, 70 x 100 cm.

Anita Kaufmann: Rettet unseren Ozean Nr. 1722

Abstraktismus und Konzeptuelles vereinen sich in Anita Kaufmanns Werk, in dem uns die Bedeutung des „Rebus“, zusammengesetzt aus der scheinbaren Aneinanderreihung unsinniger Wörter, von der Künstlerin selbst offenbart wird, die zugibt, auf das ICAO-Alphabet zurückgegriffen zu haben um eine wichtige Denunziationsbotschaft auszusenden: „Verteidigt und schützt unseren Ozean“. An dieser Stelle mag sich der Betrachter fragen: Warum hat Kaufmann eine „unverständliche“ Sprache gewählt, um ein Konzept auszudrücken, das auf den ersten Blick unbedingt für jeden verständlich sein muss? Tatsächlich ist es oft gerade das Verständliche, das dem Interesse und der Aufmerksamkeit des Betrachters nicht förderlich ist, der, wenn er stattdessen angeregt und in einen profunden Interpretationsversuch verwickelt wird, die mühsam entschlüsselte Botschaft nicht so leicht vergisst. Kunsthistorisch hingegen ein Meisterwerk, "teils Pop, teils abstrakt", mit ähnlichen Intentionen, ist Robert Rauschenbergs Last Turn - Your Turn (1991), eine Komposition, die der Amerikaner zur Unterstützung der Erde erdacht hat Summit (Rio de Janeiro, 1992), die Konferenz der Vereinten Nationen über Umwelt und Entwicklung, die darauf abzielte, auf die Schäden unseres Planeten durch Umweltverschmutzung und übermäßigen Ressourcenverbrauch aufmerksam zu machen. Gerade in diesem Zusammenhang verfolgte die Arbeit von Robert Rauschenberg das Ziel, die Öffentlichkeit für die oben genannten Umweltthemen zu sensibilisieren und eine Botschaft zu verbreiten, die darauf abzielte, aufzuzeigen, dass neben der Bedeutung staatlicher Initiativen individuelles Handeln erforderlich ist. Um dessen Engagement zu fördern, das als einziger gesetzgeberische Maßnahmen tatsächlich wirksam machen kann, ging Rauschenberg mit gutem Beispiel voran und bereicherte das Meisterwerk mit einer eigenverantwortlichen Inschrift: „Ich gelobe, die Erde zu einem sicheren und gastfreundlichen Ort für die Gegenwart zu machen und künftige Generationen."

Victor Molev, Safari , 2008. Öl auf Leinwand, 51 x 76 cm.

Victor Molew: Safari

Wenn wir uns Mord vorstellen, denken wir normalerweise an einen Mann oder eine Frau, die mit einer Waffe bewaffnet sind, um sie auf einen armen, unschuldigen Unglücklichen, einen furchterregenden Angreifer usw. zu schleudern. Wenn wir uns nun ähnlich vorstellen, ein Tier zu sehen, das in Öl erstickt , stellen wir fest, dass die Umweltverschmutzung in Wirklichkeit ein stiller, gesichtsloser Killer ist, der sich in den vielfältigen Formen der Folgen menschlichen Handelns zeigen kann. Ein glücklicherweise weniger tödliches Beispiel für das, was gerade gesagt wurde, bietet uns die müllspeiende Möwe in Plasticide, Teil einer Installation von Jason deCaires Taylor aus dem Jahr 2016, einem britischen Künstler, der dieses Konzept in dem traurig verstopften Vogel zusammenfassen wollte: " Unsere Ozeane und die Meereslebewesen, die sie bewohnen, können buchstäblich kein Plastik mehr verdauen.“ Wie erwartet, taucht in dem oben genannten Werk nicht der Mensch als Verursacher der Weltdrift auf, sondern die Verschwendung, ihr direkter Nachfahre, während es im Werk des Künstlers von Artmajeur hingegen um die wahrscheinlichen Abgase der Umweltverschmutzung geht Die verheerende Präsenz der Menschheit, die darauf abzielt, sich auf die unterschiedlichsten lebenden Arten zu stürzen, wird ebenfalls offenbart. In den Worten von Molev selbst: Die Arbeit "spiegelt das Thema Ökologie, Umweltschutz und die rücksichtslose Haltung des Menschen gegenüber dem Aussterben seltener Tierarten wider."