Top Ten: männliche Aktgemälde

Einführung in den männlichen Akt

Der weibliche Akt steht seit Beginn der menschlichen Zivilisation im Mittelpunkt der kunsthistorischen Erzählung, die in gewisser Weise die Äußerlichkeit dieser Art von Körperlichkeit eher akzeptiert als der männliche Akt, was häufig der Fall ist als unerlaubter und beunruhigender empfunden, d. h. geeignet, die Seele des Betrachters zu verstören. Nichtsdestotrotz haben die größten Meister aller Zeiten, zumeist Männer, den männlichen Akt auf unterschiedliche Weise gefeiert, die, ob ehrfürchtig oder erotisch, eine figurative Erzählung konstruiert hat, die von den ältesten Zivilisationen bis in die Gegenwart reicht, eine Zeitspanne, in der Ein solches Subjekt hat sich von einem Gott zu einem bloßen „Sünder“ entwickelt. Eine solche ikonografische Entwicklung des männlichen Aktes, oft ein Symbol für Stärke, Macht und Männlichkeit, aber auch für Schönheit, Verletzlichkeit und sexuelle Intrigen, fand im Rahmen einer Erzählung statt, die in ihren Höhepunkten der Externalisierung vom antiken Griechenland bis zur Gegenwart reicht mal. Vor dieser frühen Zivilisation nahm das betreffende Subjekt in erster Linie die Form eines Sportlers oder Gottes an, da sich die Griechen ihre Gottheiten als menschlich aussehende Wesen vorstellten, deren idealisierte Eigenschaften körperlicher Schönheit untrennbar mit der Güte der Seele verbunden waren. Diese Tendenz veränderte sich drastisch im Mittelalter, einem historischen Moment, in dem, wie erwartet, Nacktheit sogar sündig und peinlich wurde, da sie mit der Erbsünde in Verbindung gebracht wurde und somit in der Lage war, die Ikonographie der eher klassischen, erhabenen und lustvollen Körper in eher zu verwandeln leichte und schlanke Physiognomien, frei von der bisherigen Betonung des Naturalismus. Der nächste Moment war der der Renaissance, in dem ein erneuter Klassizismus in den Künsten Einzug hielt, ein Trend, bei dem das Aktgenre zu einer Gelegenheit wurde, nicht nur extrem leistungsfähige Körper, sondern auch die technische Virtuosität der Künstler zur Schau zu stellen. Die anschließende Gründung von Kunstakademien in ganz Europa im 16. und 18. Jahrhundert führte zu einem etwas regulierten und klassizistischen Stil der Aktdarstellung, der über die Technik des Zeichnens hinaus veräußerlicht wurde, die damals als zentrales Element galt eine Kunstausbildung, in der das besagte Genre in heroischen Kompositionen verewigt wurde und dort die Rolle einer starken und äußerst männlichen Figur einnahm. Die eher „naturalistischen“ Tendenzen des späten 18. und des 19. Jahrhunderts führen gegen Ende der letzteren Periode zum Realismus von Courbet und Millet, Ansichten, in denen idealisierte Männer realeren Figuren weichen. Die eigentliche Revolution kommt jedoch mit den Avantgarden des 20. Jahrhunderts, einem Moment, ab dem der Körper nicht nur die akademische Sprache endgültig verlässt, sondern in Picassos Vision fragmentiert wird oder sich in Schieles Vision als äußerst gequält darstellt und die Treue für immer aufgibt zum realen Datum. Mit der Serialisierung der Pop-Art und der Sprache der Street Art entstehen weitere und persönliche Sichtweisen, Bewegungen, die die vielfältigen und originellen Sichtweisen, mit denen der männliche Körper bis heute dargestellt wird, endgültig gefestigt haben. Abschließend wird der Weg des männlichen Aktes innerhalb der endlosen Erzählung der Kunstgeschichte anhand der folgenden Klassifizierung untersucht, die darauf abzielt, die besten Bildbeispiele des Genres zu sammeln.

Alexandre Cabanel, Der gefallene Engel, 1847. Öl auf Leinwand, 121×190 cm. Musée Fabre, Montpellier.

Top Ten: männliche Aktgemälde

10. Alexandre Cabanel, Der gefallene Engel (1847)

Alexandre Cabanel, ein französischer Historien- und Genreporträtmaler, geboren 1823, schuf das fragliche Öl auf Leinwand im Jahr 1847 und führte zu einem Meisterwerk, das darauf abzielte, die tiefsten und niedrigsten menschlichen Gefühle deutlich zu machen, indem er die Rebellion Luzifers verewigte, der Als er aus dem Himmel geworfen wurde, verspürte er einen extremen Groll gegen Gott, den Vater. Diese Emotion erwacht in einem klassischen Körper zum Leben, der perfekt dazu geeignet ist, dem Text des Buches des Propheten Hesekiel Gestalt zu verleihen, in dem der Engel als ein Wesen von vollkommener Schönheit beschrieben wird. Trotz dieser statuarischen Merkmale, die auch imposante liegende Flügel aufweisen, erweisen sich die eigentlichen Protagonisten des Gemäldes als die Augen des Bildnisses, die, hervorgehoben durch den rechten Arm, der das Gesicht des Protagonisten teilweise bedeckt, äußerst ergreifend und aufgeladen wirken voller Zorn, Empörung, aber auch nass vor Leidenstränen, die uns erzählen, dass Luzifer, obwohl er leidet, nicht im Begriff ist aufzugeben, sondern ganz erpicht darauf ist, sein Verlangen nach Rache zu befriedigen, indem er sich Gottes Werk widersetzt. Tatsächlich wird im biblischen Bericht des Alten Testaments erzählt, wie Luzifer, Gottes schönster und weisester Engel, aus dem Paradies in die Tiefen der Unterwelt geworfen wurde und in seinem Weinen den letzten Rest seiner Güte zum Vorschein brachte, die er gab Weg zu einem unendlich voller Hass, Bosheit und Groll.

Peter Paul Rubens, Der gebundene Prometheus , 1611-12. Öl auf Leinwand, 243,5 cm × 209,5 cm. Philadelphia Museum of Art.

9. Peter Paul Rubens, Der gebundene Prometheus (1611-12)

Das zwischen 1611 und 1612 entstandene Meisterwerk des flämischen Meisters, in dem sich ein dynamischer und leidender nackter männlicher Körper als unbestrittener Protagonist erweist, ist das Ergebnis vielfältiger Einflüsse des Malers, der die Grundlagen der Landschaftskomposition von Tobias Verhaecht bezog im Hintergrund, während die mythologische Szene das Modell von Adam van Noort trug, einem bekannten Porträtisten von Akten und hemmungslosen Bildern des niederländischen Lebens. In der Gesamtkomposition greift sie jedoch auf die Ikonographie der Historienmalerei zurück, die Rubens in seiner Zusammenarbeit mit Otto van Veen bewundern konnte, wodurch die Figur eines perspektivisch verkürzten Prometheus entsteht, der, nah am Betrachter positioniert, sieht auch die Zitierung klassischer Vorbilder und insbesondere der griechischen Theatralik. Man sollte jedoch nicht übersehen, welchen Einfluss die italienische Malerei auch auf das oben genannte Meisterwerk hatte, indem man sich auf die Lehren von Michelangelos Sixtinischer Kapelle, Caravaggios Tenebrismus und Tizians Formen bezieht. Schließlich wird die Qual von Prometheus, einer Figur aus der Mythologie, die der Protagonist des Werks ist, durch ein Gedicht von Lipsius, einem Freund von Rubens‘ Bruder, gut veranschaulicht, der schrieb: „Hier gräbt sich mit Hakenschnabel ein monströser Geier hinein.“ die Leber des Prometheus, der vor seinen Qualen keine Ruhe hat, denn immer wieder nähert sich der wilde Vogel seiner sich erneuernden Brust und greift ihn strafend an. [...] Man könnte meinen, er würde sich bewegen, seine Federn würden zittern. Der Horror packt die Zuschauer.

Einer der zahlreichen männlichen Akte von Pierre und Gilles @pierreetgilles_gilles.

8. Pierre et Gilles, Mercury (2001)

Auch hier, genau wie im Meisterwerk oben, wird der Akt in der Kunst durch Bezugnahme auf den perfekten Körper einer Figur aus der griechischen Tradition veräußerlicht, in diesem Fall einer Gottheit: Merkur, Bote von hinten dargestellt, mit den Umrissen seines Gesichts darin Blick, als er eine Schlange beobachtet, die sich um seinen Stab geschlungen hat. Ein solches Tier verwendet dabei die klassischere Ikonographie des Caduceus oder geflügelten Stabes, der traditionell den Götterboten begleitet. Apropos Pierre und Gilles: Das französische Künstlerpaar erweckte das oben genannte Werk durch eine vierhändige Operation zum Leben, bei der der erste der beiden die Fotos erstellt und der zweite sie mit aufeinanderfolgenden Schichten von retuschiert Farbe, die darauf abzielt, Bildern Leben einzuhauchen, die, bis ins kleinste Detail untersucht, häufig auf mythische und religiöse Ikonographie verweisen und mit einer unbändigen Sinnlichkeit und einem äußerst kitschigen Blickwinkel neu interpretiert werden. Die vom Duo angesprochenen Themen sind hauptsächlich Pop, insbesondere im Zusammenhang mit Homosexualität, Pornografie und religiösen Topos, die in einer „barocken“ Tonart neu aufgegriffen werden. Was die Kunstgeschichte betrifft, so ist Giambolognas Statue des fliegenden Merkur, die das oben genannte Deo darstellt, ein äußerst bekanntes Meisterwerk, das im Bargello-Museum in Florenz aufbewahrt wird und das oben genannte Motiv zeigt, während es seinen linken Fuß auf den von Zephyrus erzeugten Wind stützt ' Mund.

Jean-Hippolyte Flandrin, Junger männlicher Akt am Meer sitzend , 1835-36. Öl auf Leinwand, 98 cm × 124 cm. Louvre, Paris.

7. Jean-Hippolyte Flandrin, Junger männlicher Akt am Meer sitzend (1835-36)

An siebter Stelle finden wir das Meisterwerk eines der wichtigsten neoklassizistischen Vertreter der Lyoner Schule, des französischen Meisters Jean-Hippolyte Flandrin, der in „Junger männlicher Akt am Meer sitzend“ einen nackten jungen Mann darstellt, dessen Arme um seine Beine geschlungen sind als er auf einem Felsen am Meer sitzt, umgeben von einem weiten Himmel. In diesem Zusammenhang ist es gut hervorzuheben, wie das Gesicht des Protagonisten, unidentifizierbar und im Dämmerlicht, den Betrachter dazu bringt, sich im Modell wiederzuerkennen, dessen Haltung zur Erinnerung und isolierten Reflexion anregen soll, was durch das Schließen von realisiert wird seine Augen. Was das Thema des Werkes noch betrifft, ist es bemerkenswert, dass es in Rom entstanden ist, also während der Studienreise, die der Künstler nach seinem Sieg beim Prix de Rome im Jahr 1832 unternahm Für französische Kunstkritiker ist es nach wie vor eines der bekanntesten Werke Flandrins, so sehr, dass es später von Fotografen wie Wilhelm von Gloeden, Claude Cahun und Robert Mapplethorpe interpretiert wurde. Schließlich ist auch der am Meer sitzende junge männliche Akt bekannt, da er seit dem 20. Jahrhundert zu einem beliebten Symbol der homosexuellen Kultur geworden ist.

Egon Schiele, Sitzender männlicher Akt (Selbstbildnis) , 1910. Wien, Leopold Museum.

6. Egon Schiele, Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt) (1910)

Zur expressionistischen Interpretation des Aktes sind wir durch die Analyse des Meisterwerks von Schiele gekommen, einem Meister, der dafür bekannt ist, dieses Genre durch mehrere Selbstporträts interpretiert zu haben, die oft durch die Darstellung eines extremen Bildes des Künstlers gekennzeichnet sind, der sich darin festhielt unverschämte und provokante Posen, in denen er aufgrund seines schlanken, verzerrten und spannungsgeladenen Körpers eine unbeholfene, erzwungene Haltung und bizarre Gesten einnahm, die ihn eher dem Bild eines leblosen Buratto als eines Menschen näher brachten. Das Werk aus dem Jahr 1910, das im Leopold Museum in Wien aufbewahrt wird, entstand durch die Vermittlung eines starken und dekadenten expressionistischen Pinselstrichs, der die Figur des Künstlers erzeugt, dessen gerade und entschiedene Linien die Muskeln und die Brust eines Mannes beschreiben Füße, die vor einem weißen Hintergrund schweben wollen. Darüber hinaus lassen die unnatürlichen Verdrehungen des Körpers, gepaart mit den Grün-, Gelb- und Brauntönen seiner Haut, Schieles Gesichtszüge etwas unnatürlich oder typisch für einen Krankheits- oder Notzustand erscheinen. Aus letzterer Sicht nahm das betreffende Meisterwerk tatsächlich das Ende der Tage des Künstlers vorweg, der einige Jahre später im Alter von 28 Jahren, fast prophetisch, an der Spanischen Grippe starb, die Wien 1918 verwüstete.

Lucian Freud, Nackter Mann , Rückansicht, 1991-92. Öl auf Leinwand, 182,9 × 137,2 cm. New York, MET. @lucianfreudart.

5. Lucian Freud, Nackter Mann, Rückansicht (1991-92)

Mit Position Nummer fünf kommen wir zum deutschen Neoexpressionismus und befassen uns mit der Analyse von „Nackter Mann, Rückansicht“, einem Werk von Lucian Freud, in dem die stilistischen Merkmale des Meisters häufig darauf abzielen, intensive Kompositionen zu schaffen, die die Menschlichkeit und physische Präsenz offenbaren können der Bildnisse, in diesem Fall zusammengefasst in den Gesichtszügen von Leigh Bowery, dem Vorbild für das betreffende Meisterwerk, werden zusammengefasst. Trotz Freuds Realismus porträtierte er das oben erwähnte Motiv, das für seine extravaganten Kostüme und sein extravagantes Make-up bekannt ist, ohne jegliche Kleidung, wie er auf einem Hocker im Atelier des Malers hockte. In jedem Fall wurde die Treue zur Realität dank der Genauigkeit erreicht, mit der der deutsche Maler die fleischige Rückseite des Bildnisses wiedergab, die voller „Hügel“ und „Hügel“ die eigenen Worte des Künstlers über das oben Genannte hervorzurufen scheint Bildgenre: „Ich möchte, dass die Malerei Fleisch ist.“ Es sind genau die letztgenannten Worte, die es uns ermöglichen, die stilistischen Merkmale des Künstlers näher zu erläutern, dessen Werke, die sich durch extremen Realismus und die obsessive Suche nach dem wahren Datum auszeichnen, manchmal in unnatürlichen Posen dargestellt werden, um die Details hervorzuheben, oft übertrieben sie, Freunde, Verwandte, Bekannte und Haustiere.

William Etty, Männlicher Akt mit ausgestreckten Armen , 1828-1830.   Öl an Bord. York Museums Trust (York Art Gallery).

4. William Etty, Männlicher Akt mit ausgestreckten Armen (1828-1830)

Ich lade Sie ein, sich den gigantischen Kadaver eines Rindes vorzustellen, der an den unteren Gliedmaßen an einer Holzstütze hängt, während er in einer schwach beleuchteten Umgebung durch die Offenheit und Erhabenheit seines Fleisches hervorsticht. Nachdem Sie nun die von mir beschriebene Szene sehen können, werden viele von Ihnen sie bereits mit dem bekannten geschlachteten Ochsen von Rembrandt in Verbindung gebracht haben, einem Werk aus dem Jahr 1655, in dem das unglückliche Tier auch als eine Art Opferlamm interpretiert werden könnte. Die Anordnung der Gliedmaßen des letzteren könnte in ähnlicher Weise an die des leidenden und vielleicht reumütigen Protagonisten eines männlichen Akts mit ausgestreckten Armen erinnern, einem Akt von William Etty. Zum Zeitpunkt der Anfertigung dieses ca. 1828 datierten Porträts studierte der Künstler trotz seines hohen Status weiterhin an der Royal Academy, einem Kontext, in dem ein männlicher Akt mit ausgestreckten Armen möglicherweise dazu gedacht war, horizontal zu hängen Modell auf seinem Rücken, obwohl es sich eher um eine Studie für eine Kreuzabnahme handelt. Was schließlich den betreffenden britischen Maler betrifft, so war er für seine historischen Gemälde mit nackten Figuren bekannt, denen allzu oft Unanständigkeit vorgeworfen wurde.

Jacques Louis David, Männlicher Akt, bekannt als Patroklos , 1780.

3. Jacques Louis David, Männlicher Akt, bekannt als Patroklos (1780)

Patroklos, ein Gemälde des neoklassizistischen Künstlers Jacques Louis David, das 1780 entstand und derzeit im Musée Thomas Henry in Cherbourg (Frankreich) aufbewahrt wird, ist ein Werk, das viele als Studie verstanden haben, da ihm unter anderem Gesichtsdetails fehlen Elemente der Komposition, die darauf abzielen, einen liegenden Mann zu beherbergen, der dem Betrachter den Rücken zuwendet. Der Akt, der so konzipiert ist, dass er einen imposanten Körperbau zur Geltung bringt und es dem Künstler gleichzeitig ermöglicht, seine technischen Fähigkeiten unter Beweis zu stellen, nutzt sorgfältig die Beleuchtung, um jeden Aspekt der dargestellten Figur hervorzuheben. Das oben genannte Genre innerhalb der neoklassizistischen Strömung, zu deren Hauptvertreter David gehörte, war als notwendiges Werkzeug zur Übung und Perfektionierung der künstlerischen Hand beim Verständnis des menschlichen Körpers zu verstehen, auch wenn in der Anfangsphase dieses Prozesses Die Zeichnung war der Bildkunst vorzuziehen. Abschließend ist es zwingend erforderlich, einige grundlegende Konzepte des Neoklassizismus anzugeben, da nur dieser uns eine vollständige Lektüre des oben genannten französischen Meisterwerks ermöglichen wird. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die betreffende künstlerische Richtung das Schöne und Ideale suchte und sich dabei auf die griechische Kunst bezog, die so hart daran arbeitete, komponierte, ruhige Werke mit eleganten Formen und weit entfernt von bizarrer und extravaganter Virtuosität zu schaffen, die durch eine rationale Forschung erzielt werden konnten , die auf einfache Formen abzielen musste, die sich durch fast idealisierte Anmut, Ausgeglichenheit und Gelassenheit auszeichneten.

Caravaggio, Amor vincit omnia, 1601-1602. Öl auf Leinwand, 156×113 cm. Gemäldegalerie, Berlin.

2. Caravaggio, Amor vincit omnia (1601-1602)

An Nummer zwei konnte er nicht umhin, einen Künstler vom Kaliber Caravaggios zu nennen, dem Schöpfer von Amor vincit omnia, einem Gemälde, in dem der italienische Maler einen jungen nackten Amor mit triumphierendem Gesichtsausdruck darstellte, während er mit offenen Flügeln, einem Bogen und einem Bogen gefangen ist ein Bündel Pfeile in der Hand, traditionelle Symbole seiner Macht. Der Triumph der letztgenannten Attribute wird auch durch die nun auf dem Boden liegenden Kriegsinstrumente bestätigt, als wären sie durch die Wirkung des edelsten aller Gefühle besiegt worden: der Liebe. Fahren wir mit der Beschreibung der Leinwand fort: Wenn die Position der Beine des Bildnisses an San Bartolomeo in Michelangelos Jüngstem Gericht erinnert, erinnert der kindliche Ausdruck der Liebe voller anagrammatischer Mehrdeutigkeit an das Vorbild der Gesichter von Leonardo da Vinci. Daher inspirierten diese beiden Meister wahrscheinlich das romantischste Thema von Caravaggios gesamtem Werk, das, wie oben erwähnt, darauf abzielte, eine Allegorie der Macht der Liebe darzustellen, die durch einen Barockstil wiedergegeben wurde, der in der Lage war, die Realität auf naturalistische und zugleich dramatische Weise darzustellen gleiche Zeit. Schließlich könnten die Gründe, warum der Künstler dieses Thema gewählt hätte, folgende sein: Caravaggio könnte sich von Vergils Versen über die Liebe in der Bucoliche inspirieren lassen oder er wollte einfach den Wünschen seines genuesischen Kunden Vincenzo Giustiniani, dem historischen Mäzen der Bucoliche, nachkommen Maler .

Michelangelo, Die Erschaffung Adams , 1511. Fresci, 280 cm × 570 cm. Cappella Sistina, Musei Vaticani, Vatikanstadt.

1. Michelangelo, Die Erschaffung Adams (1511)

Auf der obersten Stufe des Podiums finden wir einen weiteren Italiener sowie einen der bedeutendsten Künstler aller Zeiten, den unsterblichen Michelangelo Buonarroti, Autor von „Die Erschaffung Adams“, Fresko der berühmten Sixtinischen Kapelle (Vatikanstadt, Vatikanische Museen). , in dem Gott auf der rechten Seite positioniert ist, während er im Innern in einem Nimbus schwebt, der von Engeln und Putten getragen wird. Auf der gegenüberliegenden Seite des Trägers befindet sich der für uns interessante Akt, der Adam, den Stammvater der Menschheit, darstellen soll, ausgestreckt auf einer Wiese, auf einem grasbewachsenen Hang platziert, auf einem Hintergrund ohne Details. Die Entscheidung, diese letzte Figur in der Rangliste an die erste Stelle zu setzen, beruht auf der Tatsache, dass der nackte Adam, während er darauf bedacht ist, die Finger Gottes des Vaters zu berühren, eine der ikonischsten Gesten der Kunstgeschichte ausführt . In Bezug auf diesen letzten Satz ist bekannt, dass Michelangelo den Moment verewigen wollte, in dem der Schöpfer, der im Begriff ist, mit seinem Geschöpf in physischen Kontakt zu treten, sein Möglichstes tut, um den Funken des Lebens in ihn zu übertragen. Sicherlich ließ sich der italienische Meister von dem Satz aus der Genesis inspirieren: „Gott schuf den Menschen nach seinem Bild, da die beiden Körper, die er schuf, ziemlich ähnlich sind, also sowohl stark als auch robust.“ Abschließend möchte ich folgende Frage stellen: Was wäre, wenn Adam? und Gott würden sich tatsächlich voneinander entfernen? In diesem Fall hätte der erste Mensch auf der Erde inzwischen ein unabhängiges Leben begonnen und seinen Blick auf Gott gerichtet, genau wie ein Kind, das beim Laufenlernen sich immer wieder umdreht und schaut für den sicheren Blick seines Vaters.