Top 10: Meisterwerke der spanischen Malerei

Pablo Picasso, Porträt von Dora Maar , 1937. Öl auf Leinwand, 92×65 cm. Musée National Picasso, Paris.

Große Meister und große Meisterwerke ...

Die Geschichte der spanischen Malerei lässt sich anhand der wichtigsten Epochen erzählen, die ihre Entwicklung und Entwicklung prägten, wie die Gotik, der Manierismus, das Goldene Zeitalter und das 20. Jahrhundert. Diese Epochen können auch als eine fortschreitende Externalisierung der Kreativität des besagten Landes interpretiert werden, denn während diese in der Gotik fast passiv französische und italienische Stilmerkmale reproduzierte, nahm sie in der Renaissance-Manierismus-Zeit beide zum Vorbild Erst später und dann mit dem Spanien des Goldenen Zeitalters und des 20. Jahrhunderts kam es im Bel Paese und in den Niederlanden zur Existenz einer rein spanischen Sprache, die durch die Anwesenheit von Weltklasse-Meistern wie El Greco zum Ausdruck kam. Diego Velázquez, Francisco Goya und später Pablo Picasso, Salvador Dali, Miró usw. Alle diese Persönlichkeiten waren im Wesentlichen unabhängig davon, mit einer Vielzahl von Vertretern einer einzigen künstlerischen Bewegung, Strömung oder Strömung in Verbindung gebracht zu werden, die in erster Linie mit dem Ausdruck verbunden waren eines bestimmten Landes, wie zum Beispiel die Renaissance für Italien und der Impressionismus für Frankreich. Nehmen wir Dali als Beispiel, was auch für Picasso möglich war: Er war der einzige äußerst beliebte Spanier, der dem Surrealismus angehörte, aber seine Präsenz war für die Bewegung von größter Bedeutung, so dass er in der Lage war, die Werte allgemein zu vermitteln der spanischen Kultur durch seine herausragende Rolle innerhalb des oben genannten „Trends“. Folglich könnte man auch sagen, dass die spanische Kunst und nicht aus Bewegungen und Strömungen, sondern aus einflussreichen und individuellen Persönlichkeiten besteht, die mit klaren Stilmerkmalen im Alleingang den gesamten Ausdruck eines Landes weltweit bestimmten. Das Gesagte gibt meinen Top-Ten-Gemälden die Rolle eines Leitfadens innerhalb einer echten Erzählung einer Geschichte der spanischen Kunst, die hauptsächlich aus großen Meistern und großen Meisterwerken besteht.

Top 10

Juan Gris, Porträt von Picasso , 1912.

10. Juan Gris, Porträt von Picasso (1912)

Auf Platz zehn habe ich mich entschieden, das Werk von Juan Gris hervorzuheben, einem spanischen Maler und Vertreter des Kubismus, der unter anderem für sein berühmtes Porträt von Picasso bekannt ist, ein Meisterwerk aus dem Jahr 1912, in dem der Madrider Meister einen von ihnen verewigte Er zählte zu den bedeutendsten Künstlern des 20. Jahrhunderts und berief sich dabei auf seinen unverwechselbaren integralen Kubismus, einen individuellen Stil, der durch die regelmäßigste Aufteilung der Formen gekennzeichnet ist und bei dem geometrische Figuren an diagonale Strukturen gebunden werden, mit dem Ziel, nahezu kristalline Anmutungen zu erzeugen. Apropos Beziehung zwischen den beiden Malern: Gris kam 1906 nach Paris, wo er Picasso und Braque traf und sich so der Entwicklung der kubistischen Strömung anschloss, die ihn nur sechs Jahre später als Schüler von Pablo identifizierte. Tatsächlich orientiert sich Juans Standpunkt am analytischen Kubismus des Andalusiers und bezieht sich auf seine Dekonstruktion und gleichzeitige Sicht auf Objekte, bringt jedoch eine systematischere und kristallinere Geometrie zurück, die in dem betreffenden Porträt durch ein Fragment wiedergegeben wird Kopf, bei dem Hals und Rumpf in verschiedene Ebenen und einfache geometrische Formen zerlegt sind, die in einer kompositorischen Struktur organisiert sind, die von Diagonalen bestimmt wird und durch die Verwendung einer Palette kühler Blau-, Braun- und Grautöne deutlich wird. Schließlich lassen die stilistischen Merkmale des Porträts von Picasso ein Werk entstehen, das darauf abzielt, das Bildnis des Malers zu verewigen, da das Subjekt eine Palette in seinen Händen hält, ein Detail, das uns ebenso wie die Inschrift „Hommage à Pablo Picasso“ deutlich zum Nachdenken anregt wie Gris den Erneuerer des Kubismus schlechthin schätzte.

Joan Miró, Der Karneval des Harlekins , 1924/1925. Öl auf Leinwand, 66 cm × 90,5 cm. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York.

9. Joan Mirò, Der Karneval des Harlekins (1924-25)

Joan Miròs zwischen 1924 und 1925 entstandene Leinwand ist von einer Vielzahl festlicher Hybridfiguren besetzt, die halb Mensch und halb Tier sind und manchmal anthropomorphisiert sind, da sie menschliche anatomische Teile besitzen, die der Spanier mit Objektformen in Verbindung gebracht hat. Diese unbeschwerte Atmosphäre lädt den Betrachter dazu ein, sich in das Fest zu verlieren, und legt sogar nahe, dass er oder sie sich die Zeit nimmt, sich eine Melodie auszudenken, die als Hintergrund für die Lebendigkeit der Figuren dient. Aus rein kunsthistorischer Sicht ist das Werk jedoch Teil der surrealistischen Periode Mirós; Insbesondere geht es auf die Zeit zurück, als Breton das Manifest der Bewegung verfasste, obwohl in Joans Meisterwerk der später von dem oben erwähnten französischen Dichter geförderte psychische Automatismus bereits gut konkretisiert wurde. Tatsächlich verleiht „The Carnival of Harlequin“ den fantastischen und surrealen Visionen der Fantasie Gestalt, die der Künstler veräußerlichen möchte, indem er sie mit einem Element der Realität in Verbindung bringt, die, indem sie eine andere Bedeutung annehmen, transformiert werden und zu neuen visionären Interpretationen führen. In diesem Sinne sollte deutlich gemacht werden, dass es sich bei dem, was der Maler darstellt, um die Dimension des Unbewussten handelt, die oft durch die Darstellung einer Trittleiter erzählt wird und im Werk des Meisters wiederkehrt und auch im betreffenden Gemälde präsent ist stellt ein Sprungbrett dar, das darauf abzielt, von der Realität auszugehen und darüber hinaus, also in Richtung der Vorstellungskraft, vorzudringen.

El Greco, Das Begräbnis des Grafen von Orgaz , 1586. Öl auf Leinwand, 480×360 cm. Kirche St. Thomas, Toledo.

8. El Greco, Das Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586)

Meine Top 10 könnten in ihrer Funktion, die Schlüsselfiguren der spanischen Kunst zusammenzufassen, nicht glaubhaft sein, wenn sie El Greco, den griechischen Maler, Bildhauer und Architekten sowie eine der wichtigsten Figuren der spanischen Renaissance, die oft als solche angesehen wird, nicht erwähnen würden Sei der erste Meister des Goldenen Zeitalters. Das betreffende Meisterwerk, nämlich die Beerdigung des Grafen von Orgaz aus dem Jahr 1586, stellt allegorisch das durch den Titel selbst deutlich gemachte Ereignis dar, wobei das Hauptthema der verstorbene Herr der Stadt Orgaz ist, der auf wundersame Weise vom Heiligen Stephanus begraben wurde Der heilige Augustinus, der ausschließlich zu diesem Anlass vom Himmel herabstieg. Dieses von einer Legende aus dem frühen 14. Jahrhundert inspirierte Thema wurde vom Maler in voller Übereinstimmung mit dem Vertrag wiedergegeben, der mit der Pfarrkirche Santo Tomé in Toledo, Spanien, geschlossen wurde, wo das Gemälde bis heute aufbewahrt wird. Auf jeden Fall führte El Greco trotz der getreuen Erfüllung der Wünsche der Auftraggeber einige modernisierende Elemente ein, wie etwa eine Reihe von Merkmalen, die einem üblichen Trauerzug aus dem 16. Jahrhundert zugeschrieben werden, die Gewänder der beiden Heiligen sowie die Darstellung von bedeutende Toledo-Persönlichkeiten seiner Zeit. Diese Interpretationsweise sollte dem rein didaktischen Zweck des Öls dienen, das im Einklang mit den Lehren der Gegenreformation die Förderung der Heiligenverehrung und der guten Taten zum Heil der Seele verfolgte.

Francisco Goya, Saturn verschlingt seinen Sohn , 1821-1823. Auf Leinwand übertragenes Mixed-Media-Wandbild, 143,5 cm × 81,4 cm. Museo del Prado, Madrid.

7. Francisco Goya, Saturn verschlingt seinen Sohn (1821-1823)

Das zwischen 1821 und 1823 entstandene Meisterwerk konkretisiert eine schaurige Vision: Saturn beißt in den Körper seines Sohnes, als wäre dieser ein Beutetier, das, teilweise von Blutbächen bedeckt, nun ohne Kopf erscheint, während der Arm im Mund des Vaters liegt, alles umgeben von einem unbestimmten, dunklen Hintergrund, der den extremen Akt in den Mittelpunkt rückt. Was die Interpretation dieser gruseligen Komposition betrifft, die Teil des Black Paintings-Zyklus ist, Werke des Künstlers für die Wände seines eigenen Hauses am Ufer des Manzanares-Flusses (Madrid), könnte sie sowohl den Konflikt zwischen Jugend als auch Alter hervorrufen , wo die Zeit alles zu verschlingen scheint, und die Personifizierung des damaligen Spaniens, eines Landes, das in der Lage war, seine Kinder durch erbitterte Kriege, Revolutionen und Absolutismus zu verschlingen. Hinzu kommt eine weitere Bedeutung, die dem Meisterwerk zugeschrieben wird, die einfach mit dem offensichtlicheren Wunsch zusammenhängt, den menschlichen Zustand in der Neuzeit darzustellen. Auch wenn die interpretativen Zweifel bestehen bleiben, ist klar, dass das Gemälde den extremen Höhepunkt der Black Paintings darstellt und neben den dunklen und bedrohlichen Tönen durch einen thematischen Faden gekennzeichnet ist, der genau mit der Figur des Saturn zusammenhängt, die traditionell mit Verzweiflung und Alter in Verbindung gebracht wird Zeitalter, wiedergegeben in früheren Meisterwerken, die, wie das von Rubens, sicherlich konventioneller wirken und auch weit entfernt vom Freudschen Wahnsinn des Protagonisten von Goyas Werk.

Francisco Goya, Die nackte Maja, 1790-1800. Öl auf Leinwand, 97 cm × 190 cm. Museo del Prado, Madrid.

6. Francisco Goya, Die nackte Maja, (1790-1800)

Ein junges Aktmodell blickt mit schamlosem Selbstvertrauen auf den Betrachter, während sie sinnlich zurückgelehnt erscheint, die Hände im Nacken verschränkt, einem Punkt ihres Körpers, in dessen Nähe auch ihr dunkles, lockiges Haar seinen Platz findet, das frei zur Seite fällt ihr Gesicht, das von ihren vollen, geröteten Wangen umgeben ist. Eine solche Vision findet ihren Platz auf der Oberfläche eines mit grünem Samt bezogenen Sofas, wo auch die beiden gefütterten Kissen angeordnet sind, auf denen die Frau ruht, sowie das Laken, das unter ihrem Unterkörper liegt. Das fragliche gewagte Meisterwerk, das neben seiner Kühnheit und Unverschämtheit auch dafür bekannt ist, dass es die Linea Nigra, die die Vulva mit dem Nabel verbindet, auf innovative und skandalöse Weise zeigt, konnte sowohl die Freundin des Malers, nämlich die Herzogin von Alba, darstellen als auch ihre Geliebte Pepita. Sicher ist, dass das Gemälde den explizitesten profanen Akt in der Sammlung von Godoy darstellt, einem angesehenen Militär- und spanischen Politiker, der über eine reiche Sammlung des oben genannten Genres verfügte, darunter Meisterwerke aus ganz Europa sowie Velázquez‘ berühmte Venus Rokeby. Gerade in diesem Zusammenhang muss klargestellt werden, dass Aktgemälde im 18. Jahrhundert in Spanien tatsächlich verboten waren, da sie der christlichen Lehre widersprachen, so dass Godoy auch die bekleidete Version des oben genannten Meisterwerks in Auftrag gab, um mehr zu verbergen explizites.

Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907. Öl auf Leinwand, 243,9 cm × 233,7 cm. Museum für moderne Kunst. Erworben durch das Lillie P. Bliss Bequest, New York City.

5. Pablo Picasso, Die Dämonen von Avignon (1907)

Warum ist Les Demoiselles d'Avignon ein unverzichtbares Meisterwerk der Kunstgeschichte, also eines jener Werke, das, wenn es nie entstanden wäre, der uns bekannte Weg der kreativen Forschung sicherlich andere Wege eingeschlagen hätte? Die Antwort liegt in der Tatsache, dass das Gemälde als Picassos erstes kubistisches Werk gilt, das in der afrikanischen Periode des Meisters, nach der Rosa-Periode, entstand und wahrscheinlich von der Vision inspiriert war, die der Künstler beim Besuch eines Bordells in Barcelona hatte. befindet sich in der Carrer d'Avinyò. Darüber hinaus ist es gut hervorzuheben, dass das betreffende Gemälde das Ergebnis von mehr als hundert Studien ist, in die der Künstler auch die Anwesenheit einiger männlicher Figuren einbezog, eine Tatsache, die zu Spekulationen darüber führt, wie das Motiv eine Art darstellen könnte Memento Mori, mit dem der Maler vor den Gefahren des Sex warnen wollte, nämlich der damals beliebten Syphilis. Was die Beschreibung des Meisterwerks aus dem Jahr 1907 betrifft, so stellt es fünf Mädchen dar, die sich, vermutlich in Anlehnung an die Venusfiguren der klassischen Tradition, dem Auge des Betrachters durch die schamlose Zurschaustellung von Nacktheit darbieten. Was schließlich ihre Gesichter anbelangt, stellen sie einen bewussten Bruch mit der bisherigen künstlerischen Tradition dar, indem sie sich in der Intensität der Blicke verkörpern, die sowohl direkt und erkennbar als auch flüchtiger sind, immer von Deformität geprägt sind und zurückführen sollen am Beispiel traditioneller afrikanischer Masken.

Francisco Goya, Der dritte Mai 1808, 1814. Öl auf Leinwand, 268 cm × 347 cm. Museo del Prado, Madrid.

4. Francisco Goya, Der dritte Mai 1808 (1814)

Francisco Goya, Der 3. Mai 1808 (1814): In einer in Dunkelheit gehüllten Umgebung, in der nur eine Laterne die Dunkelheit des Abends erhellt, erleuchtet ein Lichtstrahl mit größerer Intensität einen rebellischen, mittellosen Bauern, der mit großer Würde und Mut, akzeptiert, dass er seine Existenz im Namen der Freiheit opfern muss. In ähnlicher Weise taucht in der Erzählung der Kunstgeschichte oft die Gestalt des gekreuzigten Christus auf, der leidend und in größter Not ist und in diesem profanen Fall von seinen gefallenen oder verängstigten Kameraden umgeben ist, die ein aus einer Gruppe zusammengesetztes Erschießungskommando vor sich haben französischer Soldaten unter Napoleons Kommando. Tatsächlich soll das Gemälde ausdrücklich den Widerstand der Madrider Truppen gegen die französische Armee darstellen, der während der Besetzung im Spanischen Unabhängigkeitskrieg 1808 stattfand. Von ähnlicher thematischer Bedeutung erweisen sich auch andere Werke des Künstlers, nämlich die Stichserie mit dem Titel „Die Katastrophen des Krieges“, in der der Meister seine Trauer über den Einmarsch der Truppen Napoleons in Spanien konkret zum Ausdruck brachte. Was den Stil des Meisterwerks von 1814 angeht, kann dessen rohe Dramatik jedoch nicht als rein romantisch angesehen werden, obwohl unbestritten ist, wie sehr seine sensible emotionale Äußerlichkeit dem Werk der Maler der betreffenden Bewegung ähnelt. Ebenso distanziert sich das Gemälde von der Idealisierung der Schönheit, die sowohl die Romantik als auch der Neoklassizismus verfolgten.

Diego Velázquez, Las Meninas , 1656. Oli auf Leinwand, 320,5 cm × 281,5 cm. Museo del Prado, Madrid.

3. Diego Velázquez, Las Meninas (1656)

Eine der bekanntesten Szenen der Kunstgeschichte, die ich nicht einfach beschreiben möchte, indem ich mich ins Banale wage, spielte sich im Atelier von Diego Velázquez ab, als der Maler um 1650 von König Philipp IV. von Spanien die Erlaubnis erhielt, die Hauptszene zu nutzen Er nutzte den Saal des Real Alcázar in Madrid als sein Atelier, einen Raum, in dem der Herrscher oft Zeit damit verbrachte, dem Meister bei der Arbeit zuzusehen, so sehr, dass viele glauben, Philipp habe gegen die königlichen Verhaltensregeln verstoßen und sich sogar mit dem Maler angefreundet. Was das fragliche Meisterwerk betrifft, so stellt es nur vordergründig ein Hofporträt dar, da es als Propagandamanifest konzipiert war, das deutlich machen sollte, wie Kunst die Realität effektiv reproduzieren kann. In jedem Fall ist die komplexe Komposition reif für vielfältige Interpretationen und Fragen, darunter beispielsweise: Warum erscheinen die Herrscher im Spiegel? Es ist wahrscheinlich, dass diese Figuren die Posenszene im Dämmerlicht beobachten wollten, während das Licht aus dem Hintergrund kommt, wo der Assistent von Königin Nieto seinen Platz findet, dessen Ankunft am Tatort etwas rätselhaft bleibt. Von großer Bedeutung ist schließlich die Anwesenheit des Künstlers selbst in dem Werk, eine Figur, die wahrscheinlich seine Absicht, sich selbst zu feiern, seine Anwesenheit am Hofe Philipps IV., seine Rolle sowie seinen Wunsch, seine persönliche Vorstellung nach außen zu tragen, zum Ausdruck bringen soll dass sich die Malerei als die überlegene Kunst erweist.

Salvador Dali, Die Beständigkeit der Erinnerung , 1931. Öl auf Leinwand, 24 cm × 33 cm. Museum für moderne Kunst, New York City.

2. Salvador Dali, Die Beständigkeit der Erinnerung (1931)

Viele Menschen erinnern sich an die „weichen“, d Hitze. Tatsächlich war es genau das exzentrische Gehirn des spanischen Meisters, das in der Lage war, eine so gewöhnliche Vision in ein Meisterwerk zu verwandeln, das darauf abzielte, dem Lauf der Zeit eine konkrete Form zu geben, die zwar messbar, aber in Bezug auf die menschliche Wahrnehmung recht variabel bleibt , das heißt, zu den Geisteszuständen, die es, wenn es freudig ist, schneller, wenn es schmerzhaft ist, langsamer machen. Darüber hinaus weist laut Dali auch das Gedächtnis eine ähnliche Funktion auf, da es uns leicht fällt, uns an Dinge zu erinnern, die uns interessieren, auch wenn sie weit entfernt sind, während es sehr wahrscheinlich nahe Momente vergisst, die für uns recht trivial sind. Kurz gesagt: Die in „The Persistence of Memory“ gemalten Uhren würden genau diesen zeitlichen Zustand symbolisieren, der unkontrollierbar mit Geisteszuständen und Erinnerungen verbunden ist. Zum Schluss noch zum Thema des Meisterwerks: Es lohnt sich hervorzuheben, wie dieses, eines der bekanntesten Werke Dalis, 1931 vom Kunsthändler Julien Levy in seiner Galerie in New York ausgestellt wurde, eine Tatsache, die von der Öffentlichkeit und der Kritik verfolgt wurde Interesse am katalanischen Meister.

Pablo Picasso, Guernica , 1937. Öl auf Leinwand, 349,3×776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

1. Pablo Picasso, Guernica (1937)

Auch bei dem Werk, das auf dem Podium steht, möchte ich auf die einfachste und gebräuchlichste Beschreibung des Gemäldes verzichten und mich auf seine stilistischen Merkmale konzentrieren, die das Ergebnis von Pablos Annäherung an den surrealistischen Standpunkt Mitte der 1920er Jahre sind , die sich damals vor allem durch die Gestaltung von Innenräumen mit Stillleben, Objekten und Musikinstrumenten ausdrückte. Es waren diese traditionellen Themen, die zu Innovationen führten, und zwar so sehr, dass Picasso im selben Zeitraum auf die vielfältigen Möglichkeiten aufmerksam wurde, die Form zu brechen und die Komposition aus mehreren Perspektiven darzustellen, was später die kubistische „Revolution“ beleben sollte. " Auf jeden Fall hat der Künstler, der die Kunst als ein Instrument der Externalisierung des Selbst betrachtete, diese figurative Untersuchung durch die Konstruktion klaustrophobischer Räume umgesetzt, die wahrscheinlich von den traurigen Ereignissen im Zusammenhang mit dem heutigen und beunruhigenden Ersten Weltkrieg inspiriert waren. Neben der oben erwähnten intimistischen Forschung war das Werk des spanischen Meisters dieser Zeit auch von der ständigen Präsenz der weiblichen Figur geprägt, die als inspirierende Muse verstanden wurde, die in der Lage war, die vielen turbulenten Beziehungen des Meisters in die Tat umzusetzen. Darüber hinaus konzentrierte sich Picasso in den Jahren vor der Entstehung von Guernica auf die Symbolik des weiblichen Körpers, eine Forschung, die zusammen mit den vorangegangenen in der Schaffung des betreffenden Meisterwerks gipfelte. Tatsächlich stellt „Guernica“ den Höhepunkt von Picassos künstlerischen Bemühungen dar, in dem alle visuellen Merkmale, die ihn berühmt gemacht haben, so sehr berücksichtigt wurden, dass das Werk überhaupt nicht verstanden werden kann, ohne die vorangegangenen und notwendigen Entwicklungsstadien auch nur kurz zu analysieren seiner Bildsprache. Auf jeden Fall ist das Gemälde vor allem dafür bekannt, dass es durch die Darstellung der Schrecken des Krieges zum Symbol schlechthin für den Kampf gegen alle Formen schändlicher Konflikte geworden ist.