Top 10: Collage

CIRCLE 3 (2021)Collagen von Morgan Paslier.

10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1...

10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1: Mit diesem numerischen Höhepunkt namens Top 10, der darauf abzielt, die relevantesten Collagen der Kunstgeschichte nacheinander und in der Reihenfolge ihrer Relevanz anzuordnen, möchte ich dem Leser das Wissen über eine künstlerische Technik näherbringen, die angesichts der populäreren Malerei, Bildhauerei und Fotografie oft außer Acht gelassen wird. Daher möchte ich, da ich diese rein didaktische Absicht verfolge, meine kuratierte Auswahl angemessen einleiten, indem ich kurz die Ursprünge und Besonderheiten der Collage erläutere, um dem Leser das Verständnis für diese Art der Ausführung von Werken zu vermitteln, die durch das Übereinanderlegen von Papieren, Fotografien, Objekten, Zeitungsausschnitten, Zeitschriften usw. erzielt werden, die auf einen Träger geklebt werden, der unterschiedlicher Art sein kann, aber im Allgemeinen starr ist. Aus kunsthistorischer Sicht stammt die oben genannte Technik aus dem frühen 20. Jahrhundert, einer Zeit, in der sie zur Schaffung zahlreicher avantgardistischer Meisterwerke genutzt wurde, vor allem von den kubistischen Meistern Picasso und Braque und später auch von den Vertretern des Futurismus und des geometrischen Abstraktionismus sowie den komplexeren Assemblagen des Neo-Dada, des Surrealismus, des Pop und des Nouveau Realisme. Dies ist jedoch die Geschichte, die uns eurozentrische westliche Kunstbücher erzählen, in denen oft zu wenig erklärt wird, wie Collagen erstmals zur Zeit der Erfindung des Papiers verwendet wurden, d. Dennoch ist der westlichen Welt zweifellos die Erfindung der Fotomontage zu verdanken, also der Collage aus Fotografien, einer Technik, deren sich Richard Hamilton bis heute als einer der größten Vertreter erweist. Auf jeden Fall ist es erwähnenswert, dass auch andere Methoden zum Kombinieren von Bildern als Fotomontage bezeichnet werden, wie zum Beispiel der viktorianische Druck, das Drucken von mehr als einem Negativ auf ein einzelnes Blatt Druckpapier, die Frontprojektion und Computerbearbeitungstechniken. Jetzt, nach dieser kurzen „Lektion“, haben wir den schicksalhaften Moment erreicht, da ich Sie, nun voller Ideen, überlasse, über meine Top 10 zu der betreffenden Technik nachzudenken und sie zu verstehen ...

CONTAINMENT (2020) Collagen von Emily Coubard (Mil.)

Annegret Soltau (Selbstporträt).

10. Annegret Soltau (Selbstporträt)

Meine Top Ten beginnt mit Annegret Soltau, einer deutschen bildenden Künstlerin, deren Werk, das sich ausschließlich auf die Kunst der Fotomontage konzentrierte und hauptsächlich den menschlichen Körper und das Gesicht zum Thema hatte, genäht oder mit schwarzem Faden verbunden, einen Meilenstein in der Kunst der 1970er und 1980er Jahre markierte. Das Soltau-Selbstporträt, das ich zur Illustration dieser Auswahl ausgewählt habe, ist eine Zusammenfassung mehrerer Schlüsselkonzepte, die sich im Werk der Künstlerin wiederholt haben, wie zum Beispiel die Kombination der Idee einer durch Fäden wiedergegebenen Linie mit der Idee der menschlichen Figur, in diesem Fall personifiziert durch Annegret selbst. Darüber hinaus führt eine solche Kombination zur Entstehung von Werken, in denen das mit den oben erwähnten schwarzen Seidenfäden gebundene Motiv eine Art „Selbstporträt“ erzeugt, das in diesem Fall zwei ganz unterschiedliche Lebensabschnitte der Künstlerin vereinen kann, die sich gleichzeitig in ihrer Jugend und Reife manifestieren. Auf diese Weise schreibt Annegret auch ihre ganz persönliche Geschichte als Frau und zielt darauf ab, durch die Fragmente ihrer Figur auf die Konflikte hinzuweisen, die die marginale Stellung des „schöneren Geschlechts“ im gesellschaftlichen Kontext beleben, sowie auf geschlechtsspezifischen Druck und Diskriminierung. Durch die Gegenüberstellung der beiden Versionen ihrer selbst gelingt es ihr letztendlich, die physischen und psychischen Veränderungen hervorzuheben, denen das Individuum im Laufe seines Lebens auf natürliche Weise ausgesetzt ist.

Hannah Höch, Schnitt mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands, 1919–1920. Collage. Berlin: Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin.

9. Hannah Höch, Schnitt mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands (1919–1920)

Auf Platz neun finden wir eine weitere Frau, nämlich Hannah Höch, eine 1978 geborene deutsche dadaistische Künstlerin, die für ihre bahnbrechenden politischen Collagen und Fotomontagen bekannt ist, die durch die Verwendung und Kombination von Bildern und Texten aus den Massenmedien konstruiert wurden und deren Ziel es ist, eine Kulturkritik zu veranschaulichen, die sich sowohl an den Misserfolgen der Weimarer Republik als auch an den gesellschaftlich konstruierten Rollen der Frau richtet. Bemerkenswert ist, dass ihre Werke nicht nur die persönlichen Ansichten der Künstlerin zum Ausdruck bringen, sondern auch einer Ideologie Ausdruck verliehen, die von einem großen Teil des damaligen deutschen Volkes geteilt wurde und oft von jenem rebellischen und kritischen Geist beseelt war, der die Zeit zwischen den beiden Kriegen kennzeichnete und von vielen als Beginn einer neuen Ära wahrgenommen wurde, in der die Avantgarde die Rolle der Erklärung der Unzufriedenheit übernahm. Das zur Veranschaulichung meiner Rangfolge gewählte Meisterwerk „Mit dem Küchenmesser geschnittener Dada durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands“ repräsentiert die oben beschriebenen Stilmerkmale und Ideale der Künstlerin voll und ganz, denn Höchs berühmtestes Werk verfolgt mit ihren Synthesetechniken zur Zusammenführung von Zeitungsausschnitten die Absicht, die rassistischen und sexistischen Codes, die in der Weimarer Republik herrschten, in Frage zu stellen und das Experimentieren mit einer Kunstform deutlich zu machen, die zeigen kann, wie Kreativität selbst umfasst werden kann durch die Dynamik des Alltags des modernen Lebens.

John Stezaker (Porträt des Monographiecovers der Whitechapel Gallery)

8. John Stezaker (Porträt des Monographiecovers der Whitechapel Gallery)

Nachdem ich Platz acht erreicht habe, nutze ich diese Gelegenheit, um klarzustellen, wie ich beim Schreiben dieser Top 10 oft verzweifelt nach den Titeln der betreffenden Werke gesucht habe, so sehr, dass ich oft, da ich sie nicht finden konnte, in Klammern nur die Art des dargestellten Themas angegeben habe, was unbeabsichtigt das demonstrierte, was ich in der Einleitung erwartet hatte, nämlich die geringere Beliebtheit der Collage-Technik und den daraus resultierenden eingeschränkten Zugang zu verwandten Informationen. Nachdem ich dies geklärt habe, stelle ich kurz die Figur von John Stezaker vor, einem 1949 geborenen britischen Konzeptkünstler, der für seine surrealen Tonkreationen bekannt ist, die er oft mithilfe der Technik der Collage schafft und deren Motiv Bilder aus Postkarten, Filmstills und Werbefotografien sind. Hauptziel dieser Arbeitsweise war es, Kompositionen zum Leben zu erwecken, die in der Lage sind, glamouröse Porträts der 1950er-Jahre zu veranschaulichen, manchmal auch mit der Anwesenheit von Hollywood-Stars, die mit Landschaftsbildern vermischt wurden, deren beunruhigende Wirkung beispielsweise in der Collage beobachtet werden kann, die als Cover der Monographie der Whitechapel Gallery (2011) ausgewählt wurde, wo eine weibliche Figur auf Augenhöhe durch das Vorhandensein einer felsigen Verkürzung unterbrochen wird.

7. Eileen Agar, Precious Stones (1936)

„Precious Stones“, ein Werk der britischen Fotografin und Malerin Eileen Agar, fängt die Silhouette eines männlichen Gesichts im Profil ein, das auf ein weißes Blatt Papier geklebt erscheint, wo es wiederum durch die Anwesenheit eines dritten Mediums eingerahmt wird, wodurch ein roter Rand entsteht, der das Bild konturiert. Zurück zum Hauptthema: Die betreffende Figur wurde aus einem Buch mit Abbildungen einiger Edelsteine ausgeschnitten, deren präzise Rasteranordnung im Gegensatz zu den teilweise willkürlichen Umrissen des Bildnisses steht, ein Spiegelbild der surrealistischen Tendenzen der Künstlerin, die sich oft durch die Technik der Collage ausgedrückt hat. Abgesehen von den obigen Beschreibungen ist das Werk darüber hinaus auch deshalb relevant, weil es eines von Agars frühesten Werken darstellt, bei denen es darum ging, das Bild eines Kopfes und einer Büste im Profil einzubeziehen, ein Thema, das später für den Künstler immer wiederkehrend werden sollte. Auf jeden Fall ist es im konkreten Fall dieser Arbeit wichtig anzumerken, dass das männliche Gesicht teilweise dem Abbild von Eileens Ehemann nachempfunden war, nämlich Joseph Bard, der, keineswegs zufällig, tatsächlich ein begeisterter Edelsteinsammler war. Eine weitere Inspirationsquelle für die Umsetzung der Edelsteine waren schließlich sicherlich die antiken Münzen, deren Profilporträts heute wesentlich verspielter, naiver und fantasievoller wiedergegeben sind.

Mimmo Rotella, Euromsa, 1963. Décollage.

6. Mimmo Rotella, Pepsi (1979)

Ein Fragment einer Pepsi-Werbung aus den späten 1970er Jahren, das auf einen Träger geklebt oder vielleicht von ihm „abgerissen“ wurde, führt uns zum Kern des damaligen Nouveau Réalismus, einer zeitgenössischen Bewegung der amerikanischen Pop-Art, die oft als deren Übertragung nach Frankreich betrachtet wird und deren wichtigster italienischer Vertreter Mimmo Rotella selbst war. Letzterer konzentriert sich in seiner Arbeit genau auf die Erforschung der Decollage-Technik, die, wie der oben erwähnte künstlerische Ansatz, von Assemblagen und Ready-mades begleitet wurde, die aus bei Schrotthändlern gekauften Gegenständen wie Kronkorken, Seilen usw. hergestellt wurden. All dies erinnert an die alltäglichen Alltagsgegenstände der zeitgenössischen Pop-Art, obwohl der Künstler ab den frühen 1970er Jahren, wie im Fall von Pepsi, begann, eine zusätzliche Sichtweise zu entwickeln und begann, in Zeitschriftenwerbung einzugreifen unter Verwendung von Lösungsmitteln, um sie auf das Frottage-Stadium zu reduzieren oder zu löschen.

Richard Hamilton: Was macht die heutigen Häuser so anders und so attraktiv? , 1956. Collage, 26 cm × 24,8 cm. Kunsthalle Tübingen, Tübingen.

5. Richard Hamilton, Was genau macht die heutigen Häuser so anders und so attraktiv? (1956)

Bei Nummer fünf habe ich ein Symbol der Collage-Technik platziert: „Was macht die heutigen Häuser so anders und so attraktiv?“ wird von vielen Kritikern und Kunsthistorikern als das erste Pop-Werk der Geschichte angesehen! Dieses Meisterwerk entstand durch die Verbindung von Fotoausschnitten und Bildern aus der amerikanischen Presse, die ein bizarres Wohnambiente zum Leben erwecken, in dem viele Objekte und einige Charaktere angeordnet sind, unter denen sicherlich die Gesichtszüge des halbnackten Bodybuilders hervorstechen, das Ford-Logo auf einem Lampenschirm, die Figur eines auf einem Sofa liegenden Pin-ups, das Bild einer Hausfrau in der Ferne, ein an der Wand arrangierter Young Romanca-Comic usw. Wenn wir uns das, was wir beschreiben, in Farbe vorstellen, ist es wichtig zu wissen dass das Werk für den Katalog der Londoner Ausstellung This is Tomorrow entstand, ein Ereignis, für das es tatsächlich in Schwarzweiß bekannt gemacht wurde, so sehr, dass Hamilton später auch mehrere Versionen desselben Themas schuf, in denen er die Komposition überarbeitete.

Beeple, Everydays: the First 5000 Days , 2021. Digitale Kunst.

4. Beeple, Everydays: die ersten 5000 Tage (2021)

Position Nummer vier erzählt uns von der Fotomontage in ihrer durch den Einsatz von Computertechnologie realisierten Variante, einem Werkzeug, mit dem „Everydays: the First 5000 Days“ zum Leben erweckt wurde, einer digitalen Collage, die darauf abzielt, 5.000 Bilder mit wiederkehrenden Themen und Farbschemata gegenüberzustellen und ein ästhetisches Ganzes zu schaffen, das, in chronologischer Reihenfolge geordnet, die Präsenz abstrakter, fantastischer, grotesker und absurder Bilder offenbart, die geschickt neben aktuellen Ereignissen sowie Momenten des persönlichen Lebens platziert sind. Was gerade beschrieben wurde, interpretiert die tiefste Angst vor Technologie, Sehnsucht und Ressentiments gegenüber Reichtum sowie die politischen Unruhen in Amerika, die der Künstler als die größten Plagen der Gesellschaft erkannte. Schließlich ist es wichtig zu wissen, dass diese Collage in der Nähe des Podiums platziert wurde, da sie einen ikonischen Erfolg hatte, da ihr NFT im Jahr 2021 bei Christie's für 69,3 Millionen US-Dollar verkauft wurde und damit zum teuersten nicht fungiblen Token aller Zeiten wurde. Über den Schöpfer: Michael Joseph Winkelmann (geb. 1981), bekannt als Beeple, ist ein amerikanischer Digitalkünstler, Grafikdesigner und Animator, dessen Kunst verschiedene Medien nutzt, um komische und phantasmagorische Werke zu schaffen, die politische und soziale Kommentare verdeutlichen sollen, wobei er häufig Charaktere aus der Popkultur als Referenz verwendet.

Man Ray, Dora Maar , 1936.

3. Man Ray, Dora Maar (1936)

Es ist unmöglich, den Surrealisten Man Ray zu vergessen, insbesondere wenn das Thema seiner Collage aus dem Jahr 1936 genau Dora Maar ist, eine in Kroatien geborene französische Fotografin, Dichterin und Malerin, die, bekannt für ihre lange Beziehung zu Pablo Picasso, häufig von dem amerikanischen Fotografen verewigt wurde, der einst mit Weiblichkeit, Form und Mehrfachbelichtungen spielte. Gerade durch die letztgenannte Herangehensweise an das Thema entstand das Bild der oben erwähnten erfolgreichen Fotografin, die zunächst im Atelier von André Lothe als Malerin ausgebildet wurde und dann in den frühen 1930er Jahren unter dem Einfluss von Man Ray zu einer Liebhaberin des Objektivs wurde, die für ihre ungewöhnlichen und faszinierenden Techniken bekannt war, die es ihr ermöglichten, alternative künstlerische Wege wie Film-, Stadt- und Modefotografie zu erkunden. Pablo Picasso hingegen war von Maar als Modell so sehr beeindruckt, dass er, noch bevor er sie persönlich traf, darauf bestand, ein von Ray aufgenommenes Porträt von ihr aufzubewahren und sie später sogar selbst verewigen wollte, so dass sie zum Thema einiger seiner bekanntesten Meisterwerke wurde, darunter zum Beispiel: „Porträt der Dora Maar“ (1937) und „Die weinende Frau“ (1937). Leider offenbart uns das letztgenannte Werk jedoch die Zerbrechlichkeit der Frau, die als gequälte Figur dargestellt wird, die in der Lage ist, sich in die Personifikation der Trauer zu verwandeln. Trotzdem gab der spanische Künstler zu, dass es Doras Melancholie war, die ihm eine würdige Inspiration lieferte und in der Lage war, emotional starke Frauenfiguren zum Leben zu erwecken, manchmal sogar in Tränen dargestellt.

Georges Braque, Violine und Pfeife , 1913. Kreide, Kohle, Collage, Papier, 74 x 106. Paris: Centre Pompidou.

2. Georges Braque, Violine und Pfeife (1939)

In den frühen 1900er Jahren begannen Künstler wie Braque und Picasso, eine Methode namens Collage zu verwenden, um innovative Kunstwerke zu schaffen. Dies ist vor allem der Grund, warum einer der beiden westlichen Väter der betreffenden Kunsttechnik, nämlich Braque, mit seiner Violine und Pfeife von 1913 auf der zweithöchsten Stufe des Podiums steht, einem Werk, das Teil einer Reihe von Papiers Collés ist, in denen der französische Künstler die wechselseitige Lesart des Tisches und des Gemäldes selbst in den Vordergrund stellte. Dieser figurative Ansatz ist das Ergebnis der künstlerischen Untersuchung des Synthetischen Kubismus im Bereich des Stilllebens, das in diesem speziellen Fall aus Zeitungen, ausgeschnittenen und aufgeklebten bedruckten Tapeten, Kohle, Graphit und Pastell auf auf Karton montiertem Papier besteht, auf dem eine Geige und eine Pfeife, die in einer manchmal fast abstrakten Tonart interpretiert werden, zum Leben erwachen. Abgesehen vom Meisterwerk ist es erwähnenswert, wie Braque die Technik der Collage nutzte, um ein Bewusstsein für das Zusammenspiel von Form und Farbe auf malerischer Ebene zu entwickeln und damit ein Beispiel für andere Meister wie Jim Dine und Wayne Thiebaud zu sein.

Pablo Picasso, Gitarre und Weinglas , 1912. Collage, 47,9 × 37,5 cm. New York: MET.

1. Pablo Picasso, Stillleben mit Stoffstuhl (1912)

Der erste Platz geht an die älteste Collage in der Geschichte der westlichen Kunst: „Stillleben mit einem ausgestopften Stuhl“, ein Meisterwerk aus dem Jahr 1912, das darauf abzielt, die Oberfläche eines ovalen Tisches zu verewigen, bedeckt mit einem Leinwandausschnitt, in dem sich verschiedene Objekte befinden, die ebenfalls durch bildliche Eingriffe sowie die Verwendung von gewachster Leinwand, Papier und Seil auf Leinwand hergestellt wurden. Abgesehen von der Technik ist ein solches Werk auch deshalb wichtig, weil es die Weiterentwicklung des Prozesses der Bestätigung des synthetischen Kubismus markierte, der im Anschluss an die Analyse dazu führte, dass der Künstler seine Anstrengungen in der Pflege verschwendete, um eine Synthese von Ebenen zum Leben zu erwecken, indem er sie auf einer einzigen Ebene der Leinwand darstellte und die Bewegungen auf den einzelnen dargestellten Moment reduzierte. Um abschließend auf die Beschreibung des Werks zurückzukommen: In der oben genannten Collage offenbart sich dem Betrachter ein Seil als Gesims, während ein Schilfrohrfragment das Bild eines ausgestopften Stuhls vorschlägt, eines Motivs, neben dem der Künstler andere kaum angedeutete, manchmal fragmentierte Objekte platziert, als wolle er sie hervorrufen oder eine illusorische Darstellung von ihnen geben, anstatt sie zu beschreiben, indem er sich an das inzwischen überholte reale Datum hält.