Edward Hopper, Second Story Sunlight. 1960. Whitney Museum of American Art, New York.
Die Geschichte der amerikanischen Kunst in 6 Punkten
Bevor ich Ihnen die zehn berühmtesten Maler in der Geschichte der amerikanischen Kunst vorstelle, Ihnen kurze Einblicke in ihr Leben und Hinweise auf ihre stilistischen Besonderheiten gebe, möchte ich Sie mit dem Kontext vertraut machen, in den sie gehören: Amerika und seine künstlerische Tradition. Um dieses umfangreiche und herausfordernde Thema anzugehen, habe ich mich entschieden, „Schere und Kleber“ zu verwenden, das relevante Material hier und da auszuschneiden und einzufügen und nur die Schlüsselmomente hervorzuheben. Aus dieser Absicht ergibt sich ein Thema, das in 6 Punkten zusammengefasst ist, die es dennoch unbedingt zu beachten gilt:
- Tradition : Es ist wichtig zu bedenken, wie die künstlerische Tradition der USA tatsächlich aus den von indigenen Kulturen praktizierten Künsten herrührt.
- Die Europäer : Erst nach der Ankunft der Europäer entwickelte sich die ausgeprägt westliche Kunst, die wir heute kennen, und nahm zunächst in den Genres Porträt und Landschaft Gestalt an.
- 19. Jahrhundert : Im 19. Jahrhundert entstand eine zusammenhängende amerikanische Kunstbewegung, nämlich die Hudson River School.
- 20. Jahrhundert : Im 20. Jahrhundert zielte die amerikanische Kreativität nicht nur darauf ab, Europa nachzuahmen, sondern auch amerikanische städtische Zentren und ländliche Regionen hervorzuheben.
- Nach dem Zweiten Weltkrieg : Der Abstrakte Expressionismus der Nachkriegszeit ließ den Fokus der Kunst direkt auf den amerikanischen Kontext rücken. Von diesem Zeitpunkt an breitete sich der künstlerische Einfluss der USA weltweit weiter aus, insbesondere durch den weltweiten Erfolg des Minimalismus und der Pop Art.
- Heute : Die zeitgenössische Globalisierung macht es schwierig, Trends in der Kunst zu verstehen, die speziell und ausschließlich an einen bestimmten Kontext gebunden sind, und zwar in dem Maße, wie es einfacher ist, einzelne Persönlichkeiten auf der ganzen Welt zu identifizieren, deren Werk die Welt der Malerei in einer zunehmend vernetzten Welt wirklich beeinflusst hat.
Top 10
„Jetzt sind wir endlich bereit für die Top 10, also lasst uns eintauchen!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Öl auf Leinwand, 121,9×94 cm. Museum der Schönen Künste, National Portrait Gallery, Boston.
1. Gilbert Stuart (1755-1828)
Biografie : Gilbert Stuart war ein amerikanischer Maler, der vor allem für die Erstellung offizieller Porträts der ersten fünf US-Präsidenten sowie vieler anderer prominenter Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens seiner Zeit bekannt war.
Stil : Stuart spezialisierte sich auf Porträtmalerei in London, wo er Schüler von Benjamin West war, und entwickelte einen neoklassizistischen, idealisierten Stil. Er erfasste den Charakter und Status seiner Motive akribisch, indem er deren Haltung, Kleidung, Farben und Umgebung sorgfältig studierte.
Meisterwerk : Stuarts unbestrittenes Meisterwerk ist zweifellos „George Washington (The Athenaeum Portrait)“ (1796). Das Werk, das den Staatsmann Washington vor braunem Hintergrund darstellt, blieb bewusst unvollendet, da der Künstler es nicht den Auftraggebern, der Ehefrau des Dargestellten, überlassen wollte. Stuart wollte Kopien anfertigen, um den Ruhm des porträtierten Modells zu nutzen. Diese absichtliche Unvollständigkeit machte das Kunstwerk jedoch berühmt, da es anscheinend sorgfältig entworfen wurde, um das Gesicht des Präsidenten hervorzuheben, der als moralisches Modell angesehen wird, das Macht und Autorität ausstrahlt.
Mary Cassat, Kleines Mädchen im blauen Sessel, 1878. Öl auf Leinwand, Musée d'Orsay.
2.Mary Cassatt (1844-1926)
Biografie : Mary Cassatt war eine amerikanische Malerin, die eine bedeutende Zeit in Frankreich verbrachte, bei Degas studierte und bei den Impressionisten ausstellte.
Stil : Cassatts einzigartiger Stil kombinierte die typische impressionistische Pinselführung mit der Verwendung heller Farben, oft bereichert durch einen ständigen Einfluss traditioneller japanischer Kunst. Mit dieser Pinselführung stellte sie häufig Frauen dar, die im häuslichen Umfeld „gefangen“ waren, was möglicherweise auf die Dimension anspielte, in der sie als Frau oft eingesperrt war.
Meisterwerk : Eines der berühmtesten Werke des Künstlers ist zweifellos „Little Girl in Blue Armchair“ (1878), das ein junges Mädchen zeigt, das nur von einem kleinen Hund, vielleicht einem Yorkshire Terrier, begleitet wird, der es ihr nachahmt, indem er sich auf einem Stuhl in einem Innenraum entspannt. ähnelt möglicherweise einem Wohnzimmer. Diese Szene fängt die Unbeschwertheit und Entspannung der Jugend ein, als ob sie beim Betrachter Erinnerungen an die verlorene Kindheit wecken sollte. Dennoch könnte die Hervorhebung der Möbel auf dem Gemälde auch darauf hindeuten, dass sich das Motiv zuweilen von der Welt der Erwachsenen überwältigt fühlt.“
John Singer Sargent, Porträt von Madame X, 1884. Öl auf Leinwand, 2,35 m x 1,1 m. Metropolitan Museum of Art, Manhattan.
3. John Singer Sargent (1856-1925)
Biografie : John Singer Sargent, ein im Ausland lebender amerikanischer Künstler, gilt als einer der bedeutendsten Porträtisten des 19. Jahrhunderts. Auf seinen Reisen rund um die Welt fertigte er auch dokumentarische Gemälde an und fing ikonische Orte wie Venedig ein.
Stil : John Singer Sargent ist bekannt für seine unverwechselbaren impressionistischen Pinselstriche, die in konventionellen Kompositionen zum Leben erweckt werden. Seine Werke verewigten sowohl die Charaktereigenschaften seiner Porträtierten als auch die Landschaften, die er im Freien malte. Dies war das Ergebnis seiner geschickten Neuinterpretation der Lehren von Meistern wie Anthony Van Dyck und Diego Velázquez, bereichert durch impressionistische Nuancen.
Meisterwerk : Es ist unmöglich, „Portrait of Madame X“ (1884) nicht zu erwähnen! Das vielleicht berühmteste Werk des Meisters zeigt Virginie Amélie Avegno Gautreau, eine High-Society-Frau, die das Gemälde nicht selbst in Auftrag gegeben hat. Tatsächlich wählte der Künstler sie als Modell, um eine viel diskutierte Figur der Pariser Gesellschaft einzufangen. Der Klatsch war aufgrund bestimmter körperlicher und charakterlicher Eigenschaften der Dargestellten entstanden, deren verführerische Fähigkeiten, gepaart mit auffallender Anziehungskraft, auf dem Gemälde wunderschön dargestellt wurden und ihre alabasterfarbene Haut und ihr kühnes Dekolleté zur Schau stellten. Aufgrund dieser einzigartigen Eigenschaften fällt das Kunstwerk in das Genre der modernen Porträtmalerei, da es die tatsächliche Haltung des Motivs wirkungsvoll kommuniziert.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Öl auf Leinwand, 84 cm x 1,52 m. Schule des Art Institute of Chicago.
4. Edward Hopper (1882-1967)
Biografie : Wikipedia stellt zu Recht fest, dass Edward Hopper „einer der renommiertesten Künstler Amerikas war, dessen Einfluss auf Kunst und Populärkultur erheblich war.“ Er zeichnete sich als eine Figur des amerikanischen Realismus aus und lieferte ein authentisches Porträt der zeitgenössischen amerikanischen Gesellschaft, die von einem tiefen Gefühl der Einsamkeit geprägt ist.
Stil : Der Begriff „amerikanischer Realismus“ umfasst alle Künstler, die es vorzogen, die täglichen Aktivitäten gewöhnlicher Menschen darzustellen und einen getreuen Einblick in das wirkliche Leben zwischen der Mitte des 19. und dem frühen 20. Jahrhundert zu bieten. Hoppers Größe ging jedoch darüber hinaus; Er vertiefte sich in die dunklere Seite der menschlichen Erfahrung und enthüllte sie, indem er die Psychologie seiner Untertanen enthüllte. Infolgedessen wirkten die von ihm porträtierten Menschen, die von der Malaise der Zeit geplagt waren, oft isoliert und abgekoppelt von ihrer Umgebung, die häufig durch die Anwesenheit wiederkehrender, aufschlussreicher Lichter gekennzeichnet war.
Meisterwerk : Die obige Beschreibung dient als Interpretation eines der bekanntesten Werke des Meisters, „Nighthawks“ (1942), das spät in der Nacht in einem New Yorker Diner spielt, wenn die Straßen menschenleer sind und die wenigen Figuren versammelt sind Sie erliegen müde und fast stumm ihren Gedanken und werden sich ihrer ewigen Einsamkeit bewusst.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Öl, 73,7 cm × 45,7 cm.
5. Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Biografie : Georgia Totto O'Keeffe war ein amerikanischer Maler, dessen Werk, weitgehend unabhängig von künstlerischen Strömungen, besonderes Augenmerk auf die Darstellung natürlicher Formen legte. Sie porträtierte häufig Blumen und Landschaften, die sie teilweise persönlich besucht hatte.
Stil : O'Keeffe wird als „Mutter des amerikanischen Modernismus“ bezeichnet und richtete ihre künstlerische Forschung auf die Vermittlung von Emotionen, die oft in der Abstraktion der natürlichen Welt zum Ausdruck kamen, vor allem in Form von sehr detaillierten Nahaufnahmen verschiedener Blumenarten.
Meisterwerk : Eines der ikonischsten Werke der Künstlerin ist „Red Canna“ (1924), ein Gemälde, das deutlich ihre stilistische Einzigartigkeit demonstriert, obwohl es in diesem Fall auf eine Blume gerichtet ist, die häufig in ihrem Werk vorkommt: die Canna-Lilie. Während O'Keeffe ihr Interesse damit begründete, dass sie zeigen wollte, wie sie diese Pflanzen sah, interpretierten viele Kritiker sie als klare Anspielung auf die intime Darstellung der weiblichen Form, eine Sichtweise, die die Künstlerin später selbst erklärte, sie teile sie nicht.
Grant Wood, American Gothic, 1930. Öl auf Beaverboard, 78 cm × 65,3 cm. Art Institute of Chicago, Chicago.
6. Grant Wood (1891–1942)
Biografie : Grant DeVolson Wood war ein amerikanischer Maler, der für seine Verbindung zum Regionalismus bekannt war und vor allem für seine Gemälde bekannt war, die die ländlichen Gebiete des Mittleren Westens der USA darstellten. Besonders bekannt ist er durch die Entstehung des Werkes „American Gothic“ (1930).
Stil : Im Einklang mit der Regionalismus-Bewegung widmete Wood seine künstlerische Karriere der realistischen Darstellung der oben genannten ländlichen Motive und porträtierte sie als Zeugen harter Arbeit auf den Feldern. Dies wurde erreicht, indem zwei unterschiedliche Stile „zitiert“ wurden: die Klarheit der Kunst der nördlichen Renaissance und die organischen, geschwungenen Linien des Art-Déco-Designs. Zu den weiteren Merkmalen von Woods Werk gehört die Verwendung komplexer formaler Kompositionen und oft eigenartiger Perspektiven, die den Betrachter fesseln sollen. Hinter all dem steckte jedoch eine konkrete kritische Absicht, die darauf abzielte, die Übel der Zeit der Großen Depression aufzudecken.
Meisterwerk : Kehren wir zum bereits erwähnten „American Gothic“ zurück, einem Werk, das als eines der wesentlichen Symbole der amerikanischen Malerei des 20. Jahrhunderts gilt. Es fällt in die Gattung der Genreszenen und erinnert in diesem Fall an das Beispiel der flämischen Renaissance von Jan Van Eyck. Wood greift jedoch auf Letzteres zurück, um – vielleicht ironischerweise – ein Puritanerpaar darzustellen, das ein provinzielles, unbekanntes, isoliertes und rückständiges Amerika symbolisiert, weit entfernt von den populäreren und exportierten Bildern des „amerikanischen Traums“.
Jackson Pollock, Autumn Rhythm: Number 30, 1950. Emaille auf Leinwand, 266,7 × 525,8 cm. MET, New York.
7.Jackson Pollock (1912–1956)
Biografie : Der amerikanische Maler Paul Jackson Pollock war eine grundlegende Figur der Bewegung des Abstrakten Expressionismus und hinterließ mit seinem unverwechselbaren Einsatz der Tropfmaltechnik eine unauslöschliche Spur.
Stil : Es ist genau die oben erwähnte Tropftechnik, die der Künstler Ende der 1940er Jahre zu verwenden begann, die Pollocks Werk berühmt machte. Durch diese Technik ließ Pollock Farbe direkt aus einer Tube oder Farbdose auf eine auf dem Boden liegende Leinwand tropfen. Mit dieser Methode entstand einer der radikalsten abstrakten Stile in der Kunstgeschichte, der Linie und Farbe revolutionär trennte und Zeichnung, Malerei und Bildraum neu definierte. Um den Zusammenhang zwischen Technik und Instinkt aufzuzeigen, ist es erwähnenswert, dass Pollocks Tropfen dem natürlichen Impuls des physischen Akts des Malens entsprang und es dem fertigen Kunstwerk ermöglichte, die emotionale Kraft der Geste zu vermitteln.
Meisterwerk: „Herbstrhythmus: Nummer 30“ (1950)! Dieses Werk entstand durch das Vorhandensein einer linearen Struktur aus schwarzer Farbe, auf die zusätzliche Farbstreifen in verschiedenen Farben aufgetragen wurden, die dicke, dünne, helle, dunkle, gerade, geschwungene Linien und mehr bildeten. Wie der Titel vermuten lässt, weckt es die Atmosphäre des Herbstes, insbesondere durch erdige Töne.
Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963. Acryl, Ölfarbe, Magna, 1,7 m x 4 m. Tate Modern.
8.Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biografie : Roy Fox Lichtenstein war ein amerikanischer Künstler und eine prominente Figur der Pop-Art-Bewegung, die neben Künstlern wie Andy Warhol, Jasper Johns und James Rosenquist deren Stile und Themen tiefgreifend beeinflusste.
Stil : Roy Lichtenstein ist vor allem für seinen reifen Stil bekannt, den er ab den 1960er Jahren entwickelte, stark von der Welt der Comics inspiriert und durch die Verschmelzung von mechanischer Reproduktion und handgezeichneten Elementen verwirklicht. In diesem Zusammenhang kommt sein markantestes Stilmerkmal zum Vorschein: die Verwendung der ikonischen Ben-Day-Punkte, die zeigen, wie die Pop-Art bereit war, alle Aspekte der Ära zu filtern, von der Werbung über das Kino bis hin zu Comics.
Meisterwerk : „Whaam!“ (1963), ein Gemälde, das eine Comictafel reproduziert, auf der ein amerikanisches Kampfflugzeug ein feindliches Flugzeug mit einer Rakete abschießt. Im Einklang mit der einzigartigen Comic-Sprache wird das Kunstwerk durch eine Tafel bereichert, auf der explizit die Worte des siegreichen Piloten dargestellt werden, während der Klang der Explosion durch die Lautmalerei „WHAAM!“ vermittelt wird. Was hier beschrieben wird, ist jedoch nicht nur das Produkt von Lichtensteins Fantasie, denn das Meisterwerk von 1963 stellt eine künstlerische Adaption der Tafel des Comiczeichners Irv Novick aus dem Jahr 1962 dar, die in Ausgabe Nr. 89 von „All-American Men of War“ erschien. "
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962. Polyesterfolie, 51×41 cm. Museum für moderne Kunst, New York.
9.Andy Warhol (1928–1987)
Biografie : Andy Warhol ist der ultimative Pop-Meister, da er die Stile und Ideale der Bewegung nicht nur durch Malerei und Siebdruck, sondern auch durch Fotografie, Skulptur, Film und Musik zum Ausdruck brachte (er schuf ikonische Plattencover).
Stil : Warhols Werke, die sich in erster Linie mit der Beziehung zwischen künstlerischem Ausdruck, Werbung und Promi-Kultur befassen, behandeln diese Themen durch die Verwendung lebendiger Farben und zwanghaft wiederholter Themen. Sein Ziel war es, die Symbole einer Ära in zeitlose Ikonen zu verwandeln, vergleichbar mit ewigen Gottheiten, die von der Konsumgesellschaft ausgewählt wurden.
Meisterwerk : „Campbell's Soup Cans“ (1962), eine Installation bestehend aus 32 Gemälden, die die gleichnamigen Campbell's Suppendosen darstellen. Der Künstler konzipierte es, um die industrielle Serialität von Supermarktprodukten zu dokumentieren, und zwar in dem Maße, dass die Anordnung dieser Motive speziell darauf ausgelegt war, deren Präsentation in Regalen nachzubilden. Die oben erwähnte Serialität ist nicht nur im Thema des Meisterwerks präsent, sondern auch in seiner Ausführung, da „Campbell's Soup Cans“ mithilfe einer halbmechanisierten Siebdrucktechnik erstellt wurde, was das Konzept der Reproduzierbarkeit von Kunstwerken hervorhebt.
Basquiat, Ohne Titel, 1982. Acryl, Sprühfarbe und Ölstift auf Leinwand, 183,2 cm × 173 cm.
10.Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biografie : Jean-Michel Basquiat war ein amerikanischer Künstler, der als Graffiti-Künstler begann und später zu einer der prominenten Figuren des Neoexpressionismus wurde, einer Bewegung, durch die er die Sprache der Graffiti von U-Bahnen in Kunstgalerien brachte. Warum wird Basquiat oft mit Andy Warhol in Verbindung gebracht? Es ist wichtig zu betonen, dass es seine Begegnung mit Letzterem war, die dem jüngeren Künstler die Türen renommierter New Yorker Galerien öffnete!
Stil : Basquiats Kunst stellt die Begegnung zweier unterschiedlicher Welten dar: die des Pinsels und damit der Malerei im traditionelleren Sinne und die der Spraydose, einem Sprecher der unverwechselbaren Sprache des Graffiti, die sich hauptsächlich in stilisierten Zeichnungen und Schriften manifestiert. Diese Kombination erzeugt einen ausdrucksstarken Stil, manchmal teilweise abstrakt, reich an Bezügen zur Kultur der Zeit des Künstlers sowie expliziten Verurteilungen von Rassismus und sozialer Ungleichheit. Die Reichen und die Armen, die Schwarzen und die Weißen, aber auch die ständige Erkundung, die den Künstler dazu veranlasste, seine innere Welt der äußeren gegenüberzustellen, was zu seiner Affinität zum Expressionismus führte, der sich stark für die menschliche Figur und die Übel ihrer Existenz interessierte.
Meisterwerk : Die oben genannten Aspekte finden sich in „Untitled (Basquiat Skull Painting)“ (1982), einem Gemälde mit der Darstellung eines Schädels, das in seinem Thema einem nur ein Jahr zuvor von Basquiat geschaffenen Werk ähnelt, ich beziehe mich auf „Untitled (skull )“ (1981). Beide geben uns eine Vorstellung davon, was unter unserer Haut liegt, und scheinen in der Lage zu sein, die inneren und äußeren Aspekte des Lebens zu vermitteln und sie auf der Leinwand koexistieren zu lassen.
Olimpia Gaia Martinelli