Pierre-Auguste Renoir, Mittagessen der Bootspartei, 1880-1881. Öl auf Leinwand, 129,9 cm × 172,7 cm. Die Phillips Collection, Washington, D.C.
Impressionismus auf den Punkt gebracht
Wie entstand der Impressionismus? Wie alles begann es mit einer Idee! Die betreffenden Künstler beschlossen, die sie umgebende Realität auf sehr einfache Weise darzustellen und ließen dabei die komplexeren und ausgetretenen historischen und mythologischen Themen beiseite, Themen, die oft mit einem gewissen Streben nach Perfektion in der visuellen und damit exekutiven Erscheinung verbunden waren . Nun kam es darauf an, wie der Name der um 1860 in Frankreich geborenen künstlerischen Bewegung andeutet, auf die Wiedergabe des Eindrucks, also darauf, wie eine Landschaft, aber auch ein Gegenstand und eine Person dem Auge in einer begrenzten Zeitspanne erschien. Um diesen Zweck zu verwirklichen, änderte sich die Art und Weise, wie die Farbe auf den Träger aufgetragen wurde, drastisch: Die Pinselstriche waren jetzt leichter, freier und die Farben gedämpfter, was aus der ausschließlichen Ausführung im Freien entstand. Bei der Beobachtung im Freien wurde deutlich, dass sich das, was das Auge wahrnahm, tatsächlich von dem unterschied, was das Gehirn verstand, sodass man sich durch die Erfassung der optischen Effekte des Augenblicks endgültig von idealisierten Formen und perfekter Symmetrie entfernte und der Welt, wie sie tatsächlich gesehen wurde, eine Stimme gab durch unseren Blick. Tatsächlich wurde auch die dreidimensionale Perspektive zum Schweigen gebracht, eine technische Tatsache, die dazu führte, dass der Impressionismus aufhörte, die wichtigsten Elemente einer Komposition von denen mit geringerer Bedeutung zu unterscheiden. All diese Merkmale mündeten in Kritiken an der akademischen Tradition der Zeit, die jedoch den Vormarsch der modernen Kunst sowie der gesamten mit der Avantgarde verbundenen Philosophie nicht mehr aufhalten konnten.
Édouard Manet, Luncheon on the Grass, 1863. Öl auf Leinwand, 208×264 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Édouard Manet: Mittagessen im Gras (1863)
Das Werk von Édouard Manet, einem französischen Maler, der die Kluft zwischen Realismus und Impressionismus überbrückt, wurde von seinem zeitgenössischen Publikum heftig kritisiert, das ziemlich desorientiert war, Einblicke in das wirkliche Leben auf der Leinwand zu sehen, in denen manchmal sogar Menschen auf der Leinwand zu sehen waren Randgruppen der Gesellschaft nahmen Gestalt an und wurden auf die gleiche Weise behandelt wie Charaktere aus traditionelleren historischen und mythologischen Werken. Hinzu kam das Misstrauen gegenüber seinem eigentümlichen Stil, der in Anlehnung an den Impressionismus sowohl Hell-Dunkel als auch Schattierungen vermissen ließ, da er Farbflecken gegenüberstellte, die nur aus der richtigen Entfernung betrachtet die vom Künstler ersehnten Formen erzeugten. Um schließlich über den Meister zu sprechen, den viele als Vater des Impressionismus anerkennen, habe ich mich für die Beschreibung von Luncheon on the Grass entschieden, einem Meisterwerk aus dem Jahr 1863, das das Publikum des Salon des Refusés zutiefst empörte, da es nicht nur eine sitzende nackte Frau flankierte von zwei gekleideten Männern, sondern auch eine zusammenfassende Maltechnik, was die Beschreibung von Formen und Hintergründen betrifft. Darüber hinaus wurde die Raumtiefe auf innovative Weise wiedergegeben, ohne auf die traditionelle Perspektive zurückzugreifen, sondern durch Andeutungen aus nebeneinander liegenden Punkten unterschiedlicher Farbe. Gerade das, was in diesem Werk dargestellt wird, würde den Weg für das ebnen, was wir in dieser Top 10 sehen werden: die bedeutendsten Meisterwerke des Impressionismus!
Claude Monet, Impression, Sonnenaufgang, 1874. Öl auf Leinwand, 48 cm × 63 cm. Musée Marmottan Monet, Paris.
Claude Monet: Impression, Sonnenaufgang (1874)
Hier ist ein weiteres Meisterwerk, das nicht nur Malerei, sondern auch eine greifbare Geschichte der impressionistischen Bewegung ist, denn Impression, Sunrise wurde 1874 im ehemaligen Atelier des Fotografen Nadar ausgestellt und deutete mit seinem Titel den Namen der gesamten künstlerischen Bewegung an. Das fragliche Gemälde, das im Freien geschaffen wurde, um das einzufangen, was der Meister aus dem Fenster seines Hotelzimmers in Le Havre sah, gibt den morgendlichen Blick auf den Hafen wieder, wobei das Meer von einigen Booten durchquert wird und der Horizont das industrielle Leben des Hafens zeigt städtischen Kontext. Was beschrieben wird, weist bereits alle Merkmale auf, die dem reiferen Impressionismus am Herzen liegen, und zwar so sehr, dass die Ansicht durch aneinandergereihte, schnelle und freie Pinselstriche wiedergegeben wird, die bereit sind, alle Elemente der Komposition zu formen. Tatsächlich können wir nur durch die Betrachtung des Ganzen die Natur der verewigten Subjekte vollständig verstehen, die, wenn man sie einzeln betrachtet, fast ihre Identität verlieren. Dies lässt uns die wahren Absichten des Künstlers verstehen, die nicht mehr darin bestanden, eine naturalistische Szene zu schaffen, sondern sie durch Umwelteinflüsse hervorzurufen. Abschließend ist es gut, ein Geheimnis zu lüften: Was hat es Monet praktisch ermöglicht, das oben genannte Meisterwerk zu schaffen? Es muss also aufgezeigt werden, wie die Praxis der Außenmalerei, typisch impressionistisch, durch die Erfindung von John Rand im Jahr 1841 ermöglicht wurde, der Metalltuben zur Konservierung von Ölfarben herstellte, die von diesem Moment an leicht überall hin transportiert werden konnten!
Edgar Degas, Die Tanzklasse, 1873-1876. Ölfarbe auf Leinwand, 83,5 x 77,2 Zentimeter. Metropolitan Museum of Art, New York City.
Edgar Degas: Die Tanzklasse (1873-1876)
Bevor auf das vorliegende Meisterwerk eingegangen wird, ist es wichtig, die Identität des Malers zu klären, der, zunächst näher am Realismus, sich ab den 1870er Jahren im Impressionismus den Themen des modernen Lebens näherte, obwohl er sich stets von der Freilichtmalerei und dem Verzicht auf Konturen fernhielt Linien. Nachdem wir nun geklärt haben, was den französischen Meister zu einem atypischen Impressionisten macht, können wir mit der Beschreibung eines seiner berühmtesten Gemälde fortfahren: Die Tanzklasse. Auch wenn es im Atelier entstanden ist, wirkt es, als wäre es in einem Zug entstanden, um das Tanzfoyer der Pariser Opéra zu verewigen, zu dem der Künstler durch die Fürsprache seines Freundes, des Orchesterdirigenten, Zutritt erhalten konnte. Von diesem privilegierten Ort aus fing der Maler eine junge Ballerina ein, die unter den wachsamen Augen des berühmten Choreografen Jules Perrot Schritte übte. Die anderen Mädchen in Tutus nutzen die Pause, um sich auszuruhen, vielleicht ruhig zu plaudern und ihre Kleidung anzupassen. Alles wirkt äußerst spontan und natürlich, weil Degas dem Alltagsleben neue Bedeutung beimisst und ihn manchmal mit einer fast obsessiven Aufmerksamkeit reproduziert, immer bereit, Einstellungen und Verhaltensweisen auf die authentischste Art und Weise zu synthetisieren, wie man sie in bestimmten Situationen empfindet.
Pierre-Auguste Renoir, Mittagessen der Bootspartei, 1880-1881. Öl auf Leinwand, 129,9 cm × 172,7 cm. Die Phillips Collection, Washington, D.C.
Pierre-Auguste Renoir: Mittagessen der Bootsfahrtgesellschaft (1880-1881)
Wie Monet ist Renoir ein wahrer Impressionist, der Autor eines der berühmtesten Meisterwerke der künstlerischen Bewegung, die uns interessiert, nämlich: Luncheon of the Boating Party, ein Gemälde aus der Zeit um 1880, auf dem er Freunde und Bekannte unter fast meisterhafter Regie darstellt wie auf einem Filmset. All dies ergibt eine Szene, in der sich Ruderer und andere Figuren unter einer Markise um einen Tisch versammeln, auf dem angedeutet wird, dass gerade eine Mahlzeit eingenommen wurde. Die Probanden denken nun darüber nach, sich zu unterhalten und die Atmosphäre eines warmen Nachmittags auf der Seine zu genießen, einem Fluss, der, wie oben links zu sehen ist, buchstäblich seinen Weg durch die Pflanzen bahnt und von einigen Booten überquert wird. Am meisten hervorgehoben sind jedoch, da sie im Vordergrund stehen, ein Mädchen, das mit einem kleinen Hund spielt und von einem Ruderer beobachtet wird, und ein weiterer Ruderer, der links an der Balustrade lehnt. Darüber hinaus sitzen, immer in der Nähe des Betrachters, auch zwei junge Menschen am Tisch, die den lauteren Gestalten im Hintergrund den Rücken zuwenden. Auch hier besteht die Textur des Gemäldes aus breiten materiellen Pinselstrichen, die bereit sind, die Umrisse der Formen zu verwischen, deren Details angedeutet, aber nicht beschrieben werden.
Edgar Degas, L'Absinthe, 1875-1876. Öl auf Leinwand, 92×68 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Edgar Degas: L'Absinthe (1875-1876)
Hier ist Degas, ja, er schon wieder! Schließlich war es unmöglich, seine Absinthtrinker nicht in die Rangliste aufzunehmen, ein Werk, das nicht nur eine traurige Realität der Zeit dokumentierte, sondern auch von Émile Zolas Roman „L'Assommoir“ inspiriert war, von dem der Maler einige Vorschauen sah . Tatsächlich gestand der Schriftsteller dem Künstler, wie er über die erniedrigte Lage des Pariser Proletariats gesprochen hatte, die in dem Meisterwerk durch zwei Freunde von Degas gut verkörpert wurde. Als das Gemälde jedoch fertiggestellt war, beschwerten sich diese beiden Personen darüber, dass es ihrem Ruf schaden könnte, und so beschloss der Maler, öffentlich zu erklären, dass die beiden Figuren keine wirklichen Alkoholiker seien. In der Arbeit sitzen die beiden Gäste jedoch an Cafétischen, auf denen alkoholische Getränke abgestellt sind, auch wenn die Dargestellten sie fast dort stehen zu lassen scheinen, vielleicht weil sie, bereits betrunken, von tieferen Gedanken, von Projektionen erfasst zu sein scheinen ihre Blicke direkt ins Leere. Wie wäre es heute Abend mit einem Cocktail?
Claude Monet, Seerosenteich, Pink Harmony, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Claude Monet: Seerosenteich, Rosa Harmonie (1900)
Es war unmöglich, nicht noch einmal auf den beliebtesten Impressionisten zu verweisen, zweifellos auf Claude Monet, den Autor des berühmten Seerosenteichs „Pink Harmony“ aus dem Jahr 1900. In diesem Werk erscheint vor dem Betrachter die imposante Figur einer Bogenbrücke. bereit, einen Seerosenteich zu überqueren. Die gesamte Szene wird von den Sonnenstrahlen beleuchtet, die sorgfältig jedes Blatt durchdringen, während die Blumen ihre vorherrschende Farbe offenbaren: Rosa! Im Vordergrund finden wir das Ufer, das durch eine dichte und hohe Vegetation gekennzeichnet ist, die an einigen Stellen mit den herabhängenden Blättern der Weidenbäume verschmilzt. Wieder einmal ist davon die Rede, dass das Licht durchdringt und Schatten- und Lichtbereiche erzeugt, die bereit sind, einen reichen Farbwechsel zu erzeugen, der sich über das Wasser und die Ufer erstreckt. Wo ist das Thema von Monets Landschaft? In Giverny, in der Residenz des Künstlers, wo er sich persönlich um die verschiedenen Pflanzen im Garten kümmerte, die er in ein grünes Theater verwandeln wollte, immer bereit, Gegenstand seiner Kunst zu werden, wo er auch die oben erwähnten Japaner hatte -Stil-Brücke gebaut.
Gustave Caillebotte, Pariser Straße; Regentag, 1877. Öl auf Leinwand, 212,2 cm × 276,2 cm. Das Kunstinstitut von Chicago, USA.
Gustave Caillebotte: Pariser Straße; Regentag (1877)
Gustave Caillebottes Pariser Straße; Rainy Day erzählt und dokumentiert die Umstrukturierung der französischen Hauptstadt, die Ende des 19. Jahrhunderts nach dem Projekt von Georges-Eugène Haussmann stattfand und sich in der Darstellung einer großen Kreuzung in der Nähe des Bahnhofs Saint-Lazare manifestieren sollte. die ein älteres hügeliges Gebiet mit engen, verwinkelten Gassen und heruntergekommenen Gebäuden ersetzte. Dieses neue Gesicht von Paris wird von den Hauptthemen der Arbeit durchzogen: ein paar Passanten, die Arm in Arm gehen, sich unter einem Regenschirm vor dem Regen schützen und sich mit einem anderen Passanten kreuzen, der einen Platz neben der Fassade eines Gebäudes findet das Recht. Auf der linken Seite gehen andere Menschen, ebenfalls mit Regenschirmen ausgestattet, und meiden nach und nach einige Kutschen, die ihren Grund darin finden, dass sie unter großen Gebäuden stehen, die wahrscheinlich darauf warten, sich in den vielfältigen Reflexionen zu spiegeln, die der nasse Steinpflasterbelag erzeugt. Sicherlich nehmen diese Letzteren die Farbe des bewölkten Himmels an, dessen Horizont von der Anwesenheit eines größeren Eckgebäudes dominiert wird, das isoliert in der Mitte der Szene erscheint. Abschließend ist sicherlich noch ein weiterer, aber stiller Protagonist des Gemäldes erwähnenswert: Ich spreche von dem grünen Laternenpfahl, der schweigend hinter den Figuren der beiden Hauptthemen steht.
Mary Cassatt, The Boating Party, 1893. Öl auf Leinwand, 90 cm × 117,3 cm. National Gallery of Art, Washington, D.C.
Mary Cassatt: Die Bootsparty (1893)
Können wir über den Impressionismus sprechen, ohne seine berühmtesten Frauen zu feiern? Ich würde sagen, absolut nicht, deshalb beeile ich mich, Mary Cassatt zu erwähnen, eine amerikanische Malerin und Grafikerin, geboren 1844, die Autorin von The Boating Party. Dieses in Antibes (Côte d'Azur, Frankreich) geschaffene Meisterwerk zeigt eine Frau, ein Kind und einen Mann auf einem Segelboot ohne Mast, aber mit einem kanuähnlichen Rumpf und drei Sitzen, eine Umgebung, die mit gelber Farbe wiedergegeben wurde. das sich vom dunkleren und breiteren Blau des Meeres abhebt. Tatsächlich nutzt Cassatt sowohl kräftige als auch schattigere Farben, um Kontraste zu erzeugen, die im Vergleich zwischen dem leuchtenden Boot und der blauen Figur des Ruderers ihren Höhepunkt erreichen. Trotz der Behandlung der Farben, die darauf abzielt, sich an den üblichen Stil des Künstlers anzupassen, unterscheidet sich das Thema des Werks, das zwar das vertraute von Mutter und Kind einbezieht, aber im ungewöhnlichen Raum des Bootes auch den Mann einbezieht Figur, die vom Maler oft übersehen wird. Auf jeden Fall scheinen die Rollen innerhalb des Meisterwerks so fest verankert zu sein, dass sich der Mann ausschließlich auf die Arbeit (jetzt Rudern) konzentriert und die Frau ständig auf das Kind aufpasst. Dieser Interpretation folgt die Idee, das Ruder als Trennlinie zwischen der männlichen und weiblichen Welt zu sehen, wobei die zweite davon vom Künstler unauflöslich mit Natur, Kreativität und Erneuerung in Verbindung gebracht wird, Bereichen, in denen die Bedeutung der Rolle der Mutter innerhalb der Gesellschaft hervorgehoben wird ist unbestritten.
Berthe Morisot, Die Wiege, 1872. Öl auf Leinwand, 56 cm × 46 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Berthe Morisot: Die Wiege (1872)
Berthe Morisot war eine französische Malerin des Impressionismus, bekannt als eine der Begründerinnen dieser Bewegung und als Schöpferin zahlreicher Meisterwerke der Kunstgeschichte, wie etwa „Die Wiege“. Dieses Gemälde aus dem Jahr 1872, das zwei Jahre später auf der ersten Impressionistenausstellung ausgestellt wurde, zeigt eine junge Frau im Profil, die neben einer Wiege sitzt, in der ein Baby schläft. Die Mutter ist nicht nur ein Model, sondern eine der beiden Schwestern des Künstlers, Edma, die mit Berthes Nichte, der kleinen Blanche, verewigt wurde. Dieses Doppelporträt wurde konzipiert, um sich bewusst mit dem Thema Mutterschaft auseinanderzusetzen, einem der Lieblingsthemen des Malers, der gerne intime Szenen darstellte, die immer das bestehende Band der Liebe, insbesondere zwischen Müttern und Töchtern, offenbaren. Um diese ewige Verbindung deutlich zu machen, sind es auch die kleinen Details in der Komposition, wie die Gesichter der beiden Protagonisten, die durch eine kompositorische Diagonale verbunden sind, sowie die Geste der Mutter, das Kleine sowohl mit ihrem Blick als auch mit einem Schleier zu schützen und schließlich die Tatsache, dass beide Probanden ihre Arme angewinkelt haben.
Claude Monet: Frau mit Sonnenschirm – Madame Monet und ihr Sohn, 1875. Ölleinwand, 100 cm × 81 cm. National Gallery of Art, Washington, D.C.
Claude Monet: Frau mit Sonnenschirm – Madame Monet und ihr Sohn (1875)
Hilfe, ich kann nicht aufhören, Monet zu erwähnen, aber würden Sie es andererseits wagen, nicht übermäßig über ihn zu sprechen, während Sie über die berühmtesten Meisterwerke des Impressionismus sprechen? Persönlich habe ich beschlossen, mein Ranking mit einem der bekanntesten Gemälde des berühmtesten Impressionisten abzuschließen: Frau mit Sonnenschirm – Madame Monet und ihr Sohn (1875)! Dieses Werk wird zusammen mit seinem „Gegenstück“ Frau mit Sonnenschirm – Madame Monet und ihr Sohn – im Musée d'Orsay aufbewahrt und zeichnet sich durch das Thema aus, das es behandelt. Tatsächlich war der französische Maler für seine Landschaften bekannt, die sicherlich mehr Vorrang hatten als die Verherrlichung der menschlichen Figur, die in diesem Fall die Gestalt von Suzanne Hoschedé annimmt, der Frau des amerikanischen Impressionisten Theodore Earl Butler. Das Interesse an diesem speziellen Thema entstand in einem bestimmten Kontext: Der Meister beobachtete Suzanne, wie sie einen Hügel auf der Île aux Orties bestieg, einen Ort und eine Situation, in der sich interessante Lichtspiele auf dem Kleid des Mädchens reproduzierten. Genau aus dieser Vision entstand ein Gemälde, das eine Figur in typischer bürgerlicher Kleidung der Zeit zeigt, die mit einem Regenschirm Schatten vor der Sonne sucht, während sie in eine idyllische Landschaft eintaucht, in der die Natur üppig erscheint. Schließlich macht der Künstler es noch spezieller, indem er ihm eine besondere Monumentalität verleiht, die durch eine niedrige Perspektive erreicht wird und bereit ist, das Bild von Hoschedé hervorzuheben, deren nur „umrissenes“ Gesicht im Schatten liegt, genau wie der Großteil ihres Körpers hinterrücks.
Olimpia Gaia Martinelli