Name: ARTMAJEUR
Brand: ARTMAJEUR
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AN DER BALLETTSCHULE II (2022) Gemälde von Serghei Ghetiu.

Aus dem zwanghaften Studium der Kunstgeschichte, dem Verschlingen von Büchern, Online-Artikeln, Handbüchern, Abhandlungen etc., stelle ich mir die Frage nach dem „Jahrhundert“: Ist es möglich, über Degas zu sprechen, ohne sich mit dem Vieldiskutierten und Illustrierten aufzuhalten? Ballerinas? Wahrscheinlich nicht, da sie wieder einmal ihren Platz in der Erzählung gefunden haben, die, wenn auch nur am Rande, ihre ikonische Wiederkehr und Wiedererkennbarkeit hervorhebt und sie erneut als unbestreitbares Manifest der Arbeit des französischen Künstlers präsentiert. Nichtsdestotrotz habe ich versucht, auf weniger „ausgenutzte“ Themen einzugehen, die ich in einen prägnanten kunsthistorischen Kontext stellen wollte, um ihre Entwicklung im Laufe der Jahrhunderte zu veranschaulichen. Um mein Ziel zu verfolgen, habe ich mir zunächst das "weniger populäre" Gemälde mit dem Titel The Bellelli Family (1858 - 1860) genauer angesehen, ein Werk, das, in Florenz konzipiert, aber in Paris fertiggestellt, Laurie de Gas verewigt, das ist die Tante väterlicherseits des Künstlers, die die Gelegenheit hatte, den Maler während seiner prägenden Italienreise zu beherbergen. Tatsächlich lebte gerade die letztere Frau in der oben erwähnten toskanischen Hauptstadt, einem Ort, an dem sie mit Gennaro Bellelli verheiratet war, einem Mann, von dem sie zwei Töchter hatte, Giovanna und Giulia. Apropos Meisterwerk: In einem mit Nüchternheit und Eleganz eingerichteten Raum, in dem das sanguinische Porträt von Lauries Großvater väterlicherseits an der Wand auffällt, sehen wir die gesamte Familie Bellelli mit einer solchen Natürlichkeit und Sorglosigkeit posieren, dass sie sich dessen fast nicht bewusst zu sein scheinen Werk des Künstlers. Diese Komposition ist jedoch nicht vollständig kausal, da sie vom Maler geschickt studiert wurde, um bestimmte, gelinde gesagt grundlegende psychologische Merkmale der Charaktere wiederzugeben. Laurie scheint mit ihrer von ihrem Ehemann abgewandten Haltung und ihrem Dreiviertelblick all ihre Enttäuschung über das Eheleben zu manifestieren, eine Unzufriedenheit, die von ihrem Ehemann bestätigt wird, der sogar mit dem Rücken von der Familie dasitzt. Was die Töchter betrifft, scheinen sie jedoch distanziert und entfremdet inmitten der widersprüchlichen Dynamik zu sein, die von ihren Eltern manifestiert wird. Ein solches Interesse an der inneren Welt, das darauf abzielt, die Bildnisse zu beleben, findet sein Gegenstück in der höheren und früheren Tradition der Familienporträts in einem Innenraum, die zu dieser Zeit durch Goyas frühere Arbeiten gut veranschaulicht wurden und in dem bekannten Gemälde Die Familie zusammengefasst sind von Charles IV, Öl auf Leinwand von etwa 1801, in dem der spanische Meister die Mitglieder des spanischen Hofes mit einem groben und realistischen Schnitt porträtierte, das heißt, ohne ihre Physiognomien zu idealisieren, die stattdessen durch eine klare psychologische Charakterisierung angereichert wurden, die darauf abzielte " verformt" die Gesichter zu "grotesken" Ausdrücken. In diesem Zusammenhang ist darauf hinzuweisen, dass selbst das ältere Fresko Familie und Hof von Ludovico Gonzaga, ein zwischen 1465 und 1474 datierbares Fresko von Andrea Mantegna, andere stehende oder sitzende Figuren darstellt, die sich, ohne Intimität zwischen ihnen, distanzieren Eine größere emotionale Beteiligung findet sich in Michelangelos Tondo doni (um 1506) und später in Leonetto Cappiellos The Cappiello Family (1909) oder Egon Schieles The Family (1918).

SPACO DEGAS DANCE (2022) Gemälde von Spaco.

Edgar Degas, Die Familie Bellelli , 1858-67. Öl auf Leinwand, 200 x 250. Paris, Musée d'Orsay.

Ein anderes, leider unglückliches Thema ergibt sich jedoch aus einer Analyse von The Rape (ca. 1868), einem Öl auf Leinwand, in dem Degas eine Frau in Petticoats zeigt, die, auf einem Stuhl sitzend und über sich gebeugt, eine Haltung einzunehmen scheint von Hilflosigkeit, Demütigung und Zerbrechlichkeit, verstärkt durch die unsichere Präsenz eines Mannes, der sie mit einem kalten, rohen Blick beobachtet, während sie ihre Hände in den Hosentaschen und ihre Beine gespreizt hält. Tatsächlich stellt dieses Meisterwerk, das ursprünglich vom Künstler den Titel The Interior trug, eine Zusammenfassung der Beziehung dar, die der französische Meister mit dem Studium des Nachtlichts geschmiedet hat, das er durch die Erhebung des schwachen Lichts der Dämmerung, Kerzen oder Lampen eingefangen hat . Um stattdessen auf das blutigere Thema zurückzukommen, nämlich dass apropos Gewalt gegen Frauen, ein sorgfältiges Studium der Kunstgeschichte die Wiederkehr solch brutaler Themen offenbart, die in den frühesten Gemälden von Tizians Wunder des eifersüchtigen Ehemanns (1511), Correggios Danae ( um 1501) und Tintorettos Susanna und die alten Männer (um 1557). In Bezug auf dieses letzte Öl auf Leinwand wollte der venezianische Meister darin eine der Hauptfiguren des Buches Daniel verewigen, nämlich Susanna, die sich völlig nackt im Garten ihres Mannes zum Baden vorbereitet, während sie einen Moment des Betrachtens verweilt sich im Spiegel. Zu dieser trägen Figur kommen die zwei lüsternen alten Männer hinzu, von denen einer seine Augen nicht von der Wasseroberfläche am Ende des Körpers der Jungfrau abwenden kann, auf der sich höchstwahrscheinlich der intimste Teil ihrer Körperlichkeit befindet reflektiert werden. So erzählt die biblische Geschichte, wie sich diese Wächter absichtlich im Garten ihres Mannes versteckten, um die Frau zu erpressen: Entweder wird sie zustimmen, zu tun, was sie wollen, oder sie werden sagen, dass sie sie mit einem Liebhaber entdeckt haben. Die Episode, die im Danielbuch fortgesetzt wird, führt uns in die Geschichte der zeitgenössischen Kunst, die auch nicht davor zurückgeschreckt ist, den Missbrauch von Frauen durch das männliche Geschlecht anzuprangern. Beispiele für das eben Gesagte sind unter vielen Arbeiten Valier Exports Tap and touch cinema (1968-1971), Nan a month after being battered (1984) by Nan Goldin und Yoko Onos Cut piece (1964).

FRAU IN DER WANNE (2022) Gemälde von Isabel Mahe.

Edgar Degas, Frau, die ihr Haar kämmt, 1887-90. Pastell auf Papier auf Karton aufgezogen, 82 x 57 cm. Paris: Musée d’Orsay.

Das letzte angesprochene Thema wird jedoch in einer sich wiederholenden, intimen und alltäglichen weiblichen Geste zusammengefasst, wie zum Beispiel dem Kämmen der Haare, das die Hauptfigur von Degas 'Meisterwerk mit dem Titel Woman Combing Her Hair ist, dh ein bekanntes Pastell von um 1887, dessen ikonischster Vorläufer die verwandte Figur ist, die von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle verewigt wurde, genau diejenige, die in der Lünette mit Aminadab (1511-12) gemalt wurde. Der Protagonist des fraglichen Freskenzyklus findet sich im Stammbaum Christi, der, popularisiert durch das Matthäus-Evangelium, Aminadab, Fürst der Leviten, in Begleitung seiner Frau darstellen soll. Anstelle der klassischeren Gemälde von Degas werden sie durch Vergleich mit den zeitgenössischeren Remakes analysiert, die von einigen Künstlern von Artmajeur angefertigt wurden, wie zum Beispiel: Jean Mirre, Angelika Poels und Tatiana Le Metayer.

ABSINTH NACH DEGAS (2022) Gemälde von Jean Mirre.

Jean Mirre: Absinth nach Degas

Die schnellen Pinselstriche, die die Farbfelder so vieler impressionistischer Meisterwerke ausmachen, scheinen hier zusammenzukommen und nehmen die Form einer Vielzahl von "Kratzern" aus Tinte an, die parallel und senkrecht über eine Fläche Ölfarbe geschichtet sind . Mit diesen Worten wollte ich Jean Mirres bildnerisches Unterfangen zusammenfassen, das darauf abzielte, eines der bekanntesten Werke von Degas wie The Absinthe (um 1875), eine Leinwand, die im Café de la einfängt, in den oben genannten stilistischen Besonderheiten neu zu interpretieren Nouvelle Athènes am Place Pigalle (Paris), Ellen Andrée, der damalige Theaterstar Frankreichs, und Marcellin Desboutin, ein Kupfermaler, dessen Eigenschaften den vorherrschenden Bohème-Geist der Zeit gut zusammenfassen. In diesem Zusammenhang finden sich diese Schauspieler in der Rolle einer Prostituierten und eines Landstreichers wieder, die, vom Leben aufs Äußerste geprüft, sich in demselben Raum zwischen Couchtisch und Couch eingeschlossen zu haben scheinen, einem Ort, an dem, bedrückt von einer stillen Verzweiflung, sie werden durch den beruhigenden Passagier des Alkohols getröstet. Tatsächlich wirken sie trotz der Tatsache, dass sie nebeneinander sitzen, allein und distanziert, ihre Blicke ins Leere versunken, wahrscheinlich auf der Suche nach den letzten Lichtblitzen, die von einem folgenschweren Kater erstickt werden, dessen Stärke vielleicht in der Lage sein, für ein paar Stunden die traurige Menge ihrer Gedanken auszulöschen. An dieser Stelle lohnt es sich, auf das Werk des Künstlers von Artmajeur zurückzukommen, dessen lebhafte Farbigkeit sich in den unbekümmerteren Gesichtern der beiden Trinker widerzuspiegeln scheint, als ob sie, fast wie durch ein Wunder, begonnen hätten, einen Drink zu genießen aus reinem Vergnügen daran, ohne die Suche nach einer anderen, vielleicht erträglicheren Realität zu übertreiben.

INSPIRIERT VON DEGAS (2022) Gemälde von Angelika Poels.

Angelika Poels: Inspiriert von Degas

Poels Acrylglas wurde, wie der Titel schon sagt, von einer Arbeit von Degas inspiriert, einem französischen Meister, der Frauen oft in ihrem intimsten Alltag porträtierte und sie aus verschiedenen und genauen Perspektiven einfing, die aus gewundenen Formen und konventionellen Gesten bestanden. Ebenso wie die letztgenannten Gesichtspunkte zeigt sich auch die von der Künstlerin in Artmajeur entworfene Komposition durch die ganze Genauigkeit ihrer durchdachten Rahmung, die uns vorstellt, dass Poels darauf bedacht ist, neben dem Bildnis zu hocken, um ihre in einer Bewegung gefaltete Körperlichkeit einzufangen , die, wahrscheinlich aufgrund der Absicht des Waschens, in einem schwierig interpretierbaren Umfeld stattfindet. Die Tatsache, dass eine solche Vision von Degas stammt, ist unbestreitbar, da das Acryl eine perspektivische Fortsetzung von The Tub (1886) zu sein scheint und eine Betrachtung des menschlichen Körpers erneut vorschlägt, die angesichts des niedrigen Rahmens noch mehr zu sein scheint intim, obwohl sie durch eine rein expressionistische Maltechnik "verschleiert" erscheinen. In Bezug auf das Meisterwerk von 1886 könnte es jedoch gut mit einigen Worten zusammengefasst werden, die Degas selbst in seinen Schriften notierte: „Bis jetzt wurde der Akt in Posen präsentiert, die das Betrachten durch ein Publikum voraussetzten. Aber Frauen sind keine einfachen Menschen ... Ich zeige sie ohne Koketterie im Zustand waschender Bestien." Diese Aussagen machen deutlich, wie der Meister die offizielle Kunst meidet, den idealisierten und ästhetisierten Akt ablehnt, um eine Weiblichkeit zu fördern, die sich, jeder sozialen Färbung beraubt, in ihren authentischsten und verletzlichsten Momenten präsentiert. Wenn wir uns Inspired by Degas ansehen, erkennen wir nach der Lektüre dieses Zitats, dass die Absichten der großen Meister der Vergangenheit auch heute noch sehr relevant sind, besonders wenn wir anfangen, über all diese Filter, diese Fiktionen und Retuschen nachzudenken, die das Zeitgenössische animieren und verzerren weibliches Bild.

„BLAUE TÄNZER“, NACH EDGAR DEGAS (2017) Gemälde von Tatiana Le Metayer.

Tatiana Le Metayer: Blaue Tänzer, nach Edgar Degas

Das Pastell des Artmajeur-Künstlers hat klare Absichten: eines der größten Meisterwerke der Kunstgeschichte, wie die Vier Tänzer in Blau von Degas, ein Werk von 1897, das den Zweck hat, die Eleganz und Geschmeidigkeit für immer zu verewigen, wiederzubeleben, indem es der Masse zugänglich gemacht wird der Bewegungen einiger Mädchen, die sich mit äußerster Anmut und Zartheit auf unterschiedliche Weise vorbereiten, um die Bühne zu betreten. Was dieses letzte Pastell einzigartig macht, ist die Rahmung, die uns von oben direkt auf die „Büsten“ in Blau der Tänzer projiziert, Motive, die den Hintergrund überschatten, ausgeführt mit integrierter und verwandter Chromatik, um der dominierenden Szene große Bedeutung zu verleihen. Obwohl der gesamte erfasste Kontext sehr spontan erscheinen mag, fertigte der Künstler mehrere vorbereitende Skizzen an, die, fachmännisch durchdacht, eine Komposition hervorbrachten, die den Zweck hatte, in ihrer entschiedenen Ablehnung der Frontalansicht des Bildes das Unbeobachtete zu simulieren. Darüber hinaus stellen sogar die Bewegungen genaue, aber verkleidete theatralische Kadenzen dar, die darauf abzielen, eine Art Ballett zu inszenieren, das, unterbrochen von einer geschickten und symmetrischen Raumaufteilung, in seinem unteren Teil eine ungelöste Frage nach der Ähnlichkeit des Tänzers lässt der eifrig außerhalb des Bildschirms eingefangen erscheint.