"TULIP CARPET" (2020)Gemälde von Oxana Babkina.
Innerhalb der immensen Bandbreite der Erzählung der Kunstgeschichte stechen sicherlich Werke mit rechteckigem oder quadratischem Format in Popularität und Wiederholung hervor, die oft die weniger verbreiteten runden oder sogar anders geformten Medien überschattet haben. Tatsächlich gab es eine Zeit, in der kreisförmige Stützen, genannt "Tondi" (das italienische Wort für rund), ein besonderes Vermögen hatten, ich spreche von der Renaissance-Ära, einer Zeit, in der, bezogen auf die Imago Clipeata des antiken Roms, die Der Kreis wurde wieder zu einer beliebten Figur und zu einem unbestrittenen Symbol, das mit der Idee der Perfektion verbunden ist. Um Ihnen das Gesagte zu demonstrieren, genügt es, auf die runden Meisterwerke zu verweisen, die in einer einzigen italienischen Stadt aufbewahrt werden: Florenz, die toskanische Hauptstadt, in der der Renaissance-Traum begann und nie endete, denn die Stadt lebt noch heute auf den unauslöschlichen Glanz einer Zeit, die durch ihre feierlichen Gebäude und Denkmäler immer wieder in Erinnerung gerufen wurde und oft in den wichtigsten Institutionen der Stadt gesammelt wurde. Gerade im Hinblick auf letzteres möchte ich diese Geschichte beginnen, die uns auf eine Tour zu den größten Meistern der Zeit mitnehmen wird, und zwar in den Uffizien, einem der wichtigsten Museen der Welt, das einen sehr gut beherbergt - bekanntes Tondo der Kunstgeschichte, nämlich Michelangelos Heilige Familie (1504-06), ein Tempera-auf-Tafel-Gemälde mit dem Ziel, die drei heiligen Figuren darzustellen, die das rechte Familienmodell schlechthin symbolisierten: St. Joseph, das Jesuskind und die Madonna. Solche Figuren, die in einem Moment des ruhigen Familienlebens gefangen waren, stellten ein sehr beliebtes Thema der Renaissance-Kultur dar, das mehrere Variationen erfuhr, da es in diesem Fall mit dem Bild einiger nackter junger Menschen "assoziiert" wurde, die sich einfügten dem Hintergrund des Panels, interagieren miteinander unter einem kleinen Teil des Himmels. Zusätzlich zu dem, was wir sehen, erzählt uns das erwähnte Meisterwerk, auch bekannt als Tondo Doni, andere Anekdoten aus einer vergangenen Ära, wie es in der Zeit konzipiert wurde, in der sich die florentinische Kopräsenz von Leonardo, Michelangelo und Raffael materialisierte, Künstler, die dem ohnehin schon lebhaften Umfeld der Hauptstadt, die im ersten Jahrzehnt des Jahrhunderts eine Zeit höchster kultureller Begeisterung erlebte, einen Wachstumsschub bescherten.
Michelangelo, Tondo Doni, c. 1506. Tempera auf Holz, 120 x 120 cm. Florenz: Uffizien.
Unmittelbar vor Michelangelos erwähntem Meisterwerk befindet sich Botticellis Madonna des Magnificat (1483-85), eine auf einem runden Träger gemalte Tempera auf Tafel, die ebenfalls in den Uffizien aufbewahrt wird und deren Titel sich von demselben Wort ableitet, auf das das Jesuskind im Freien hinweist Seite eines Buches, auf der gut lesbar ein Teil des Lobgesangs des Lukasevangeliums erscheint, dessen erster Satz genau lautet: „Magnificat anima mea Dominum“ (Meine Seele erhebt den Herrn). Jene Szene, in der auch die von Engeln gekrönte Jungfrau erscheint, spielt sich vor einem Fenster ab, das sich, als wolle es das himmlische Reich von der irdischen Welt trennen, auf eine klare Landlandschaft öffnet. Schließlich, um von einem kleinen erwähnenswerten Detail zu sprechen, erinnern die Granatapfelkörner in dem Meisterwerk, die von den Fingern der Hauptdarsteller gebürstet werden, an das Blut, das Jesus für die Errettung der Menschen vergossen hat. Wenn wir uns stattdessen einem anderen, freudigeren Moment im Leben Christi zuwenden, ist es unerlässlich, das letzte Werk der Uffizien in dieser Rezension zu betrachten, nämlich die Anbetung der Heiligen Drei Könige Tornabuoni (1487), ein Tondo von Domenico Ghirlandaio, in dem unter Berücksichtigung der Beispiel von Botticelli und Leonardo schuf der Künstler eine Komposition, in der die Figuren, die hinter der Heiligen Familie platziert sind, einen leeren Raum im idealen Zentrum der Szene lassen, in dem die Gruppe der Madonna mit Kind in einer Pyramide angeordnet ist Muster. Weitere Bedeutungen des Werks können auf die architektonischen Motive seines Hintergrunds zurückgeführt werden, in dem der Schuppen aus einem großen und alten verfallenen Portikus geschnitzt wurde, ein stillschweigendes Symbol für den Niedergang der heidnischen Religion, aus der das Christentum geboren wurde. Nach den heiligen Familien schlechthin können wir zu einer ausgesprochen profanen, aber dennoch hochrangigen Linie übergehen, als Erzeuger zweier unausweichlicher Tondi in der Kunstgeschichte, die auf das Werk von Filippo Lippi und seinem Sohn Filippino, den Schöpfern, zurückzuführen sind des Tondo Bartoli (1452-53) und des Tondo Corsini (1481-82).
Domenico Ghirlandaio, Anbetung der Könige Tornabuoni , 1487. Tempera auf Holz, Durchmesser 172. Florenz: Uffizien.
In Bezug auf Ersteres stellt das Werk, das in der Galleria Palatina in Florenz aufbewahrt wird, einen der frühesten Tondi der Renaissance dar, der wahrscheinlich das „Modell“ für das oben erwähnte Meisterwerk von Botticelli sowie das Werk anderer bekannter Künstler des Letzteren war 15. Jahrhundert. Insbesondere, wie ich und denke, dass der Meister von Die Geburt der Venus sich an Lippi orientiert hat? Einfach! Denken Sie nur an das kleine, aber bedeutende Detail des Granatapfels, aus dem das Kind im Fall des Werks von 1452-53 ein Korn herausgezogen hat, um es seiner Mutter zu zeigen, eine Geste, die als klare Anspielung auf die Jungfrau zu interpretieren ist Fruchtbarkeit und Königtum. Schließlich wurden andere Szenen im Zusammenhang mit dem Leben Mariens in den Hintergrund von Lippis Werk gemalt, insbesondere die Begegnung zwischen Joachim und Anna an der Goldenen Pforte und Die Geburt der Jungfrau Maria. Wir gehen vom Vater zum Sohn und beenden unsere „zirkuläre“ Erzählung mit der Figur von Filippino Lippi, Autor des größten Tondos der italienischen Renaissance: Die Madonna mit Kind, Johannes dem Täufer und Engeln, auch bekannt als Tondo Corsini , ein Gemälde in der Fondazione Cassa di Risparmio di Firenze, sicherlich bemerkenswert für die innovative Art und Weise, in der die Architektur und der Boden nicht mit der Form der Stütze übereinstimmen, die darauf abzielt, auch einen schattierten Hintergrund aufzunehmen, um als eines der anerkannt zu werden erste Zeugnisse der Wirkung von Leonardos Malerei in einem Gemälde dieser Zeit. Schließlich ist es gut, sich vor Augen zu führen, wie der Erfolg der Rondelle innerhalb der Kunstgeschichte, obwohl sie Höhen und Tiefen aufwies, bis heute anhält, wie es in den Werken einiger Künstler von Artmajeur zu sehen ist, wie z Beispiel Valérie Depadova, Laetitia De Meyer und Margarita Ivanova.
ROSE - 635 (2022) Gemälde von Aykaz Arzumanyan.
RUHE MIT BLUMEN (2022)Gemälde von Valérie Depadova.
Valérie Depadova: Ruhen mit Blumen
Leider wissen wir, wie im Fall von Ei und Henne, nicht, ob für Depadovas Gemälde zuerst das runde oder das abgebildete Subjekt geboren wurde, dh ob der Künstler eine schlafende Frau vorstellte, die innerhalb einer kreisförmigen Stütze gesammelt werden sollte, oder ob letzteres sie an ein Bildnis denken ließ, das sanft auf sich gerafft wurde. Am sichersten scheint jedoch der „kindliche“ Malstil, der sofort an die Stilmerkmale der naiven Kunst erinnert, eine künstlerische Produktion, die dezidiert von einer bemerkenswerten begrifflichen Vereinfachung sowie einer „bescheidenen“ Ausführungstechnik geprägt ist, die darauf abzielt, die Gesamtperspektive und den kompositorischen Rahmen zu „ignorieren“, jede Verbindung mit der kulturellen und akademischen Realität der Gesellschaft, in der sie produziert wird, vermeidet. An dieser Stelle stellt sich die Frage: Welchem populären naiven Künstler kann man das Werk des erwähnten Artmajeur-Malers „gegenüberstellen“? Sicherlich verbindet das Thema Schlaf Die Ruhe mit Blumen mit Henri Rousseaus Der schlafende Zigeuner (1897), ein Meisterwerk, das im Vordergrund eine Frau in einem langen, farbenfrohen Kleid verewigt, die darauf bedacht ist, ruhig zu schlafen, während sie einen Stock hält, der ruht eines seiner Enden auf einem Wüstenland. In der letzteren trockenen Umgebung sehen wir neben mehreren Objekten die Gestalt eines Löwen, der wahrscheinlich darauf bedacht ist, über die Ruhe der Zigeunerin zu wachen. In ähnlicher Weise nähern sich einige schwebende Blumen der "Silhouette" des Protagonisten von Depadovas Gemälde und wiegen wahrscheinlich den süßen Schlaf des Bildnisses mit ihrem Duft.
"WONDERLAND II" (2023) Skulptur von Laetitia De Meyer (LDM).
Laetitia De Meyer: Wunderland II
Erinnern Sie sich an die bunten Müslisorten, die Sie als Kind gierig gegessen und in großen Mengen auf eine Milchfläche geworfen haben, in der sie sich schwebend und gewunden schwankend auftürmten? Und siehe da, die Vielzahl an pummeligen S-Formen, raffiniert arrangiert auf dem runden Stand von Wonderland II, ließ mich an das Luftbild der gefüllten Tasse denken, das ich als Kind hatte, und erweckte gleichzeitig eine große in mir Bewusstsein. Wenn wir uns auf die Worte des Künstlers beziehen, stellt die Skulptur von De Meyer nicht nur ein fröhliches, rundes und farbenfrohes Werk dar, da sie als klare Warnung vor dem übermäßigen Verbrauch von Plastik auf unserem Planeten konzipiert wurde, der, zunehmend von letzterem überfallen, wird wahrscheinlich seiner saftigsten Gerichte beraubt, was uns dazu zwingt, uns von dem Material des Konsums par excellence zu ernähren. An dieser Stelle spreche ich die rhetorische Frage des Künstlers von Artmajeur an, der nach dieser traurigen Offenbarung den Punkt wiederholt, indem er sich fragt und den Betrachter fragt, ob das Leben in Plastik wirklich so großartig ist? Wenn wir uns vorstellen, Müsli durch weniger schmackhafte Gerichte zu ersetzen, antworten wir sicherlich mit Nein, obwohl die etwas optimistischen Farben der Arbeit uns hoffen lassen, dass das menschliche Märchen immer ein glückliches Ende hat und unsere freundlichen Zukunfts-Regenbogenvisionen bietet, ähnlich denen, die von John Constable, Frederic, eingefangen wurden Edwin Church und Albert Bierstadt.
Margarita Ivanova: Kreisbirke
Auf Ivanovas Worte Bezug nehmend, stellt Circle birch, Teil einer Reihe von Werken, die von der Rinde der Birke inspiriert sind, letztere Pflanze dem menschlichen Lebenszyklus gegenüber, der durch die endlose Kette gekennzeichnet ist, in der die vielfältigen Existenzen, die in ihrer Breite so groß sind Zahlen, deren Anfang und Ende nicht bekannt sind, folgen nacheinander. Daher glaube ich, dass die Menschheit, wenn auch im kleinsten Sinne, mit einem fast ewigen Zyklus von Porträts verglichen werden kann, der darauf abzielt, die Konnotationen der Erdbewohner in ihrer Vielfalt darzustellen, die sich auf sehr kleine Weise zusammenfassen lässt die Tondi stellen einige bekannte Vertreter der Menschheit dar: die vier Evangelisten, kunstvoll verewigt von Pontormo und Bronzino in der Capponi-Kapelle der Kirche Santa Felicita in Florenz. Die letzteren Öltafelbilder, datierbar auf etwa 1525, wurden von Ludovico Capponi aus Pontormo in Auftrag gegeben, obwohl sich Vasari an den Eingriff des Meisterschülers Bronzino in den Zyklus so sehr erinnert, dass heute nur noch die Zuschreibung gesichert ist St. John zu ersterem und St. Matthew zu letzterem, während auf den anderen beiden Meisterwerken das "Geheimnis" des Autors schwebt. Auf jeden Fall sind die Tondi trotz der leichten stilistischen Unterschiede eindeutig Teil eines einheitlichen Programms, das Halbfiguren in ungewöhnlichen und raffinierten Posen zum Thema hat, die, oft nach vorne gebeugt, auch unleugbare Michelangelo-Schulden darstellen.
Olimpia Gaia Martinelli
