Können wir über die Renaissance sprechen?

Das Thema überwältigt mich, die Erhabenheit der Maler der Renaissance macht mir so viel Angst, dass ich mich überwältigt fühle. Das Thema ist zu hoch, fast göttlich, dazu umfangreich und in jedem Detail bemerkenswert. Dennoch werde ich versuchen, nur zehn Künstler aus der historischen Periode unseres Interesses auszuwählen, die sehr reich an anderen verdienten Malern, aber auch bedeutenden Bildhauern und Architekten sind, die ich für eine andere Gelegenheit zur Diskussion reservieren möchte. Als Antwort auf die Titelfrage und nach all diesen Präambeln halte ich es für möglich, über die Renaissance zu sprechen, trotz des starken Einsetzens einer eigentümlichen Melancholie, die mich zu dieser Frage veranlasst: Was ist mit all dieser alten Größe der Menschheit passiert? Abgesehen von traurigen Diskussionen bereite ich mich darauf vor, zunächst das Konzept der Renaissance und dann einige Meisterwerke dieser Zeit vorzustellen, die Sie wahrscheinlich bereits kennen ...

Die Renaissance in Kürze

Dieser einleitende Teil ist nur dazu gedacht, die Künstler vorzustellen, die die Protagonisten der Top 10 sein werden, da die Renaissance und ihre Geschichte sicherlich einen längeren Text verdienen, der alle ihre Besonderheiten sorgfältig erklärt. Wenn man von der Renaissance spricht, muss man einfach an eine Blütezeit denken, eine Zeit der Wiedergeburt, die nach den dunkelsten Jahrhunderten stattfand. Tatsächlich markierte der fragliche Zeitrahmen, der im Florenz des 14. Jahrhunderts begann und etwa in der Mitte des 16. Jahrhunderts endete, das Erwachen der Künste sowie der Wissenschaft, Mathematik, technischen Interessen, Philosophie, Politik und vielem mehr. Im Mittelpunkt dieser Haltung zur Wertschätzung des menschlichen Intellekts und Könnens stand der Humanismus, ein philosophischer Gedanke, der darauf abzielte, den Menschen und seine Arbeit in den Mittelpunkt des Universums zu stellen, einem Kontext, der zuvor von der dominanten Präsenz der katholischen Kirche überschattet wurde und von einem Gefühl der Unendlichkeit durchdrungen war Sünde und die überwältigende Vorstellung von der Unumkehrbarkeit des menschlichen Schicksals. Der Humanismus ging mit einer Rückkehr zur klassischen Antike einher, das heißt mit der Tendenz, griechische und römische Ideale zu suchen und neu zu interpretieren, immer bereit, Schönheit, Harmonie, Symmetrie oder perfekte Proportionen in ihrer Kunst nachzuahmen. Um diese Ziele zu verfolgen, brachte der Zeitgeist neue technische Innovationen wie Naturalismus, Kontrappost, Hell-Dunkel-Perspektive und Linearperspektive hervor, die eine grundsätzlich realistische figurative Produktion hervorbrachten. Diese Trends erfuhren im Laufe der Zeit Veränderungen, da die Kunst der Renaissance in verschiedene Zeitlinien oder Phasen eingeteilt wird: die Proto-Renaissance, die Frührenaissance, die Hochrenaissance sowie andere Regionen außerhalb Italiens, die zusammen als nördliche Renaissance bezeichnet werden. Nun beginnt die Top 10, präsentiert in chronologischer Reihenfolge: mit den Künstlern nach ihrem Geburtsdatum!

Die Vertreibung aus dem Garten Eden vor und nach der Wiederherstellung. Masaccio, Vertreibung aus dem Garten Eden, 1424.25. Affresko. Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz.

1.Masaccio: Vertreibung der Vorfahren aus Eden (1424-25)

So beschreibt Giorgio Vasari Masaccios Kunst: „Dinge, die vor ihm [vor Masaccio] gemacht wurden, können als gemalt bezeichnet werden und als seine, lebendig, wahr und natürlich.“ Nach diesem Lob können wir eines der berühmtesten Werke des 1401 geborenen Malers beschreiben, nämlich die Vertreibung der Vorfahren aus Eden, ein Fresko in der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz. In diesem Kunstwerk haben Adam und Eva, die von der Frucht der Erkenntnis gegessen haben, irreparable Sünden begangen, indem sie Gott nicht gehorchten. Masaccio schildert jedoch den Moment, in dem sie buchstäblich aus dem irdischen Paradies vertrieben werden, nackt, verängstigt und unglücklich erscheinen und von einem Cherub mit einem Schwert aus der gemauerten Schwelle geführt werden. Der toskanische Künstler scheint dem biblischen Bericht einigermaßen treu geblieben zu sein, obwohl es einige Details gibt, die von den Worten der Genesis abweichen. Tatsächlich wären in der biblischen Geschichte die Protagonisten bekleidet, es gibt mehrere Engel und die Existenz einer Tür, die das Ende des Paradieses und den Beginn der sterblichen Welt signalisieren würde, wird nicht erwähnt.

Andrea Mantegna, Die Beweinung des toten Christus, um 1470–1474 oder um 1483. Tempera auf Leinwand, 68 cm × 81 cm. Pinacoteca di Brera, Mailand.

2.Andrea Mantegna: Die Beweinung des toten Christus (um 1470-1474 oder um 1483)

Wir sind bereits bei Mantegna angekommen, einem 1431 geborenen Maler, Kupferstecher und Miniaturisten aus der Republik Venedig, dem Autor des ikonischen „Toten Christus“, einem Meisterwerk, das in der Pinacoteca di Brera in Mailand aufbewahrt wird. Warum ist dieser leblose Jesus so wichtig? Schließlich gibt es in der Kunstgeschichte viele ähnliche Themen ... Nein, vor Mantegna hatte niemand diese Szene mit solch einer Dramatik dargestellt, in der ein Sohn Gottes zum Leben erweckt wurde, der außergewöhnlich menschlich ist, und im Tod tatsächlich nimmt die Eigenschaften eines vom Kreuz niedergelegten kalten Körpers an. Es handelt sich nicht mehr nur um die Darstellung einer Gottheit, die auf die Auferstehung wartet, denn der leblose Körper ruht schwer auf einer roten Marmorplatte, die als traditioneller Salbungsstein erkennbar ist, der zur Vorbereitung des Körpers auf die Beerdigung verwendet wird. Wir Betrachter können uns auch auf die kleinen Details der Tempera konzentrieren, wie die Nagelwunden, die vielleicht auch von den drei trauernden Figuren auf der linken Seite der Tafel beobachtet wurden, die trotz Mantegnas Falten und scharfen Spuren als Figuren der Madonna erkennbar sind, Der heilige Johannes und Maria Magdalena.

Perugino, Die Hochzeit der Jungfrau, 1500–1504. Öl auf Holz, 234 cm × 185 cm. Musée des Beaux-Arts, Caen.

3.Perugino: Hochzeit der Jungfrau (1501-1504)

Der 1448 geborene italienische Maler ist unter anderem als Pietro di Cristoforo Vannucci, Pietro Perugino und il Perugino bekannt, aber auch als „göttlicher Maler“. Diese letzte Bezeichnung vermittelt sofort das Kaliber des Künstlers, von dem wir sprechen, der gleichzeitig zwei Werkstätten leitete, eine in Florenz und die andere in Perugia, und seine Ausbildung neben Botticelli und Leonardo da Vinci bei Verrocchio erhielt! Der Künstler, der als einer der größten Vertreter des Humanismus gilt, ist der Autor der berühmten Hochzeit der Jungfrau, die heute im Musée des Beaux-Arts in Caen aufbewahrt wird. Napoleons Plünderungen im Jahr 1797 brachten das Ölgemälde auf Holz tatsächlich nach Frankreich, wo es ein freudiges Ereignis aus der christlichen Tradition erzählt, nämlich die Hochzeit der Jungfrau Maria und des Heiligen Josef. Im Werk des Künstlers dient ein Tempel als Hintergrund für diese Episode und zielt darauf ab, die Ideale der Renaissance zusammenzufassen, anstatt sich getreu an ein klassisches Modell zu halten. Die Komposition des Gemäldes erinnert an Peruginos früheres Fresko, die Übergabe der Schlüssel, in dem ein großes achteckiges Gebäude mit zentralem Grundriss am Ende eines perspektivischen Schachbrettbodens platziert ist, um die Vordergrundszene zu verstärken und gleichzeitig dem Ideal der geometrischen Rationalität Rechnung zu tragen der damaligen Zeit, ähnlich von Raffael in seiner Hochzeit der Jungfrau verwendet.

Ghirlandaio, Anbetung der Hirten, 1485. Tempera auf Holz, 167×167 cm. Basilika Santa Trinita, Sassetti-Kapelle, Florenz.

4.Ghirlandaio: Anbetung der Hirten (1485)

Domenico Bigordi, bekannt als Ghirlandaio (1448-1494), war ein Maler, der hauptsächlich in Florenz tätig war, dem Ort, an dem er geboren wurde, und sich in jener Blütezeit auszeichnete, die vom berühmten Lorenzo dem Prächtigen regiert wurde. Seine Anbetung ist definitiv auf das Jahr 1485 datiert. Wie kann ich das erkennen? Sehen Sie selbst eines der beiden korinthischen Kapitelle, die das Dach der Hütte stützen, unter der die Tiere stehen, die wie Menschen die Madonna mit dem Kind vor sich zu betrachten scheinen. Haben Sie also gesehen, dass das Jahr in römischen Ziffern dargestellt ist? Nun, es gibt noch andere Dinge, die ich Ihnen zeigen kann, denn in der quadratischen Komposition, die in Übereinstimmung mit der traditionellen Ikonographie ausgeführt wurde, finden wir mehrere Hinweise auf die Antike, wie zum Beispiel in Neben den oben genannten Säulen auch der Triumphbogen und der als Krippe genutzte römische Sarkophag. Darüber hinaus ist die lateinische Inschrift auf letzterem, die auf das Ereignis der Geburt Christi hinweisen soll, ebenso zutreffend wie die Geste, die Joseph macht, um die weitere Prozession zu beobachten, eine Akribie, die die große Aufmerksamkeit des Meisters für die Ausführung bestätigt, die wahrscheinlich auch auf sorgfältige Beobachtung zurückzuführen ist der flämischen Tradition.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1505. Öl auf Pappelholzplatte, 77 cm × 53 cm. Louvre, Paris.

5.Leonardo da Vinci: Mona Lisa (1503-1505)

Dante fällt in der Göttlichen Komödie oft in Ohnmacht, in schwierigen Situationen, in denen sein Körper dem, was sein Geist wahrnimmt, nicht standhalten kann. Gott, als ich Leonardos Namen schrieb, ging es mir ein bisschen so, denn der 1452 geborene Meister gilt als eines der größten Genies der Menschheit, perfekt fähig, den Geist seiner Zeit voll und ganz zu verkörpern, der darauf abzielte, die höchsten Ausdrucksformen des Menschen zu erreichen im Bereich der Kunst und des Wissens. Sein berühmtestes Gemälde, und tatsächlich das berühmteste Gemälde der Welt, ist die Mona Lisa, ein Meisterwerk, das auch das Interesse von Sigmund Freud erregte. Freud glaubte nicht, dass es sich bei der dargestellten Frau um Lisa Gherardini handelte, sondern argumentierte, dass der Meister seine Mutter verewigt habe, eine Figur, die vorzeitig aus seinem Leben verschwunden war. Tatsächlich verbrachte der Maler, ein uneheliches Kind eines Notars und eines Dieners, seine ersten Jahre bei seiner Mutter Caterina, bevor er zu seinem Vater und seiner neuen, jungen Frau zog. Zudem verstarb die Mutter des Künstlers, als er erst fünf Jahre alt war, was laut dem Psychoanalytiker die Persönlichkeitsentwicklung Leonardos nachhaltig beeinflusste. Diese Hypothese wird möglicherweise durch die Landschaft hinter dem Protagonisten des Meisterwerks gestützt, die auf Leonardos Kindheit in der Nähe des Flusses Arno anzuspielen scheint.

Michelangelo, Erschaffung Adams, um 1511. Fresko, 280 cm × 570 cm. Decke der Sixtinischen Kapelle.

6.Michelangelo: Erschaffung Adams (um 1511)

Hier ist er, Michelangelo! Michelangelo Buonarroti, Maler, Bildhauer, Architekt und Dichter, wurde in Caprese (Arezzo, Toskana) geboren, eine ebenso brillante wie ruhelose Persönlichkeit, die den Spitznamen „Göttlicher Künstler“ trägt und selbst von seinen Zeitgenossen als einer der größten Meister aller Zeiten anerkannt wird. am 6. März 1475. Das Werk, das sein unsterbliches Talent zeigen wird, ist die Erschaffung Adams, ein Fresko in der Sixtinischen Kapelle, eines der berühmtesten und ikonischsten Werke der Kunstgeschichte. Es nimmt Gestalt an in der Darstellung von Gott, der in einem von Engeln getragenen Heiligenschein schwebt und seine Hand im Begriff ist, die von Adam zu treffen, der links liegt und auf einer Wiese erscheint. Was bedeutet das, was wir sehen? Der Hintergrund, der keine Details darstellt, lässt uns in den Kontext der Erschaffung Adams und damit der Menschheit eintauchen und bezieht sich insbesondere auf den Moment, in dem Gott der Vater seinen Arm ausstreckt, um den jungen Mann körperlich zu berühren und ihm so den Funken des Lebens zu übermitteln ihn. An dieser Stelle schließe ich mit einem interessanten Leckerbissen: Eine ähnliche Geste wie die oben dargestellte findet sich in Sandro Botticellis Verkündigung in Cestello, wo der Erzengel Gabriel seine Hand nach der Jungfrau ausstreckt und dramatische und theatralische Bewegungen erzeugt, die um die Verkündigung herum aufgebaut sind Diagonale, die durch die Arme der beiden Protagonisten entsteht.

Tizian, Venus von Urbino, 1538. Öl auf Leinwand, 119 cm × 165 cm. Uffizien, Florenz.

7.Tizian: Venus von Urbino (1538)

In diesen Top Ten ist für mich jeder Künstler eine herzzerreißende Erfahrung, zu viel Großartiges in einem einzigen Artikel. Aber bevor ich wieder in Ohnmacht falle, kann ich über Tizian sprechen? Ja, Tiziano Vecellio, einfach als Tizian bekannt, war ein 1488 geborener italienischer Maler, eine herausragende Figur der venezianischen Schule, deren Stilelemente teilweise in dem berühmten Meisterwerk, der Venus von Urbino, zusammengefasst werden. Das Öl auf Leinwand bewahrt trotz seiner perfekt ausgewogenen Komposition die Natürlichkeit der Figuren und konzentriert sich besonders auf die Protagonistin, eine nackte Venus, die auf einem weißen Laken liegt, ihre Büste mit der rechten Hand hält und ihren Arm auf zwei Kissen stützt. Die Frau blickt den Betrachter direkt an, während sie mit der linken Hand ihren Schambereich bedeckt und mit der rechten Hand einige Rosen hält, von denen einige auf das rote Bett gefallen sind. Im Raum im Renaissance-Stil sind neben dem kleinen Hund neben der Göttin im Hintergrund zwei Dienstmädchen zu sehen, die Kleidung aus einer Truhe holen. Das Meisterwerk lässt sich jedoch einfach verstehen, wenn man sich auf seinen Mäzen Guidobaldo bezieht, der das Gemälde als Erinnerung und Modell des Ehelebens nutzen wollte, um es seiner Frau Giulia da Varano zu widmen. Tatsächlich sprechen einige Elemente der Leinwand in dieser Hinsicht deutlich: Die Rosen symbolisieren Schönheit, die im Gegensatz zur ewigen Treue, die durch den Hund symbolisiert wird, mit der Zeit verblasst. Daher wird während einer langen Liebesgeschichte eher eine respektvolle Haltung als körperliche Leistungsfähigkeit bevorzugt, um die Ehepartner stets zu unterstützen ...

Piero della Francesca, Taufe Christi, 1445. Tempera auf Holz, 167 cm × 116 cm. Nationalgalerie, London.

8. Piero della Francesca: Taufe Christi (1445)

Im Zentrum der Komposition finden wir Jesus, während auf der rechten Seite Johannes der Täufer seine Position einnimmt; Sie sind die Hauptfiguren dieses Meisterwerks, umgeben von Engeln und einer weiter entfernten männlichen Figur, die vor einer Gruppe griechischer Priester erscheint. Die Szene der Taufe durch Johannes, die über dem Kopf des Sohnes Gottes einen konkreten Platz findet, wurde geschickt untersucht, auch wenn sie etwas zufällig erscheinen mag. Tatsächlich hielt sich der Künstler an präzise mathematische Regeln, die darauf abzielten, dem Gemälde ein Gefühl von Ruhe und Gelassenheit zu verleihen, vor allem aufgrund einer besonderen geometrischen Konstruktion, die Piero auch in der Abhandlung „De quinque corporibus regularibus“ beschrieb. Diese ganze Studie wird deutlich, wenn wir die Komposition aufschlüsseln und versuchen, darin die Figur eines Quadrats zu finden, dessen Form sich von der Basis des Trägers bis knapp über die Taube erstreckt. Anschließend könnte im oberen Teil des Werkes ein Halbkreis platziert werden, der, wenn man ihn in zwei Hälften teilt, Jesus als unbestrittene zentrale Figur erkennen lässt, zusammen mit der Hand des Johannes und dem oben erwähnten Tier. Wie lässt sich all dies interpretativ auf das bisher Beschriebene übertragen? Selbst in diesem Fall verbirgt sich hinter einer einfachen Botschaft eine komplexere und symbolischere Botschaft, die bereit ist, sich in den verschiedenen dargestellten Elementen zu offenbaren, wie zum Beispiel: dem üppigen Baum, dem verdorrten Busch, der Taube und den Engeln . Der erste bezieht sich auf den Reichtum des Lebens der Gläubigen, der zweite auf die Armut der Ungetauften, der dritte auf den Heiligen Geist und der letzte auf die Dreifaltigkeit ... Was den Künstler Piero di Benedetto de' Franceschi betrifft, allgemein bekannt als Piero della Francesca, geboren 1412 in Sansepolcro, war ein italienischer Maler und Mathematiker, sicherlich eine der symbolträchtigsten Figuren der italienischen Renaissance und gehörte zur zweiten Generation der Maler-Humanisten.

Raffael, Die Schule von Athen, 1510. Fresko, 500 cm × 770 cm. Apostolischer Palast, Vatikanstadt.

9.Raphael: Die Schule von Athen (1510)

Raphael Sanzio (1483-1520), ein Maler und Architekt, gilt als einer der größten Künstler aller Zeiten und ist der Schöpfer eines der bekanntesten Werke der Kunstgeschichte: Die Schule von Athen, ein Fresko in einem Lünette im Raum der Segnatura in den Vatikanischen Palästen (Vatikanstadt). Das Meisterwerk stellt ein klassisches Gebäude dar, dessen Boden mit regelmäßigen Quadraten verziert ist und Platz für eine Treppe bietet, in der verschiedene antike architektonische Elemente platziert sind. Das Ganze wurde als großartiges Bühnenbild konzipiert, mit neben dem blauen Himmel im Hintergrund, bedeutenden Persönlichkeiten, Wissenschaftlern und Intellektuellen, die Zeitgenossen des Meisters waren und der klassischen Welt angehörten. In der Mitte des Freskos sind tatsächlich die Figuren von Platon und Aristoteles positioniert, bereit, die Bedeutung der gesamten Komposition deutlich zu machen: die römische Zivilisation und das Papsttum als ihren Erben antiker Größe zu feiern. Insbesondere sollte der Saal der Segnatura nach dem Programm von Papst Julius II. die Philosophie repräsentieren und die Werte des Guten, des Wahren und des Schönen verkörpern, die einzigen Wege, auf denen der Mensch zu Gott gelangen kann.

Botticelli, Die Geburt der Venus, 1476-1487. Tempera auf Leinwand. 172,5 cm × 278,9 cm (67,9 Zoll × 109,6 Zoll). Uffizien, Florenz.

10.Botticelli: Die Geburt der Venus (1476-1487)

Wir schließen diese nicht erschöpfende Darstellung mit der zehnten Position ab, die Botticelli entschieden einnimmt, der nicht ausgeschlossen werden wollte und konnte. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, bekannt unter seinem Künstlernamen Sandro Botticelli, geboren im März 1445 in Florenz, war ein Maler der Renaissance, der vor allem für seine Geburt der Venus gefeiert wurde, eine Tempera auf Leinwand, die in den Uffizien (Florenz) bewundert wird. Das Werk, das zehnte in einer Rangliste, die nur nach dem Dienstalter der Meister geordnet ist, zeigt in seiner Mitte die Figur der Göttin, die auf einer Muschel steht und bereit ist, sich auf den Weg zu den Küsten Zyperns zu machen, wo eines der Stunden, oder eines der Grazien, erwartet sie und bietet ihr ein besticktes Gewand an. Möglich wird dies alles durch den Wind, verkörpert durch Zephyr, dessen Atem von links kommt und Venus in Bewegung versetzt, während er selbst die Umarmung der Nymphe Chloris genießt. Das Gemälde wurde geschaffen, um Ovids Bericht in den Metamorphosen zu illustrieren, obwohl es im Widerspruch zu seinem eigenen Titel steht, da es nicht die Geburt der Göttin, sondern ihre Reise darstellt. Warum sollte man sich dann auf die Metamorphosen beziehen? Die Geburt der Venus sowie Botticellis Primavera wurden in der florentinischen neuplatonischen Kultur konzipiert und von vielen Intellektuellen angenommen, die die Ansicht der Liebe als ein Lebensprinzip voller Erneuerungskraft in der Natur propagierten.