Hieronymus Bosch

Hieronymus Bosch.

Wer war Hieronymus Bosch?

Hieronymus Bosch, auch bekannt als Jheronimus van Aken, war ein renommierter niederländischer Maler aus Brabant, der von etwa 1450 bis zum 9. August 1516 lebte. Er war eine herausragende Persönlichkeit der frühniederländischen Malerschule und ist bekannt für seine außergewöhnlichen Darstellungen religiöser Dinge Themen und Geschichten. Mit Öl auf Eichenholz als Hauptmedium schuf Bosch fantastische Illustrationen, die die Hölle oft auf makabere und alptraumhafte Weise darstellten.

Obwohl über Boschs Privatleben nicht viel bekannt ist, gibt es einige existierende Aufzeichnungen. Den größten Teil seines Lebens verbrachte er in der Stadt ’s-Hertogenbosch, wo er im Haus seines Großvaters geboren wurde. Die Wurzeln seiner Vorfahren lassen sich bis nach Nimwegen und Aachen zurückverfolgen, was auch an seinem Nachnamen „Van Aken“ deutlich wird. Boschs einzigartiger und pessimistischer künstlerischer Stil hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die nordeuropäische Kunst im 16. Jahrhundert, wobei Pieter Bruegel der Ältere sein bekanntester Schüler war. Heute gilt Bosch als äußerst individualistischer Maler, der ein tiefes Verständnis für menschliche Wünsche und tiefste Ängste besaß.

Die Bestimmung der Urheberschaft von Boschs Werken war eine Herausforderung, und nur etwa 25 Gemälde sowie acht Zeichnungen werden ihm sicher zugeschrieben. Ungefähr sechs weitere Gemälde sind sicher mit seiner Werkstatt verbunden. Zu seinen berühmtesten Meisterwerken zählen Triptychon-Altarbilder, insbesondere „Der Garten der Lüste“.

Schlüssel Konzepte

Bosch war ein Pionierkünstler, der abstrakte Ideen in seine Kunstwerke einbrachte und dabei häufig die Erzählstruktur des Triptychons nutzte. Experten und Wissenschaftler haben in seinen Erzählungen verschiedene zeitgenössische Themen identifiziert, darunter ökologische, soziale und politische Themen. Seine bekanntesten Werke, insbesondere sein großartiges Meisterwerk „Der Garten der Lüste“ (1490–1510), sind jedoch voller religiöser Symbolik und drehen sich um den ewigen moralischen Konflikt der Menschheit zwischen Rücksichtslosigkeit und Tugend.

Bosch wird von vielen als „Urheber dämonischer Bilderwelt“ und Vermittler von visueller Absurdität und Spott angesehen und stellt Kritiker und Historiker vor große Herausforderungen bei der Entschlüsselung. Seine rätselhaften Gemälde haben ihm in Spanien den Spitznamen „El Bosco“ eingebracht, wo er bereits vor der Wiederbelebung des Interesses an seiner Kunst im 19. Jahrhundert hoch geschätzt wurde. Tatsächlich wird Bosch oft als „erster Surrealist“ angesehen und vom renommierten Psychoanalytiker Carl Jung als bahnbrechender „Erforscher des Unbewussten“ gefeiert.

Im Gegensatz zu niederländischen Malern wie Jan van Eyck, deren Stil durch eine glatte und präzise Pinselführung gekennzeichnet war, ist Boschs künstlerische Technik dynamisch und vielfältig. Seine lebendigen Pinselstriche weisen eine bemerkenswerte Energie auf. Darüber hinaus lässt sich seine außergewöhnliche Liebe zum Detail auf seine frühen Erfahrungen als Zeichner zurückführen, die ihn zu einem der ersten niederländischen Künstler machten, der Zeichnungen als eigenständige Kunstwerke und nicht nur als vorbereitende Skizzen anfertigte.

Einige Historiker haben hervorgehoben, dass die Inspirationsquelle für die unverkennbar surrealen und teuflischen Kreaturen, die Boschs Kunstwerke bevölkern, auf religiöse Manuskripte aus dem Spätmittelalter bis zur Renaissance zurückzuführen ist. Bereits 1605 stellte der spanische Mönch José de Sigüenza fest, dass Boschs Gemälde „Büchern von immenser Weisheit und künstlerischer Bedeutung“ ähnelten. Er stellte außerdem fest, dass alle wahrgenommenen Absurditäten in den Kunstwerken nicht vom Künstler stammten, sondern vielmehr die eigenen Torheiten und Wahnvorstellungen der Menschheit widerspiegelten. Sigüenza betrachtete Boschs Gemälde als gemalte Satiren, die scharfe Kritik an menschlichen Sünden und irrationalem Verhalten übten.

Hieronymus Bosch, Der heilige Johannes der Täufer in Meditation , um 1489. Öl auf Holz, 48,5×40 cm. Lázaro Galdiano Museum, Madrid.

Frühes Leben und Ausbildung

Jheronimus Anthonissen van Aken wurde ungefähr zwischen 1450 und 1456 geboren (das genaue Geburtsdatum bleibt ungewiss, wurde aber anhand eines Selbstporträts aus der Zeit um 1508 geschätzt). Er war der Sohn von Antonius van Aken und Aleid van der Mynnem und wurde in einem wohlhabenden Haushalt in der Residenz seines Großvaters in der wohlhabenden und kulturell lebendigen Stadt 's-Hertogenbosch geboren, die zum Herzogtum Brabant in den Niederlanden gehörte . Sein Großvater, Johannes Thomaszoon van Aken, war ein hochgeschätzter Maler im ’s-Hertogenbosch des frühen 15. Jahrhunderts und hinterließ ein bemerkenswertes künstlerisches Erbe, da vier seiner fünf Kinder, darunter Antonius, ebenfalls Maler wurden.

Abgesehen von diesen Details ist nicht viel über Boschs frühe Jahre bekannt, außer der Tatsache, dass im Jahr 1463 ein verheerender Brand rund 4.000 Häuser in ’s-Hertogenbosch zerstörte. Es wird vermutet, dass Bosch Zeuge dieses verheerenden Ereignisses war, das wahrscheinlich tiefgreifende Auswirkungen auf ihn hatte. Die Kunsthistorikerin Claire Selvin vermutet, dass dieser tragische Vorfall Boschs spätere Kunstwerke beeinflusst haben könnte, von denen einige im Hintergrund wütende Feuer zeigen, was den bleibenden Eindruck des zerstörerischen Ereignisses auf den Künstler widerspiegelt.

Als junger Mann nahm Jheronimus den Namen Bosch als Hommage an seine Heimatstadt an, die vor Ort als Den Bosch oder „der Wald“ bekannt war. Leider ist über seine Ausbildung nur sehr wenig bekannt, da er keine Notizbücher, Briefe oder andere Artefakte hinterlassen hat. Aus städtischen Aufzeichnungen von s-Hertogenbosch aus dem Jahr 1475 geht jedoch hervor, dass Hieronymus als Mitglied der Werkstatt seines Vaters aufgeführt wurde. Man kann davon ausgehen, dass ihm sein Vater, möglicherweise mit Unterstützung eines seiner Onkel, die Kunst des Malens beibrachte. Trotz dieses Wissens bleiben die Ursprünge von Boschs außergewöhnlicher Vorstellungskraft unklar.

Um 1480-81 heiratete Bosch Aleid van der Mervenne, die Tochter eines Kaufmanns. Aleid, die älter als Bosch war, brachte ein beträchtliches Erbe mit, darunter einen Familienbesitz in der nahegelegenen Stadt Oirschot, wo sie sich niederließen. Man geht davon aus, dass Bosch sich nie weit von seiner unmittelbaren Umgebung entfernte und keine ausgedehnten Reisen unternahm. Laut Salvin profitierte Bosch durch Fischer von den finanziellen Mitteln, dem Land und dem sozialen Status, die mit der Heirat einhergingen. Kurz nach ihrer Vereinigung gründete Bosch seine eigene Werkstatt und markierte damit einen bedeutenden Wendepunkt in seiner Karriere als unabhängiger Künstler. Dadurch konnte er Kontakte zu einflussreichen Gönnern, darunter auch dem Königshaus, knüpfen.

Im Jahr 1486 wurden Boschs Name und Beruf in den Stadtunterlagen von s-Hertogenbosch verzeichnet und ihn als Insignis Pictor oder „Herausragender Maler“ bezeichnet. Da s-Hertogenbosch unter der Herrschaft des Römischen Reiches stand, lässt sich vermuten, dass Bosch wahrscheinlich mit der Kunst der Renaissance vertraut war, die einen Einfluss auf die flämischen Maler hatte. Im Alter von etwa 40 Jahren, im Jahr 1488, trat Bosch der Bruderschaft Unserer Lieben Frau bei, einer äußerst konservativen religiösen Vereinigung, die aus etwa 40 einflussreichen Bürgern von ’s-Hertogenbosch und 7.000 über ganz Europa verstreuten „äußeren Mitgliedern“ bestand. Die Bruderschaft, der Boschs Vater einst als künstlerischer Berater gedient hatte, widmete sich der Jungfrau und genoss im gesamten katholischen Europa großen Respekt. Man geht davon aus, dass einige der frühesten Aufträge Boschs für Andachtskunstwerke von der Bruderschaft stammten, es ist jedoch ungewiss, ob eines dieser Werke bis heute erhalten ist.

In Bezug auf eines von Boschs frühen bekannten Werken, die Kreuzigung mit Heiligen und Spender (ca. 1485–1490), weist Fischer darauf hin, dass der ursprüngliche Ausstellungsort zwar unbekannt ist, das Gemälde jedoch einem typischen Zweck diente, nämlich die Erlösung des hier abgebildeten Spenders sicherzustellen Basis des Kreuzes, ähnlich wie bei anderen Andachtskunstwerken dieser Zeit. Dieses besondere Gemälde unterscheidet sich etwas vom Rest von Boschs Werk, das oft exzentrische, verwirrende und beunruhigende Kompositionen aufweist. Später wandte Bosch seinen unverwechselbaren Stil jedoch auf verschiedene religiöse Themen an.

Der Kunstkritiker Tim Smith-Laing stellt jedoch die Vorstellung in Frage, dass Bosch in irgendeiner Weise ein Außenseiter oder unkonventionell war. Während einige spekulative Forschungen in den 1940er Jahren versuchten, ihn mit einem ketzerischen Sexkult namens „Adamiten“ in Verbindung zu bringen, und es in den 1960er Jahren Hinweise gab, dass er durch den Verzehr von mit Mutterkorn kontaminiertem Weizen Halluzinationen erlebt haben könnte, zeichnet die gängige akademische Meinung ein viel konventionelleres Bild. Es gibt keine Beweise, die diese Theorien stützen, und es wird allgemein angenommen, dass Bosch ein angesehenes und wohlhabendes Mitglied der Gesellschaft war und dem orthodoxen Katholizismus angehörte. Er war als Andachtsmaler sehr gefragt und von verschiedenen Auftraggebern begehrt.

Hieronymus Bosch, Der Heuwagen von Hieronymus Bosch , um 1516. Öl auf Holz, 135×200 cm. Prado-Museum, Madrid.

Reifezeit

Während sich andere nordeuropäische Künstler auf die Darstellung biblischer Erzählungen konzentrierten, näherte sich Bosch dem gleichen Thema auf bemerkenswert originelle und eindeutige Weise, die in scharfem Kontrast zum vorherrschenden harmonischen flämischen Stil stand. Mit seiner lebhaften Fantasie erfand er diese Geschichten neu und verwandelte religiöse Gleichnisse in außergewöhnliche Fantasiewelten voller Absurdität und reicher kirchlicher Symbolik. In seiner lose definierten „mittleren Periode“ begann sich Boschs ikonischer Stil herauszubilden. Seine Kunstwerke zeigten verzerrte und verzerrte Figuren, leuchtende Farben, übergroßes und bedrohliches Blattwerk sowie verschiedene Teufel und Reptilien. In dieser Zeit schuf er Werke wie „Der heilige Hieronymus beim Gebet“ (ca. 1485–90), „Der heilige Johannes der Täufer in Meditation“ (1490) und das Altarbild „Der heilige Johannes auf Patmos“ (1490–95). wurde von der Bruderschaft Unserer Lieben Frau in Auftrag gegeben.

Es ist jedoch das Triptychon der Anbetung der Könige (1494), das oft als sein erstes wahres Meisterwerk angesehen wird. Dieses von Peeter Scheyfve und Agneese de Gramme aus Antwerpen in Auftrag gegebene Werk, das die Messe des Heiligen Gregor darstellt, festigte Boschs Ruf, auch wenn es später von seinem anerkannten Stil abwich. Wie Smith-Laing feststellte: „Als Bosch 1516 starb, war er bereits einer der berühmtesten Maler seiner Zeit und wurde bald zu einem der am meisten nachgeahmten und kopierten Künstler. In den 1530er Jahren ... eine ganze Schule von Maler in Antwerpen widmeten sich genau diesem Zweck und kristallisierten Boschs visionäres Bild heraus. Smith-Laing betont, dass sich „moderne Marketingprofis“, als sie sich für Boschs Werk interessierten, in erster Linie auf ihn als Schöpfer höllischer und teuflischer Bilder konzentrierten und dabei oft seine ruhigeren und nachdenklicheren Werke wie die Anbetung der Heiligen Drei Könige übersahen.

Letzte Periode

Zweifellos gilt „Der Garten der Lüste“ (1490–1510) als Boschs großartigstes Meisterwerk und sein bekanntestes Werk. Tatsächlich ist dieses Gemälde für viele Menschen die einzige Verbindung, die sie mit seinem Namen haben. Zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere hatte Boschs Stil seinen Höhepunkt erreicht und zeigte seinen reifen künstlerischen Ausdruck. Das Kunstwerk stellt ein irdisches Paradies dar, in dem die Erschaffung und Versuchung der Frau mit zutiefst beunruhigenden und verstörenden Szenen der Ausschweifung und des Hedonismus konfrontiert werden.

Die traumhafte und alptraumhafte Qualität des Gemäldes hat einen legendären Status erlangt, gefüllt mit zahlreichen winzigen nackten menschlichen Figuren, verzerrten Tieren und bedrohlichen Kreaturen, die scheinbar aus den Tiefen der grenzenlosen Fantasie des Künstlers entstanden sind. Laut dem Oxford Dictionary of Art and Artists besitzen Werke wie „The Garden of Earthly Delights“ zwar eine unglaublich lebendige Vorstellungskraft und beinhalten komplizierte Erzählungen und Symbole, die zugrunde liegenden Themen können jedoch täuschend geradlinig sein und oft in der Populärkultur der Bosch-Ära verwurzelt sein , darunter Sprichwörter und Andachtsliteratur. Das Wörterbuch weist auch darauf hin, dass die von ihm gemalten monströsen Figuren optisch Ähnlichkeit mit den seltsamen Kreaturen aufweisen, die häufig am Rand mittelalterlicher Manuskripte zu finden sind, und mit den grotesken Wasserspeiern, die gotische Architektur schmücken. Tatsächlich gibt es sogar in der Kathedrale in 's-Hertogenbosch bemerkenswerte Beispiele dieser Wasserspeier.
Zusätzlich zu Boschs Beschäftigung mit der Dualität von Gut und Böse im Universum Gottes zeigt er eine bemerkenswerte Fähigkeit, kompositorische Harmonie und eine akribische Liebe zum Detail zu erreichen, die mit denen der Maler der Renaissance mithalten können. Der renommierte Kunsthistoriker EH Gombrich bemerkte in Bezug auf den Garten der Lüste, dass Bosch etwas Beispielloses geschafft habe: den Ängsten, die die Menschen im Mittelalter geplagt hatten, eine greifbare Form zu geben. Diese Leistung wurde durch die Kombination des anhaltenden Einflusses alter Ideen und der künstlerischen Techniken des modernen Geistes der Renaissance ermöglicht.

Das Narrenschiff, von dem angenommen wird, dass es ursprünglich Teil eines Triptychons war, wird weithin als Reaktion auf die Veröffentlichung von Sebastian Brants äußerst populärem gleichnamigen satirischen Buch im Jahr 1494 angesehen. Ähnlich wie Brant nutzte Bosch das Schiff (eigentlich ein kleines Boot). ) und seine Passagiere als Metapher für eine moralisch korrupte Gesellschaft als Ganzes. Die Versammlung ausgelassener Nachtschwärmer zeigt einmal mehr, wie Bosch Sünde mit Musik in Verbindung bringt, auch wenn unklar bleibt, warum ein Mönch und eine Nonne in dieser Szene für die musikalische Unterhaltung sorgen. Der überlange Mast des Schiffes ist mit einem großen Ast gekrönt, auf dem eine Eule sitzt, die die Sünde symbolisiert, ein wiederkehrendes Motiv in Boschs Werken. Einige Historiker haben spekuliert, dass die Figur des „Baummanns“ auf der Höllentafel von „Der Garten der Lüste“ ein Selbstporträt des Künstlers war, aber das einzige bestätigte Selbstporträt ist eine Zeichnung aus dem Jahr 1508. Es wird angenommen, dass es sich um diese Zeichnung handelt Die Bilder, die acht Jahre vor Boschs Tod entstanden sind, deuten möglicherweise darauf hin, dass sich der Künstler seines fortschreitenden Alters bewusst war und sein künstlerisches Erbe etablieren wollte. Die Bruderschaft Unserer Lieben Frau berichtete, dass Bosch im Jahr 1516 starb und am 9. August in der St.-Johannes-Kirche in 's-Hertogenbosch eine Trauerfeier für ihn abgehalten wurde.

Trotz seines unbestrittenen Platzes in der Kunstgeschichte besteht Boschs Gesamtwerk nur aus etwa 25 Gemälden und acht Zeichnungen. Ein Grund für diese begrenzte Produktion wird auf die Welle der Zerstörung von Kunstwerken zurückgeführt, die während der protestantischen Reformation im 16. Jahrhundert als unmoralisch galten. Sechs seiner Werke wurden Ende des 16. Jahrhunderts von Philipp II. von Spanien erworben oder beschlagnahmt (heute im Museo del Prado in Madrid untergebracht), während andere in ganz Europa auftauchten, was zu einer fragmentierten und unvollständigen historischen Aufzeichnung eines seiner Werke führte außergewöhnlichsten Künstler der Geschichte.

Hieronymus Bosch, Das Jüngste Gericht , um 1486. Öl auf Holz, 99×117,5 cm. Groeningemuseum, Brügge.

Funktioniert

Bosch schuf insgesamt mindestens sechzehn Triptychen, von denen acht vollständig erhalten geblieben sind, während weitere fünf in fragmentierter Form existieren. Sein Gesamtwerk lässt sich in drei Perioden einteilen: die frühe Periode (ca. 1470–1485), die mittlere Periode (ca. 1485–1500) und die späte Periode (ca. 1500 bis zu seinem Tod). Die meisten von Boschs erhaltenen Gemälden, insgesamt dreizehn, wurden in der Spätzeit fertiggestellt, sieben davon werden seiner mittleren Schaffensperiode zugeschrieben. Forscher des Bosch Research and Conservation Project führten dendrochronologische Untersuchungen an den Eichentafeln durch, was zu einer genaueren Datierung der meisten Gemälde von Bosch führte.

Im Gegensatz zu den glatten Oberflächen, die durch mehrere transparente Lasuren im traditionellen flämischen Malstil erzielt wurden, verwendete Bosch in seinen Werken manchmal einen skizzenhafteren Ansatz. Seine Gemälde zeichneten sich durch raue Oberflächen mit pastosen Techniken aus und entsprachen damit dem Wunsch zeitgenössischer niederländischer Maler, ihre Pinselführung zu verbergen und ihre Werke als göttliche Schöpfungen darzustellen.

Obwohl Bosch seine Gemälde nicht konsequent datierte, signierte er einige von ihnen, obwohl bestimmte angebliche Signaturen nicht authentisch sind. Ungefähr fünfundzwanzig Gemälde, die Bosch zugeschrieben werden, sind heute noch erhalten. Im späten 16. Jahrhundert erwarb Philipp II. von Spanien viele Werke von Bosch, was dazu führte, dass das Prado-Museum in Madrid heute bemerkenswerte Stücke wie die Anbetung der Könige, den Garten der Lüste, die sieben Todsünden und die vier letzten Dinge beherbergt (Tischgemälde) und Das Heuwagen-Triptychon.

Für die Malerei seiner Werke auf Eichenholztafeln nutzte Bosch vor allem Öl als Medium. Seine Palette war relativ zurückhaltend und bestand aus den zu seiner Zeit üblichen Pigmenten. Für blaue Himmel und ferne Landschaften verwendete er oft Azurit. Grüne Farbtöne in seinen Gemälden wurden durch kupferbasierte Glasuren und Farben aus Malachit oder Grünspan erzielt, die zur Darstellung von Blattwerk und Vordergrundlandschaften verwendet wurden. Für die Figuren seiner Kompositionen verwendete Bosch Blei-Zinn-Gelb, Ocker und rote Lackpigmente wie Karmin oder Krapplack.  

Hieronymus Bosch, Versuchung des Heiligen Antonius , um 1500-1525. Öl auf Holz, 70×51 cm. Prado-Museum, Madrid.

Einige Interpretationen

Im 20. Jahrhundert, als sich der künstlerische Geschmack weiterentwickelte, erlangten Künstler wie Bosch größere Akzeptanz in der europäischen Kunstszene. Während dieser Zeit argumentierten einige, dass Boschs Kunst von ketzerischen Überzeugungen beeinflusst wurde, die mit Gruppen wie den Katharern oder den Adamiten in Verbindung gebracht wurden, sowie von obskuren hermetischen Praktiken. Diese Perspektive fand Unterstützung darin, dass Erasmus, der Verbindungen zur fortschrittlichen religiösen Atmosphäre in ’s-Hertogenbosch und den Brüdern des gemeinsamen Lebens hatte, in seinen kritischen Schriften Ähnlichkeiten mit Bosch aufwies.

Auf der anderen Seite gab es diejenigen, die eine Interpretation von Boschs Werk fortführten, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreichte und darauf hinwies, dass seine Kunst in erster Linie dazu gedacht war, zu unterhalten und zu fesseln, ähnlich den „Grotteschi“ der italienischen Renaissance. Während frühere Meister die physische Welt alltäglicher Erfahrungen darstellten, präsentierte Bosch seinen Betrachtern ein Reich der Träume und Albträume, in dem sich Formen zu verändern und zu verwandeln schienen. Felipe de Guevara beschrieb ihn in einem der frühesten Berichte über Boschs Gemälde als „Erfinder der Monster und Chimären“. In ähnlicher Weise charakterisierte Karel van Mander, ein Künstler-Biograf des frühen 17. Jahrhunderts, Boschs Werk als eine Sammlung wunderbarer und eigenartiger Fantasien, die oft eher beunruhigend als angenehm anzusehen seien.

In den letzten Jahren haben Wissenschaftler Boschs künstlerische Vision neu bewertet und sie als weniger fantastisch angesehen, da sie erkannt haben, dass seine Kunst die vorherrschenden orthodoxen religiösen Überzeugungen seiner Zeit widerspiegelt. Seine Darstellungen menschlicher Sündhaftigkeit sowie seine Darstellungen von Himmel und Hölle gelten heute als im Einklang mit den moralischen Lehren, die in spätmittelalterlicher Literatur und Predigten zu finden sind. Es ist allgemein anerkannt, dass Boschs Kunst bestimmte moralische und spirituelle Wahrheiten vermitteln sollte, ähnlich wie andere Persönlichkeiten der nördlichen Renaissance wie der Dichter Robert Henryson. Es wird davon ausgegangen, dass seine Bilder bewusste und präzise symbolische Bedeutungen haben. Wissenschaftler, darunter Dirk Bax, weisen darauf hin, dass Boschs Gemälde oft verbale Metaphern und Wortspiele aus biblischen und folkloristischen Quellen in visuelle Form übersetzen.

Allerdings werfen die unterschiedlichen Interpretationen von Boschs Werken erhebliche Fragen über die Natur der Ambiguität in der Kunst seiner Zeit auf. In den letzten Jahren haben Kunsthistoriker die Präsenz von Ironie in Boschs Werken hervorgehoben, insbesondere in „Der Garten der Lüste“, sowohl auf der mittleren Tafel, die Freuden darstellt, als auch auf der rechten Tafel, die die Hölle darstellt. Sie schlagen vor, dass diese Ironie ein Gefühl der Distanzierung sowohl von der realen Welt als auch von der gemalten Fantasiewelt ermöglicht und sowohl konservative als auch progressive Betrachter anspricht.

Joseph Koerner fügt der Diskussion eine weitere Ebene hinzu, indem er darauf hinweist, dass die kryptischen Qualitäten in Boschs Werk auf seinen Fokus auf soziale, politische und spirituelle Feinde zurückzuführen sind. Die von Bosch verwendete Symbolik ist bewusst undurchsichtig, da sie darauf abzielt, diese Feinde zu verbergen oder ihnen zu schaden.

Eine 2012 durchgeführte Studie legt nahe, dass sich in Boschs Gemälden auch ein starkes nationalistisches Bewusstsein verbirgt, das als Kritik an der ausländischen kaiserlichen Regierung der Burgundischen Niederlande, insbesondere an Maximilian Habsburg, dient. Laut der Studie spiegelt Boschs Verwendung vielschichtiger Bilder und Konzepte auch seine eigene Selbstbestrafung wider, da er gut bezahlte Aufträge von den Habsburgern und ihren Vertretern annahm und damit das Andenken an Karl den Kühnen verriet.

Debatten über Zuschreibung

Die genaue Anzahl der erhaltenen Werke, die Bosch zugeschrieben werden, war unter Wissenschaftlern Gegenstand zahlreicher Debatten. Nur sieben Gemälde tragen seine Signatur, und es besteht Unsicherheit hinsichtlich der Echtheit einiger Werke, die ihm zuvor zugeschrieben wurden. Ab dem frühen 16. Jahrhundert verbreiteten sich Kopien und Variationen seiner Gemälde, und sein unverwechselbarer Stil hatte einen erheblichen Einfluss und führte zu weitverbreiteter Nachahmung bei seinen zahlreichen Anhängern.

Im Laufe der Zeit haben Wissenschaftler immer weniger Werke Bosch zugeschrieben, da Fortschritte in der Technologie, wie etwa die Infrarotreflektographie, eine tiefergehende Untersuchung der Unterzeichnung eines Gemäldes ermöglichten. Kunsthistoriker des frühen und mittleren 20. Jahrhunderts wie Tolnay und Baldass identifizierten zunächst zwischen dreißig und fünfzig Gemälde als Werke von Bosch. In einer späteren Monographie von Gerd Unverfehrt aus dem Jahr 1980 wurden ihm 25 Gemälde und 14 Zeichnungen zugeschrieben.

Anfang 2016 wurde nach umfangreichen forensischen Untersuchungen des Bosch Research and Conservation Project „The Temptation of St. Anthony“, eine kleine Tafel im Nelson-Atkins Museum of Art, Bosch selbst zugeschrieben, wodurch die frühere Zuordnung zu seiner Werkstatt aufgehoben wurde . Das Bosch Research and Conservation Project hat auch Fragen zur Urheberschaft zweier bekannter Gemälde aufgeworfen, „Die sieben Todsünden“ im Prado-Museum und „Christus trägt das Kreuz“ im Museum der Schönen Künste in Gent, was darauf hindeutet, dass sie möglicherweise von ihm ausgeführt wurden Boschs Werkstatt und nicht vom Künstler persönlich.

Top 5 Kunstwerke

Hieronymus Bosch, Die sieben Todsünden und die vier letzten Dinge , ca. 1500. Öl auf Holz, 120 cm × 150 cm. Prado-Museum, Madrid.

Die sieben Todsünden und die vier letzten Dinge (um 1500)

Bosch setzt seine Auseinandersetzung mit dem Thema des Jüngsten Gerichts fort und zeigt in seinem Gemälde die sieben Todsünden, die einzeln um einen zentralen Kreis angeordnet sind, wobei Christus aus einem Grab kommt. Die vier letzten Dinge – Tod, Gericht, Himmel und Hölle – nehmen die Ecken ein. Unterhalb von Christus warnt ein Text: „Hüte dich, hüte dich, der Herr sieht es.“ Eine Banderole oben zitiert Deuteronomium 32:28 und betont die Torheit der Unverständigen, während die Banderole unten Deuteronomium 32:20 zitiert und damit darauf hinweist, dass Gott sich von ihnen abwendet. Wenn man vom Gemälde zurücktritt, offenbart sich seine Symbolik: Ein großer zentraler Kreis stellt Jesus als das allsehende Auge Gottes dar, umgeben von einem kleineren Kreis, der die sieben Todsünden darstellt.

Die Darstellung der letzten Dinge spiegelt die Phasen wider, die die Seele vermutlich nach dem Tod durchläuft. „Tod“ zeigt beispielsweise einen sterbenden Mann, der seine letzten Ölungen erhält, während ein Skelett, ein Teufel und ein Engel auf seinen Tod warten, was den letzten Todesstoß, den Kampf um seine Seele und das Leben nach dem Tod symbolisiert. Im „Himmel“ beschützt ein Engel eine Frau vor einem Teufel, während Jesus und seine Engel auf die Ankunft der Gerechten warten. Innerhalb des Kreises der Todsünden zeigen Szenen wie „Wrath“ verfeindete Bauern, die sich gegenseitig angreifen, „Envy“ zeigt eine Frau, die von einem reichen Mann in Versuchung geführt wird, während ihre neidischen Eltern zuschauen, und „Pride“ zeigt eine eitle Frau, die sich selbst in einem Kleid bewundert Spiegel, der vom Teufel gehalten wird.

Das Gemälde befindet sich im Museo del Prado in Madrid, wo es als Originalkunstwerk von Bosch ausgestellt ist. Es gibt jedoch einige Debatten über seine Zuschreibung, obwohl man sich allgemein darüber einig ist, dass es in seiner Werkstatt geschaffen wurde. Das Gemälde trägt Boschs Namen, es gibt jedoch Hinweise darauf, dass ein Schüler dazu beigetragen haben könnte und möglicherweise aus Respekt oder um den Wert zu steigern, den Namen Boschs hinzugefügt hat. Angesichts der ungleichmäßigen Qualität der gemalten Figuren und der Ähnlichkeit mit Boschs späteren Werken, die sich durch eine breite Pinseltechnik auszeichnen, wie beispielsweise Das Heuwagen-Triptychon, geht das Museo del Prado davon aus, dass Bosch einige Szenen malte, während ein Lehrling an anderen arbeitete.

Hieronymus Bosch, Das Heuwagen-Triptychon, ca. 1516. Ölfarbe auf Eichenholzplatten, 135 cm × 200 cm. Prado-Museum, Madrid.

Das Heuwagen-Triptychon (ca. 1512-15)

Die Außentüren des Triptychons zeigen eine lebendige und farbenfrohe Szene, die als „Pilgerfahrt des Lebens“ bekannt ist und von dem früheren Grisaille-Stil abweicht, der typischerweise in Boschs Außentafeln zu sehen war. Die Kunstkritikerin Ingrid D. Rowland interpretiert die Figur auf den Außentafeln als einen Jedermann, der die Herausforderungen darstellt, denen man sich auf dem physischen und spirituellen Weg durch das Leben gegenübersieht. Es wird betont, dass beständiger Glaube und Wachsamkeit notwendig sind, um den tückischen Weg der Existenz zu bewältigen. Dieses Thema der Pilgerfahrt und der potenziellen Gefahren des Lebens lässt die sich entfaltende Erzählung der Sünde in den drei Innentafeln erahnen.

Die erste Innentafel zeigt die Vertreibung ungehorsamer Engel aus dem Garten Eden als Strafe für ihre Sünden. Diese rebellischen Engel verwandeln sich in insektenähnliche Figuren und erinnern an die Bilder im ersten Teil des Jüngsten Gerichts. Die zentrale Tafel zeigt den Abstieg der Menschheit in eine sündige Welt unter dem wachsamen Auge Christi, des Erlösers. Am unteren Bildrand stehen ehrliche und bescheidene Arbeiter und Eltern denen gegenüber, die von Gier verzehrt werden und hektisch nach Heu greifen, ohne sich der Tatsache bewusst zu sein, dass der Heuwagen von teuflischen Chauffeuren direkt in die Hölle gefahren wird. Im letzten Panel präsentiert Bosch seine beispiellose Vision der Hölle, die als noch im Bau befindliche Darstellung dargestellt wird. Die Baumeister des Teufels sind damit beschäftigt, einen runden Turm zu errichten, während die teuflischen Wagenführer die Sünder zu ihrer neuen Behausung bringen.

Die Kunsthistorikerin Pilar Silva interpretiert das Stück als Beispiel dafür, wie Menschen, unabhängig von ihrer sozialen Klasse oder Herkunft, von dem Verlangen nach materiellen Besitztümern besessen werden und sich dadurch anfällig für Täuschung und Verführung durch den Teufel machen. Bosch weist darauf hin, dass der Verzicht auf irdische Güter und sinnliche Freuden notwendig sei, um der ewigen Verdammnis zu entgehen. Das Gemälde bietet eine andere Art von Beispiel, da es sich nicht nur darauf konzentriert, Gutes zu tun, sondern auch darauf, Böses zu vermeiden und sich ein Leben lang an diesen Grundsatz zu halten. Während die meisten Gelehrten das Heuwagen-Triptychon in religiösen und moralistischen Begriffen interpretieren, schlug der Kunsthistoriker Wilhelm Fränger eine alternative Theorie vor, die besagte, dass diese „Sünder“-Triptychen eher von einem Mysterienkult als von der katholischen Kirche in Auftrag gegeben wurden.

Hieronymus Bosch, Anbetung der Könige , ca. 1485-50. Öl auf Holz, 138 cm × 144 cm. Prado-Museum, Madrid.

Die Anbetung der Könige ( um 1494)

Boschs Triptychon bietet einen ersten Einblick in die brillant originelle und moralisch komplexe Vision des Künstlers, wie sie in der Geschichte der Heiligen Drei Könige (oder Heiligen Drei Könige), die das Christkind anbeten, dargestellt wird. Das nackte Jesuskind sitzt auf dem Schoß der Jungfrau Maria, während die Heiligen Drei Könige mit königlicher Würde näherkommen. Die Kunsthistorikerin Pilar Silva weist auf den Einfluss von Jan van Eyck in der Darstellung von Maria und Jesus hin, während Bosch sein malerisches Können in den luxuriösen Gewändern und Opfergaben der Heiligen Drei Könige unter Beweis stellt. Sein meisterhafter Einsatz feiner Pinselstriche zur Erzeugung von Highlights lässt den Eindruck fein gezeichneter Details entstehen.

Im Gegensatz zu den typischen Dreikönigserzählungen des 15. Jahrhunderts zeigt Boschs Gemälde respektlose und neugierige Bauern oder Hirten (die die Israeliten darstellen). Sie stehen als Zuschauer da und spähen hinter einer beschädigten Stallwand oder sogar vom Dach hervor.

Eines der markantesten „boschischen“ Elemente des Gemäldes ist die bärtige Figur, die im Stall hinter den Heiligen Drei Königen steht. Silva beschreibt ihn als den Antichristen, gekleidet in einen Umhang, der seinen Körper kaum bedeckt, und mit einem transparenten Schleier darunter. Die Figuren in der Hütte mit ihm, darunter eine Frau, die an Leonardos Karikaturen erinnert und einen Kopfschmuck trägt, der an Dämonen in Boschs Werken erinnert, strahlen einen grotesken und unheimlichen Ausdruck aus.

In der Landschaft identifiziert Silva ein Haus mit einer Flagge, auf der ein Schwan und ein Taubenschlag abgebildet sind, was darauf hindeutet, dass es sich um ein Bordell handelt. Sie bemerkt auch einen Mann, der ein Pferd zieht, auf dem ein Affe reitet, der Lust symbolisiert, und sich auf das Bordell zubewegt. Das Gefühl der Bedrohung im Gemälde wird im Mittelgrund noch verstärkt, wo zwei Armeen zu Pferd angreifen. Sie werden als Soldaten des Herodes mit orientalischen Kopfbedeckungen identifiziert und auf der Suche nach Jesus dargestellt, um ihn zu töten. Die Stadt am Horizont stellt Bethlehem dar, und Bosch lässt seiner Fantasie freien Lauf, indem er den Gebäuden ein orientalisches Aussehen verleiht und eine Windmühle direkt außerhalb der Stadtmauern positioniert.

Hieronymus Bosch, Das Jüngste Gericht , ca. 1482. Öl-auf-Holz-Triptychon, 163,7 cm × 242 cm. Akademie der bildenden Künste, Wien.

Das Jüngste Gericht (1482-1505)

In der mittelalterlichen Kirche nahm das Konzept des Jüngsten Gerichts einen herausragenden Platz ein, da es den Gläubigen den Glauben einflößte, dass die Angst vor der ewigen Verdammnis im Feuer der Hölle es sicherlich tun würde, wenn nicht einmal Gott sie von der Sünde abhalten könnte. Diese Erzählung wurde in zahlreichen Predigten und Büchern wiederholt, aber Boschs einzigartige Vision präsentierte sie stets als apokalyptisches Szenario. Die World History of Art-Enzyklopädie hebt einen Vergleich zwischen Boschs Behandlung der Erschaffung Evas und Michelangelos Komposition in der Sixtinischen Kapelle hervor und stellt fest, dass beide Werke zwar etwa zur gleichen Zeit entstanden, aber sehr unterschiedliche Gefühle hervorrufen. Bosch spiegelte die untergehende Ära des Mittelalters in Nordeuropa wider und hatte ein starkes Gespür für die Realität des Höllenfeuers, während Michelangelo während der blühenden italienischen Hochrenaissance den menschlichen Aspekt der Geschichte betonte.

Dieses besondere Werk, übrigens das größte von Bosch, zeigt die charakteristische erhabene pastose Pinselführung des Künstlers und stellt damit die vorherrschende Technik flämischer Maler in Frage, die Transparenz und einen gleichmäßigen Farbauftrag bevorzugten. Hier kommt Boschs stinkende Fantasie voll zur Geltung und zeigt seine Faszination für das Thema der Metamorphose, etwa Engel, die sich in Insekten verwandeln, eine Frau mit eidechsenähnlichen Beinen, eine Maus, die sich in ein Stachelschwein verwandelt (oder umgekehrt), und eine groteske Hexe Menschen am Spieß braten. Im Gegensatz zu vielen seiner anderen Werke konzentriert sich dieses Triptychon jedoch ausschließlich auf Himmel und Hölle und vernachlässigt die Darstellung eines Zwischenortes wie des Fegefeuers, wo Seelen traditionell die Möglichkeit hatten, über ihre Taten nachzudenken, bevor ihr endgültiges Schicksal in Erlösung oder Verdammnis feststand.

Es gibt unterschiedliche Interpretationen von Boschs Kunst. Einige deuten darauf hin, dass er von ketzerischen Ideen beeinflusst wurde, andere schlagen vor, dass er die vorherrschenden Ängste seiner Zeit kanalisierte, und wieder andere halten ihn für einen „Populisten“ oder Entertainer, der eine der größten Moralgeschichten der Bibel präsentierte eine absurde Perspektive (eine Ansicht, die besonders von den Surrealisten bevorzugt wurde). Unabhängig von der Interpretation betont die World History of Art, dass die in Boschs Werken dargestellte vertraute Geschichte sowohl von ungebildeten Bauern als auch von gebildeten Bürgern der damaligen Zeit leicht verstanden und die zugrunde liegende Botschaft geglaubt worden wäre. Es wird jedoch anerkannt, dass einige von Boschs Bildern beunruhigend neu und belastend gewesen sein müssen und möglicherweise sogar Gefühle der Verzweiflung hervorgerufen haben.

Hieronymus Bosch, Der Garten der Lüste , 1490-1510. Öl auf Eichenholzplatten, 205,5 cm × 384,9 cm. Museo del Prado, Madrid.

Der Garten der irdischen Freude (1490-1510)

Boschs berühmtestes Kunstwerk wurde anlässlich der Hochzeit der Tochter des Grafen Heinrich II. von Nassau in Brüssel in Auftrag gegeben. Das Triptychon zielte darauf ab, die „Vorteile und Gefahren“ der Ehe anhand eines biblischen Gleichnisses darzustellen. Die linke Tafel stellt Adam und Eva im Garten Eden dar, während die mittlere Tafel ein hedonistisches „Paradies“ darstellt. Die rechte Tafel präsentiert eine anschauliche Darstellung einer lodernden Hölle, die auf Sünder und Reuelose wartet. Auf dem Außengehäuse stellt Bosch in Graustufen den Ursprung der Welt dar, insbesondere den dritten Schöpfungstag, als das irdische Paradies entstand. In der oberen linken Ecke ist eine kleine Gottesfigur mit einem aufgeschlagenen Buch abgebildet, begleitet von der lateinischen Inschrift: „Denn er redete, und es geschah; er befahl, und es blieb standhaft.“

In der Szene im Garten Eden steht ein jugendlicher Gott der Hochzeit von Adam und Eva vor. Die himmlische Umgebung ist voller Tiere, Fabelwesen, Bäume, Wasser und einer fantastischen Struktur, die auf dem See schwimmt. Der Kunsthistoriker Wilhelm Fraenger bemerkt den physischen Kontakt zwischen Gott, Eva und Adam, der eine untrennbare Verbindung schafft, durch die göttliche Kraft fließt und einen Komplex magischer Energie bildet. Aus dieser Perspektive visualisiert die Szene die göttliche Vereinigung zwischen Mensch und Gott. Auf der Mitteltafel veranschaulicht Bosch den Fortschritt des Gartens Eden und die Entwicklung der Menschheit durch freudige Feiern und vergnügliche Aktivitäten. Auch hier umgeben fantastische Kreaturen, Pflanzen, Strukturen und organische Schoten die Figuren.

Die Nacktheit der Figuren deutet darauf hin, dass die Szene vor der Vertreibung aus dem Paradies spielt. Ihr Fokus auf sofortige Selbstbefriedigung und das Erliegen der Versuchung (symbolisiert durch das wiederkehrende Motiv der Erdbeere) lässt jedoch das Jüngste Gericht und den Abstieg in die Hölle ahnen. Bosch präsentiert eine dunkle und chaotische Landschaft ohne Flora und Fauna. Die zahlreichen Musikinstrumente symbolisieren wahrscheinlich verschiedene Formen der Sünde, wobei Dudelsäcke Lust und Sinnesfreuden symbolisieren. Im Zentrum der Szene steht sein ikonischer „Baummann“, möglicherweise ein Selbstporträt, der die Welt ähnlich wie der Künstler selbst beobachtet.

Der Garten der Lüste hat im Laufe der Jahrhunderte zu vielfältigen Interpretationen inspiriert. Es wurde vom spanischen Historiker José de Siguenza im 17. Jahrhundert als satirischer Kommentar zur sündigen Natur der Menschheit beschrieben, und im 21. Jahrhundert betrachtete die Kunsthistorikerin Pilar Silva es als eine Reflexion über die Vergänglichkeit der irdischen Eitelkeit. Die Kunsthistorikerin Claire Selvin fasste das Stück wunderschön zusammen und betonte Boschs Vorliebe für Humor und Absurdität. Sie betonte die verzerrten und akrobatischen Posen der nackten Figuren, die Teilnahme von Vögeln und Tieren an der erotischen Ausgelassenheit und das Vorhandensein anschmiegsamer Muscheln und Gehäuse in verschiedenen Formen und Farben. Sogar in den makabren Szenen der Zerstörung auf der rechten Seite des Triptychons ist Leichtigkeit zu finden, wobei riesige Ohren mit Messern und monumentale Musikinstrumente als Foltergeräte dienen. Mehr als 500 Jahre nach seiner Entstehung fasziniert und unterhält The Garden of Earthly Delights weiterhin Kunsthistoriker und Kunstliebhaber und zeigt Boschs grenzenlose Fantasie.

Vermächtnis

Zu Boschs Lebzeiten wurden seine Kunstwerke in verschiedenen europäischen Ländern gesammelt, was ihm große Bewunderung einbrachte und zahlreiche Studenten und Anhänger inspirierte. Insbesondere Pieter Bruegel der Ältere, auch „Zweiter Hieronymus“ genannt, wurde stark von Boschs Herangehensweise an die Landschaftsmalerei beeinflusst. Während das Interesse an Boschs Werk in den folgenden Jahrhunderten abnahm (außer in Spanien), erlebte er in der Neuzeit ein Wiederaufleben. Sein Einfluss erstreckte sich auf die surrealistische Bewegung und auf Künstler wie Max Ernst, René Magritte und insbesondere Salvador Dalí, der sogar behauptete, Bosch sei der erste moderne Künstler gewesen. Die markante Felsformation, die Dalís Gesicht in seinem berühmten Gemälde „Der große Masturbator“ (1929) ähnelt, wurde von einer ähnlichen Formation inspiriert, die im linken Teil von „Der Garten der Lüste“ zu finden ist. Nachdem Leonora Carrington 1939 Boschs Werke im Museo del Prado kennengelernt hatte, ließ sie sich auch von seinen berühmten Kompositionen inspirieren. In ihrem Kunstwerk The Giantess (1947) integrierte Carrington Jäger in eine unheimliche Landschaft mit geflügelten Fischen und Seefahrern, die in einem ozeanähnlichen Himmel schweben, was an die von Bosch dargestellten Landschaften erinnert.

Der Kunstkritiker Alastair Sooke betont die anhaltende Faszination für Boschs Werk, insbesondere aufgrund seines apokalyptischen Tons, der im Kontext globaler Konflikte und des internationalen Terrorismus mitschwingt. Hinweise auf Boschs Kunst finden sich in verschiedenen Medien, darunter Filmen, Fernsehsendungen, Videospielen, Büchern und sogar Modekollektionen. Der Kunstkritiker Tim Smith-Laing fügt hinzu, dass, wenn überhaupt, nur wenige von Boschs Zeitgenossen einen so dauerhaften Ruhm vorweisen können. Seine Kunstwerke ziehen weiterhin ein großes Publikum in Museen an und sein Einfluss reicht weit über traditionelle Medien hinaus. Seine Bilder erscheinen auf Gegenständen wie Büchern, T-Shirts und Postkarten bis hin zu Accessoires wie Tragetaschen, Mauspads und Handyhüllen. Es gibt sogar Dr. Martens-Stiefel mit Aufdrucken seiner Kunstwerke.

Zusammenfassung

Bosch ist wohl der außergewöhnlich innovativste und moralisch komplexeste religiöse Maler Nordeuropas und wird vor allem mit Kunstwerken in Verbindung gebracht, die eine beunruhigend lebendige und traumhafte Qualität besitzen. Trotz der begrenzten Anzahl von etwa 25 erhaltenen Originalstücken ist die in seinen Gemälden dargestellte albtraumhafte Symbolik sofort als eindeutig „boschianisch“ erkennbar und zu einem herausragenden Merkmal des grotesken Genres geworden. Während Bosch zweifellos als Bilderstürmer gilt, haben einige Historiker vermutet, dass der Künstler hinter seinen beunruhigenden Bildern tatsächlich eine zutiefst traditionelle Figur war. Entgegen einer unruhigen Denkweise bewies er eine Fähigkeit zur Subtilität und ergänzte seine grotesken Kompositionen durch sorgfältig ausgearbeitete Dekorations- und Andachtswerke, die seinen tief verwurzelten christlichen Glauben verkörperten.