Egon Schieles Selbstporträts: eine figurative Biografie

Evgen Semenyuk , Mann im Stil von Egon Schiele in weißer Maske , 2020. Öl/Acryl auf Leinwand, 40 x 30 cm.

"Kunst kann nicht modern sein. Kunst ist ur-ewig."

Mit den Worten von Egon Schiele, dem 1890 geborenen ikonischen österreichischen Maler und Grafiker, wird ein grundlegendes Konzept der Kunstgeschichte eingeführt, das darauf abzielt zu zeigen, wie sich Meisterwerke aller Zeiten als außerhalb einer tatsächlichen und begrenzten Raum-Zeit-Dimension erweisen und ihre finden Platz an einem Ort, der sie, ähnlich einer ewigen und kontinuierlichen Gegenwart, als Objekte anerkennt, die endlos betrachtet werden müssen, um sich an die höchsten Fähigkeiten der Menschheit zu erinnern, sie zu demonstrieren und zu erheben. In dieser Erzählung ohne "Termine" kommen wir nicht umhin, die in die Geschichte eingegangenen Selbstporträts des genannten Meisters zu erwähnen, sowohl als Werkzeug einer hochexpressionistischen figurativen Untersuchung als auch als Mittel, um die zu explizieren und bekannt zu machen Temperament des Künstlers, eingefangen in verschiedenen Phasen seiner Karriere. Tatsächlich stellen Schieles zahlreiche Selbstporträts, die in den Jahren zwischen 1910 und 1918 entstanden, eine authentische Auseinandersetzung mit der Gemütsverfassung des erwähnten Mannes dar und erlauben es uns, „in das Vertrauen“ eines der bekanntesten Maler des 20. Jahrhunderts zu treten Jahrhundert. Um sowohl das Werk als auch den Künstler kennenzulernen, ist es daher gut, mit dem Jahr 1910 zu beginnen, dem Datum der Ausführung von drei Meisterwerken der oben genannten Gattung: Selbstbildnis mit gestreiftem Hemd, Selbstbildnis mit heruntergezogenem Rücken ein Augenlid und Selbstporträt stehend . In der ersten Aquarellzeichnung präsentiert sich ein Schiele Anfang Zwanzig im gestreiften Hemd dem Betrachter, auch wenn er durch seinen intensiven und einnehmenden Blick „nackt“ erscheinen mag, da seine Augen uns seine Tiefe, Höhe offenbaren rebellische, neugierige und spirituelle Essenz. Aus chromatischer Sicht jedoch wiederholen sich die Farbtöne der Kleidung in denen des Protagonisten, wodurch die Komposition sowohl kompositorisch als auch chromatisch harmonisch wird. Apropos Self-Portrait Pulling Down an Eyelid , das Werk, das erneut Schieles gepflegtes Interesse am Selbstportrait offenbart, einer damals als recht ungewöhnlich geltenden figurativen Tendenz, weicht deutlich von den stilistischen Merkmalen von Klimts zuvor vorherrschendem Werk ab. Tatsächlich führt das oben erwähnte Aquarell, während es lebendige und dekorative Farben, die vom Baumgarten-Meister stammen, wiederverwendet, eine neue ausdrucksstarke Körpersprache ein, die darauf abzielt, das Gewicht der Gedanken und Gefühle des Bildnisses zu suggerieren, die sich oft auf Sorgen im Zusammenhang mit den Themen Tod, Liebe, Sex und der Prozess, Künstler zu werden. Das ebenfalls aus demselben Jahr stammende Selbstbildnis im Stehen stellt den Höhepunkt von Schieles introspektiver Wendung dar, eine Tendenz, die sich auf hochdramatische, rohe und radikale Weise in der Schmerzfratze ausdrückt, in der sich der Künstler selbst verewigt hat, um das Ziel zu verfolgen einen authentischeren und schmerzhafteren Blickwinkel auf das Leben zu offenbaren, der jetzt definitiv weit entfernt ist von dem üppigen und glitzernden Gold der Klimtschen Abstammung. Solche Phatos finden sich auch in einem späteren Aquarell, nämlich dem 1911 zuzuordnenden Selbstbildnis , in dem der Künstler in ähnlicher Pose und Haltung auftritt.

Gabriele Donelli, Porträt Egon Schiele , 2009. Acryl auf Karton, 62 x 46 cm.

Emily Starck, Egon Schiele , 2020. Acryl / Aquarell / Graphit / Öl / Collage auf Papier, 65 x 50 cm.

Was 1912 anbelangt, ist es unmöglich, Selbstbildnis mit chinesischer Laternenpflanze nicht zu erwähnen, eines der am meisten bewunderten Werke des österreichischen Künstlers, das darauf abzielt, Schieles Bild aus einer beispiellosen Perspektive einzufangen, und den Protagonisten in ein innovatives horizontales Format zerquetscht. Die Spannung, die dem Bildnis innewohnt, wird darüber hinaus noch durch die Position seines Kopfes verstärkt, der sich, nach rechts gerichtet, von seinen Augen "entfernt", die darauf bedacht sind, den in die entgegengesetzte Richtung blickenden Betrachter anzustarren. In einem so emotional aufgeladenen Kontext heben sich die Schultern des Künstlers kraftvoll vom hellen Hintergrund ab, bereichert durch die Präsenz des Zweigs mit Blättern und der chinesischen Laternen. Schließlich, noch zum Thema Farbe, ist es wichtig, die reiche Chromatik der Haut und des Auges nicht zu übersehen, die mit einer roten Pupille eine außergewöhnliche Seele an Sensibilität und künstlerischem Sinn offenbaren. Den kreativen Impuls von 1915 fasst ein ikonisches Werk des Meisters zusammen, nämlich Tod und das Mädchen, ein Gemälde, auf dem Schiele all die Traurigkeit ausdrücken möchte, die er empfand, als er sein Modell und seine Geliebte Wally verlassen hatte. In der Tat zeigt das Meisterwerk die beiden Liebenden, die beim Akt der Umarmung auf einem zerknitterten Blatt vor einem felsigen Hintergrund arrangiert sind, der mit seinen Geometrien auf die ineinandergreifenden Körper der Bildnisse anspielen soll. Gerade solche körperliche Nähe soll nicht auf eine tatsächliche amouröse Ekstase verweisen, sondern auf eine Haltung, die der Loslösung vorausgeht, kristallisiert sich in den unwahrscheinlichen Haltungen heraus, die auf ein spürbares Gefühl von Unruhe, Unsicherheit und Tod verweisen. Der Epilog dieser Empfindung wird auch durch die fernen Blicke der Bildnisse bestätigt, wenn die Frau wie gedankenverloren nach außen schaut, während ihr Begleiter mit weit geöffneten Augen ins Nichts sogar in seine Kompliziertheit versunken zu sein scheint innere Welt. In Bezug auf Schieles Leben war das Ende des oben erwähnten Gefühls jedoch nicht auf eine einfache Erschöpfung der Liebe zurückzuführen, da der Künstler Wally nur verließ, um eine vorteilhafte Ehe mit einer gesellschaftlich präsenteren Frau zu erreichen. Daher zeigt sich, wie selbst in der leidenschaftlicheren und instinktiveren Welt von Schieles Kunst manchmal Rationalität und Kalkulation die authentischere Leidenschaft verdrängten.

Gaspard De Gouges, Gustavia und Freunde , 1999. Öl/Acryl/Kohle auf MDF-Platte, 157 x 104 cm.

Walter Diem, Bild 21 120 sammlung diem, 2021. Malerei, Kreide / Aquarell auf Papier, 70 x 50 cm.

Schieles Leben: Die Geschichte geht in den Kunstwerken von Artmajeur weiter

Schieles Werk verfeinerte einen expressiven Ansatz, der sich durch verzerrte Figuren und "scharfe" Pinselstriche auszeichnet, die, extrem aufgeladen mit emotionaler Energie, bis heute ein starkes Symbol für psychologischen, emotionalen und sexuellen Ausdruck sind. In der Tat ist Artmajeurs Sammlung von Kunstwerken reich, sowohl an Gesichtspunkten, die von der figurativen Untersuchung des Wiener Meisters inspiriert sind, als auch an tatsächlichen „Remakes“ seiner größten Meisterwerke, Gemälden, durch die es möglich ist, die Erzählung über das Leben des Künstlers wie Julianne Moore fortzusetzen spielt Schiele von Francesco Dezio, Embrace von Dmitriy Trubin und After Egon Schiele von Sebastien Montag.

Francesco Dezio, Julianne Moore spielt Schiele , 2022. Aquarell auf Papier, 56 x 45 cm.

Francesco Dezio: Julianne Moore interpretiert Schiele

Dezios Aquarell auf Papier repräsentiert die „dritte Generation“ eines großen Meisterwerks der Kunstgeschichte, denn der italienische Künstler hat die bekannte Fotografie von Peter Lindbergh neu interpretiert, der seinerseits Schieles aktuelles Meisterwerk mit dem Titel Seated Woman with a Bent Knee ( 1917). Tatsächlich nimmt Wally, Schieles bereits erwähnte Geliebte und Modell, in der Aufnahme des deutschen Fotografen das Konterfei der beliebten amerikanischen Schauspielerin Julianne Moore an, die im selben Zusammenhang auch die Protagonisten anderer bekannter Kunstwerke verkörpert hat, wie z als: Gustav Klimts Portrait of Adele Bloch-Bauer I (1907), John Currins The Cripple (1997), Edgar Degas’ Little Dancer of Fourteen (1879-1881) und Amedeo Modiglianis Portrait of Lunia Czechowska with Fan (1919). Um stattdessen auf das Meisterwerk des deutschen Meisters zurückzukommen, an dem sich sowohl Dezio als auch Lindbergh orientierten, zeigt es Wally in einer informellen Pose, die mit dem Blick auf den Betrachter eine äußerst ausdrucksstarke, lässige und erotische Haltung einnimmt. Doch hinter der Geborgenheit von Frau sitzt mit gebeugtem Knie verbirgt sich die innerste Sehnsucht des Künstlers, der, obwohl er mit einer anderen Frau verheiratet ist, seine vereitelte Liebe in der Dimension der Leinwand weiter aufleben lässt.

Dmitrij Trubin, Umarmung . Lackiert, Maße auf Anfrage.

Dmitrij Trubin: Umarmung

Trubins Gemälde stellt eine originelle und persönliche Neuinterpretation von Schieles Umarmung dar, einem Meisterwerk aus dem Jahr 1917, in dem sich der Künstler im leidenschaftlichen Verkehr mit seiner Frau Edith Harms, die er 1915 heiratete, verschränkt darstellte. Dadurch ist die Komposition von einer starken Sentimentalität durchdrungen, was charakteristisch für die nach der Hochzeit des Meisters geschaffenen Werke sein Werk weniger gequält als gewöhnlich machte. Dennoch bleibt ein verschleierter Schein trauriger Melancholie spürbar, ein Gefühl, das wohl ein Vorbote der unheilvollen Ereignisse von 1918 ist, dem Jahr, in dem die Spanische Grippe neben Millionen von Opfern auch Edith dahinraffte. In Bezug auf Trubins Interpretation der Umarmung behält sie den ikonischen voyeuristischen Blickwinkel des Originals bei, gemäß dem sich der Betrachter in die Privatsphäre eines jungen Paares einschleicht, das sich nun in zwei Exemplare von Mannequins verwandelt hat, die Giorgio de Chiricos Pinsel würdig sind. Letzterer selbst bevölkerte seine Gemälde ab 1915 mit monumentalen Figuren, die, auf mysteriöse Weise ohne Augen, Mund und Ohren, wahrscheinlich auf die Fähigkeit anspielten, die Realität auch über ihre phänomenale Erscheinung hinaus zu untersuchen. Darüber hinaus lassen sich die Schaufensterpuppen des italienischen Meisters auch als Sinnbilder einer äußerst melancholischen Gemütsverfassung interpretieren, eine Stimmung, die durchaus mit Schieles verschleiertem Pessimismus in Verbindung gebracht werden kann.

Sebastien Montag, After Egon Schiele , 2021. Acryl, Sprühfarbe auf Leinwand, 41 x 33 cm.

Sebastien Montag: Nach Egon Schiele

After Egon Schiele ist eine „stumme“ und „minimalistische“ Neuinterpretation von Self Portrait with Lowered , indem in dem „Remake“ des Artmajeur-Künstlers der intensive Blick von Schieles Meisterwerk zusammen mit den anderen charakteristischen Merkmalen der Figur „ausradiert“ wurde. Wahrscheinlich wurde diese neue Sichtweise von der Zeitgenossenschaft inspiriert, das heißt von einer Realität, in der wir im Vergleich zu früher tendenziell schneller, direkter und synthetischer sind, auch dank der Forma mentis, die uns von neuen Technologien übermittelt werden. Zurückkehrend zum Selbstbildnis mit gesenktem Kopf zeichnet sich das Kunstwerk hingegen dadurch aus, dass es Schiele mit gesenktem Kopf verewigt, eine Haltung, die den nach oben gerichteten Blick der Figur betont und auf eine äußerst groteske und verstörende Haltung abzielt. Ein weiteres wichtiges Detail des Gemäldes ist außerdem die große linke Hand, die mit gespreizten Fingern dieselbe Pose wie in Die Einsiedler und einem weiteren Selbstporträt aus demselben Jahr wiederholt. In Wirklichkeit erweisen sich die Hände jedoch als ein „Muss“ in Schieles künstlerischem Schaffen überhaupt, sind sie doch auch die Protagonisten der zahlreichen Fotografien, die den Meister verewigen. Wahrscheinlich stehen sie symbolisch für eine Abwehrhaltung gegenüber dem Leben und der Welt, die der Künstler einnimmt, indem er sie allem, was ihm begegnet, vorstellt.