Lucie Jirku, Colour, shape and texture 1 , 2020. Acryl auf Leinwand, 130 x 150 cm.
Je weiter es geht, desto wissenschaftlicher wird die Kunst....
„Die Zeit der Schönheit ist vorbei. Die Menschheit weiß, wenn sie nicht zu ihr zurückkehrt, länger als eine Viertelstunde nichts damit anzufangen. Je weiter wir gehen, desto wissenschaftlicher wird die Kunst, wie die Wissenschaft künstlerisch wird . Beide werden sich oben vereinen, nachdem sie sich unten getrennt haben.“
Diese prophetischen Worte, geschrieben von Gustave Flaubert im Jahr 1852, scheinen perfekt zu sein, um das Wesen der künstlerischen Revolution vorzustellen, die durch die geometrische Abstraktion hervorgerufen wurde, eine Bewegung, die, geboren im Neoplastizismus (Niederlande, 1917), Mathematik und Geometrie als ihre Bezugspunkte identifizierte, mit Schwerpunkt auf dem Studium numerischer Beziehungen und der Untersuchung von Proportionen und Maßen zwischen Formen und Farben.
Stanislas Maurer, Blaue Geometrien , 2021. Öl auf Leinwand, 85 x 140 cm.
Alessandro Butera, I talian style white and red , 2022. Skulptur aus Acryl und Kunststoff, 32 x 35 x 25 cm / 2,00 kg.
Aber wer waren die Vorläufer dieser Innovation?
Der künstlerischen Auseinandersetzung von Cezanne und Seurat wird zugeschrieben, die Voraussetzungen für die Entwicklung der geometrischen Abstraktion geschaffen zu haben, da Cezanne seine Kunst unter Bezugnahme auf die Gesetze der Geometrie schuf, während Seurat sich auf die Suche nach Harmonie konzentrierte und eine fast musikalische Wahrnehmung der Realität entwickelte . Gerade die Forschung dieser beiden Künstler war der Ursprung dessen, was später kommen sollte, nämlich Fauvismus und Expressionismus, die transzendentale Basis der geometrischen Abstraktion.
Selig, Geometrische Wege 2 , 2020. Acryl auf Holz, 115 x 115 cm.
Luis Medina, Ng 26 , 2021. Acryl auf Leinwand, 70 x 70 cm.
Geometrische Abstraktion
Die geometrische Abstraktion, die nach vielen Jahrzehnten der figurativen Malerei kam, führte zur Einführung einfacher geometrischer Figuren, die in subjektiven Kompositionen kombiniert in surrealen Räumen platziert wurden. Dieser neue Kontext der künstlerischen Auseinandersetzung, frei von Bezügen zur realen Welt, verfolgte das Ziel, die Malerei zu etwas einfach Gemachtem zu erklären und reagierte damit auf den Überschuss an Subjektivität und Emotionalität der bildenden Künstler früherer Strömungen. Tatsächlich hielt sich die geometrische abstrakte Kunst, die immer präzise sein wollte, an die „kalten“ Regeln der Natur und der Wissenschaft. Einer der emblematischsten Pioniere und Künstler der oben genannten Bewegung war Kasimir Malewitsch, der mit seinem Werk, insbesondere mit den ikonischen Gemälden Schwarzes Quadrat (1915) und Weiß auf Weiß (1918), die Werte der Logik, Mathematik, und Objektivität in der Kunstwelt. Ein weiterer transzendentaler Vertreter der modernen abstrakten geometrischen Kunst war Piet Mondrian, der als Autor der sehr berühmten Kompositionen kompakter blauer, gelber und roter Rechtecke auf weißem Hintergrund mit Primärfarben und abstrakter geometrischer Schwarz-Weiß-Kunst dies verfolgte Ziel, eine Mischung aus Kunst, Materie und Geist zu schaffen, um die universelle Harmonie einzufangen und die spirituelle Essenz der Realität und des Lebens zu entdecken. Der dritte Maler schließlich, der die Geschichte der oben genannten Bewegung unauslöschlich geprägt hat, war Theo Van Doesburg, dessen künstlerisches Schaffen eine Zeit lang durch die Schaffung abstrakter figurativer Studien in geometrischen Figuren gekennzeichnet war, die aus Linien, Rechtecken und farbigen Quadraten bestanden. In der Folge setzte sich die Faszination für die Reinheit von Geometrie und Farbe fort und erstreckte sich von der Nachkriegs- bis zur zeitgenössischen Kunst durch die persönlichen Interpretationen von Meistern wie Josef Albers, Robert Delaunay und Sonia Delaunay, Sol LeWitt und Victor Vasarely.
Dek, The cut , 2016. Skulptur aus Holz und Metall, 80 x 80 x 3 cm.
Pontié Stéphane, N°08 , 2020. Acryl auf Leinwand, 80 x 117 cm.
Die Popularität der geometrischen Abstraktion in der zeitgenössischen Kunst
Die geometrische Abstraktion erfreut sich auch heute noch großer Beliebtheit, sowohl in der Kunstszene als auch auf dem Markt, wie die zahlreichen Ausstellungen belegen, die dieser Bewegung gewidmet sind und von den wichtigsten Institutionen, Museen und Galerien der Welt organisiert werden. Darüber hinaus inspirieren die oben genannten legendären geometrischen Meister weiterhin die Produktion neuer Generationen beliebter talentierter Kreativer wie Sarah Morris, Matteo Nasini, Helen Miranda Wilson und Ricardo Mazal. Darüber hinaus gewinnt die geometrische Abstraktion auch in der Street- und Urban Art an Boden, wie die Arbeiten von Maya Hayuk, Augustine Kofie und Alexey Luka belegen. Daher gedeiht diese Bewegung in einer so großartigen Vielfalt von Stilen und Ansätzen weiter und wird es, ihrem Erfolg nach zu urteilen, auch weiterhin tun.
Bertrand Bellay, Psychopompe 3 , 2018. Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm.
Geometrische Abstraktion und die Künstler von Artmajeur
Die zeitgenössische Popularität der abstrakten geometrischen Kunst sowie ihre Fülle an Ansätzen und Interpretationen haben auch die Aufmerksamkeit der Künstler von Artmajeur auf sich gezogen, die sowohl völlig neue als auch experimentelle Stücke und originelle Interpretationen vergangener Meisterwerke geschaffen haben. Zu den Werken, die, inspiriert von den großen Klassikern, einen neuen und modernen Blick auf sie geliefert haben, gehören beispielsweise Ohne titel von Gerd Aupke, Black square von Van Lanigh und Optical groovy hippie hipster retro vintage spin abstract von Tony Rubino.
Gerd Aupke, Ohne Titel, 1997. Acryl auf Leinwand, 50 x 50 cm.
Gerd Aupke: Ohne Titel
Aupkes Malerei stellt eine genaue Studie der geometrischen Figur des Quadrats dar, die sowohl im Format der Leinwand als auch in den darin multiplizierten Sujets untersucht wird. Aus chromatischer Sicht haben die kleinen roten, gelben, blauen, grünen, orangefarbenen und violetten Quadrate, die auf der Oberfläche angeordnet sind, wahrscheinlich den Zweck, das Studium der Geometrie zu erhöhen und der Verflachung und Monotonie einer vorherrschenden entgegenzuwirken Graustufen. Diese Art der künstlerischen Auseinandersetzung mit der Serialität der Figur des Quadrats scheint eine Art moderne Neuinterpretation des Gemäldes Komposition mit Farbfeldern von Piet Mondrian darzustellen. In Wirklichkeit finden wir im Werk des niederländischen Meisters jedoch auch unvollständig abgebildete Rechtecke und Quadrate, während sich die geometrischen Recherchen des Künstlers von Artmajeur als präziser, genauer und serieller herausstellen.
Van Lanigh, Schwarzes Quadrat, 2022. Fimo-Skulptur auf Leinwand, 20 x 20 x 6 cm / 2,00 kg.
Van Lanigh: Schwarzes Quadrat
Lanighs Skulptur stellt eine dreidimensionale geometrische Studie dar, bei der innerhalb eines weißen, quadratischen Trägers mehrere schwarze Kugeln angeordnet sind, die Bilder der Umgebung reflektieren können. Der Titel und die Farben der Arbeit beziehen sich eindeutig auf Malewitschs ikonisches und minimalistisches Schwarzes Quadrat , das mit einer neuen Fülle und Komplexität neu interpretiert wird. Tatsächlich sind von dem ursprünglichen Meisterwerk nur die Konzepte geblieben, die Lanighs Arbeit zugrunde liegen: ein schwarzes Quadrat, das auf einen ebenfalls quadratischen weißen Hintergrund gepfropft wird. Was die beiden Künstler schließlich eint, ist die Absicht, dem wahren Wesen der Kunst nachzugehen, nämlich ihrer plastischen Natur.
Tony rubino, Optical groovy hippie hipster retro vintage spin, 2022. Acryl/Lithografie auf Leinwand, 40,6 x 61 cm.
Tony Rubino: Optisch grooviger Hippie-Hipster-Retro-Vintage-Spin
Rubinos Gemälde bezieht sich deutlich auf die künstlerische Auseinandersetzung des Begründers der optischen Kunst Victor Vasarely und insbesondere auf das Gemälde Vega III , das im Guggenheim Museum in New York aufbewahrt wird. Dennoch hat der Künstler von Artmajeur einen sehr persönlichen Effekt der zweidimensionalen Illusion entwickelt, der sich konturierter und invasiver erweist als das Original. Was von Vasarelys Meisterwerk bleibt, sind die Farben und das Konzept hinter der künstlerischen Auseinandersetzung mit optischer Kunst, dh der chromatischen Gegenüberstellung einfacher geometrischer Figuren, die darauf abzielen, kraftvolle optische Täuschungen zu erzeugen, die in der Lage sind, eine Wahrnehmungsinstabilität mit maximaler Beteiligung hervorzurufen für der Beobachter.
Olimpia Gaia Martinelli
