Worüber reden wir?

Jemand hat sie, möchte aber ihre Farbe ändern, andere möchten sie kürzer, diejenigen, die sie nicht mehr haben, weinen, wenn sie sich an sie erinnern, oder entscheiden sich, jetzt resigniert, für die klassischere Variante oder das Haarteil, wovon rede ich? Ganz einfach: über Haare! Aber ich frage Sie noch etwas Schwierigeres: Waren Haare in der Geschichte des Menschen schon immer so wichtig, oder vielleicht galten sie früher, als die Art noch viel jünger war, einfach als eine Art dickes und auffälliges Fell, das man zurücklassen musste? die Freiheit, sich auszudrücken, ohne auf Frisuren oder Friseure zurückgreifen zu müssen? Wir wissen eigentlich nicht, ob sich Höhlenmenschen wie im berühmten Flintstones-Cartoon verkleideten, indem sie ihre Haare kämmten und Knochen in ihre Locken stopften, aber es ist sicher, wie im alten Ägypten Haare, arrangiert und in pharaonischen Gräbern verewigt, einen darstellten Ein klares Symbol für Reichtum und sozialen Status, und zwar so sehr, dass es durch eine hygienische Praxis mit Leinöl, das mit Olivenöl und Seifenkrautwurzel oder Holzasche gemischt wurde, gut gepflegt wurde. Darüber hinaus waren Farbstoffe, die unter Verwendung von Beeren, Baumrinde, Mineralien, Insekten und Pflanzensamen hergestellt wurden, bereits damals im Trend und zielten vor allem darauf ab, den damals angesagtesten Farbton zu reproduzieren: Dunkelbraun. Wenden wir uns schnell dem Mittelalter zu und lassen dabei die Jahrhunderte der Geschichte beiseite, die wir wie verlorene Haare im Wind fliegen ließen und an die sich vielleicht nur diejenigen erinnern, die sie besaßen, und jetzt nicht mehr, ist es gut, hervorzuheben, wie in dieser Zeit Das Haar wurde mit Magie und Aberglauben in Verbindung gebracht, da man es als äußere und materielle Verlängerung der Seele verstand, die gelegentlich mit Zaubertränken behandelt oder sogar verbrannt wurde, um zu verhindern, dass sie nach dem Schneiden eindringt in den Besitz derer, die den bösen Blick angreifen wollten. Darüber hinaus verbanden der Aberglaube und die kirchliche Bigotterie der betreffenden Zeit das Frisieren der Haare mit der Praxis einer eher sündigen Geste, sodass es vorzuziehen war, die Haare auf einfache Weise zu tragen, um Strenge und Moral zu vermitteln , anstatt lustvolle Zeit damit zu verschwenden, das Problem zu beheben. Was die Farbe anbelangt, war hingegen die Farbe Blond die bevorzugte Farbe der mittelalterlichen Männer, einfach weil sie als Symbol für die Reinheit der Seele schlechthin galt, und zwar so sehr, dass diejenigen, die keine Haare dieser Farbe trugen, häufig Haare dieser Farbe trugen Es wurde mit Kamillenkompressen oder durch längere Sonneneinstrahlung aufgehellt, verbunden mit der Anwendung von Kräutern sowie metallischen und sauren Salzen auf der Haut, die das Haar oxidierten. Wir sind endlich und wahrscheinlich auch mit etwas weniger Haaren, die vielleicht im Laufe der oben genannten Jahrhunderte verloren gegangen sind, in der Epoche angekommen, die Gegenstand unseres Interesses ist, nämlich der Renaissance, einer Zeit, in der In Anlehnung an klassische Schönheit kamen Haarsträhnen, die zu weichen Frisuren zusammengebunden und gedreht wurden und bereit waren, das Gefühl der Liebe hervorzurufen und zu wecken, wieder in Mode. Gerade Letzteres ergibt sich spontan aus der Betrachtung einiger malerischer Meisterwerke dieser Zeit und führt uns, in chronologischer Reihenfolge analysiert, dazu, uns mit der Abfolge der Haarmoden im historischen Moment der Wiederbelebung schlechthin vertraut zu machen.

Jan van Eyck, Porträt von Margaret van Eyck , 1439. Öl auf Holz, 41,2 cm x 34,6 cm. Groeningemuseum, Brügge.

Piero del Pollaiolo, Porträt einer jungen Dame, 1470-1472. Mischtechnik auf Holz, 45,5×32,7 cm. Poldi Pezzoli Museum, MailandPoldi Pezzoli Museum, Mailand.

Raffael, Porträt von Elisabetta Gonzaga , ca. 1504-1505. Öl auf Holz, 52,5×37,3 cm. Uffizien, Florenz.

Tizian, Die Schöne, 1536. Öl auf Leinwand, 89×75,5 cm. Galerie Palatina, Florenz.

Zwischen 1435 und 1470 entstanden Meisterwerke wie Filippo Lippis Porträt einer Frau mit einem Mann auf der Fensterbank (1435–36), Jan van Eycks Porträt der Margareta van Eyck (1439), Rogier van der Weydens Porträt einer jungen Frau (1460). sowie das Bildnis eines jungen Mädchens von Petrus Christus (1470) zeugen von der Sitte, die Haare mit Hüten und Schleiern zu bedecken, während ab etwa 1470, wenn man andere Gemälde betrachtet, die Sitte, Frisuren zu tragen, offenbar studiert wurde verbreitete sich und zielte darauf ab, das Werk von Piero del Pollaiolo und das von Sandro Botticelli zu vereinen, den Autoren der komplizierten Haarpracht in „Porträt einer jungen Dame“ (1470–1472) und „Porträt einer jungen Frau“ (1480–85). Dennoch unternahm auch der zweite Meister große Anstrengungen, um das zu entlarven, was er gerade in seinem berühmtesten Meisterwerk gesagt hatte, nämlich in „Die Geburt der Venus“, Tempera auf Leinwand, in dem die losen Haare des Hauptdarstellers sogar von einer leichten Brise zerzaust werden Außerdem wurde es in der unteren Hälfte des Gemäldes geschickt eingesetzt, um das Schambein der zurückhaltenden Göttin zu bedecken. Wir kommen nun zur Mode von 1488, indem wir Leonardo da Vincis „Dame mit dem Hermelin“ betrachten, ein Porträt von Cecilia Gallerani, das sich durch eine sehr gepflegte, wenn auch nicht übermäßig üppige Kleidung auszeichnet, die in der Frisur von der Anordnung der Haare begleitet wird Eine schwarze Spitze auf der Stirn, die dazu dient, einen Schleier in der gleichen Farbe wie das Haar zu halten, der zu einer Locke gerafft wurde. Eine ähnliche Vision finden wir in einem etwas späteren Meisterwerk, nämlich dem Porträt von Elisabetta Gonzaga aus dem Jahr 1505, in dem das Bildnis, das in einer frontalen Pose mit archaischem Flair in der Mitte der Figur gefangen ist, sein Haar offen gelassen, aber durch die Anwesenheit von geschickt verziert hat ein Skorpion-Juwel auf ihrer Stirn, das auf die S-förmige Halskette (Scoprione) hinweisen soll, die der Humanist Baldassarre Castiglione im Buch des Höflings in den Besitztümern der Herzogin erwähnt. Abschließend möchte ich den Zeitraum von 1533 bis 1536 zusammenfassen, indem ich mich auf Lorenzo Lottos „Porträt einer Dame im Gewand der Lucretia“ (1533) und Tizians „La Bella“ (1536) beziehe, die beide durch eine Frisur ergänzt werden, die den Kopf umschließen soll des Bildnisses. Das fragliche Öl auf Leinwand, das Vecellios bekanntestes Werk beschreibt, scheint ein Thema zu verewigen, das für den Geschmack der Renaissance speziell darauf ausgelegt war, ideale weibliche Proportionen zu formen, die laut Kunsthistoriker Moritz Thausing durch das Konterfei von Eleonora verkörpert werden Gonzata, oder die von Isabella d'Este, unter Berücksichtigung der Sichtweise von Leandro Ozzola, einem Vertreter mehrfacher Identifikationsversuche, die bis heute ohnehin gescheitert sind. Sicher ist, dass das Mädchen, das vor einem dunklen Hintergrund dargestellt ist und elegante Kleidung trägt, eine ziemlich aufwendige Frisur hat, realistisch wiedergegeben durch die technische Kompetenz des italienischen Meisters, der durch die Variation des Pinselstrichs, mal rauer mal glatter, war in der Lage, die unterschiedlichsten Effekte der Lichtbrechung zu erzielen. Schließlich setzt sich die Haarerzählung direkt in der Gegenwart fort, aus der Sicht von Artmajeur-Künstlern wie Yaroslav Kurbanov, Young Park und Marta Zawadzka.

DAS SCHICKSAL (2022)Gemälde von Jaroslaw Kurbanow.

Jaroslaw Kurbanow: Das Schicksal

Es ist erwähnenswert, dass das Schicksal, das auch im Titel des Werks des Artmajeur-Künstlers erwähnt wird, bei vielen Gelegenheiten innerhalb der Bilderzählung durch die Merkmale der drei Moiren verewigt wurde, die, verglichen mit den römischen Schicksalen oder den Nornen, mythologische Darstellungen darstellen Figuren, deren Aufgabe es ist, den Faden des Schicksals eines jeden Menschen zu weben, seinen Anfang zu markieren und ihn im Moment des unausweichlichen Abschieds zu durchtrennen. Im Fall von „Das Schicksal“ hat der Maler jedoch nur eine Frau mit verbundenen Augen dargestellt und damit seinen intimen Gedanken zum Ausdruck gebracht, wonach das Schicksal leider unerkennbar bleibt, und zwar so sehr, dass Jaroslaw Kurbanow sogar so weit geht, dies zu bestätigen , in gewissem Sinne, die Sinnlosigkeit der Rolle der Wahrsager, indem er Folgendes feststellt: „Wahrsager und Wahrsager waren schon immer sehr gefragt, weil die Menschen in ihre Zukunft blicken und Antworten auf alle möglichen Fragen wissen wollten.“ Aber die Hauptfrage, die sich jeder stellt, ist: Was ist mein Schicksal? Das Schicksal ist „immer blind“, und niemand weiß, was es ist.“ An diesem Punkt erscheint es schwierig, die betreffende Diskussion fortzusetzen, da für jeden von uns, selbst auf der Grundlage religiöser oder mystischer Überzeugungen, der Gegenstand unserer Diskussion eher dürftig, relativ und unsicher erscheint. Wenn wir uns einem konkreteren Thema zuwenden, das sicherlich eher dem Thema Haare ähnelt, muss unbedingt hervorgehoben werden, wie das rote Haar des Protagonisten von „Die Feen“ auf bestimmte symbolische Werte zurückführt, die insbesondere in der westlichen Kunst mit ihnen in Verbindung gebracht werden das feurige Element, sowie die erotische Sphäre und die alchemistische Dimension, so sehr, dass Rot in der Renaissance der Farbton von Schwefel und Rubedo war, also der Phase des Großen Werkes, die die endgültige Vollendung sanktionierte chemische Transmutationen, die in der Verwirklichung des Steins der Weisen und der Umwandlung unedler Metalle in Gold gipfelten. Wenn man dann vielleicht dem letztgenannten Konzept folgt, kann man darüber nachdenken, wie die Haarfarbe des Protagonisten von „Die Feen“ uns trotz der verbundenen Augen des Bildnisses und der Skepsis des Autors tatsächlich zu einer höheren Form des Wissens führen kann .

NEW CHALLENGE MINDSET (2023)Gemälde von Young Park.

Young Park: Neue Herausforderungsmentalität

Ein teilweise nackter Körper, der mit sich selbst beschäftigt ist und daher im Wesentlichen nicht dazu gedacht ist, mit dem Betrachter in visuellen Kontakt zu treten und dessen Verlangen zu wecken, wird in einer intimen Umgebung dargestellt, in dem Moment, in dem er sein Möglichstes tut, um einer spontanen und natürlichen Bewegung Leben einzuhauchen , Teil der täglichen Toilette: Das Kämmen der Haare, die, mit einer Hand festgehalten, die Form eines Pferdeschwanzes anzunehmen scheinen, beginnend auf Ohrhöhe. Ebenso wäre es möglich, ihre Haare durch die Figur einer Geige zu ersetzen, da sich die Bewegung der Hände der jungen Frau beim Spielen kaum verändert und weiterhin von einer schrägen fotografischen Perspektive geprägt und von oben festgehalten wird. Diese Beschreibung tut ihr Möglichstes, um Ihnen das Bild von Degas‘ „Frau, die sich die Haare kämmt“ vorzustellen, ein Werk aus der Reifezeit des französischen Meisters, datiert zwischen 1887 und 1890, bereit zu bezeugen, wie andere Maler das Bild vor Young Parks Denkweise „Neue Herausforderung“ dargestellt hatten innige Beziehung, die zwischen Händen und Haaren entsteht. In Bezug auf das Werk der Künstlerin von Artmajeur beschreibt sie das Gemälde jedoch unter Berufung auf die Worte von Park selbst mit der Art eines autobiografischen Gedichts:

„Das alles ist meine Geschichte.
Es ist mein Bewusstsein und meine Wahrnehmung.
Kontakt mit neuen Umgebungen, vertrauten Emotionen,
und seltsame Situationen bringen mich zum Nachdenken und Sorgen und führen mich in den Abgrund der Gefühle.
Diese Chala ist immer der Ausgangspunkt.
Ich möchte diese unbekannten Momente beschreiben, die wir versehentlich übergehen,
oder die Emotionen zu diesem Zeitpunkt oder die Dinge, die man unbedingt verpassen sollte.“

Das Obige zeigt, wie einige der einfachsten Gesten, vielleicht weil sie weniger große Aufmerksamkeit erfordern, uns in einen tiefen meditativen Zustand versetzen können, in dem Selbstbeobachtung, Emotionen und Erinnerung an erster Stelle stehen ...

INFANTA IN ROSA (2023)Gemälde von Marta Zawadzka.

Marta Zawadzka: Infantin in Rosa

Das von Marta Zawadzkas Pinsel dargestellte Motiv ist die berühmte Margaret Therese von Spanien, Königin von Deutschland, Erzherzogin von Österreich und Königin von Ungarn und Böhmen sowie Tochter von König Philipp IV. von Spanien und volljährige Schwester von Karl II., dem letzten von ihnen die spanischen Habsburger. Das fragliche Mädchen ist nicht nur für alle oben genannten Titel berühmt, sondern auch und vielleicht vor allem dafür, dass es die zentrale Figur des berühmten Las Meninas-Gemäldes von Diego Velázquez sowie das Thema vieler weiterer späterer Werke desselben war Meister. Tatsächlich könnte uns die Frisur, die sie in „Infanta“ in Rosa zeigt, vermuten lassen, wie der Künstler von Artmajeur wahrscheinlich einen neuen Vorschlag machen wollte, offensichtlich in einer sehr persönlichen pop-abstrakten Tonart, mit dem Ziel, die Ausrichtung der dargestellten, der bekannten Infantin, zu ändern Margarita Teresa in einem rosa Kleid, Öl auf Leinwand aus dem Jahr 1660, das die betreffende Margherita in einem rosa Kleid einfängt, kristallisiert sich auf der Leinwand heraus und unterstützt durch die Erstellung einer sorgfältigen Beschreibung eine der Schlüsselfiguren der spanischen Gesellschaft dieser Zeit Kleid und Drapierung, die zu einer Art zweitem verewigtem Thema werden. In der Haargeschichte hingegen scheint das vielfach erwähnte Bildnis ebenso präsent zu sein, als Protagonist von Werken, in denen sich die damaligen Friseure etwas gönnten, wie zum Beispiel: Ganzfiguriges Porträt von die Infantin Margarita Teresa, die Kaiserin (1666), von Gerard Du Chateau, Infantin Margarita Teresa, 14 Jahre alt (166) von Juan Bautista Martínez del Mazo und Porträt eines unbekannten Künstlers (1662–1664), derzeit ausgestellt im Kunsthistorischen Museum in Wien.

Hinweis: Die Infantin Margarita Teresa in einem rosa Kleid (1660) könnte tatsächlich auch Juan Bautista del Mazo zugeschrieben werden!