Was versteht man unter niederländischer Kunstgeschichte?

Die niederländische Kunstgeschichte wird oft mit der flämischen verwechselt, da die Niederlande vor dem 16. Jahrhundert, also der Unabhängigkeit und damit der Geburt der niederländischen Republik, mit den südlichen Niederlanden vereint waren, die als Flandern bekannt sind auf dem Gebiet des heutigen Belgiens. Diese beiden Länder, auch als sie beide unter spanischer Herrschaft standen, unterschieden sich deutlich in der Art der künstlerischen Produktion, indem die katholischen Flamen, vertreten durch Meister wie Rubens und Antoon van Dyck, Werke hervorbrachten, die überwiegend höfisch luxuriös und oft religiös waren. während die holländischen Meister wie etwa Johannes Vermeer und Rembrandt, geleitet von der Ideologie des Protestantismus, eher die reale Welt zelebrierten, die damals von Wissenschaft und Wirtschaft ihrer fruchtbaren Nation dominiert wurde. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass flämische Malerei, Grafik und Bildhauerei in einem Gebiet entstanden, das dem heutigen Belgien ähnlich groß war, obwohl das oben genannte Adjektiv verwendet wird, um die Arbeit in einer historischen Region zu beschreiben, die tatsächlich viel größer war und die benachbarten Gebiete Brabant, Hainaut, Picardie und Artois umfasste . Die erwähnte künstlerische Produktion nahm in der europäischen Figurengeschichte vor allem zwischen dem 15. und 17. Jahrhundert eine entscheidende Rolle ein, während in Bezug auf die Niederlande das goldene Zeitalter der Künste, das sich ungefähr über das gesamte 17. Jahrhundert erstreckte, nicht unerwähnt bleiben darf.

Taco Eisma, Das Zimmer , 2022. Öl auf Leinwand, 60 x 80 cm.

Van Lanigh, Die Ernte , 2022. Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm.

Das goldene Zeitalter der holländischen Kunst

Die Bezeichnung „Goldenes Zeitalter“ bezeichnet jenen besonderen Abschnitt der holländischen Geschichte, der zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert angesiedelt war, also nach der Erlangung der politischen Autonomie, gelinde gesagt von einer beeindruckenden Entwicklung von Wissenschaft und Handel geprägt war. In diesem Zusammenhang blühte die figurative Kunst, die zwangsläufig von diesem blühenden Klima beeinflusst und folglich reflektiert wurde, auf außergewöhnliche Weise auf und wurde zu einem Modell für die gesamte Tradition der europäischen Kunst. Insbesondere im Hinblick auf die Malerei des Goldenen Zeitalters lässt sie sich in eine Zeitspanne von etwa 1620 bis 1672 einordnen, eine Zeit, in der sakrale Darstellungen und biblische Sujets stark vernachlässigt wurden, zugunsten von Genreszenen, Stillleben, "kleine Kleinigkeiten", Landschaften, Tronies und realistische Porträts, die darauf abzielen, die Bedürfnisse einer weltlichen und kaufmännischen Klientel zu befriedigen und nicht die institutionellen, kirchlichen und aristokratischen. Genau diese Art der figurativen Produktion hat sich zusammen mit Karten und Drucken mit großem Erfolg in den Häusern der Niederländer verbreitet, so sehr, dass sie oft in Gemälden dieser Zeit festgehalten wurden, wo es erkennbar ist extrem kommerzielle kleinformatige Werke. Hervorzuheben ist dennoch, dass es an großformatigen Gemälden keinen Mangel gab, der durch den allmählich steigenden Wohlstand des Landes sicher noch verstärkt wurde. Apropos Stil der Gemälde dieser Zeit: Der Realismus des letzteren wurde oft von der Genauigkeit begleitet, mit der sowohl Licht als auch Helligkeit wiedergegeben wurden, oft verbunden mit einer beeindruckenden Sorgfalt und Liebe zum Detail, die sicherlich von der nahe gelegenen flämischen Tradition geerbt wurde. Abschließend ist zu betonen, wie solche holländischen Stilmerkmale als Türöffner zu einer neuartigen Gesellschaftsdarstellung fungierten, die durch Einzelfiguren, Bauernfamilien, Wirtshausszenen, Festszenen, Frauen bei der Arbeit, Dorf oder Stadt eingefangen wurde Szenen, Szenen mit Tieren und viele andere. Schließlich dürfen die berühmtesten Meister des Goldenen Zeitalters nicht fehlen, wie zum Beispiel Rembrandt, Veermeer, Johannes Vermeer, Frans Hals, Jan Steen, Rachel Ruysch und Judith Leyster.

Roco.Studio, Rosa Portrait , 2020. Acryl auf Leinwand, 115 x 95 cm.

Karin Sommen, Onderbovenwater , 2019. Acryl auf Leinwand, 140 x 100 cm.

Das zeitgenössische „Goldene Zeitalter“

So wie zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert, einer Zeit von Bedeutung für die niederländische figurative Kunst, wird die zeitgenössische Welt weiterhin von der kreativen Sichtweise der Niederlande beeinflusst, die sich weiterhin durch äußerst innovative Techniken, Stile und Themen auszeichnet der Untersuchung, die durch die Arbeit einiger populärer aufstrebender Künstler wie zum Beispiel Wouter le Duc, Wouter Venema, Koen Taselaar und Jonathan van Doornum hervorgerufen wurde. Darüber hinaus stellen die Niederlande heute einen der größten Märkte für zeitgenössische Kunst im sich entwickelnden Europa dar, wo das reichhaltige Angebot oft durch die Organisation mehrerer Veranstaltungen, wie der bekannten Rotterdam Art Week, erweitert und hervorgehoben wird. Schließlich ist es in diesem blühenden Kontext unmöglich, die beispiellose und vielfältige figurative Untersuchung niederländischer Künstler von Artmajeur nicht zu berücksichtigen, die durch die Werke von Bart Stillekens, NCJ Stam und René Rikkelman gut vertreten ist.

Bart Stillekens , Steinbockschädel, 2022. Skulptur, Metalle / Harz, 40 x 40 x 40 / 1,00 kg.

**Bart Stillekens : Steinbockschädel**

Bart Stillekens, auch bekannt unter dem Verkleinerungsnamen B-art, ist ein vielseitiger niederländischer zeitgenössischer Maler und Bildhauer, der 1993 geboren wurde und dessen künstlerische Untersuchung durch die Verwendung mehrerer Materialien und Techniken durchgeführt wird, die in einem kontinuierlichen Experimentieren zum Ausdruck kommen. Ein unbestrittener Teil seiner Produktion sind die minimalen Vanity-Skulpturen aus Harz und Metall, die, reduziert auf bloße goldene Tierschädel, gut durch die Arbeit Ibex Skull von 2022 veranschaulicht werden, die darauf abzielt, den Schädel von Steinböcken zu reproduzieren. Letzteres, wahrscheinlich mit der Absicht, den Blick des Betrachters zu kreuzen, als eine Art visuelles Memento Mori , lädt auch dazu ein, die Freuden des Lebens zu genießen, was durch die Farbe Gold suggeriert wird, die seit jeher Sonne, Wärme und Kraft symbolisiert , Macht und Reichtum, aber auch Unbestechlichkeit und göttliche Unsterblichkeit. Apropos Kunstgeschichte: Es lohnt sich zu bedenken, wie genau das Genre der Eitelkeit seine größte Entwicklung im Holland des 17. Jahrhunderts hatte, wo es zum Synonym für die Prekarität wurde, die nach dem Dreißigjährigen Krieg und der Ausbreitung von Epidemien über den europäischen Kontinent fegte.

NCJ Stam, The Burst of Corona , 2021. Bronzeskulptur / Collage, 20 x 10 x 8 / 3,00 kg.

NCJ Stam: Die Belastung durch Corona

NCJ Stam, auch bekannt als Co Stam, ist ein zeitgenössischer niederländischer Bildhauer, der 1942 geboren wurde und sich hauptsächlich durch das Modellieren von Bronze ausdrückt, einem Material, mit dem er hauptsächlich die menschliche Figur und in zweiter Linie auch die Tierfigur untersucht. Die Technik zur Herstellung der Werke des Artmajeur-Künstlers ist die des „Wachsausschmelzverfahrens“, ein bereits im dritten Jahrtausend v. Chr. weit verbreitetes Verfahren, bei dem ein Wachsmodell hergestellt wird, das mit Ton bedeckt wird und so eine Form bildet. Dann wird durch Löcher im Ton Wachs durch Erhitzen aus der Form gedrückt, wonach geschmolzene Bronze hineingegossen wird. Am Ende der Operation, nach dem Entfernen der Form, wird eine Bronzeskulptur erhalten, die mit dem Ausgangswachsmodell identisch ist. Diese Technik des „Wachsausschmelzverfahrens“, die als direkte Methode bezeichnet wird, unterscheidet sich gut von der indirekten Methode, bei der das Wachsmodell auf einem Tonmodell aufgebaut wird, wodurch Hohlformen in ihnen erzeugt werden können. Genau durch die Nutzung des historischen Prozesses entstand die respektlose Skulptur Die Bürde der Korona , die darauf abzielte, den Titanen der griechischen Mythologie Atlas darzustellen, der, anstatt dazu verdammt zu sein, das Universum auf seinen Schultern zu tragen, sich dem Gewicht von unterziehen muss die derzeit ungelösten Tragödien von Covid-19.

René Rikkelman, Sensual Lips Gold , 2020. Skulptur, Harz auf Holz, 40 x 60 x 20 cm / 3,00 kg.

René Rikkelman: Sinnliche Lippen gold

René Rikkelman, ein 1959 geborener zeitgenössischer niederländischer Bildhauer, bevorzugt die Schaffung stilisierter Werke, die zunächst aus Wachs oder Ton hergestellt und später in Bronze gegossen werden, ein Metall, das darauf abzielt, eine figurative Sprache auszudrücken, die ständig auf der Suche nach Linien oder sinnlichen Formen ist . Gerade letzteres Streben wurde weitgehend in der Arbeit Sensual Lips Gold verwirklicht, die darauf abzielt, eine sanfte, geschwungene, erotische und raffinierte Nahaufnahme des leicht geöffneten Mundes einer fleischigen Frau zu verewigen. Das lippenförmige Sofa, das 1970 von Gufram entworfen und in den wichtigsten Museen der Welt ausgestellt wurde, darunter der Louvre (Paris), das Museum of Applied Art and Science (Sydney) und das Design Museum (München), verfolgt die gleiche Absicht. versuchte, die Ikone zu einem der wichtigsten Symbole weiblicher Schönheit zu machen. Die Ursprünge dieses mittlerweile legendären Designobjekts liegen jedoch in der Kunstgeschichte, denn dieses Sofa wurde zweifellos von dem Gesicht von Mae West inspiriert, das in Salvador Dalis Gemälde von 1935 verewigt wurde.