Der Garten der Lüste von Hieronymus Bosch

Hieronymus Bosch.

Wer war Hieronymus Bosch?

Hieronymus Bosch , auch bekannt als Jheronimus van Aken, war ein renommierter niederländischer Maler aus Brabant, der von etwa 1450 bis zum 9. August 1516 lebte. Er war eine prominente Persönlichkeit der frühniederländischen Malerschule und ist bekannt für seine außergewöhnlichen Darstellungen religiöser Dinge Themen und Geschichten. Mit Öl auf Eichenholz als Hauptmedium schuf Bosch fantastische Illustrationen, die die Hölle oft auf makabere und alptraumhafte Weise darstellten.

Obwohl über Boschs Privatleben nicht viel bekannt ist, gibt es einige existierende Aufzeichnungen. Den größten Teil seines Lebens verbrachte er in der Stadt ’s-Hertogenbosch, wo er im Haus seines Großvaters geboren wurde. Die Wurzeln seiner Vorfahren lassen sich bis nach Nimwegen und Aachen zurückverfolgen, was auch an seinem Nachnamen „Van Aken“ deutlich wird. Boschs einzigartiger und pessimistischer künstlerischer Stil hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die nordeuropäische Kunst im 16. Jahrhundert, wobei Pieter Bruegel der Ältere sein bekanntester Schüler war. Heute gilt Bosch als äußerst individualistischer Maler, der ein tiefes Verständnis für menschliche Wünsche und tiefste Ängste besaß.

Die Bestimmung der Urheberschaft von Boschs Werken war eine Herausforderung, und nur etwa 25 Gemälde sowie acht Zeichnungen werden ihm sicher zugeschrieben. Ungefähr sechs weitere Gemälde sind sicher mit seiner Werkstatt verbunden. Zu seinen berühmtesten Meisterwerken zählen Triptychon-Altarbilder, insbesondere „Der Garten der Lüste“.

Hieronymus Bosch, Der Garten der Lüste, 1490-1510 . Öl auf Eichenholzplatten, 205,5 cm × 384,9 cm (81 Zoll × 152 Zoll), Museo del Prado, Madrid.

Der Garten der irdischen Freuden

Das Gemälde „Der Garten der Lüste“ ist ein Triptychon des niederländischen Künstlers Hieronymus Bosch zwischen 1490 und 1510. Es ist mit Öl auf Eichenholztafeln gemalt und befindet sich derzeit im Museo del Prado in Madrid, Spanien.

Aufgrund der begrenzten verfügbaren Informationen über Boschs Leben und Absichten gab es unterschiedliche Interpretationen der Bedeutung des Gemäldes. Manche betrachten es als eine warnende Darstellung weltlichen Genusses und der Gefahren der Versuchung, während andere es als Ausdruck ultimativen sexuellen Vergnügens betrachten. Die Symbolik innerhalb des Kunstwerks, insbesondere in der Mitteltafel, hat im Laufe der Geschichte zu einer Vielzahl wissenschaftlicher Interpretationen geführt. Moderne Kunsthistoriker sind sich uneinig darüber, ob die zentrale Tafel als moralische Warnung dient oder ein verlorenes Paradies darstellt.

Bosch schuf im Laufe seiner Karriere drei große Triptychen, darunter auch „Der Garten der Lüste“. Diese Triptychen wurden so gestaltet, dass sie von links nach rechts gelesen werden können, wobei jedes Panel zur Gesamtbedeutung des Kunstwerks beiträgt. Typischerweise stellten Triptychen dieser Zeit auf der linken und rechten Seite Themen im Zusammenhang mit Eden und dem Jüngsten Gericht dar, während die mittlere Seite das Hauptthema enthielt. Obwohl ungewiss ist, ob „Der Garten der Lüste“ als Altarbild gedacht war, geht man davon aus, dass das provokante Thema in den Innentafeln es unwahrscheinlich macht, dass es für eine Kirche oder ein Kloster in Auftrag gegeben wurde. Vielmehr geht man davon aus, dass es von einem weltlichen Auftraggeber in Auftrag gegeben wurde.

Datierung und Herkunft

Die genaue Datierung von „Der Garten der Lüste“ bleibt ungewiss und war Gegenstand wissenschaftlicher Debatten. Frühe Kunsthistoriker wie Ludwig von Baldass hielten es für ein Frühwerk Boschs. Seit der einflussreichen Studie von De Tolnay im Jahr 1937 verlagerte sich jedoch der allgemeine Konsens dahingehend, das Gemälde auf die Jahre 1503–1504 oder später zu datieren. Diese Datierungen basierten vor allem auf dem „archaischen“ Umgang mit dem Raum im Kunstwerk.

Die Dendrochronologie, die die Baumringe in den Tafeln analysiert, liefert einen terminus post quem für die Arbeit und datiert die Eiche, die zwischen 1460 und 1466 verwendet wurde. Es ist wichtig zu beachten, dass Holz für Tafelgemälde typischerweise über einen längeren Zeitraum gelagert wurde, bevor es verwendet wurde. Daher kann das Alter der Eiche mehrere Jahre älter sein als das eigentliche Gemälde. Darüber hinaus lässt das Vorhandensein einer Ananas, einer Frucht aus der Neuen Welt, darauf schließen, dass das Gemälde nach Kolumbus‘ Reisen nach Amerika zwischen 1492 und 1504 entstanden ist.

Die erste urkundliche Erwähnung des Gartens der Lüste erfolgte 1517, ein Jahr nach Boschs Tod, als Antonio de Beatis ihn als Teil der Dekoration im Palast der Grafen des Hauses Nassau in Brüssel beschrieb. Die herausragende Bedeutung des Gemäldes und seine Ausstellung an einem prominenten Ort führten zu Spekulationen, dass es sich um eine Auftragsarbeit und nicht nur um ein fantasievolles Werk handelte. Es wird angenommen, dass Engelbrecht II. von Nassau oder sein Nachfolger Heinrich III. von Nassau-Breda, einflussreiche Persönlichkeiten in den burgundischen Niederlanden, die Auftraggeber gewesen sein könnten.

Die Sichtbarkeit des Gemäldes im Palast trug zu Boschs Ruf bei, und nach seinem Tod wurden zahlreiche Kopien von wohlhabenden Auftraggebern in Auftrag gegeben. Diese Kopien in verschiedenen Medien wie Öl, Gravuren und Wandteppichen konzentrierten sich oft auf die Mitteltafel und unterschieden sich in der Qualität. Trotz des Fehlens eines zentralen religiösen Bildes gab die Beschreibung von De Beatis Aufschluss über die Beauftragung des Werks, das möglicherweise für den privaten Gebrauch, beispielsweise für eine Hochzeitsfeier, gedacht war.

Im Laufe der Jahre wechselte das Gemälde den Besitzer und gelangte schließlich in den Besitz Philipps II. von Spanien. Es wurde 1591 auf einer Auktion erworben und El Escorial geschenkt. Nachdem es mehr als drei Jahrhunderte dort verblieben war, wurde es 1939 zusammen mit anderen Werken von Bosch in das Museo del Prado überführt. Obwohl das Gemälde wegen abblätternder Farbe restauriert werden musste, ist es gut erhalten und wird derzeit im Museum ausgestellt.

Das Äußere des Gartens der Lüste .

Beschreibung

Der Garten der Lüste ist ein Gemälde mit drei Tafeln. Auf der linken Tafel ist die Erschaffung Evas dargestellt, die den Ursprung der menschlichen Sünde symbolisiert. In der Mitteltafel veranschaulicht eine geschäftige und komplizierte Szene die Dominanz der Lust über die Menschheit. Umgekehrt zeigt das rechte Bild die Hölle als Strafe für das Nachgeben sündiger Begierden. Auf dem Gemälde sind durchgehend Erdbeeren zu sehen, die als Symbol dieser besonderen Sünde dienen. Es wird spekuliert, dass es sich bei der Figur unter dem Dudelsack auf der rechten Seite um ein Selbstporträt von Hieronymus Bosch handeln könnte.

Außen

Wenn die Flügel des Triptychons geschlossen sind, offenbaren die Außenwände ihr Design. Diese Tafeln sind in einem grüngrauen Farbschema bemalt, das als Grisaille bekannt ist und bei niederländischen Triptychen üblich war. Das Fehlen leuchtender Farben deutet möglicherweise auf eine Darstellung einer Zeit vor der Erschaffung von Sonne und Mond hin, von denen die christliche Theologie glaubte, dass sie Licht auf die Erde bringen. Der dezente Charakter der Außenpaneele unterstreicht den farbenfrohen Innenraum.

Es wird allgemein angenommen, dass die Außentafeln die Erschaffung der Welt darstellen. Die Szene zeigt die Erde in ihren frühen Stadien, während das Grün das unberührte Land zu bedecken beginnt. In der oberen linken Ecke ist eine kleine Gottesfigur zu sehen, die eine Krone trägt, die einer päpstlichen Tiara ähnelt. Bosch stellt Gott als passiven Schöpfer dar, der mit einer Bibel auf dem Schoß sitzt und die Erde durch göttlichen Befehl hervorbringt. Über Gott steht ein Zitat aus Psalm 33, das die Macht der Worte Gottes bei der Erschaffung und Erhaltung der Welt hervorhebt. Die Erde wird in einer transparenten Kugel dargestellt und symbolisiert den traditionellen Glauben, dass die Welt von Gott oder Christus wie eine Kristallkugel gehalten wurde. Der die Erde umgebende Kosmos wird als undurchdringliche Dunkelheit dargestellt, in der Gott der einzige Bewohner ist.

Obwohl die Erde mit Vegetation bedeckt ist, fehlt ihr menschliches und tierisches Leben, was darauf hindeutet, dass die Szene die Ereignisse des biblischen Dritten Tages darstellt. Bosch stellt die Pflanzenwelt auf unkonventionelle Weise dar und verwendet Grautöne, die die Unterscheidung zwischen Vegetation und Mineralformationen erschweren. Das Meer umgibt das Innere des Globus und wird teilweise von Lichtstrahlen beleuchtet, die durch die Wolken brechen. Die Außenflügel des Triptychons nehmen in der Erzählung des gesamten Kunstwerks eine besondere Stellung ein. Sie stellen eine unbewohnte Erde dar, die nur aus Felsen und Pflanzen besteht, und bilden einen scharfen Kontrast zur Mitteltafel, die ein Paradies voller lüsterner Menschheit zeigt.

Das Innere des Gartens der Lüste .

Innere

Wissenschaftler haben vorgeschlagen, dass Hieronymus Bosch die äußeren Tafeln des Triptychons strategisch nutzte, um einen biblischen Kontext für die inneren Elemente des Kunstwerks herzustellen. Das Außenbild wird im Allgemeinen so interpretiert, dass es im Vergleich zu den Innenszenen einen früheren Zeitraum darstellt. Ähnlich wie bei Boschs anderen vollständigen Triptychen „Das Jüngste Gericht“ und „Der Heuwagen“ wird die Mitteltafel von „Der Garten der Lüste“ von himmlischen und höllischen Bildern flankiert. Es wird angenommen, dass das Triptychon einer chronologischen Reihenfolge folgt, die von links nach rechts verläuft und Eden, den Garten der irdischen Freuden und die Hölle darstellt.

Im linken Flügel wird Gott als Schöpfer der Menschheit dargestellt, während der rechte Flügel die Folgen veranschaulicht, wenn die Menschheit dem Willen Gottes nicht folgt. Im Gegensatz zu den anderen Triptychen von Bosch stellt die Mitteltafel von „Der Garten der Lüste“ jedoch nicht Gott dar. Stattdessen zeigt es, wie die Menschheit verschiedene vergnügungssüchtige Aktivitäten ausübt und scheinbar einen freien Willen ausübt. Die rechte Tafel wird oft als Darstellung der von Gott verhängten Strafen in einer höllischen Landschaft interpretiert.

Der Kunsthistoriker Charles de Tolnay vermutete, dass Bosch selbst im linken Bild durch Adams verführerischen Blick auf Gottes schwindenden Einfluss auf die neu geschaffene Erde hinweist. Diese Idee wird durch die Darstellung Gottes als winzige Figur im Vergleich zur Weite der Erde in den Außentafeln verstärkt. Laut Hans Belting vermitteln die drei inneren Tafeln die Vorstellung aus dem Alten Testament, dass es vor dem Sündenfall keine klare Unterscheidung zwischen Gut und Böse gab und die Menschheit sich in ihrer Unschuld der Konsequenzen ihres Handelns nicht bewusst war.

Detail der linken Tafel des Gartens der Lüste .

Linkes Feld

Die linke Seite des Triptychons, die oft als die Vereinigung von Adam und Eva bezeichnet wird, zeigt eine Szene aus dem Garten Eden, in der Gott Eva Adam präsentiert. Adam erwacht aus einem tiefen Schlaf und stellt fest, dass Gott Eva an ihrem Handgelenk hält und ihrer Vereinigung seinen Segen erteilt. Auf dieser Tafel erscheint Gott jünger mit blauen Augen und goldenen Locken. Möglicherweise hat der Künstler Gott auf jugendliche Weise dargestellt, um Christus als die Inkarnation des Wortes Gottes zu symbolisieren.

Gottes rechte Hand ist zum Segensgestus erhoben, während seine linke Hand Evas Handgelenk hält. Laut Wilhelm Fraenger, einem umstrittenen Interpreten des Kunstwerks, bedeutet der physische Kontakt zwischen dem Schöpfer und Eva die ewige Verbindung zwischen der Menschheit und Gott. Das Gemälde unterstreicht die Beziehung zwischen Adam und Gott, wobei Adam sich streckt, um Kontakt mit dem Schöpfer aufzunehmen. Der fließende Mantel um Gottes Herz, der bis zu Adams Füßen reicht, deutet auf den Fluss göttlicher Kraft hin, der einen geschlossenen Kreislauf magischer Energie bildet.

Eva wendet ihren Blick von Adam ab, obwohl Walter S. Gibson andeutet, dass sie ihm ihren Körper verführerisch präsentiert. Adams Gesichtsausdruck spiegelt Überraschung und Erstaunen wider, was Fraenger auf drei Faktoren zurückführt. Erstens ist Adam von der Gegenwart Gottes überrascht. Zweitens erkennt er, dass Eva von der gleichen Natur ist wie er selbst und aus seinem eigenen Körper erschaffen wurde. Schließlich lässt die Intensität von Adams Blick darauf schließen, dass er zum ersten Mal sexuelle Erregung und den ursprünglichen Fortpflanzungstrieb erlebte.

Die umgebende Landschaft des Gemäldes ist voller hüttenartiger Strukturen, von denen einige aus Stein bestehen und andere scheinbar organische Elemente aufweisen. Hinter Eva sind im Gras spielende Kaninchen zu sehen, die Fruchtbarkeit symbolisieren, während ein Drachenbaum das Konzept des ewigen Lebens darstellt. Im Hintergrund sind mehrere Tiere zu sehen, die den Europäern damals unbekannt gewesen wären, darunter eine Giraffe, ein Affe, der auf einem Elefanten reitet, und ein Löwe, der gerade dabei ist, seine Beute zu verschlingen. Im Vordergrund tauchen Vögel und geflügelte Kreaturen aus einem großen Loch im Boden auf, einige davon fantastisch, andere realistischer.

Eine Person in einer Kapuzenjacke mit kurzen Ärmeln und einem entenähnlichen Schnabel hält ein aufgeschlagenes Buch, scheinbar lesend, neben einen Fisch. Auf der linken Seite ergreift eine Katze ein eidechsenähnliches Wesen im Maul. Der Kunsthistoriker Erwin Panofsky weist darauf hin, dass die fantastischen Kreaturen im Vordergrund zwar fantasievolle Kreationen seien, viele der Tiere in der Mitte und im Hintergrund jedoch auf zeitgenössischer Reiseliteratur basieren. Bosch integriert diese exotischen Tiere, um ein sachkundiges und aristokratisches Publikum anzusprechen.

Die auf dem Gemälde dargestellte Szene weicht von traditionellen westlichen Kunstdarstellungen von Ereignissen aus dem Buch Genesis ab. Die Kunsthistorikerin Virginia Tuttle beschreibt es als höchst unkonventionell. Kritiker, darunter Tuttle, interpretieren Adams Blick auf Eva als lüstern, was auf den christlichen Glauben schließen lässt, dass die Menschheit von Anfang an dem Untergang geweiht war. Walter S. Gibson weist darauf hin, dass Adams Gesichtsausdruck nicht nur Überraschung, sondern auch Erwartung widerspiegelt, da im Mittelalter die Vorstellung existierte, dass Adam und Eva vor dem Sündenfall ausschließlich zur Fortpflanzung und ohne Lust Geschlechtsverkehr gehabt hätten. Die Anwesenheit einer Schlange, die sich um einen Baumstamm windet, und einer Maus in der Nähe wird von Wilhelm Fraenger als Symbol für universelle phallische Bilder angesehen.

Die zentrale Tafel des Gartens der Lüste .

Mittelteil

Die Mitteltafel des Triptychons weist eine einheitliche Skyline und Positionierung mit dem linken Flügel auf und schafft so eine räumliche Verbindung zwischen den beiden Szenen. Es stellt eine weitläufige „Gartenlandschaft“ dar, die dem Kunstwerk seinen Namen gibt. In diesem Garten gibt es eine lebhafte Mischung aus männlichen und weiblichen Akten sowie verschiedenen Tieren, Pflanzen und Früchten. Der Schauplatz ist nicht das im linken Bild gezeigte Paradies, sondern geht auch über den irdischen Bereich hinaus. Realistische und fantastische Kreaturen existieren nebeneinander und gewöhnliche Früchte erscheinen unverhältnismäßig groß. Die Figuren der Szene üben eine Vielzahl amouröser Aktivitäten aus, sowohl einzeln als auch in Gruppen. Sie zeigen eine unbeschwerte und ungehemmte Lebensfreude, einige schwelgen in Sinnesfreuden, andere spielen ohne Vorbehalte im Wasser und einige tummeln sich auf Wiesen mit Tieren, scheinbar eins mit der Natur.

Im Hintergrund taucht aus einem See eine große blaue Kugel auf, die einer Fruchtschale ähnelt. Durch ein kreisförmiges Fenster auf dem Globus ist ein Mann dargestellt, dessen Hand sich dicht an den Genitalien seiner Partnerin befindet, während sich in der Nähe das nackte Gesäß einer anderen Figur befindet. Die Erotik der Mitteltafel kann entweder als Allegorie des spirituellen Übergangs oder als Spielplatz der Korruption interpretiert werden. Auf der rechten Seite des Vordergrunds steht eine Gruppe von vier Figuren, drei weißhäutig und eine schwarzhäutig. Es wird angenommen, dass die weißen Figuren, die von Kopf bis Fuß mit hellbraunem Körperhaar bedeckt sind, die wilde oder ursprüngliche Menschheit darstellen, obwohl die Symbolik ihrer Einbeziehung unter Gelehrten umstritten ist. Manche betrachten sie als Symbol einer Alternative zum zivilisierten Leben, während andere sie mit Hurerei und Lust assoziieren.

In einer Höhle unten rechts zeigt eine bekleidete männliche Figur auf eine liegende Frau, die ebenfalls mit Haaren bedeckt ist. Diese Figur fällt durch ihr dunkles Haar und ihre ausgeprägten Gesichtszüge auf. Sein Blick strahlt eine fesselnde Kraft aus und sein Gesicht erinnert an berühmte Persönlichkeiten wie Machiavelli. Das Gesamterscheinungsbild lässt auf einen mediterranen Einfluss und einen Hauch von Offenheit, Intelligenz und Überlegenheit schließen.

Die Figur des zeigenden Mannes im Gemälde wurde unterschiedlich interpretiert. Einige vermuten, dass er den Patron des Werkes darstellt, während andere vermuten, dass er Adam sein könnte, der Eva anprangert, der heilige Johannes der Täufer oder sogar ein Selbstporträt von Hieronymus Bosch. Unter ihm liegt eine Frau, eingeschlossen in einem transparenten halbzylindrischen Schild, ihr Mund ist verschlossen, was andeutet, dass sie ein Geheimnis birgt. Links von ihnen ruht ein gekrönter Mann auf einer riesigen Erdbeere, begleitet von einer männlichen und einer weiblichen Figur, die eine weitere ebenso große Erdbeere betrachten.

Dem Vordergrund mangelt es an perspektivischer Ordnung, stattdessen besteht er aus einer Reihe kleiner Motive, die sich den Proportionen und logischen irdischen Anordnungen entziehen. Bosch präsentiert eine Gegenüberstellung von übergroßen Enten, die inmitten vergrößerter Früchte mit winzigen Menschen spielen, von Fischen, die an Land laufen, während sich Vögel im Wasser aufhalten, einem Paar, das in einer mit Flüssigkeit gefüllten Blase eingeschlossen ist, und einem Mann in einer roten Frucht, der eine Maus in einer durchsichtigen Hülle anstarrt Zylinder. In den Becken im Vorder- und Hintergrund befinden sich Badegäste beiderlei Geschlechts, wobei das zentrale kreisförmige Becken eine Geschlechtertrennung und mehrere mit Pfauen und Früchten geschmückte Frauen zeigt. Vier Frauen balancieren kirschähnliche Früchte auf ihren Köpfen, die möglicherweise Stolz symbolisieren.

Die Frauen sind von einer Parade nackter Männer umgeben, die auf verschiedenen Tieren reiten, darunter Pferden, Eseln, Einhörnern und Kamelen. Die Männer führen akrobatische Aktionen aus, um die Aufmerksamkeit der Frauen zu erregen und so die Anziehungskraft zwischen den Geschlechtern zu betonen. An den äußeren Quellen sind sowohl Männer als auch Frauen ungehemmt aktiv. Vögel befallen das Wasser, während geflügelte Fische an Land kriechen. Menschen bewohnen riesige Muscheln und alle Lebewesen, ob Mensch oder Tier, gönnen sich Erdbeeren und Kirschen. Die Abwesenheit von Kindern und älteren Menschen trägt zum Eindruck eines Lebens ohne Konsequenzen bei, eines Zustands unberührter Existenz vor moralischen Zwängen.

Im fernen Hintergrund, über hybriden Steinformationen, sind vier Gruppen im Flug zu sehen. Auf der linken Seite reitet eine männliche Figur auf einem chthonischen Sonnenadlerlöwen und hält einen Lebensbaum mit einem darauf sitzenden Vogel, der den Tod symbolisiert. Diese Figur repräsentiert das Aussterben der Dualität der Geschlechter und die Rückkehr zu einem Zustand der Einheit. Rechts segelt ein Ritter mit Delfinschwanz auf einem geflügelten Fisch, dessen Schwanz eine Schleife bildet, die an das Symbol der Ewigkeit erinnert. Unmittelbar rechts steigt ein geflügelter Jüngling mit einem Fisch in der Hand und einem Falken auf dem Rücken empor. Diese fliegenden Figuren dienen als Verbindung zwischen dem himmlischen und dem irdischen Bereich, ebenso wie die linken und rechten Felder Vergangenheit und Zukunft darstellen.

Die Interpretationen dieser Szenen, ihr rätselhafter Inhalt und Boschs fantasievolle visuelle Syntax gehen über das herkömmliche Verständnis hinaus und bieten eine neue Dimension künstlerischer Freiheit. Der hohe Hintergrund wird als „Der Aufstieg zum Himmel“ bezeichnet und symbolisiert eine Verbindung zwischen dem, was oben und dem, was unten ist, und verbindet die Vergangenheit und die Zukunft, die durch die anderen Tafeln dargestellt werden.

Detail der rechten Tafel des Gartens der Lüste .

Rechtes Panel

Die rechte Tafel des Triptychons stellt die Hölle dar, ein wiederkehrendes Thema in Boschs Werken. Es zeigt eine Welt, in der Menschen den Versuchungen erlegen sind, die sie zum Bösen und zur ewigen Verdammnis führen. Dieses Panel steht in starkem Kontrast zu den vorherigen. Da es nachts spielt, fehlt die natürliche Schönheit, die man zuvor gesehen hat. Die Atmosphäre ist kühl, vermittelt durch kalte Farben und gefrorene Wasserwege. Die Szene verwandelt sich vom Paradies der Mitteltafel in ein Spektakel harter Bestrafung und Vergeltung.

In dieser detailreichen Szene entfalten sich verschiedene Elemente. Im Hintergrund sind brennende Städte, tobende Kriege, Folterkammern und höllische Tavernen zu sehen, und es wimmelt von Dämonen. Im Vordergrund sind mutierte Tiere zu sehen, die sich von Menschenfleisch ernähren. Die einst erotisch dargestellten menschlichen Figuren versuchen nun beschämt ihre Genitalien und Brüste zu verhüllen und verlieren dabei jeglichen Reiz.

Explosionen erhellen den Hintergrund, werfen einen feurigen Schein durch die Stadttore und spiegeln sich im Wasser darunter, wodurch ein blutähnlicher Effekt entsteht. Eine Straße ist voller fliehender Gestalten, während Peiniger sich darauf vorbereiten, ein Nachbardorf in Brand zu setzen. Ein Kaninchen trägt eine blutende und aufgespießte Leiche und die Opfer werden in eine brennende Laterne geworfen. Im Vordergrund sind verzweifelte und gefolterte Figuren zu sehen. Einige werden beim Erbrechen oder Ausscheiden gezeigt, während andere auf Harfen und Lauten gekreuzigt werden, was den Kontrast zwischen Vergnügen und Qual symbolisiert. Ein Chor singt aus einer Partitur, die auf einem Gesäßpaar eingraviert ist, und bildet die Gruppe „Musikerhölle“.

Insgesamt zeigt das rechte Bild eine alptraumhafte Vision der Hölle, in der die Folgen menschlicher Sünden und moralischer Verfehlungen durch Szenen von Chaos, Leid und Qual anschaulich dargestellt werden.

In der Mitte der Tafel befindet sich die prominente Figur, die als „Baummann“ bekannt ist. Sein höhlenartiger Oberkörper wird von verdrehten Armen oder verrottenden Baumstämmen gestützt, während sein Kopf eine von Dämonen und Opfern bevölkerte Scheibe trägt, die einen großen Satz Dudelsäcke umgibt, die symbolische sexuelle Konnotationen haben. Der Rumpf des Baummenschen besteht aus einer gesprungenen Eierschale und dornenartige Äste durchbohren seinen zerbrechlichen Körper. Eine vermummte Gestalt mit einem zwischen dem Gesäß eingeklemmten Pfeil klettert über eine Leiter in den zentralen Hohlraum des Baummenschen, wo nackte Männer in einer Tavernen-ähnlichen Umgebung sitzen. Der Blick des Baummenschen geht über den Betrachter hinaus und vermittelt eine Mischung aus Wehmut und Resignation. Einige spekulieren, dass das Gesicht des Baummenschen ein Selbstporträt von Bosch sein könnte, das die einzigartige und bizarre künstlerische Vorstellungskraft des Künstlers widerspiegelt.

Die Tafel enthält traditionelle Ikonographie, die mit Darstellungen der Hölle in Verbindung gebracht wird, Bosch präsentiert sie jedoch auf eine realistischere Art und Weise und bezieht Elemente aus dem alltäglichen menschlichen Leben ein. Es werden Tiere gezeigt, die den Menschen alptraumhafte Qualen zufügen, was die Strafe symbolisiert, die jeder der sieben Todsünden entspricht. Das Herzstück der Tafel ist ein riesiges vogelköpfiges Monster, das oft als „Fürst der Hölle“ bezeichnet wird und sich an menschlichen Leichen labt und diese in einen durchsichtigen Nachttopf ausscheidet, auf dem er sitzt. Das Gesicht einer Frau spiegelt sich auf dem Gesäß eines Dämons in der Nähe. Andere Szenen zeigen brutale Gewalt, darunter eine Gruppe nackter Personen, die an einem Spieltisch massakriert werden, und ein Ritter, der von Wölfen zerfleischt wird.

Im Mittelalter galten Sexualität und Lust als Beweis für den Sündenfall der Menschheit. Einige interpretieren die linke Tafel so, dass sie Adams angeblich lüsternen Blick auf Eva darstellt, während die mittlere Tafel als Warnung vor einem Leben voller sündiger Vergnügungen dient. Die rechte Tafel soll die Konsequenzen und Strafen für solche Sünden darstellen. In der unteren rechten Ecke wird ein Mann von einem Schwein verführt, das einen Nonnenschleier trägt, der Verführung und die Unterzeichnung juristischer Dokumente symbolisiert. Lust wird außerdem durch die Anwesenheit riesiger Musikinstrumente und Chorsänger im Vordergrund symbolisiert, da Musik mit den Freuden des Fleisches verbunden war. Einige vermuten, dass Boschs Verwendung von Musik in diesem Zusammenhang als Kritik an reisenden Minnesängern dienen könnte, die oft mit anzüglichen Liedern und Versen in Verbindung gebracht werden.

Detail der rechten Tafel des Gartens der Lüste .

Stil

Das Gemälde zeigt zahlreiche Charaktere mit einem deutlichen Schwerpunkt auf physischen Eigenschaften. Das Design betont ausdrucksstarke Gesichtszüge, übertriebene Körperhaltungen und Bewegungen und verleiht den Figuren eine expressionistische Qualität. Die Darstellung nackter Körper konzentriert sich auf künstliche Muskulatur ohne hervortretende Muskelmassen. Der Einsatz von Hell-Dunkel ist minimal, die Figuren heben sich von hellen Hintergründen ab.

Die Proportionen der Körper weichen von den klassischen Standards der Renaissance ab und das Streben nach idealer Schönheit fehlt. Die Fülle an Figuren in der Szene dient nicht nur dem Thema, sondern spiegelt auch die Neigung des Künstlers zum Horror vacui, einer Angst vor leeren Räumen, wider. Bei dieser in der nordeuropäischen Malerei weit verbreiteten künstlerischen Tendenz geht es darum, jeden Zentimeter des Kunstwerks mit Figuren oder komplizierten Details zu füllen. Auch die anderen Werke von Hieronymus Bosch wie „Das Narrenschiff“ und „Der Heuwagen“ zeugen von diesem symbolträchtigen und dicht bevölkerten Stil.

Detail der zentralen Tafel des Gartens der Lüste .

Farbe und Beleuchtung

Auf den Mittel- und Seitenwänden sind überwiegend hellgrüne Wiesen zu sehen, die eine ruhige Kulisse schaffen. Im Gegensatz dazu weist das rechte Feld eine Tonverschiebung auf, die mit zunehmender Höhe allmählich dunkler wird. Es beginnt mit einem ockerfarbenen und gelb-orangefarbenen Grund und geht in eine dunkelgraue gefrorene Wasseroberfläche über. Schließlich wird die dunkle Landschaft am Horizont durch leuchtende Orange- und Rottöne erhellt.

Die menschlichen Figuren im Vordergrund haben einen blassen Teint, während die männlichen Figuren dunkler werden, wenn sie sich in den Hintergrund bewegen, was einen Kontrast zu den hellhäutigeren weiblichen Figuren bildet. Dieses merkwürdige Detail erinnert an Techniken der ägyptischen Malerei. Die im Kunstwerk dargestellten Vögel und Mischwesen sind mit leuchtenden Farben geschmückt, die größtenteils aus dem Reich der Fische stammen. Die organischen und fantastischen Strukturen in der Nähe des Brunnens der ewigen Jugend sind in leuchtenden Hellrosa- und Blautönen bemalt und bilden einen auffälligen Kontrast. Die ferne Landschaft und die Berge werden in einem verblassten Blau dargestellt, das sich allmählich in Nebel auflöst und so ein Gefühl von Tiefe und Atmosphäre vermittelt.

Detail der zentralen Tafel des Gartens der Lüste .

Deutung

Die Interpretation von Boschs Werk kann für Wissenschaftler eine Herausforderung sein, da über sein Leben nur begrenzte Informationen verfügbar sind, was dazu führt, dass man sich auf Spekulationen verlässt. Während einzelne Symbole und Motive erklärt werden können, erweist es sich als schwierig, sie untereinander und mit der Gesamtbedeutung seines Werkes in Verbindung zu bringen. Das innere Triptychon des Gartens der Lüste mit seinen rätselhaften Szenen war Gegenstand widersprüchlicher Interpretationen zahlreicher Gelehrter. Verschiedene symbolische Systeme, darunter alchemistische, astrologische, ketzerische, folkloristische und unbewusste, wurden verwendet, um die komplexen Elemente und Ideen zu analysieren, die im Gemälde dargestellt werden.

Boschs Gemälde wurden in der Vergangenheit oft mit Lehrliteratur und Predigten aus dem Mittelalter in Verbindung gebracht. Die vorherrschende Meinung war, dass er fantastische Teufels- und Höllenszenen darstellte, die eine Warnung vor der Wollust darstellten und die Vergänglichkeit weltlicher Freuden betonten. Die zentrale Tafel sollte die Folgen sinnlicher Freude und ihre Flüchtigkeit veranschaulichen. Diese narrative Interpretation deutet auf eine Abfolge der Unschuld in Eden hin, gefolgt von seiner Verderbnis und schließlich der Bestrafung in der Hölle. Das Triptychon war im Laufe seiner Geschichte unter verschiedenen Titeln bekannt, die seine Themen Lust, Sünde und ihre Folgen widerspiegeln.

Befürworter dieser Interpretation weisen darauf hin, dass Moralisten zu Boschs Zeiten glaubten, dass Frauen, insbesondere Eva, dafür verantwortlich seien, Männer in ein Leben voller Sünde und Wollust zu führen. Diese Perspektive erklärt die aktive Rolle der Frauen in der Mitteltafel, da sie zum Untergang der Menschheit beitragen. Die Darstellung von Frauen umgeben von Männern war in dieser Zeit eine gängige visuelle Darstellung der Macht der Weiblichkeit. Diese Interpretation steht im Einklang mit den Themen in Boschs anderen moralisierenden Werken wie „Der Tod und der Geizhals“ und „Der Heuwagen“, in denen die menschliche Torheit kritisiert wird.

Einige argumentieren jedoch, dass Boschs Absicht nicht nur darin bestand, die Sünde zu verurteilen, da seine visuell bezaubernden Formen und Farben diesem Zweck zu widersprechen scheinen. Stattdessen wird vermutet, dass es ihm möglicherweise darum ging, ein falsches Paradies zu vermitteln und die Vergänglichkeit der Schönheit hervorzuheben. Wilhelm Fränger präsentierte 1947 eine andere Interpretation und schlug vor, dass die Mitteltafel des Triptychons eine freudige Welt darstellt, in der die Menschheit eine Wiedergeburt der Unschuld erlebt, die Adam und Eva vor ihrem Fall genossen. Fränger brachte Bosch mit den ketzerischen Adamiten in Verbindung, die auch im physischen Bereich einen spirituellen Zustand ohne Sünde anstrebten und die Lust mit paradiesischer Unschuld betrachteten.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die vielfältigen Interpretationen von Boschs Werk die Komplexität und Mehrdeutigkeit seiner künstlerischen Vision widerspiegeln, und trotz der Bemühungen, ihre Bedeutung zu entschlüsseln, bleibt ein endgültiges Verständnis schwer zu erreichen.

Fränger schlug vor, dass „Der Garten der Lüste“ vom Großmeister des Homines-Intelligenzkults in Auftrag gegeben wurde. Ihm zufolge üben die in Boschs Werk dargestellten Figuren unschuldige und freudige Sexualität aus und erinnern an Adam und Eva vor ihrem Sündenfall. Fränger widersprach der Interpretation, dass die Höllenlandschaft auf dem Gemälde eine Vergeltung für die in der Mitteltafel begangenen Sünden darstelle. Stattdessen betrachtete er die Gestalten im Garten als friedlich, naiv und im Einklang mit der Natur, während diejenigen, die in der Hölle bestraft wurden, als Musiker, Spieler und Übertreter des Urteils angesehen wurden.

Frängers Analyse konzentrierte sich auf drei von Boschs Altarbildern: Der Garten der Lüste, Die Versuchung des Heiligen Antonius und das Heuwagen-Triptychon. Er argumentierte, dass es sich bei diesen Werken trotz ihrer antikklerikalen Elemente immer noch um Altarbilder handelte, die für Andachtszwecke im Rahmen eines Mysterienkults in Auftrag gegeben wurden. Während Frängers Interpretation als aufschlussreich und weitreichend angesehen wurde, stellen einige Wissenschaftler die Gültigkeit seiner endgültigen Schlussfolgerungen in Frage. Sie argumentieren, dass Künstler der damaligen Zeit hauptsächlich für Auftragszwecke malten und dass es möglicherweise nicht angemessen sei, eine säkularisierte Denkweise der Nachrenaissance auf Bosch, einen spätmittelalterlichen Maler, zu projizieren.

Frängers These veranlasste eine weitere Untersuchung des Gartens der Lüste. Carl Linfert erkannte die in der Mitteltafel dargestellte Freude an, widersprach jedoch Frängers Behauptung, das Gemälde befürworte die schuldlose Sexualität der Adamitensekte. Linfert bemerkte, dass die Figuren zwar ohne Schuldgefühle amouröse Handlungen ausführten, es aber innerhalb des Panels Elemente gebe, die auf Tod und Vergänglichkeit hindeuten. Einige Figuren wenden sich von den Aktivitäten ab, was auf einen Verlust der Hoffnung hindeutet, Freude an der leidenschaftlichen Ausgelassenheit anderer zu finden. Im Jahr 1969 schlug EH Gombrich vor, dass die zentrale Tafel den Zustand der Menschheit vor der Sintflut widerspiegelt, als die Menschen dem Vergnügen nachgingen, ohne an die Konsequenzen zu denken, und sich ihrer Sünden nicht bewusst waren.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Frängers Interpretationen weitere Analysen und Diskussionen über „Der Garten der Lüste“ anregten, seine Schlussfolgerungen bleiben jedoch Vermutungen. Wissenschaftler haben alternative Perspektiven auf das Gemälde angeboten und dabei Themen wie Vergnügen, Vergänglichkeit und den menschlichen Zustand betont, während sie gleichzeitig die Anwendbarkeit einer Denkweise nach der Renaissance auf Boschs mittelalterliche Kunst in Frage stellten.