Das Porträt „GEGEN“ zeitgenössische Kunst

Silvia Rea, Trilogie der Seele . Öl auf Leinwand, 80 x 100 cm.

Das Porträt, ein Genre in ständiger Entwicklung

Schon vor dem Aufkommen der Fotografie war die Malerei das Medium, mit dem die großen Meister seit der Antike die menschliche Figur erforschten und unsterblich machten, um sie zu verewigen. Anfangs wurde dieses Genre nur zur Darstellung der Mächtigen und der Götter verwendet, aber seit dem 15. Jahrhundert begann es sich in seinem modernen Sinne zu entwickeln und die Gesichter der Exponenten der Bourgeoisie einzufangen. Von diesem Moment an entwickelte sich das Porträt zu vielen Typen, wie der Büste, der Halbfigur, der Ganzfigur, dem Profil, dem Familien- und Gruppenporträt. In der Folge hat diese Darstellung, bereichert durch die künstlerische Forschung vieler Meister, wie zum Beispiel Albrecht Dürer, Rembrandt Harmenszoon van Rijn und Amedeo Modigliani, neue und unerwartete Lösungen manifestiert, die die unterschiedlichsten künstlerischen Bewegungen durchquert haben.

Yaroslav Kurbanov, Googlekind , 2021. Öl und Acryl auf Leinwand, 70 x 60 cm.

Stanislav Prokhortsev, Guter Mann , 2021. Öl auf Leinwand, 70 x 60 cm.

Das Porträt „GEGEN“ zeitgenössische Kunst

In diesen erweiterten Untersuchungs- und Experimentierkontext werden auch zeitgenössische Künstler eingefügt, obwohl der Porträtmalerei seit einigen Jahrzehnten der Vorwurf gemacht wird, sie sei zu altmodisch. Tatsächlich haben die Entwicklung der Technologie, der sozialen Medien und insbesondere die große Popularität der Fotografie, die in der Lage ist, die Realität mit extremer Genauigkeit und Unmittelbarkeit zu verewigen, das Porträt fast obsolet gemacht. Dennoch hat sich dieses Genre perfekt neu erfinden können und inspiriert von den großen künstlerischen Strömungen der Vergangenheit zu neuen und originellen Interpretationen geführt. Und wie kann man auf die Magie der Porträtmalerei verzichten? Die Intensität der Farbtupfer auf der Leinwand, die darauf abzielen, die Gefühle des Künstlers zu materialisieren, können den Betrachter mit einer einzigartigen Kraft einbeziehen, der ein starkes, fast mystisches Gefühl spiritueller Erfüllung verspürt, das ihn nahe bringt die abgebildete Person. Dieses Konzept kommt in den Gemälden der Artmajeur-Künstler gut zum Ausdruck, wie z. B. in denen mit männlichen Charakteren, deren Innovation und Einzigartigkeit durch eine sehr persönliche Neuinterpretation traditioneller Maltechniken und -stile verliehen wird.

Aleksandr Ilichev, Giacometti, 2012. Dipinto, 100 x 90 cm.

Aleksandr Ilitschew: Giacometti

Das von Artmajeurs Künstler Aleksandr Ilichev geschaffene Porträt scheint den italienischen Meister Alberto Giacometti fast zu überraschen, der mit dem Blick eines Menschen verewigt wurde, der müde und melancholisch gerade seinen Blick zum Betrachter hebt. Die sehr persönliche Technik, mit der dieses Werk geschaffen wurde, stellt eine originelle und zeitgemäße Neuinterpretation des „Realismus“ dar, bei der eine Art besonderer „Staub“ hinzugefügt wurde, der sich aus perfekt studierten und leichten Linien zusammensetzt und sich sowohl auf dem Gesicht ablagert und auf dem Hintergrund des Gemäldes. Das Porträt zeichnet sich auch durch seine große Fähigkeit aus, den Betrachter emotional einzubeziehen, da es der Dramatik und Trostlosigkeit, an der uns der italienische Bildhauer teilhaben lassen möchte, eine konkrete Form verleiht.

Yiğit Dündar, Meisterwerk der Seele , 2021. Öl auf Leinwand, 180 x 105 cm.

Yiğit Dündar: Meisterwerk der Seele

Das Gemälde des Artmajeur-Künstlers Yiğit Dündar kombiniert „Hyperrealismus“ mit Schwarz und Weiß und belebt es mit dem Blau, Hellblau und Korallenrosa der Farben, die über die Hände des Bildnisses tropfen, fast wie in einer Art zeitgenössischer Neuinterpretation von „ Körperkunst" und "Tropfen". Der Hyperrealismus wurde Ende der sechziger Jahre in Amerika geboren und verfolgte das Ziel, die Realität auf höchstem Niveau zu imitieren, wobei er manchmal sogar Techniken der Fotografie entlehnte, um die Illusion seiner Werke aufzubauen. Tatsächlich bilden die Produkte dieser künstlerischen Strömung die Realität so perfekt ab, dass die Werke echt wirken, auch wenn ihre kräftigen und leuchtenden Farben zuweilen ein starkes Unbehagen vermitteln. Genau so fühlt sich der verträumte und etwas abwesende Blick des Protagonisten von Masterpiece of the Soul an , der fast entführt in eine Art Realität parallel zu unserer eigenen zu sein scheint.

Diego Palacios, Monochromefaced bis , 2020. Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm.

Diego Palacios: Monochrome Zugabe

Die Arbeit von Diego Palacios, Künstler von Artmajeur, ist buchstäblich "vergänglich", fast so, als hätte der Künstler eine Figur in ständiger Bewegung dargestellt. Diese Eigenschaft macht das Gemälde nicht nur besonders und innovativ, sondern auch im Einklang mit der modernen digitalen Kultur, in der es leicht ist, "verzerrte", modifizierte Bilder zu finden. Sich Porträts auf diese Weise zu nähern, bedeutet wahrscheinlich, die Entwicklung fotografischer Techniken zu kennen, wie einige Werke des Pioniers der „verzerrten“ Fotografie, André Kertesz, zeigen. Was die Identitätslosigkeit der abgebildeten Person betrifft, so wird diese besondere Eigenschaft zu einem unwiderstehlichen Mittel, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zu ziehen, der fasziniert von einem Moment auf den anderen hofft, etwas über das "Rätsel" von erfahren zu können das versteckte Gesicht.

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