Also verdammter Rock 'n Roll: Andy Warhol und zeitgenössische Kunst!

Marta Zawadzka, Auf der Bühne , 2022. Acryl / Tusche / Öl / Spray auf Leinwand, 140 x 195 cm.

Krawatten: Andy Warhol & die Welt der Musik.

"Andy Warhol sieht aus wie ein Schrei.

Häng es an meine Wand."

Durch den berühmten Refrain von David Bowies Song mit dem Titel Andy Warhol präsentieren wir den unbestrittenen Meister der Pop Art in einer weniger populären Version, wie der eines Musikmanagers und Produzenten, sowie des Schöpfers einiger der kultigsten Albumcover von alle Zeit. Warhol näherte sich dem Musikgrafikdesign in den späten 1950er Jahren, einer Zeit, als die Plattenindustrie florierte, während der der Künstler sowohl von Columbia als auch von RCA Records auf freiberuflicher Basis angestellt wurde, um Albumcover und Werbeinhalte zu entwerfen. Diese Rolle sollte der Meister auch später beibehalten, als er sich mit seiner Factory, dh seinem berühmten Atelier und Treffpunkt für Künstler, der Gründung von Musikgruppen und der Gestaltung mehrerer Plattencover widmete, wodurch ihm fast Unmögliches gelang Kunststück: Musik ein Image geben. Diese besondere Absicht führte zur Schaffung von dreiundfünfzig Musikalben-Covern, die von Rock, Jazz, klassischer Musik bis hin zum Pop-Genre die berühmten Bilder enthalten, die für die Rolling Stones, John Lennon, Diana Ross, Paul Anka, The Velvet Underground, John Cale, Aretha Franklin und viele andere. Obwohl sich viele dieser Werke als weithin bekannt erweisen, wurde die umfangreiche Forschung des Pop-Meisters im Bereich der grafischen Musik erst seit der Veröffentlichung des Buches Andy Warhol: The Record Covers, 1949-1987 umfassend gewürdigt , verfasst 2009 von Paul Maréchal, hat diese Art der Arbeit des Künstlers in der Musikindustrie chronologisch rekonstruiert. Durch diesen Band ist es möglich, sich mit den Alben von Warhol vertraut zu machen, die sich in den meisten Fällen in zwei Hauptstränge unterteilen lassen: solche, die Objekte darstellen, die nichts mit der Erzählung des Albums zu tun haben, wie z Banane von The Velvet Underground & Nico, und solche, die Musiker im Vordergrund darstellen, wie John Lennon von Menlove Avenue.

Vincent Sabatier (VerSus), Roboclusion Pink Floyd , 2022. Skulptur, Harz/Marker/Gießen/Gravieren auf anderem Substrat, 25 x 20 x 5 cm/0,80 kg.

Paul Stowe, Kurt Cobain , 2022. Zeichnung, Graphit auf Papier, 37 x 54 cm.

Also verdammter Rock 'n Roll: Andy Warhol, Velvet Underground und die Rolling Stones!

Auch wenn Sie The Velvet Underground & Nico, eines der größten Rock-, Underground-, Experimental- und Alternative-Alben aller Zeiten, noch nie gehört haben, sind Sie wahrscheinlich mit seinem Cover vertraut, das auf einem weißen Hintergrund das Bild von beherbergt eine Banane, geschickt begleitet von Schreibschrift, die deutlich auf den Namen ihres Schöpfers anspielt: den unbestrittenen Meister der Pop-Art Andy Warhol. Eine solche "Fusion" zwischen Musik und Grafik war das Ergebnis eines Treffens im Jahr 1966, bei dem Andy, nachdem er einen Auftritt der oben genannten Band gesehen hatte, Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison und Maureen Tucker vorschlug, ihr Manager zu werden und Art Director, da er in ihrer Arbeit eine große Affinität zu seiner figurativen Sichtweise erkannte. Nachdem er diese Position erlangt hatte, fügte Warhol der Gruppe den Sänger Nico hinzu und schuf das provokative Bild des erwähnten Debütalbums, das es dem Käufer in seinen frühen Versionen erlaubte, die Frucht zu schälen, um eine andere Banane sichtbar zu machen, was anspielungsvoll fleischfarben, viel mehr angedeutet. Trotz des Hypes, den dieses Image auslöste, hatten The Velvet Underground & Nico damals keinen großen Erfolg, so dass der Flop des Albums zu Spannungen unter den Bandmitgliedern und nach und nach sogar zum Ende ihrer Zusammenarbeit führte mit dem Pop-Künstler. Diese turbulente Geschichte lenkte Warhol nicht so sehr von seinem Interesse und seiner Verbindung zur Musikwelt ab, dass er fast zehn Jahre später eine weitere provokative und höchst ikonische Albumgrafik produzierte: die von Sticky Fingers von den Rolling Stones. Tatsächlich wandte sich Mick Jagger am 21. April 1969 an den Pop-Meister, um ihn brieflich zu bitten, das Cover seiner neuen Platte zu entwerfen und ihm volle Meinungsfreiheit zu gewähren, obwohl er dem Künstler vorschlug, komplizierte Designs zu vermeiden um keine Verzögerungen in der Produktion zu verursachen. Andy Warhol ignorierte den Rat des Frontmanns völlig und erfand die Schritt-Nahaufnahme einer Jeans, deren echter und aufwändiger absenkbarer Reißverschluss leider in der Lage war, die gestapelten Platten im Produktions- und Transportprozess zu beschädigen. In Wirklichkeit betrafen die schlimmsten Probleme jedoch das Thema des Covers selbst, das darauf abzielte, eine deutliche Wölbung des Genitalbereichs einzufangen, einen großen Aufruhr hervorrief, so sehr, dass es in traditionelleren Ländern wie Spanien zensiert wurde und Russland. Abschließend ist es gut, die Geschichte zu beenden, indem die Identität des Besitzers dieser ikonischen Jeans enthüllt wird, der, obwohl er von vielen als Mick Jagger selbst identifiziert wird, Jeo Dallesandro, Schauspieler und Factory-Star, zu sein scheint. Schließlich ist es gut hervorzuheben, wie nicht nur Andy Warhol, sondern auch viele andere Künstler ikonische Albumcover sowie Bandlogos geschaffen haben, Bilder, die oft durch originelle zeitgenössische Remakes wiederbelebt werden, wie die Arbeit einiger von Armajeurs Künstlern veranschaulicht, wie z wie zum Beispiel Jürgen Haffa, Giuseppe Valia und Ananou.

Giovanni Andrea Negrotti, Jim Morrison , 2019. Acryl auf Leinwand, 80 x 90 cm.

Secam, Voodo-Kind, 2018. Acryl / Marker auf Leinwand. 80 x 80 cm.

Jürgen Haffa (Schöpfer), The Rolling Stones , 2022. Digitale Kunst, Fotomontage auf Aluminium, 150 x 112 cm.

Jürgen Haffa: Rolling Stones

Jürgen Haffa, ein professioneller Künstler und Fotograf, der seit 30 Jahren im Bereich Werbung und Videografie tätig ist, kombiniert häufig die Verwendung von Fototechnik mit der von Photoshop, um reine "Rock and Roll" -Themen zu untersuchen, wie z B. Totenköpfe, amerikanische Flaggen, Adler und Whiskey. Die Wiederkehr dieses Themas ist jedoch auch in den Experimenten mit digitaler Kunst und Fotomontage von Haffa gut zu beobachten, deren stilistische Merkmale gut durch Werke wie Rolling Stones veranschaulicht werden, die die ikonische Sprache der britischen Band zum Thema haben. Dieses berühmte Logo, das aus der Sicht des Artmajeur-Künstlers äußerst zeitgenössisch gemacht wurde, findet seinen frühesten Ursprung im Jahr 1970, als ein Vertreter der Rolling Stones das Royal College of Art in London kontaktierte, um mit einem Studenten in Kontakt zu treten mit der Erstellung des Posters für die Europatour der Band betraut werden. Der Auserwählte war John Pasche, der später von der Band auch für die Ausführung einer anderen Arbeit kontaktiert wurde, wie die Schaffung eines wirkungsvollen, aber gleichzeitig einfachen und effektiven Symbols. Das Ergebnis der letztgenannten Anfrage war das berühmte Zungenlogo, ein Werk, das für nur fünfzig Pfund bezahlt wurde und 1971 zum ersten Mal öffentlich auftauchte, nämlich anlässlich der Veröffentlichung des Albums Sticky Finger, wo es auf der Rückseite erschien.

Giuseppe Valia, The Beatles (Abbey Road), 2021. Acryl auf Leinwand, 150 x 150 cm.

Giuseppe Valia: Die Beatles (Abbey Road)

Giuseppe Valias reichhaltige figurative Auseinandersetzung konzentriert sich unter anderem auf die persönliche Interpretation von Bildern berühmter Persönlichkeiten, Kultstätten und äußerst bekannter Meisterwerke, die durch das besondere Pop-Bildvokabular des Künstlers wiedergegeben werden. Was gerade gesagt wurde, ist auf dem Acryl The Beatles zu sehen, in dem das originelle und beispiellose Remake eines der beliebtesten Cover der Musikwelt, nämlich Abbey Road, von der britischen Gruppe The Beatles, Gestalt annimmt, das sein Thema hat das Foto von Iain MacMillan. Diese Aufnahme stammt vom 8. August 1969, dem Tag, als der Fotograf fast vor dem berühmten Aufnahmestudio der Band in der Abbey Road John Lennon, Paul McCartney, George Harrison und Ringo Starr dabei porträtierte, wie sie synchron den Zebrastreifen überquerten. Genau dieses berühmte Bild hatte die Aufgabe, das Bewusstsein für den Ort zu schärfen, an dem die Band den größten Teil ihrer revolutionären Plattenkarriere verbracht hatte, und ihn zu einer zeitlosen Touristenattraktion zu machen, die Fans bis heute besuchen, und sei es nur, um die Features zu emulieren das Cover, das ohne den Namen der Band und den Titel der LP die damalige Musikwelt erschütterte und darauf anspielte, dass die größte Band der Zeit keiner großen Erklärung bedurfte.

Ananou, Bruce Springsteen, 2021. Kugelschreiber auf Papier, 30 x 30 cm.

Ananou: Bruce Springsteen

Ananous Kugelschreiber färbt die Popwelt blau, eine "Dimension", die durch das Papiermedium des Künstlers wiedergegeben wird, immer bereit, Konsumobjekte einzufangen, Geschäftspersönlichkeiten und ikonische Musikalben zu zeigen, wie zum Beispiel das berühmte Born in the USA, das in zu sehen ist die Zeichnung mit dem Titel Bruce Springsteen. Genau genommen ist „Born in the USA“ das siebte Album des amerikanischen Rockers Bruce Springsteen, das am 4. Juni 1984 von Columbia Records veröffentlicht wurde und auf seinem Cover eine beliebte Annie Leibovitz-Aufnahme zeigt, die den Singer-Songwriter mit darstellt sein Rücken drehte sich vor einem Sternenbanner-Hintergrund um. Ein solcher Kontext spielt auf Springsteens Absicht an, sich durch die höchst teilbaren Ansichten seiner Musik als gewöhnlicher Amerikaner zu präsentieren. Als Bruce hingegen auf dem Cover seinen Hintern zeigte, anstatt sein Gesicht, enthüllte der Rocker selbst ironisch, dass er von allen Aufnahmen diejenige ausgewählt hatte, in der seine fotogenste Rolle zu sehen war.