Abstrakte Kunst stellt einen der faszinierendsten und vielfältigsten Bereiche in der Geschichte der bildenden Künste dar, in dem konventionelle Formen und realistische Perspektiven reinen Formen, Farben und Konfigurationen weichen, die direkt zur Seele sprechen. Es besteht die Möglichkeit, sich auf eine umfassende Reise zu begeben, die die wichtigsten abstrakten Bewegungen, die die Kunstlandschaft vom frühen 20. Jahrhundert bis heute geprägt haben, umfassend erkunden soll. Dies wird durch die Präsentation einer Reihe von Kunstwerken der Künstler von Artmajeur veranschaulicht, die jeden nicht-figurativen Stil definieren, angefangen bei der lyrischen Abstraktion bis hin zum Minimalismus.
PROMISCUOUS COLORS (2023)Gemälde von Stefan Fiedorowicz
Lyrische Abstraktion
Die lyrische Abstraktion ist eine Kunstbewegung, die in der Nachkriegszeit entstand und den persönlichen Ausdruck durch abstrakte Malerei erforschte. Einer der wichtigsten Pioniere dieses Stils war Wassili Wassiljewitsch Kandinsky, der als einer der Väter der Abstraktion gilt. Kandinsky erforschte das Ausdruckspotenzial von Farben und Formen und beeinflusste die lyrische Abstraktion zutiefst mit seiner Betonung des freien und persönlichen Ausdrucks. Diese Bewegung fand vor allem in Paris fruchtbaren Boden, wo Künstler aus aller Welt dazu beitrugen, das Konzept der lyrischen Abstraktion zu definieren und weiterzuentwickeln, und mit der lokalen und internationalen Kunstszene interagierten.
Die lyrische Abstraktion zeichnet sich durch ihre emotionale und intuitive Herangehensweise an die Malerei aus, wobei der Schwerpunkt auf persönlichem Ausdruck und Spontaneität liegt. Dieser Stil zeichnet sich oft durch freie und fließende Pinselführung und einen lebendigen Einsatz von Farben aus, um eine Reihe von Emotionen und Stimmungen zu vermitteln. Im Gegensatz zur geometrischen Abstraktion, die sich auf starre und kalkulierte Formen konzentriert, ermöglicht die lyrische Abstraktion fließendere und organischere Kompositionen, was oft zu abstrakten Werken führt, die Formen andeuten, anstatt sie abzugrenzen. Diese Bewegung versucht, die emotionale Erfahrung des Künstlers einzufangen und ähnelt oft einer visuellen Form der Poesie, daher der Begriff „lyrisch“. Der Gesamteffekt ist von Dynamik und Tiefe geprägt und lädt den Betrachter ein, auf einer zutiefst persönlichen Ebene mit dem Werk zu interagieren.
„Promiscuous colors“, gemalt vom Artmajeur-Künstler Stefan Fiedorowicz, steht möglicherweise in der Tradition der lyrischen Abstraktion, da die Vielfalt der Formen und Zeichen, die auf einem weißen, strukturierten Hintergrund schweben, die Entstehung gedanklich erzeugter Erinnerungen und Erfahrungen suggerieren. Tatsächlich hält sich die Komposition nicht an eine starre Form; vielmehr lässt sie die Elemente frei und ohne Zwang interagieren, ähnlich wie Erinnerungen und Sinneserfahrungen in unser Bewusstsein eingewoben werden. Im Grunde genommen gibt der Künstler zu, dass das fragliche Werk sowohl seine inneren emotionalen Kämpfe als auch seine nächtliche „Paranoia“ widerspiegelt, um sie mit dem Betrachter zu teilen, der immer bereit ist, Mitgefühl zu zeigen. „Promiscuous colors“ bezieht sich auch auf die Philosophie von John Locke, insbesondere auf das Konzept der „Tabula Rasa“, das besagt, dass Menschen ohne angeborenen geistigen Inhalt geboren werden und dass alles Wissen aus Erfahrung und Sinneswahrnehmung stammt. Letzterer Aspekt verbindet das Gemälde weiter mit den stilistischen Merkmalen der lyrischen Abstraktion und lässt uns weiter über die Entwicklung der inneren Welt des Menschen nachdenken.
EINE NEUE IDEE VON MALEWICHS „ROTEM QUADRAT“ (2024)Gemälde von Tatiana Yasin
Konstruktivismus und Suprematismus
In den ersten beiden Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts entstanden inmitten des Tumults des revolutionären Russlands zwei äußerst innovative künstlerische Bewegungen: Konstruktivismus und Suprematismus. Beide spielten eine grundlegende Rolle bei der Neudefinition der ästhetischen und philosophischen Landschaft der Kunst, beeinflussten eine Reihe anderer Bewegungen und hinterließen unauslöschliche Spuren in der modernen Kunst. Obwohl diese Bewegungen gemeinsame Wurzeln in der leidenschaftlichen russischen Avantgarde-Szene hatten, entwickelten sie unterschiedliche Ideologien und visuelle Sprachen, die ihre einzigartigen Reaktionen auf das zeitgenössische soziopolitische Umfeld widerspiegelten.
Der Konstruktivismus nahm nach der russischen Revolution von 1917 Gestalt an und wurde als eine Kunstform konzipiert, die den Bedürfnissen des neuen Sowjetstaates dienen konnte. Der Konstruktivismus, dessen ästhetische Wurzeln teilweise im Suprematismus liegen, wurde auch von europäischen Bewegungen wie dem Kubismus und dem Futurismus beeinflusst. Er vertrat eine radikale Idee: Kunst sollte nicht nur zur ästhetischen Betrachtung existieren, sondern eine aktive Rolle im täglichen Leben und beim sozialistischen Wiederaufbau spielen. Die Bewegung war durch einen utilitaristischen Kunstansatz gekennzeichnet, bei dem Künstler zu Designern einer neuen Gesellschaftsordnung wurden und praktische Objekte von Möbeln bis hin zu Propaganda schufen. Der Konstruktivismus feierte die Moderne, konzentrierte sich auf Materialien wie Metall, Glas und Kunststoff und betonte einen wissenschaftlichen Ansatz für künstlerisches Schaffen.
Der Suprematismus wurde 1915 von Kasimir Malewitsch entwickelt und erhielt seinen Namen aufgrund seiner Behauptung, dass das reine künstlerische Gefühl über die Darstellung von Objekten überwiege. Malewitschs Ansatz entfernte die Überreste der objektiven Realität zugunsten essentieller geometrischer Formen wie Quadrate, Kreise und Linien, die auf minimalen Hintergründen schweben. Der Suprematismus wurde von der Suche nach dem „Nullgrad“ der Kunst angetrieben, wie Malewitschs ikonisches „Schwarzes Quadrat“ veranschaulicht, das einen radikalen Bruch mit früheren Kunstformen und eine Bewegung hin zur reinen Abstraktion darstellte.
Obwohl beide Bewegungen die Abstraktion annahmen, unterschieden sich ihre Ansätze und Absichten erheblich. Der Konstruktivismus war grundsätzlich auf Funktionalität und kollektive Ideale ausgerichtet. Er war in der materiellen Welt verwurzelt und legte einen starken Schwerpunkt auf Struktur und Industrie, was seinen Glauben an den Künstler als Ingenieur der Gesellschaft widerspiegelte. Im Gegensatz dazu war der Suprematismus philosophischer und introspektiver und beschäftigte sich mit der Erforschung von Form und Raum, um spirituelle und emotionale Reaktionen des Betrachters hervorzurufen.
Das Kunstwerk, das ich hier vorstellen möchte, nämlich „Eine neue Idee des Roten Quadrats von Malewitsch“ von Tatiana Yasin, verkörpert ausschließlich den Suprematismus und erinnert an den Stil des „Roten Quadrats“ von Kasimir Malewitsch. Tatsächlich taucht im Zentrum der Komposition eine kühne und große rote geometrische Form auf, die bereit ist, das Sichtfeld zu dominieren. Das Quadrat wird von ähnlichen geometrischen Formen in Schwarz und Weiß besetzt und abgegrenzt, die einen starken Kontrast bilden und ein dynamisches und ansprechendes visuelles Erlebnis erzeugen können. Tatsächlich erzeugen die deutlichen Linien und die Interaktion zwischen den Farben ein Gefühl von Bewegung und Tiefe, selbst innerhalb des typischen minimalistischen Ansatzes des Suprematismus. Apropos Tatiana Yasin: Ihre Malerei zielt nicht darauf ab, die Realität nachzubilden, sondern die Essenz der Emotionen und den Rhythmus des Immateriellen zu vermitteln, um konventionelle Grenzen herauszufordern und die Betrachter einzuladen, sich mit dem Unbekannten emotionaler Landschaften und der Selbstbeobachtung auseinanderzusetzen. Kurz gesagt, Yasin zielt darauf ab, auf einer intuitiven Ebene, die Sprache und Kultur überschreitet, mit ihren Betrachtern in Kontakt zu treten, um sich in den Redewendungen des Neoplastizismus, Suprematismus und Konstruktivismus auszudrücken.
AUF DER SUCHE NACH BALANCE 7 (2017)Gemälde von Lucie Jirků
COLOR TANGLE｜INSPIRIERT VON MONDRIAN (2023)Gemälde von Peter Ren
Geometrische Abstraktion und Neoplastizismus
Das Aufkommen des Neoplastizismus zu Beginn des 20. Jahrhunderts markierte einen revolutionären Wendepunkt in der künstlerischen Darstellung. Diese Bewegung, die 1917 in den Niederlanden Fuß fasste und eng mit der Veröffentlichung der Zeitschrift De Stijl verbunden war, versuchte, absolute Wahrheiten durch die grundlegendsten Elemente der Malerei zu vermitteln: Farbe, Linie und Form. Der niederländische Künstler Piet Mondrian (1872-1944) ist vielleicht die berühmteste Figur dieser Bewegung, die eine Form der geometrischen Abstraktion vertrat, die reine zweidimensionale Formen verwendete.
Der Neoplastizismus zielte darauf ab, die dritte Dimension und emotionale Werte aus der Malerei zu eliminieren, im Gegensatz zu den Ideen von Wassily Kandinsky, der an emotionalen Ausdruck durch Kunst glaubte. Stattdessen konzentrierte sich der neoplastische Ansatz auf Linie und Farbe und bevorzugte das Rechteck als ideale Form aufgrund seiner geraden Linien und des Fehlens mehrdeutiger Kurven. Die Palette dieser Bewegung beschränkte sich auf Grundfarben – Gelb, Blau und Rot – und vermied Schattierungen und naturalistische Darstellungen.
Obwohl Neoplastizismus und geometrische Abstraktion im Bereich der nichtgegenständlichen Kunst gemeinsame Wurzeln haben, unterscheiden sich ihre Nuancen. Der Neoplastizismus zeichnet sich durch eine philosophische Grundlage aus, die Kunst als Mittel zur sozialen Reform betrachtet. Seine strikte Einhaltung einer strengen visuellen Sprache aus geraden Linien und Primärfarben sollte universelle Wahrheiten und Ausgewogenheit widerspiegeln.
Obwohl die geometrische Abstraktion auf die Reduktion von Formen auf ihre geometrische Essenz ausgerichtet ist, verfolgt sie nicht unbedingt dieselbe philosophische Absicht. Sie umfasst ein breiteres Spektrum an Praktiken und kann in verschiedenen Kontexten gesehen werden. Dabei versucht sie nicht immer, eine utopische Vision zu verkörpern oder sich an einen starren Satz ästhetischer Regeln zu halten.
Im Wesentlichen stellen der Neoplastizismus, ebenso wie der Suprematismus und der Konstruktivismus, dogmatischere und ideologisch orientierte Untergruppen der umfassenderen geometrisch-abstrakten Kunst dar, die in ihren Erscheinungsformen und Absichten pluralistischer und vielfältiger sein kann.
Ein Manifest der geometrischen Abstraktion ist „Looking for balance 7“ von Lucie Jirků, ein Gemälde, das eine komplexe Verflechtung von Formen und Linien zeigt, die eine ausgewogene und doch dynamische Komposition bilden soll. Die Leinwand ist in der Tat ein Patchwork aus Rechtecken, Quadraten und anderen geometrischen Formen, die von geraden Linien auf der Oberfläche durchschnitten oder einfach nebeneinandergestellt werden. Diese abstrakten Figuren, die in Größe und Farbe variieren, stellen eine Palette dar, die Schattierungen von Beige, Grau, Blau, Grün und einen Hauch von Rot umfasst. Was das neoplastische Werk „Color Tangle | inspired by Mondrian“ von Peter Ren betrifft, so wurde es, wie der Titel verrät, von der Arbeit des niederländischen Meisters beeinflusst, und zwar in dem Maße, dass es eine enge Verschmelzung zwischen architektonischer Präzision und künstlerischem Ausdruck widerspiegelt. Der Artmajeur-Maler, der eigentlich einen Hintergrund in Architektur und Innenarchitektur hat, verfolgt einen multidisziplinären Ansatz in der Malerei, der sich in der sorgfältigen Anordnung geometrischer Formen und der kühnen Verwendung von Primärfarben zeigt. Ergänzend kann hinzugefügt werden, dass es die erklärte Absicht des Künstlers ist, jede Linie und jeden Farbton „nicht nur aufgrund ihrer ästhetischen Wirkung, sondern auch aufgrund ihres Potenzials, den Intellekt anzuregen und spirituelle Heilung hervorzurufen“ auszuwählen.
ROTHKO INSPIRIERT - JETZT IST DIE ZEIT (2024)Gemälde von Nadiia Antoniuk
Informelle Kunst und abstrakter Expressionismus
Nach dem Zweiten Weltkrieg entstanden in der Kunstwelt zwei Bewegungen: der Abstrakte Expressionismus und die Informelle Kunst. Obwohl sie aus unterschiedlichen kulturellen Kontexten stammten, hatten sie eine Gemeinsamkeit: Sie reagierten auf die Gräueltaten und Traumata des Krieges, wenn auch auf unterschiedliche Weise.
Der Abstrakte Expressionismus, der hauptsächlich in New York verwurzelt war, zeichnete sich durch seine Betonung des individuellen Ausdrucks von Emotionen und universellen Themen des Künstlers aus. Beeinflusst vom Surrealismus und der linken Politik sahen die Abstrakten Expressionisten die Kunst als Mittel, in die Tiefen des Unterbewusstseins einzudringen und existentielle Fragen anzusprechen. Die Bewegung umfasste verschiedene Strömungen, darunter Action Painting und Color Field. Action Painting, verkörpert durch Künstler wie Jackson Pollock, betonte den physischen Akt des Malens als Form des spontanen Ausdrucks. Künstler tropften, gossen und spritzten Farbe auf Leinwände und schufen dynamische Kompositionen, die die Energie des künstlerischen Prozesses selbst einfingen. Dieser Ansatz spiegelte den Wunsch wider, sich von traditionellen kompositorischen Zwängen zu befreien und die instinktive und rohe Natur der Kreativität anzunehmen. Im Gegensatz dazu konzentrierte sich die Color Field-Malerei, die von Künstlern wie Mark Rothko und Helen Frankenthaler verkörpert wurde, auf große Farbflächen, um emotionale und spirituelle Reaktionen hervorzurufen. Indem sie gegenständliche Elemente eliminierten und Farbe zum primären Ausdrucksmittel machten, versuchten Color Field-Künstler, immersive und meditative Erfahrungen für den Betrachter zu schaffen.
Auf der anderen Seite des Atlantiks entstand die damit verbundene informelle Kunst als Reaktion auf das Chaos und die Unsicherheit der Nachkriegszeit. Der von dem Kritiker Michel Tapié geprägte Begriff umfasste eine breite Palette von Stilen, die durch die Ablehnung traditioneller Formen und die Übernahme antikompositioneller Techniken vereint waren. Künstler aus Europa, Amerika, Japan und darüber hinaus erkundeten vom Surrealismus inspirierte gestische Abstraktion und Spontaneität als Mittel, um der existenziellen Angst der Zeit zu begegnen.
Was die Analyse des Kunstwerks betrifft, so ist „Rothko inspired - now's the time“ von Nadiia Antoniuk ein lebendiges und energiegeladenes Gemälde. Dieses Beispiel der Farbfeldkunst geht über Rothkos typischere definierte Farbrechtecke und weiche Kanten hinaus und spielt auf eine größere emotionale Intensität und Aufmerksamkeit für chromatische Beziehungen an. Der obere Teil des Gemäldes wird tatsächlich von einem „Cluster“ aus Orange und Gelb dominiert, das mit seinem komplizierten Liniennetz auch von Pollocks dynamischer Tropftechnik inspiriert zu sein scheint. Unter dieser lebendigen Explosion warmer Farben befindet sich stattdessen eine kontrastierende Gegenüberstellung von Blau, das bereit ist, den unteren Teil der Leinwand zu füllen und fast an die Tiefen eines Ozeans oder die Weite eines Nachthimmels erinnert. An der Basis zeigt das Kunstwerk einen horizontalen weißen Streifen, der als friedliche Lösung des Aufruhrs darüber interpretiert werden könnte und möglicherweise auf den Kamm einer Welle anspielt, der mit seinem schaumigen Aussehen dem Stück einen Texturkontrast verleihen soll. Insgesamt stellt das Gemälde eine Verschmelzung von Einflüssen dar, die die emotionale Tiefe und Einfachheit von Rothkos Farbfeldern mit den dynamischen Gestentechniken von Pollocks Action Painting verbindet.
SCHWARZE SPITZE (2021) Digitale Kunst von Kurotory
Op-Art
Op-Art, die Abkürzung für „Optische Kunst“, entstand in den 1950er Jahren als dynamische Bewegung, die von der Faszination der Künstler für Wahrnehmung, optische Effekte und Illusionen angetrieben wurde. Op-Art, die in der Erforschung visueller Phänomene verwurzelt war, erweiterte die Grenzen des traditionellen künstlerischen Ausdrucks und erschloss neue Interessen in Technologie und Psychologie. Diese Bewegung, die durch abstrakte Muster und starke Kontraste gekennzeichnet war, zielte darauf ab, das Auge des Betrachters zu fesseln und zu verwirren.
Historisch gesehen entstand Op-Art parallel zur kinetischen Kunst. Beide verbindet die Faszination für Bewegung und Wahrnehmung. Die wegweisende Ausstellung „Le Mouvement“ 1955 in der Galerie Denise Rene markierte den Beginn dieser künstlerischen Auseinandersetzung. Erst die Ausstellung „The Responsive Eye“ 1965 im Museum of Modern Art in New York rückte Op-Art jedoch ins Rampenlicht der Öffentlichkeit und löste eine Begeisterung für ihre Designs in Mode und Medien aus.
Die Hauptmerkmale der Op-Art liegen in der Manipulation der visuellen Wahrnehmung durch abstrakte Muster und kontrastreiche Kompositionen. Diese Kunstwerke werden oft in Schwarzweiß ausgeführt, um die Wirkung zu maximieren. Sie erzeugen optische Täuschungen, die den Sinn des Betrachters für Tiefe und Bewegung herausfordern. Die Betonung von Illusion und Wahrnehmung weist auf Verbindungen zu älteren künstlerischen Techniken wie Trompe l'oeil und Anamorphose hin und spiegelt auch die Faszination der modernen Ära für Technologie und Konsumkultur wider.
Ein Beispiel für Op-Art ist „Black Lace“ von Kurotory, ein digitales Kunstwerk, bei dem die optische Täuschung eines dreidimensionalen „Spitzenrads“ in Schwarzweiß erscheint. Tatsächlich hat Kurotory, ein Künstler, der traditionelle Techniken mit digitalen Medien kombiniert, ein Design geschaffen, das zu rotieren und zu pulsieren scheint und dabei mathematische Prinzipien und optische Manipulation vereint. Darüber hinaus lässt die Komplexität des „Spitzenmusters“ auch auf eine sorgfältige Anordnung von Linien und Kurven schließen, die einen hypnotischen Wirbel erzeugen sollen, dessen Komplexität sich zur Mitte hin verstärkt, wo das Auge in eine scheinbar endlose Spirale hineingezogen wird. Ein solcher Effekt erinnert an die visuellen Phänomene, die von Op-Art-Pionieren wie Victor Vasarely und Bridget Riley erforscht wurden, deren künstlerische Untersuchung die Wahrnehmung des Betrachters zwischen der Flachheit des Mediums und der suggerierten Tiefe des Bildes schwanken ließ.
OLIVE OCCASIONS (2022)Gemälde von Gustaf Tidholm
Minimalismus
Der Minimalismus entstand in den frühen 1960er Jahren in New York als Reaktion auf das, was Künstler als Ermüdung und Akademismus der aktuellen Kunsttrends empfanden. Eine neue Künstlergeneration lehnte die exzessiven Ausdrucksformen des abstrakten Expressionismus ab und versuchte, Werke zu schaffen, die das Einfache und Geometrische über das Dramatische stellten. Skulpturen aus industriellen Materialien wurden zum Markenzeichen der Bewegung, da sie Anonymität betonten und offensichtliche Symbolik vermieden.
Im Mittelpunkt des Minimalismus stand eine bewusste Ablehnung des Ausdrucks, da sich die Künstler von den biografischen und metaphorischen Assoziationen des abstrakten Expressionismus distanzierten. Stattdessen konzentrierten sie sich auf die Schaffung glatter und geometrischer Werke, die traditionelle Vorstellungen von ästhetischer Anziehungskraft in Frage stellten. Inspiriert vom russischen Konstruktivismus und Marcel Duchamps Ready-mades setzten die Minimalisten auf modulare Fertigung und industrielle Materialien und schufen Werke, die eher an fabrikgefertigte Waren als an kunstvolle Kunstwerke erinnerten.
Eines der charakteristischen Merkmale des Minimalismus war seine Betonung des physischen Raums, den das Kunstwerk einnahm. Durch einfache und wiederholte geometrische Formen und vorgefertigte Materialien zwangen minimalistische Werke den Betrachter, sich mit der Anordnung und Größe der Formen sowie seinen eigenen physischen und visuellen Reaktionen auseinanderzusetzen. Dieser Ansatz zielte darauf ab, die traditionellen Unterscheidungen zwischen Malerei und Skulptur aufzubrechen und das formalistische Dogma von Kritikern wie Clement Greenberg in Frage zu stellen.
Der Trend der 1960er Jahre wird gut von „Olive Occasions“ von Gustaf Tidholm eingefangen, einer Übung in minimalistischer Abstraktion, die eine Oberfläche präsentiert, die darauf abzielt, mit der Wahrnehmung des Betrachters zu spielen. Das Werk ist in einem subtilen Olivgrün gemalt, einer Farbe, die oft mit Harmonie und Frieden in Verbindung gebracht wird, und vermittelt Gefühle der Ruhe und des Optimismus. Die Oberfläche des Kunstwerks ist mit Kreisen strukturiert und bietet eine Tiefe, die je nach Perspektive des Betrachters und der Wechselwirkung des Lichts mit dem Gemälde variiert. Gustaf Tidholm, der zeitgenössische schwedische Maler hinter diesem Werk, lässt Erfahrungen aus alltäglichen Interaktionen und dem kreativen Prozess selbst in seine Kunst einfließen. Tatsächlich soll sein minimalistischer Ausdruck nicht einfach auf reine Synthese und Geometrie anspielen, sondern konkrete Emotionen wie Freude, Hoffnung, Glück, Frieden und Glauben vermitteln. Diese Gefühle, die subtil in das Gewebe des Werks eingewoben sind, führen zu natürlicher Kontemplation und Engagement des Betrachters, der still und entspannt die Einfachheit des Monochroms bewundert.
Olimpia Gaia Martinelli
