Satılık kabile sanat heykelleri

77 Satılık Orijinal Çağdaş Heykeller:

Kabile Sanatı tarzı nasıl tanımlanır?

Yerli halkların görsel sanatlarına ve maddi kültürüne, bazen Batı dışı sanat, etnografik sanat veya daha tartışmalı bir şekilde ilkel sanat olarak bilinen kabile sanatı denir. Kabile sanatı tipik olarak ritüelistik veya manevi bir işleve sahiptir. Kabile kültürlerine ait nesnelerin tasarımı ve işçiliği, tipik olarak kırsal başlangıçlarla, kabile sanatı olarak anılır.

19. yüzyılda ünlü Batılı sanat profesyonelleri, Batılı olmayan sanatı bile sanat olarak görmediler. Bunun yerine, bu nesneler "egzotik" veya "ilkel" toplumların kalıntıları ve örnekleri olarak görülüyordu. Ancak 20. yüzyılın ikinci yarısında kabile sanatlarına yönelik tutumlar değişti. 1960'larda postmodernizm ortaya çıkmadan önce, sanat eleştirmenleri kabile sanatlarını öncelikle biçimci bir bakış açısıyla gördüler ve eserin sembolik önemi, tarihsel veya kültürel bağlamı veya sanatçının niyetini çok az dikkate aldılar. O zamandan beri, Batı koleksiyonlarındaki Afrika sanatı gibi kabile sanatı, uluslararası koleksiyonerler, sergiler ve sanat piyasası tarafından oldukça değerli hale geldi.

"Kabile" ifadesi, ilkelcilikle ilişkilendirilen ve beceri, tasarım, niyet veya kavram eksikliğini öne süren daha az karmaşık bir sanat türünü ifade edebilir. Bununla birlikte, müzeler, kabile sanatının basit ve ilkel olmaktan uzak olduğu ve sıklıkla beklediğimizin çok ötesinde bir uygulama becerisine sahip olduğu gerçeğini kabul ederek varlıklarını yeniden inceleyip yeniledikçe, halkın ilgisini giderek daha fazla kazanıyor. Ayrıca ruhumuza ulaşma gücüne sahiptir. İçsel içgüdülerimiz uyanabilir ve zorlayıcı varlıkları ve duygusal enerjilerinin bir sonucu olarak onların gerçekleriyle bağlantı kurarak ruhsal derinlik algımızı geliştirebiliriz.

Tarihsel olarak, Batılı antropologlar, özel koleksiyoncular ve etnografya ve doğa tarihi müzeleri kabile sanat eserlerini topladı. Müze koleksiyonlarında kabile sanatı üç ana kategoriye ayrılabilir: Amerika ve Okyanusya'dan, özellikle Avustralya, Melanezya, Yeni Zelanda ve Polinezya'dan sanat; ve Afrika sanatı, özellikle Sahra Altı Afrika'dan.

Afrika Kabile Sanatı

Taş oymalar, ahşap oymalar (maskeler ve heykeller), mücevherat, sepetçilik, tekstil, borular, müzik aletleri, silahlar, boncuk işleri ve kapılar ve duvar süslemeleri gibi mimari özelliklerin tasarımı Afrika kabile sanatının örnekleridir. Bu el sanatlarının gelişimi, araçların, kaynakların ve bilgi birikiminin erişilebilirliğinden etkilenmiştir; bu sanatsal çabalarla uğraşan tüm kabileler değil. En tipik malzeme, sıklıkla kil, boya, deniz kabukları, boncuklar, fildişi, metal, tüyler, hayvan kılı, rafya ve hatta nadiren yarı değerli taşlarla süslenmiş ahşaptı.

Afrika sanatı, her şeyi kapsayan bir dinin temel bir parçasıydı. Tüm canlılarda var olduğu iddia edilen yaşamsal güçler, onların vücut bulmuş hali veya temsilcisi olarak hareket eden belirli imgelerle temsil ediliyordu. Kabile soyunun özü, sık sık onlar adına konuşan ve insanlara ata ruhlarıyla bağlantı kurma şansı veren ölülerin bu temsilleriyle korunmuştur. Afrika kabilelerine ait eserler, kullanılan biçimlerin birçoğunun seküler bileşenler içermesine ve bazı sanat eserlerinin tamamen dekoratif ve süs amaçlı olmasına rağmen, tipik olarak - belirli bir ritüel veya törensel kullanım için - dini sanat olarak yaratıldı.

Her birinin kendine özgü sembolleri ve kült motifleri olan genç erkekler veya yaşlı erkekler "toplumları" gibi yaş gruplarına kabul, birçok kabile ritüelinin temelidir. Bu tür "toplumlar", çoğu Gök Gürültüsü Tanrısı veya Ateş Tanrısı gibi koruyucu tanrıları temsil eden oyulmuş figürinler ve maskelerin bolluğuyla bilinir. Oymalar, bazı toplumlar tarafından neredeyse tamamen lüks bir ürün olarak üretilse de, maskeler kadar yaygın ve popülerdi ve ritüel bir öneme sahipti. Nijerya'daki Yoruba kabilesi yetenekli yuvarlak figür oymacılarıydı ve tipik büyük maskelerini sık sık çok canlı oyuncak bebek sürüleriyle taçlandırarak bir partinin devam ettiği yanılsamasını yarattı. Heykeltıraşlar, Afrika heykelinin diğer kabileler, özellikle de Yorubalar arasındaki mükemmel kalibresi ve itibarı nedeniyle, Batı'da tanınmış bir sanatçınınkine biraz benzeyen bir boy ve kötü şöhret elde edebilirlerdi.

Okyanus Kabile Sanatı

Okyanusya alt bölgesi, dört farklı etnocoğrafik bölgeden oluşur: Polinezya, Mikronezya, Melanezya ve Avustralasya. Okyanusya kabile sanatı, bu dört bölgede yaşayan yerli halkın kültürel geleneklerini ve yaratıcı tarihini ifade eder. Bu Lapita kültürünün sonunda Polinezya, Mikronezya ve Melanezya'nın büyük bir kısmı üzerinde etkisi oldu. Diğer bir faktör, MS 600 civarında gelişen ve Batı Pasifik'te önemli bir tüccar olan Vietnam Dong-Son uygarlığıydı. Bu medeniyete ait bronz eserler, Okyanusya'nın her yerinde bulundu.

Her bölge ve ada grubu, sanat ve zanaatlarını şekillendiren benzersiz estetik geleneklere sahip olsa da, okyanus kabile sanatı doğaüstü, ruha tapınma ve doğurganlığı içeren pagan olaylarıyla bağlantılıydı. Vücut boyama, dövme, resim, heykel, ahşap oymacılığı ve tekstil sanatı dahil olmak üzere çok çeşitli sanat formları üretildi ve sanatçıların ve zanaatkarların kullandığı malzemelerin çoğu bozulabilirdi. Sonuç olarak, sadece az sayıda örnek - taş binalar ve heykeller hariç - varlığını sürdürmüştür.

Rapa Nui/Paskalya Adası ve Marquesas'taki anıtsal taş heykeller (moai), Polinezya'nın birçok doğu ve uzak bölgesinde ortak olan, çıkıntılı dilleri ve şişkin gözleri olan antropomorfik figürlerin kullanıldığı tasarımların kullanımına örnek teşkil eder, Polinezya sanatının ünlü örnekleri arasındadır. bu hayatta kaldı. Diğer örnekler, Batı Polinezya'daki oldukça süslü ağaç kabuğu kumaşlarını içerir.

Melanezya'daki karmaşık pagan ayinlerinde ve kült uygulamalarında kullanıldıkları için, maskeler yerli sanatında önemli bir motifti. Mikronezya kabile kalıntıları, vücut boyama ve dövmeye ek olarak oyma ahşap kaseler, boyalı tekneler ve stilize ahşap maskeler içerir. Vücut resmi, kaya resmi, ağaç kabuğu resmi, kaya gravürleri, dikili taşlar, oyma, heykel ve alet ve silahlar üzerindeki süs süslemeleri, Avustralya Aborjin sanatında kullanılan çok sayıda stil ve medyadan yalnızca birkaç örnektir.

Amerikan Kabile Sanatı

Amerikan Kızılderili sanatı, hem ilkinin göçebe, avcı tarzı yaşam tarzından hem de sonrakinin biraz daha durağan ama yine de yoksullaştırılmış ortamından derinden etkilenmiştir. Bölgesel olarak farklı yaratıcı geleneklerin ortaya çıkmasındaki bir başka önemli husus da ahşap, hasır, metal, hayvan kemiği, kil ve pamuk gibi kaynakların erişilebilirliğiydi.

Güneybatı kabileleri dokuma, seramik yapma ve fresk yapma konusunda uzmandı. Bu kabileler Zuni, Navaho ve Hopi halklarının yanı sıra güney Arizona'nın Hohokam'ını, kuzey Arizona ve New Mexico'nun Ansazi'sini, güneybatı New Mexico'nun Mimbres'ini ve Ansazi'yi içeriyordu. Güneybatıdan gelen yerli Amerikalılar, genellikle kuru boyama olarak bilinen (özellikle Navajo) kum boyamayı icat ettiler.

Midwest'te, kabileler kültürü şekillendirmekten yalnızca sorumluydu. Bu kabileler, karmaşık tekstil sanatlarının yanı sıra, farklı hayvanlara benzemek için inşa edilmiş iyi bilinen toprak işleri veya "figy höyükleri" ile tanınıyordu. Kabile sanatı ayrıca, oymalı ahşap kaseler ve cilalı taş ve bakır süslemelere ek olarak, son derece gerçekçiden soyuta uzanan desenlere sahip yontulmuş taş borulardan oluşuyordu.

Güneydoğu bölgesi ayrıca kuş ve hayvan şeklinde borular, ince oyulmuş deniz kabukları ve özenle boyanmış giyim aksesuarları üretti. Ortalamanın altında kil kullanılmasına rağmen, enfes çanak çömlek üretmesiyle ünlüydü. Çömlek parçaları, törensel, dini ve özel kullanımlar için çeşitli çiçek ve geometrik desenlerle yaratılmış ve süslenmiştir.

Kızılderili sepetçiliği, Batı Kıyısı'nda, özellikle Kaliforniya'da öne çıkan bir sanat türüydü. Özellikle Kuzeydoğu Kızılderililerinin Iroquois kabilesi, dokuma wampum kemerleri, kirpi tüy işi ve False Face Society maskeleriyle biliniyordu. Kuzeybatıda üretilen en iyi kabile sanatı heykel, özellikle de ağaç oymacılığıydı. Totemler, küçük ahşap figürinler ve özenle boyanmış ve sıklıkla taşlar ve denizkulağı kabukları kakılmış maskeler, el oyması heykellerin en popüler stilleri arasındaydı.

Kabile Sanatı Modern Sanatı Nasıl Etkiledi?

19. yüzyılın ortalarında, daha fazla keşif gezisi kabile eserlerini geri getirdikçe, o zamanlar ilkelcilik/ilkel sanat olarak bilinen şeye - tipik olarak siyah Afrika sanatına - ilgi artmaya başladı. 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarından kalma önemli kabile sanatı sergileri de Batı dışı sanatı Batı sanat camiasına maruz bıraktı. 1941 Amerikan Kızılderili Sanatı ve 1935 Afrika Zenci Sanatı gibi önemli sergiler Modern Sanat Müzesi'nde düzenlendi.

Sanatçılar, natüralist olmayan, son derece stilize formları aynı zamanda güçlü, son derece duygusal imgeler içeren kabile tanrılarının heykellerinde ve ritüel maskelerinde Batı sanatına bir alternatif modeli keşfettiler. Kabile sanatı, Vincent Van Gogh ve Henri Matisse, Paul Gauguin ve Pablo Picasso gibi ünlü sanatçılar üzerinde önemli bir etkiye sahipti. En çarpıcı erken etki, resmi parçalayarak ve perspektiften vazgeçerek, öncelikle kabile sanatının biçimsel imalarından yararlanarak Batı paradigmasını hızla zayıflatan Kübizmdi. Soyut sanat bunun ana sonuçlarından biriydi.

Alman Die Brücke grubu, aynı dönemde Batı dışı sanatın ilkel, içgüdüsel ve ritüel unsurlarına daha fazla odaklanmaya başladı ve Ekspresyonizm olarak bilinen büyük modern sanat hareketini kurdu. Dadaistler, Zürih, New York ve nihayet Paris'teki kabile sanatı, Kübizm ve Dışavurumculuktan ilham alarak Batı paradigmasının çöküşünü ilerlettiler. Dada'nın resimsel veya heykelsi çalışmaları çoğunlukla kolaj ve onun üç boyutlu karşılığı olan asamblajdan oluşuyordu. Buluntu malzemelerden oluşan bu çalışma ile sanatın her şeyden yaratılabileceği ve boyanması, oyulması veya modellenmesi gerekmediği gerçeği ortaya konmuştur. Görüntüleri sıklıkla kabile sanatının özelliklerini içeriyordu ve politik, sosyal veya estetik düzeyde çatışmacıydı. Dada, nihayetinde kavramsal sanata yol açan kavramları sundu; etkileri modern sanatın diğer akımlarıyla karışarak dünyanın şu anda tadını çıkardığı engin, geniş, son derece zengin, çeşitli ve küresel olarak çeşitli çağdaş sanat nehrini yarattı.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.