Wilhem Von Kalisz, It's love that makes us see bauty , 2021. Olieverf / acryl / digitale print / digitaal schilderij op canvas, 120 x 100 cm.
De Gratiën zijn drie zustergodinnen die de Romeinse mythologie ontleende aan het Griekse voorbeeld van de Kariatiden, om de verspreiding te bevorderen van een iconografie die, onder de meest positieve van de oude beschavingen, in staat was te zinspelen op de harmonie die werd bereikt door de aanbidding van de kunst, natuur en vegetatie, de fundamenten van menselijke levensvreugde. Wat betreft de manier waarop dit 'speelse' onderwerp wordt afgebeeld, is er sinds de Griekse tijd een specifieke iconografie opgelegd, zozeer zelfs dat in de poëtische, literaire en culturele verbeelding van toen tot vandaag de Gratiën verschijnen als drie naakte jonge vrouwen, onder wie een van hen naar de anderen lijkt te zijn gekeerd, terwijl de laatsten naar de kijker kijken. Door na te denken over de belangrijkste meesterwerken uit de kunstgeschiedenis die dit onderwerp uitbeelden, kon ik zien hoe het door de eeuwen heen enkele wijzigingen heeft ondergaan, evenals een accentuering van de erotische en sensuele kant van de beeltenissen. Bovenstaande wordt duidelijk uit een vergelijking van drie werken met hetzelfde onderwerp, zoals de ingetogen en renaissancistische Drie Gratiën van Rafaël, de fijn sensuele neoklassieke Gratiën van Canova en de medeplichtige en meer erotische Gratiën van Rubens.
Raphael, Drie Gratiën , 1503-04. Olieverf op paneel, 17 x 17 cm. Chantilly: Condé-museum.
Canova, De drie gratiën , 1812-1817. Marmeren sculptuur. St. Petersburg: Hermitage Museum.
Rubens, De drie gratiën , ca. 1636. Olieverf op doek, 221 x 181 cm. Madrid: Museum van Prado.
Over het eerste genoemde meesterwerk gesproken, het paneel, gedateerd c. 1503, is een van de kleinste schilderijen gemaakt door Raphael, evenals het enige werk met een niet-religieus thema uit de Florentijnse periode van de kunstenaar, die het maakte onder invloed van Pinturicchio en Perugino, naast inspiratie ontleend aan de Romeinse replica van een sculptuur uit het Hellenistische tijdperk, die de meester waarschijnlijk zou kunnen zien in de bibliotheek van paus Pius II Piccolomini in Siena. Het resultaat van deze studies is de compositie waarin drie jonge vrouwen op de voorgrond, naakt en omhelzend, bollen vasthouden, ondergedompeld in een heuvelachtig landschap waaruit ook de aanwezigheid van een beek te onderscheiden is. Wat de globes betreft, die kunnen verwijzen naar de Hesperiden, nimfen uit de Griekse mythologie die toegewijd waren aan het bewaken van Hera's tuin met gouden appels, figuren analoog aan die van de Drie Gratiën, hoewel minder artistiek fortuinlijk. Vanuit een puur symbolisch oogpunt daarentegen vertegenwoordigen de bovengenoemde appels onsterfelijkheid, terwijl de Gratiën verwijzen naar de vrouwelijke deugden van bescheidenheid, schoonheid en liefde, opgevat als een soort beloning voor goed levensgedrag van mensen. Ten slotte lijkt de klassieke schoonheid van de naaktcomposities niet te verwijzen naar ondeugende dubbelzinnigheden, terwijl in Canova's latere werk door de toegenomen intimiteit en medeplichtigheid tussen de vrouwen de sensuele lading zeker groter wordt. Desondanks vertegenwoordigt de neoklassieke stijl van de Italiaanse beeldhouwer, gericht op het uitdrukken van het concept van ideale schoonheid door de fysieke perfectie van de onderwerpen, geen echte erotische waarde, een factor die zich meer zou ontwikkelen in Rubens' latere figuratieve onderzoek. Terugkerend naar Canova's Three Graces , presenteert het meesterwerk uit 1813-1816, in opdracht van de eerste vrouw van Napoleon, namelijk Josephine de Beauharnais, de zusters verstrengeld in een familieomhelzing, binnen een driehoekige compositie waarvan de top wordt vertegenwoordigd door het haar van het centrale meisje. In deze context is een warme emotionele uitdrukking te bespeuren, ondanks het neoklassieke rationalisme, dat vorm krijgt in de gezichten van de vrouwen die alle spontaniteit van hun emotionele band willen tonen. Het idee van de 'familie' neemt een achterbank in Rubens' barokke interpretatie, aangezien deze esthetische beweging meer waarde hechtte aan de kunstmatige en sensuele composities, gedomineerd door de aanwezigheid van de kronkelige lijn, gebruikt om het menselijk lichaam kronkelig te modelleren. In het specifieke geval van de Drie Gratiën (1636) behandelde de Vlaamse schilder het mythologische onderwerp volgens zijn typische schoonheidsideaal: weelderige lichamen met brede heupen en kleine borsten, waarvan de huid bij de gewrichten duidelijke plooien vertoont. Dergelijke eigenaardigheden geven stem aan een triomf van het vlees en de sensualiteit van vrouwenlichamen, die helder en stralend blijken te zijn zo overvloedig als de natuur om hen heen, waarschijnlijk geïnspireerd door de bloemrijke liefdessituatie van de kunstenaar, die kort na zijn huwelijk , begon zijn geluk en vitaliteit te tonen door middel van meer "erotische" thema's.
Oleg Sergeev, De drie Gratiën , 2015. Pastel op karton, 70 x 85 cm.
Tony Rubino, Three Graces graffiti tattoos , 2022. Acryl / lithografie op canvas, 50,8 x 50,8.
De drie Gratiën in de kunstgeschiedenis
Vanuit een puur chronologisch-stilistisch kunsthistorisch perspectief dateren de vroegste afbeeldingen van de drie Gratiën, zoals verwacht, uit de Griekse beschaving, waarvan de iconografie het model vormde voor latere Romeinse en renaissancekunst. In deze figuratieve context werd het klassieke Hellenistische beeld van de drie naakte vrouwen, zo gerangschikt dat de middelste van achteren wordt gezien, terwijl de anderen haar frontaal flankeren, op een meer innovatieve manier geïnterpreteerd door Botticelli, die in de vijftiende eeuw tijdperk, ving de bovengenoemde figuren in een meer dynamische en vernieuwende 'girotondo', een compositie die buiten de meer traditionele interpretaties van grote meesters als Francesco del Cossa en Raphael viel. Vervolgens, na het mindere succes van het thema in de zeventiende eeuw, een periode waarin het werk van bovengenoemde Rubens echter opvalt, keerden de drie Gratiën weer sterk in zwang binnen de stroming van het neoclassicisme, waarvan het toppunt van stilistische verfijning is weergegeven door de beeldhouwkunst van het genie van Antonio Canova. Vanaf dat laatste historische moment bleek dit onderwerp erg populair te zijn binnen het verhaal van de figuratieve kunsten, zozeer zelfs dat het een "typisch" object werd van de prerafaëlieten, de exponenten van de art deco, en door die van de twintigste-eeuwse avant-garde, kunstenaars die maagden in de meest ondenkbare vormen en kleuren hebben weergegeven, tot aan de meest moderne interpretaties, waaronder vooral die van de beeldhouwers Niki De Saint Phalle en Dorit Levinstein. Ten slotte zijn de drie Gratiën naast de bovengenoemde kunstenaars ook het onderwerp van aandacht geweest van Artmajeur-kunstenaars, die, zoals Max Leonhard, Kristina Korobeynikova en Mandy Sand, hun erotische, expressieve en emotionele potentieel hebben onderzocht door gebruik te maken van stilistische kenmerken en technieken die nogal van elkaar verschillen.
Mandy Sand, The Three Graces, 1988. Conté / potlood op papier, 70 x 50 cm.
Mandy Sand: De drie gratiën
Uitgevoerd in overeenstemming met de meer traditionele figuratieve compositie van Helleense afleiding, werd de tekening van Sand's The Three Graces waarschijnlijk gemaakt door de beoefening van de specifieke grafische techniek van sanguigna, een tekengereedschap dat, als een van de oudste in omloop, bestaat uit gereduceerd hematiet tot stokjes, waarmee vormen van een eigenaardige roodachtige kleur kunnen worden getraceerd. De laatste, die enorm populair was tijdens de Italiaanse Renaissance, een tijd waarin het vaker 'potlood' werd genoemd, bleef een must in tekenen tijdens de latere periode van het maniërisme, zoals blijkt uit The Three Graces van Jacopo Carucci, een meester die, beter bekend onder de benaming Pontormo, het bovengenoemde onderwerp creëerde, dat nu bewaard wordt in de Galleria degli Uffizi, omstreeks 1535. In dit laatste meesterwerk worden de vormen, geschetst in hun clair-obscur, gedefinieerd door middel van de contouren, het leven geven aan naakte lichamen die worden benadrukt in hun formele eigenaardigheden door het bovenste deel van het werk, waarin de dynamiek van de armen de medeplichtigheid van de drie dames interessanter, boeiender en ingetogen sensueler maakt. In tegenstelling tot de laatste tekening, lijkt het werk van de artiest van Artmajeur meer statisch, hoewel de beeltenissen beweging geven door de rijke decoratieve motieven die bedoeld zijn om hun lichamen van oude schoonheid te versieren, bedoeld om het klassieke model samen te brengen met de hedendaagse verbeelding.
Kristina Korobeynikova, Three Graces , 2022. Acryl op linnen canvas, 175 x 135 cm.
Kristina Korobeynikova: Three Grace s
De appels die zijn verzameld in de handen van de drie mooie maagden in Kristina Korobeynikova's deels pointillistische schilderij doen denken aan Rafaëls meesterwerk, geanticipeerd in zijn kijk op het mythologische thema door de eerdere interpretatie van het onderwerp door Francesco del Cossa, een Italiaanse schilder geboren in 1436, een bekende vertegenwoordiger van de 15e-eeuwse Ferrara-school. In feite plaatste de laatste kunstenaar de drie Gratiën, naakt, staand en met "bollen" in hun handen, in Aprile , een van de geschilderde fresco's, tussen ongeveer 1468 en 1470, in de Salone dei Mesi van Palazzo Schifanoia in Ferrara, Italië . Dit schilderij, gemaakt om een concreet politiek manifest van de grootsheid van hertog Borso d'Este weer te geven, is verdeeld in horizontale banen: een bovenste, waarin de triomf van Venus verschijnt; een centrale, waar het teken van de stier en de drie "decans" zijn geplaatst; en een lagere, versierd met taferelen van de regering-Este. In deze rijke context vinden de drie Gratiën hun plaats in het register dat bedoeld is om de wederwaardigheden van de godin van de liefde te vertellen, afgebeeld terwijl ze voortbeweegt op een feestelijk geparadeerde strijdwagen getrokken door twee witte zwanen, die voortbeweegt door over het water van een rivier. In deze bewegingswijze is Venus van plan haar overwinning op Mars te vieren, die wordt afgebeeld, gekleed in zijn middeleeuwse ridderharnas, knielend voor haar. Op de achtergrond van deze aflevering, die zich afspeelt in een heuvelachtig landschap, is het mogelijk om, rechts van Venus, gepositioneerd op een rots, de drie Gratiën te onderscheiden, omgeven door figuratieve elementen met meerdere symbolische betekenissen, waarvan vele verwijzen naar vruchtbaarheid en liefde, een gevoel dat het meest expliciet terugkomt in de omhelzing tussen jonge mensen die op de voorgrond van het schilderij zijn vastgelegd.
Max Leonhard, Three Graces , 2021. Pigmenten op canvas, 206 x 156 cm.
Max Leonhard: Drie Gratiën
Door Leonahards deels metafysische interpretatie is het in plaats daarvan mogelijk om opnieuw verbinding te maken met twintigste-eeuwse afbeeldingen van de Drie Gratiën, in de eerste plaats vanwege de populariteit die een dergelijk onderwerp genoot onder de historische kubistische avant-garde, goed geïllustreerd door Robert Delaunay's Meesterwerk uit 1912, The Three Graces . Deze olieverf op doek is bedacht met de bedoeling om, door middel van een modern visueel idioom, een thema van tijdloze poëtica en elegantie te vertalen, dat de Franse meester ook verkende in eerdere werken, waaronder, opmerkelijk vanwege de bekendheid, La Ville de Paris en een onvoltooide schets uit 1909, geïnspireerd op een fresco van hetzelfde onderwerp uit Pompeii. Terugkerend naar The Three Graces , de datering van het schilderij en een gouden periode in Delaunay's carrière, die zijn positie als groot kunstenaar van die tijd consolideerde, evenals een belangrijke exponent van het kubisme. Juist met betrekking tot deze laatste beweging is het de moeite waard om te benadrukken hoe de Franse kunstenaar de Picassiaanse verbrijzelde en aaneengeschakelde interpretatie van vliegtuigen opnam, hoewel hij niettemin een grotere visuele toegankelijkheid tot de geïnterpreteerde onderwerpen behield. Ten slotte pronkt het werk al met een specifieke behandeling van licht, wat zich vertaalt in het gevoel van breking gecreëerd door de glinsterende vlakken, vooruitlopend op de latere Orphic Delaunay, auteur van meesterwerken als bijvoorbeeld The Joy of Living (1930) en Circular Forms (1930).
Olimpia Gaia Martinelli
