Saturne dévorant son fils de Francisco Goya

Francisco Goya, Autoportrait au chevalet , 1790-1795. Madrid : Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Qui était Francisco Goya ?

Francisco Goya était un peintre et graveur espagnol qui a vécu de 1746 à 1828. Il est considéré comme l'un des artistes les plus importants de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle, et est particulièrement connu pour ses peintures et estampes représentant des scènes de guerre, d'injustice sociale, et la corruption politique. Les œuvres de Goya traitaient souvent de sujets difficiles et controversés, et on lui attribue le mérite d'avoir contribué à inaugurer une nouvelle ère d'expression artistique et de réalisme en Espagne. Certaines de ses œuvres les plus célèbres incluent "Le 3 mai 1808", "La Maja nue" et "Les peintures noires".

Francisco Goya, La famille de Charles IV, 1800-1801. Huile sur toile, 280×336 cm. Madrid : Musée du Prado.

Les peintures les plus célèbres de Francisco Goya

Francisco Goya, Le 3 mai 1808 , 1814. Huile sur toile, 268×347 cm. Madrid : Musée du Prado.

• Le 3 mai 1808 (1814) : Ce tableau représente l'exécution de civils espagnols par des soldats français pendant la guerre de la Péninsule. C'est une image puissante des horreurs de la guerre et a été saluée comme l'une des plus grandes peintures anti-guerre de tous les temps.

Francisco Goya, La maja desnuda , 1790-1800. Huile sur toile, 95×190cm. Madrid : Musée du Prado.

• La Maja nue (c. 1797-1800) : Cette peinture est un portrait provocateur et sensuel d'une femme nue allongée. Il a suscité la controverse lors de sa première exposition en raison de sa nature explicite, mais il est depuis devenu l'une des œuvres les plus emblématiques de Goya.
• Les peintures noires (c. 1819-1823) : Il s'agit d'une série de quatorze peintures murales que Goya a peintes directement sur les murs de sa maison près de Madrid. Ce sont des images obsédantes et dérangeantes qui explorent les thèmes de la mort, de la peur et de la folie.
• Les désastres de la guerre (c. 1810-1820) : Il s'agit d'une série de quatre-vingts gravures qui dépeignent les atrocités commises par les forces françaises et espagnoles pendant la guerre péninsulaire. Ils nous rappellent brutalement le coût humain des conflits.
• Saturne dévorant son fils (c. 1819-1823) : C'est l'une des peintures les plus célèbres de la série des peintures noires de Goya. C'est une image horrible et dérangeante du dieu romain Saturne dévorant l'un de ses propres enfants, et elle a été interprétée comme le reflet des propres peurs et angoisses de Goya concernant la mortalité et les aspects les plus sombres de la nature humaine.

Francisco Goya, Le Colosse , 1808. Huile sur toile, 116 × 105 cm. Madrid : Musée du Prado.

Caractéristiques stylistiques

• Utilisation de l'obscurité et de la lumière : Les peintures de Goya présentent souvent des contrastes dramatiques entre les zones sombres et claires, créant une sensation de profondeur et de drame. Cette technique est particulièrement évidente dans sa célèbre série de Black Paintings, réalisée vers la fin de sa vie.
• Coups de pinceau audacieux : Les peintures de Goya ont une qualité lâche et fluide, avec des coups de pinceau parfois visibles à la surface de la toile. Cette technique donne à ses œuvres une impression d'énergie et d'immédiateté.
• Utilisation de couleurs vives : Goya était connu pour son utilisation de couleurs vives et audacieuses, en particulier dans ses premières œuvres. Plus tard dans sa carrière, il s'est tourné vers une palette plus discrète, mais son utilisation de la couleur est toujours restée expressive et percutante.
• Intérêt pour les états psychologiques et émotionnels : les œuvres de Goya explorent souvent le monde intérieur de ses sujets, les représentant dans des moments de peur, de désespoir ou d'angoisse. Cet intérêt pour la psychologie et l'émotion est particulièrement évident dans sa série d'estampes, Les désastres de la guerre.
• Accent mis sur le commentaire social : les œuvres de Goya critiquent souvent les normes politiques et sociales de son temps, en particulier dans ses œuvres ultérieures. Son célèbre tableau Le 3 mai 1808, par exemple, dépeint l'exécution de citoyens espagnols par les troupes françaises pendant les guerres napoléoniennes et constitue une puissante critique de la brutalité de la guerre et de la tyrannie.

Francisco Goya, Homme moqué par deux femmes, 1819-182. Huile sur gesso transféré sur lin, 125,4 cm × 65,4 cm. Madrid : Musée du Prado.

Le style tardif

Le style tardif de Francisco Goya se caractérise par une évolution vers une approche plus expressionniste et plus sombre de ses sujets. Il a abandonné le style néoclassique qui avait été populaire dans ses œuvres antérieures et a commencé à expérimenter des interprétations plus subjectives et émotionnelles de ses sujets.

Les peintures tardives de Goya présentent souvent des figures déformées, des couleurs sombres et des contrastes dramatiques de lumière et d'ombre. Il est également devenu plus intéressé par l'exploration des aspects les plus sombres de la nature humaine, tels que la folie, la violence et la mort.

Les peintures noires, que Goya a peintes directement sur les murs de sa maison dans ses dernières années, sont peut-être les exemples les plus emblématiques de son style tardif. Ces peintures murales sont obsédantes et troublantes, avec des images grotesques et dérangeantes qui reflètent les angoisses et les peurs personnelles de Goya.

Francisco Goya, Saturne dévorant son fils , v. 1819–1823. Huile sur toile, 143,5 × 81,4 cm. Madrid : Musée du Prado.

Saturne dévorant son fils de Francisco Goya

"Saturne dévorant son fils" est une peinture de Francisco Goya qui fait partie de sa série de peintures murales connues sous le nom de Black Paintings. Le tableau représente l'histoire mythologique de Saturne, le dieu romain de l'agriculture, qui a mangé ses propres enfants pour les empêcher de le renverser.

Dans le tableau, Saturne est représenté comme une figure monstrueuse avec une expression sauvage et folle alors qu'il mord dans la chair de son fils, qui est représenté dans une pose déformée et tordue. L'arrière-plan est sombre et inquiétant, ajoutant au sentiment général d'horreur et de violence.

La peinture est exécutée dans un style lâche et gestuel, avec des coups de pinceau rugueux et un accent sur la texture et le mouvement. Cela donne à la peinture un sentiment d'immédiateté et d'intensité émotionnelle, soulignant la nature brutale et horrible du sujet.

"Saturne dévorant son fils" est considérée comme l'une des œuvres les plus puissantes et les plus dérangeantes de Goya, et elle a été interprétée de diverses manières au fil des ans, notamment comme un commentaire sur la violence politique ou comme un reflet des propres angoisses de l'artiste à propos de la mortalité et de l'obscurité. aspects de la nature humaine.

Texture, lignes, formes, formes et espace

La texture de la peinture est rugueuse et épaisse, avec de lourds empâtements et des coups de pinceau visibles. Goya a utilisé une technique appelée fresco-secco, qui consiste à appliquer de la peinture sur une surface de plâtre sèche, pour créer la peinture. Cette technique lui a permis de créer des couches de peinture et de créer une surface fortement texturée, ce qui ajoute au sentiment général d'horreur et de brutalité de la peinture. L'utilisation d'une palette de couleurs limitée et d'un éclairage dramatique en clair-obscur contribue également à l'atmosphère troublante de la peinture.

Saturne dévorant son fils de Francisco Goya est connu pour ses lignes fortes et audacieuses qui créent une sensation de chaos et de mouvement dans la peinture. L'utilisation par Goya de lignes nettes et irrégulières et de formes angulaires contribue au sentiment général d'horreur et de violence de la scène. Les lignes sont épaisses et fortement accentuées, ajoutant à la sensation de profondeur de la peinture. L'utilisation de fortes diagonales crée également une sensation de tension et de malaise dans la composition.

Dans Saturne dévorant son fils de Francisco Goya, la forme du tableau est principalement rectangulaire, la figure centrale de Saturne dominant la composition. La forme du corps de Saturne est tordue et tordue, créant une sensation de mouvement et de violence qui se retrouve dans les formes environnantes. Les formes des autres personnages du tableau, y compris la petite forme vulnérable du fils de Saturne, sont également déformées et tordues, contribuant au sentiment d'horreur et de chaos de la scène.

La forme de Saturne dévorant son fils de Francisco Goya se caractérise par un fort sentiment de tridimensionnalité et de solidité. Goya a utilisé une technique appelée clair-obscur pour créer une impression de profondeur et de volume dans la peinture, la figure centrale de Saturne semblant émerger de l'arrière-plan de manière dramatique et énergique. L'utilisation d'une peinture épaisse et fortement empâtée ajoute également à la sensation de physique et de substance dans la peinture.

L' espace de Saturne dévorant son fils de Francisco Goya est défini par un fort sentiment de claustrophobie et d'enfermement. Les personnages du tableau sont entassés dans un espace étroit et comprimé, le corps massif de Saturne dominant le premier plan et semblant s'appuyer sur les autres personnages. L'utilisation d'un éclairage dramatique et de forts contrastes de lumière et d'obscurité contribuent également au sentiment de confinement et d'obscurité dans l'espace. L'utilisation par Goya du raccourci et de la perspective déformée ajoute au sentiment général de malaise et de désorientation dans la composition, créant un sentiment de distorsion physique et psychologique.

Le sens

Saturne dévorant son fils de Francisco Goya est une peinture troublante et puissante qui dépeint l'histoire mythologique de Saturne, qui a été averti qu'un de ses enfants le renverserait et a commencé à dévorer sa progéniture pour empêcher que cela ne se produise. La peinture est largement interprétée comme une représentation du pouvoir destructeur de la tyrannie, de la violence et de la folie. Goya a peint l'œuvre pendant une période de troubles politiques et de violence en Espagne, et beaucoup voient la peinture comme un reflet des horreurs de la guerre et des abus de pouvoir.

La peinture est également considérée comme un commentaire sur la nature destructrice du patriarcat et l'abus des relations familiales. La figure de Saturne, à la fois père et tueur, représente le pouvoir destructeur de l'autorité patriarcale et la manière dont elle peut se retourner contre ceux qu'elle est censée protéger. Dans cette interprétation, la peinture est une critique puissante de l'abus de pouvoir et de la nécessité pour les individus de résister aux structures et systèmes oppressifs.

Saturne dévorant son fils est une œuvre d'art profondément troublante et puissante qui continue de résonner auprès des téléspectateurs aujourd'hui, transmettant un message intemporel sur le pouvoir destructeur de la tyrannie et de l'oppression.

Contexte historique

Saturne dévorant son fils de Francisco Goya a été peint entre 1819 et 1823, pendant une période de troubles politiques et sociaux en Espagne. Goya avait été témoin des horreurs de la guerre de la Péninsule, qui avait fait rage dans toute l'Espagne pendant six ans et entraîné la mort de centaines de milliers de personnes. La guerre avait été menée entre les armées française et espagnole, avec de nombreux citoyens espagnols forcés de se battre des deux côtés.

Pendant ce temps, l'Espagne était gouvernée par le roi Ferdinand VII, connu pour sa répression de la dissidence politique et son soutien à l'Inquisition. Goya lui-même avait été peintre de la cour sous Ferdinand VII, mais il est devenu désillusionné par la politique du roi et la violence dont il avait été témoin pendant la guerre.

Saturne dévorant son fils peut être considéré comme un reflet de la violence et de l'horreur dont Goya a été témoin pendant cette période, ainsi qu'une critique des abus de pouvoir et de la nature destructrice du patriarcat. Les thèmes de la peinture de la brutalité, de l'oppression et de la folie sont tous profondément pertinents pour le contexte politique et social de l'époque de Goya.

La peinture est également importante pour son départ du style néoclassique qui avait dominé l'art espagnol au XVIIIe siècle. L'utilisation par Goya du clair-obscur et son coup de pinceau expressif et émotionnel s'écartaient du formalisme strict du néoclassicisme et préfiguraient l'émergence du romantisme dans l'art.

Anecdotes

• La peinture n'a jamais été destinée à être exposée au public. Goya l'a peint dans le cadre d'une série de peintures noires sur les murs de sa maison à l'extérieur de Madrid, qui n'ont été découvertes qu'après sa mort.
• Le tableau n'a pas été nommé par Goya lui-même. Le nom "Saturne dévorant son fils" lui a été donné par les historiens de l'art qui tentaient d'identifier les personnages représentés dans les peintures noires.
• La peinture a été interprétée de différentes manières au fil des ans. Certains y ont vu le reflet des propres peurs et angoisses de Goya, tandis que d'autres y ont vu un commentaire sur la nature destructrice du pouvoir et de l'autorité.
• La peinture a été considérée comme scandaleuse et controversée lors de sa découverte. Certains critiques d'art ont été horrifiés par son imagerie graphique et son sujet dérangeant, tandis que d'autres ont loué sa puissance brute et son intensité émotionnelle.

Où est la peinture de Saturne dévorant son fils?

Le Museo del Prado de Madrid, en Espagne, abrite le tableau de Francisco Goya "Saturne dévorant son fils". Le tableau fait partie de la collection permanente du musée et peut être vu par les visiteurs. Le tableau "Saturne dévorant son fils" de Francisco Goya est devenu une partie de la collection du Prado grâce à un don du gouvernement espagnol en 1933. Auparavant, le tableau était conservé dans la collection privée du duc et de la duchesse d'Osuna. Après leur mort, le tableau a changé plusieurs fois de mains avant d'être acquis par le gouvernement espagnol et finalement placé dans la collection du musée du Prado. Aujourd'hui, c'est l'une des œuvres d'art les plus célèbres et les plus reconnaissables du musée.

Pierre Paul Rubens, Saturne, 1636. Madrid : Musée du Prado.

Qui était Saturne ?

Dans la mythologie romaine, Saturne (également connu sous le nom de Cronus dans la mythologie grecque) était un dieu de l'agriculture et de la fertilité. Il était le fils d'Uranus et de Gaïa et le mari de sa sœur, Ops. Selon le mythe, Saturne a renversé son père et est devenu le roi des dieux, mais il a été averti que l'un de ses propres enfants le renverserait. Afin d'éviter que cela ne se produise, Saturne a commencé à dévorer ses enfants dès leur naissance. Cependant, sa femme Ops a réussi à sauver l'un de leurs enfants, Jupiter (Zeus), qui a ensuite renversé Saturne et est devenu le roi des dieux.

Sandro Botticelli : "L'Allégorie du printemps" (1482), qui inclut Saturne comme l'une des figures en arrière-plan.

Saturne représenté dans l'art

Saturne a été représenté de diverses manières tout au long de l'histoire de l'art. Dans l'art classique, Saturne était souvent représenté comme un vieil homme avec une faux, représentant le passage du temps et la récolte. Il était aussi parfois représenté comme un dieu de l'agriculture, avec une corne d'abondance ou d'autres symboles agricoles.

Dans l'art de la Renaissance et du baroque, Saturne était souvent représenté comme une figure masculine musclée et nue avec une longue barbe et des cheveux flottants. Il était souvent représenté avec une faucille ou une faux, soulignant son rôle de dieu du temps et de la mort.

Dans les temps modernes, Saturne est fréquemment représentée comme une planète, soit dans des illustrations scientifiques, soit dans des œuvres de science-fiction. Dans certains arts contemporains, les anneaux de Saturne sont mis en valeur, donnant à la planète une apparence distinctive et d'un autre monde.

Giovanni Battista Tiepolo : Escalier de la Résidence Würzburg, détail avec Saturne.

Autres artistes qui ont peint Saturne

• Peter Paul Rubens : Saturne est un motif récurrent dans de nombreuses œuvres de Rubens, souvent représenté comme une figure puissante et imposante.
• Peter Bruegel l'Ancien : Bruegel a peint une série de peintures représentant Saturne, dont "Saturne dévorant ses enfants" et "Le triomphe de Saturne".
• Diego Velázquez : Velázquez a peint un portrait de Philippe IV d'Espagne tenant une statue de Saturne, qui est considérée comme un commentaire sur le pouvoir du roi et l'idée du souverain comme un dévoreur de ses sujets.
• Francisco de Zurbarán : Zurbarán a peint un certain nombre d'œuvres mettant en vedette Saturne, notamment "Saturne dévorant son fils" et "Le triomphe de Saturne".
• Giovanni Battista Tiepolo : Tiepolo a peint une série de fresques au plafond du Palazzo Labia à Venise, représentant Saturne comme symbole du temps et de la mortalité.