L'art abstrait représente l'un des domaines les plus fascinants et les plus variés de l'histoire des arts visuels, où les formes conventionnelles et les perspectives réalistes cèdent la place à des formes, des couleurs et des configurations pures qui s'adressent directement à l'âme. Il est possible d'entreprendre un voyage complet, destiné à explorer de manière exhaustive les principaux mouvements abstraits qui ont façonné le paysage artistique depuis le début du XXe siècle jusqu'à nos jours. Ce parcours sera illustré par la présentation d'un certain nombre d'œuvres des artistes d'Artmajeur, qui définiront chaque style non-figuratif, de l'Abstraction lyrique au Minimalisme.
COULEURS PROMISCUES (2023)Peinture de Stefan Fiedorowicz
Abstraction lyrique
L'Abstraction lyrique est un mouvement artistique qui est apparu dans la période d'après-guerre, explorant l'expression personnelle à travers la peinture abstraite. L'un des principaux pionniers de ce style était Vassily Vassilievitch Kandinsky, considéré comme l'un des pères de l'abstraction. Kandinsky a exploré le potentiel expressif des couleurs et des formes, influençant profondément l'abstraction lyrique avec son accent sur l'expression libre et personnelle. Ce mouvement a trouvé un terrain fertile surtout à Paris, où des artistes du monde entier ont contribué à définir et à faire évoluer le concept d'abstraction lyrique, interagissant avec la scène artistique locale et internationale.
L'abstraction lyrique se caractérise par son approche émotionnelle et intuitive de la peinture, mettant l'accent sur l'expression personnelle et la spontanéité. Ce style se caractérise souvent par un travail de pinceau libre et fluide et une utilisation vibrante de la couleur pour transmettre toute une gamme d'émotions et d'ambiances. Contrairement à l'abstraction géométrique, qui se concentre sur des formes rigides et calculées, l'abstraction lyrique permet des compositions plus fluides et organiques, donnant souvent lieu à des œuvres abstraites qui suggèrent plutôt que de délimiter des formes. Ce mouvement cherche à capturer l'expérience émotionnelle de l'artiste, ressemblant souvent à une forme visuelle de poésie, d'où le terme "lyrique". L'effet global est celui d'un dynamisme et d'une profondeur, invitant les spectateurs à interagir avec l'œuvre sur un plan profondément personnel.
"Promiscuous colors," peint par l'artiste Artmajeur Stefan Fiedorowicz, peut se manifester dans la tradition de l'abstraction lyrique, car sa variété de formes et de signes, intentionnellement flottants sur un fond blanc texturé, suggère l'émergence de souvenirs et d'expériences générés par l'esprit. En fait, la composition ne se conforme pas à une forme rigide; au contraire, elle permet aux éléments d'interagir librement et sans contrainte, tout comme les souvenirs et les expériences sensorielles sont tissés dans notre conscience. Pour toutes fins utiles, l'artiste admet que l'œuvre en question reflète à la fois ses luttes émotionnelles internes et sa "paranoïa" nocturne, afin de les partager avec le spectateur, qui est toujours prêt à sympathiser. "Promiscuous colors" fait également référence à la philosophie de John Locke, en particulier au concept de "Tabula Rasa", qui suggère que les individus naissent sans contenu mental inné et que toute connaissance provient de l'expérience et de la perception sensorielle. Cet aspect relie davantage la peinture aux caractéristiques stylistiques de l'abstraction lyrique, nous amenant à réfléchir plus avant sur le développement du monde intérieur de l'homme.
UNE NOUVELLE IDÉE DE LA "PLACE ROUGE" DE MALEVITCH (2024)Peinture de Tatiana Yasin
Constructivisme et suprématisme
Dans les deux premières décennies du XXe siècle, au milieu du tumulte de la Russie révolutionnaire, ont émergé deux mouvements artistiques extrêmement innovants : le Constructivisme et le Suprématisme. Tous deux ont joué des rôles fondamentaux dans la redéfinition des paysages esthétiques et philosophiques de l'art, influençant toute une série d'autres mouvements et laissant des empreintes indélébiles sur l'art moderne. Malgré des racines communes dans la fervente scène avant-gardiste russe, ces mouvements ont développé des idéologies et des langages visuels distincts qui reflétaient leurs réponses uniques à l'environnement socio-politique contemporain.
Le Constructivisme a pris forme après la Révolution russe de 1917, conçu comme une forme d'art pouvant répondre aux besoins du nouvel État soviétique. Avec des racines esthétiques en partie dans le Suprématisme, le Constructivisme a également été influencé par des mouvements européens tels que le Cubisme et le Futurisme. Il proposait une idée radicale : l'art ne devait pas exister uniquement pour la contemplation esthétique, mais devait jouer un rôle actif dans la vie quotidienne et la reconstruction socialiste. Le mouvement se caractérisait par une approche utilitaire de l'art, où les artistes devenaient des concepteurs d'un nouvel ordre social, créant des objets pratiques allant des meubles à la propagande. Le Constructivisme célébrait le moderne, en se concentrant sur des matériaux tels que le métal, le verre et le plastique et en mettant l'accent sur une approche scientifique de la création artistique.
Développé par Kazimir Malevich en 1915, le Suprématisme a été ainsi nommé pour son affirmation de la suprématie du sentiment artistique pur sur la représentation des objets. L'approche de Malevich éliminait les résidus de la réalité objective en faveur de formes géométriques essentielles, telles que les carrés, les cercles et les lignes, flottant sur des arrière-plans minimaux. Le Suprématisme était animé par la quête du 'degré zéro' de l'art, exemplifié par l'icône de Malevich, le "Carré Noir", qui représentait une rupture radicale par rapport aux formes d'art passées et un mouvement vers l'abstraction pure.
Bien que les deux mouvements aient embrassé l'abstraction, leurs approches et leurs intentions divergeaient significativement. Le Constructivisme était fondamentalement orienté vers la fonctionnalité et les idéaux collectifs. Il était enraciné dans le monde matériel, avec un fort accent sur la structure et l'industriel, reflétant sa conviction en l'artiste comme ingénieur de la société. En revanche, le Suprématisme était plus philosophique et introspectif, se préoccupant de l'exploration de la forme et de l'espace pour évoquer les réponses spirituelles et émotionnelles du spectateur.
L'œuvre que j'ai choisi de présenter, à savoir "A new idea of Malevich Red square" de Tatiana Yasin, incarne exclusivement le Suprématisme, évoquant le style du "Carré Rouge" de Kazimir Malevich. En effet, au centre de la composition émerge une forme géométrique rouge audacieuse et grande, prête à dominer le champ visuel. Le carré est occupé et délimité par des formes géométriques similaires en noir et blanc, prêtes à fournir un contraste saisissant, capable de générer une expérience visuelle dynamique et engageante. En effet, les lignes distinctes et l'interaction entre les couleurs produisent un sentiment de mouvement et de profondeur, même dans l'approche minimaliste typique du Suprématisme. En parlant de Tatiana Yasin, sa peinture ne vise pas à reproduire la réalité mais à transmettre l'essence de l'émotion et le rythme de l'intangible, afin de remettre en question les frontières conventionnelles et d'inviter les spectateurs à s'engager avec l'inconnu des paysages émotionnels et de l'introspection. En bref, Yasin vise à se connecter avec ses spectateurs sur un niveau intuitif, transcendant le langage et la culture, pour s'exprimer dans les idiomes du Néoplasticisme, du Suprématisme, du Constructivisme.
À LA RECHERCHE DE L'ÉQUILIBRE 7 (2017)Peinture de Lucie Jirků
COLOR TANGLE｜INSPIRÉ DE MONDRIAN (2023)Peinture de Peter Ren
Abstraction géométrique et néoplasticisme
L'avènement du Néoplasticisme au début du XXe siècle a marqué un tournant révolutionnaire dans le récit artistique. Ce mouvement, qui a pris racine aux Pays-Bas en 1917 et était étroitement associé à la publication de la revue De Stijl, visait à transmettre des vérités absolues à travers les éléments les plus fondamentaux de la peinture : la couleur, la ligne et la forme. L'artiste néerlandais Piet Mondrian (1872-1944) est peut-être la figure la plus renommée associée à ce mouvement, prônant une forme d'abstraction géométrique qui utilisait des formes purement bidimensionnelles.
Le Néoplasticisme visait à éliminer la troisième dimension et les valeurs émotionnelles dans la peinture, contrastant avec les idées de Wassily Kandinsky, qui croyait en l'expression émotionnelle à travers l'art. Au lieu de cela, l'approche néoplastique se concentrait sur la ligne et la couleur, favorisant le rectangle comme forme idéale pour ses lignes droites et son absence de courbes ambiguës. La palette de ce mouvement se limitait aux couleurs primaires — jaune, bleu et rouge — évitant les nuances et les représentations naturalistes.
Alors que le Néoplasticisme et l'Abstraction Géométrique partagent une origine commune dans le domaine de l'art non-représentatif, leurs nuances sont distinctes. Le Néoplasticisme se caractérise par une fondation philosophique qui voyait l'art comme un moyen de réforme sociale. Son adhérence stricte à un langage visuel austère de lignes droites et de couleurs primaires visait à refléter des vérités universelles et l'équilibre.
L'Abstraction Géométrique, bien qu'alignée sur la réduction des formes à leur essence géométrique, ne porte pas nécessairement la même intention philosophique. Elle englobe un spectre plus large de pratiques et peut être vue dans différents contextes, ne cherchant pas toujours à incarner une vision utopique ou à adhérer à un ensemble rigide de règles esthétiques.
En essence, le Néoplasticisme, tout comme le Suprématisme et le Constructivisme, représentent des sous-ensembles plus dogmatiques et idéologiquement orientés de l'art abstrait géométrique plus large, qui peut être plus pluraliste et varié dans ses manifestations et intentions.
Un manifeste de l'Abstraction Géométrique est "Looking for balance 7" de Lucie Jirků, une peinture qui présente un entrelacement complexe de formes et de lignes, destiné à façonner une composition équilibrée mais dynamique. La toile est en fait un patchwork de rectangles, de carrés et d'autres formes géométriques, intersectés ou simplement juxtaposés par des lignes droites placées à la surface. Ces figures abstraites, variant en taille et en couleur, présentent une palette qui inclut des nuances de beige, de gris, de bleu, de vert et une touche de rouge. En ce qui concerne l'œuvre néoplastique, "Color Tangle | inspiré par Mondrian" de Peter Ren, comme le révèle le titre, a été influencé par l'œuvre du maître néerlandais, au point de refléter une fusion étroite entre précision architecturale et expression artistique. Le peintre Artmajeur, qui a en fait une formation en architecture et en design d'intérieur, apporte une approche multidisciplinaire à la peinture, évidente dans l'agencement méticuleux des formes géométriques et l'utilisation audacieuse de couleurs primaires. De plus, on peut ajouter que l'intention déclarée de l'artiste est de choisir chaque ligne et chaque teinte "non seulement pour son impact esthétique, mais aussi pour son potentiel à stimuler l'intellect et évoquer la guérison spirituelle".
ROTHKO INSPIRÉ - C'EST LE MOMENT (2024)Peinture de Nadiia Antoniuk
Art informel et expressionnisme abstrait
À la suite de la Seconde Guerre mondiale, deux mouvements sont apparus dans le monde de l'art : l'Expressionnisme Abstrait et l'Art Informel. Bien qu'ils aient émergé de contextes culturels différents, ils partageaient un fil conducteur commun en répondant aux atrocités et aux traumatismes de la guerre, bien que de manière distincte.
L'Expressionnisme Abstrait, principalement enraciné à New York, était caractérisé par son emphase sur l'expression individuelle de l'artiste des émotions et des thèmes universels. Influencés par le Surréalisme et la politique de gauche, les Expressionnistes Abstraits voyaient l'art comme un moyen de plonger dans les profondeurs de l'inconscient et de répondre aux questions existentielles. Le mouvement englobait divers courants, notamment la Peinture Action et le Color Field. La Peinture Action, incarnée par des artistes comme Jackson Pollock, mettait l'accent sur l'acte physique de peindre comme une forme d'expression spontanée. Les artistes faisaient couler, verser et éclabousser de la peinture sur les toiles, créant des compositions dynamiques qui capturaient l'énergie du processus artistique lui-même. Cette approche reflétait le désir de se libérer des contraintes compositionnelles traditionnelles et d'embrasser la nature instinctive et brute de la créativité. En revanche, la peinture de Color Field, exemplifiée par des artistes comme Mark Rothko et Helen Frankenthaler, se concentrait sur de vastes étendues de couleur pour évoquer des réponses émotionnelles et spirituelles. En éliminant les éléments de représentation et en permettant à la couleur de devenir le principal véhicule d'expression, les artistes du Color Field cherchaient à créer des expériences immersives et méditatives pour les spectateurs.
De l'autre côté de l'Atlantique, l'Art Informel connexe est apparu en réponse au chaos et à l'incertitude de l'après-guerre. Inventé par le critique Michel Tapié, l'Art Informel englobait un large éventail de styles unis par le rejet des formes traditionnelles et l'adoption de techniques anti-compositionnelles. Des artistes d'Europe, d'Amérique, du Japon et d'ailleurs ont exploré l'abstraction gestuelle et la spontanéité inspirée par le Surréalisme comme moyen de confronter l'angoisse existentielle de l'époque.
En ce qui concerne l'analyse de l'œuvre d'art, "Rothko inspired - now's the time" de Nadiia Antoniuk est une peinture vive et énergique. Cet exemple d'art de Color Field transcende les rectangles de couleur plus typiques de Rothko et les bords doux, faisant allusion à une plus grande intensité émotionnelle et à une attention accrue aux relations chromatiques. La section supérieure de la peinture est en effet dominée par un "amas" d'orange et de jaune, qui, avec son réseau complexe de lignes, semble également s'inspirer de la technique de gouttage dynamique de Pollock. Sous cette explosion vibrante de couleurs chaudes, en revanche, il y a une juxtaposition contrastée de bleu, prêt à remplir la partie inférieure de la toile, rappelant presque les profondeurs d'un océan ou l'étendue d'un ciel nocturne. À la base, l'œuvre présente une bande horizontale de blanc, qui pourrait être interprétée comme une résolution pacifique du tumulte ci-dessus, peut-être allusive à la crête d'une vague, avec son apparence mousseuse, destinée à apporter un contraste de texture à l'œuvre. Dans l'ensemble, la peinture représente une fusion d'influences, reprenant le poids émotionnel et la simplicité des champs de couleur de Rothko, et les techniques gestuelles dynamiques de la peinture d'action de Pollock.
BLACK LACE (2021)Art numérique par Kurotory
Op art
Op art, abréviation de "Art Optique", est apparu dans les années 1950 comme un mouvement dynamique alimenté par la fascination des artistes pour la perception, les effets optiques et les illusions. Enraciné dans l'exploration des phénomènes visuels, l'Op art repoussait les limites de l'expression artistique traditionnelle, en s'inscrivant dans de nouveaux intérêts pour la technologie et la psychologie. Ce mouvement, caractérisé par des motifs abstraits et des contrastes marqués, visait à capturer et à déconcerter l'œil du spectateur.
Historiquement, l'Op art est apparu aux côtés de l'Art Cinétique, partageant tous deux une fascination pour le mouvement et la perception. L'exposition séminale "Le Mouvement" en 1955 à la Galerie Denise Rene a marqué le début de cette exploration artistique. Cependant, c'est l'exposition de 1965 "The Responsive Eye" au Museum of Modern Art de New York qui a propulsé l'Op art sous les feux de la rampe publics, déclenchant une frénésie pour ses motifs dans la mode et les médias.
Les principales caractéristiques de l'Op art résident dans sa manipulation de la perception visuelle à travers des motifs abstraits et des compositions à fort contraste. Souvent exécutées en noir et blanc pour maximiser l'impact, ces œuvres d'art créent des illusions optiques qui défient le sens de la profondeur et du mouvement du spectateur. L'accent mis sur l'illusion et la perception suggère des liens avec des techniques artistiques plus anciennes telles que le trompe-l'œil et l'anamorphose, reflétant également la fascination de l'époque moderne pour la technologie et la culture de la consommation.
Un exemple d'Op art est "Black lace" de Kurotory, une œuvre numérique où l'illusion optique d'une "roue de dentelle" tridimensionnelle émerge en noir et blanc. En effet, Kurotory, un artiste qui combine des techniques traditionnelles avec des médias numériques, a créé un design qui semble tourner et palpiter, en synthétisant l'utilisation de principes mathématiques et de manipulation optique. De plus, la complexité du "motif de dentelle" suggère également un arrangement méticuleux de lignes et de courbes, conçu pour créer un vortex hypnotique, dont la complexité du design s'intensifie vers le centre, où l'œil est attiré dans ce qui semble être une spirale sans fin. Un tel effet rappelle les phénomènes visuels explorés par les pionniers de l'Op art comme Victor Vasarely et Bridget Riley, dont l'interrogation artistique a fait osciller la perception du spectateur entre la platitude du support et la profondeur suggérée de l'image.
OCCASIONS OLIVE (2022)Peinture de Gustaf Tidholm
Minimalisme
Le minimalisme est apparu à New York dans le début des années 1960 en réponse à ce que les artistes percevaient comme la fatigue et l'académisme des tendances artistiques récentes. Rejetant les expressions excessives de l'Expressionnisme Abstrait, une nouvelle génération d'artistes cherchait à créer des œuvres qui privilégiaient le simple et le géométrique par rapport au dramatique. Les sculptures réalisées avec des matériaux industriels sont devenues la marque de fabrique du mouvement, mettant l'accent sur l'anonymat et évitant tout symbolisme évident.
Au cœur du Minimalisme se trouvait un rejet délibéré de l'expression, alors que les artistes se distançaient des associations biographiques et métaphoriques prévalentes dans l'Expressionnisme Abstrait. Au lieu de cela, ils se concentraient sur la création d'œuvres lisses et géométriques qui remettaient en question les notions traditionnelles d'attrait esthétique. Inspirés par le Constructivisme russe et les ready-mades de Marcel Duchamp, les Minimalistes ont adopté la fabrication modulaire et les matériaux industriels, créant des œuvres qui ressemblaient davantage à des produits fabriqués en usine qu'à des œuvres d'art finement travaillées.
Une des caractéristiques distinctives du Minimalisme était son emphasis sur l'espace physique occupé par l'œuvre d'art. À travers des formes géométriques simples et répétées et des matériaux préfabriqués, les œuvres minimalistes forçaient les spectateurs à confronter l'organisation et l'échelle des formes, ainsi que leurs propres réponses physiques et visuelles. Cette approche visait à déconstruire les distinctions traditionnelles entre peinture et sculpture, remettant en question le dogme formaliste prôné par des critiques tels que Clement Greenberg.
La tendance des années 1960 est bien capturée par "Olive occasions" de Gustaf Tidholm, un exercice d'abstraction minimaliste qui présente une surface visant à jouer avec la perception du spectateur. Peinte dans un subtil vert olive, une couleur souvent associée à l'harmonie et à la paix, l'œuvre transmet des sentiments de tranquillité et d'optimisme. La surface de l'œuvre est texturée de cercles, offrant une profondeur qui varie selon la perspective du spectateur et la manière dont la lumière interagit avec la peinture. Gustaf Tidholm, le peintre suédois contemporain derrière cette œuvre, canalise les expériences des interactions quotidiennes et le processus créatif lui-même dans son art. En fait, son expression minimaliste n'est pas simplement destinée à évoquer la pure synthèse et la géométrie, car elle aspire à communiquer des émotions concrètes telles que la joie, l'espoir, le bonheur, la paix et la foi. Ces sentiments, subtilement tissés dans la trame de l'œuvre, conduisent à une contemplation naturelle et à une implication de l'observateur, qui admire tranquillement et détendu la simplicité du monochrome.
Olimpia Gaia Martinelli
