CIRCLE 3 (2021)摩根·帕斯利尔的拼贴画。
10、9、8、7、6、5、4、3、2、1...
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1：通过这个被称为“前10名”的数字高潮，旨在将艺术史上最相关的拼贴画排在前10名之后。另一方面，按照相关性的顺序，我想让读者更接近一种在更流行的绘画、雕塑和摄影面前经常被边缘化的艺术技巧的知识。因此，本着纯粹说教的目的，我旨在通过简要解释拼贴的起源和特点来适当地介绍我的策展选择，以使读者能够更好地欣赏这种通过论文叠加而获得的作品执行方式。 、照片、物体、剪报、杂志等，它们粘在支撑物上，支撑物可以是各种类型，但通常是刚性的。从艺术史的角度来看，上述技术起源于二十世纪初，这一时期它被用于创作多幅前卫杰作，这些作品首先由立体派大师毕加索和布拉克创作，后来，也受到未来主义和几何抽象主义以及更复杂的新达达主义、超现实主义、波普和新现实主义组合的倡导者的影响。然而，这是以欧洲为中心的西方艺术书籍告诉我们的故事，这些书籍往往不足以解释拼贴画实际上是如何在纸张发明时首次使用的，即公元前 200 年在中国，从10日起，日本书法家开始使用胶合纸，在表面上书写文字。尽管如此，蒙太奇的发明无疑应归功于西方世界，即用照片制作的拼贴画，理查德·汉密尔顿至今仍是这项技术最伟大的倡导者之一。无论如何，值得注意的是，其他组合图像的方法也被称为蒙太奇，例如维多利亚印刷、在一张印刷纸上从多个负片印刷、正投影和计算机编辑技术。现在，在这个简短的“教训”之后，我们已经到达了决定性的时刻，因为现在充满了概念，我让您思考并理解我关于相关技术的十大...
CONTAINMENT (2020) 拼贴画，作者：Emily Coubard (Mil.)
安格丽特·索尔陶（自画像）。
10.安妮格雷特·索尔陶（自画像）
我的前十名首先是德国视觉艺术家 Annegret Soltau，他的作品纯粹专注于蒙太奇艺术，主要以用黑线缝制或连接的人体和脸部为主题，标志着 20 世纪 70 年代艺术的里程碑， 20 世纪 80 年代。我选择用索尔陶自画像来说明这一选择，它是对艺术家作品中重复出现的多个关键概念的总结，例如，由线程呈现的线条概念与线条概念的结合人物形象，在本例中是安妮格雷特本人的化身。此外，这种结合导致了作品的创作，其中主题与前面提到的黑色丝线结合在一起，产生了一种“自画像”，在这种情况下能够将艺术家生命中两个截然不同的年龄结合在一起，同时表现在她的年轻和成熟。通过这种方式，安妮格雷特也写了她作为一个女人的非常个人的故事，旨在通过她人物的碎片来暗示社会背景下“公平性别”的边缘地位的冲突，以及性别压力和歧视。最后，通过将两个版本的自己并置，她进一步突出了个体在其存在过程中自然面临的身体和心理变化。
汉娜·霍赫 (Hannah Höch)，《用菜刀达达切割德国最后的魏玛啤酒肚文化时代，1919-1920》。拼贴画。柏林：国家美术馆，柏林国家博物馆。
9. Hannah Höch，用菜刀达达切割德国最后的魏玛啤酒肚文化时代（1919-1920）
在第九个位置，我们发现了另一位女性，即汉娜·霍赫 (Hannah Höch)，一位出生于 1978 年的德国达达主义艺术家，以其开创性的政治拼贴画和蒙太奇照片而闻名，这些作品通过使用和组合来自大众媒体的图像和文本来构建，其目的是解释一个文化批判既针对魏玛共和国的失败，也针对社会建构的女性角色。值得注意的是，她的作品不仅流露出艺术家的个人观点，而且表达了当时大部分德国人民所共有的意识形态，这种意识形态常常受到叛逆和批判精神的激励，这标志着两者之间的时期许多人认为战争是新时代的开始，先锋派在其中扮演了表达不满情绪的角色。至于我选择用来说明排名的代表作，《用菜刀达达切割德国最后的魏玛啤酒肚文化时代》，它充分体现了艺术家上述的风格特征和理想，因为霍希最著名的作品所追求的她的意图是，通过她旨在将剪报整合在一起的综合技术，挑战统治魏玛德国的种族主义和性别歧视准则，明确对一种艺术形式的实验，该艺术形式能够展示创造力本身如何被日常生活的动态所包含。现代生活。
约翰·斯特扎克（Whitechapel Gallery 肖像专着封面）
8. John Stezaker（白教堂画廊肖像专着封面）
到达第八位后，我借此机会澄清一下，在撰写前十名的过程中，我经常发现自己拼命地寻找相关作品的标题，以至于常常找不到它们。 ，我在括号中仅报告了所描绘主题的类型，无意中展示了我在引言中所预期的内容，即拼贴技术不太受欢迎以及因此对相关信息的访问受到限制。澄清这一点后，我简要介绍一下约翰·斯特扎克（John Stezaker）的形象，他是一位出生于 1949 年的英国概念艺术家，以其超现实色调创作而闻名，通常通过拼贴技术进行创作，主题图像取自明信片、电影剧照和广告。照片。这种工作方式主要是为了赋予能够描绘 20 世纪 50 年代迷人肖像的构图生命力，有时包括好莱坞明星的存在，这些肖像与风景图像混合在一起，可以观察到其令人不安的效果，例如，在被选为白教堂画廊专着（2011）封面的拼贴画中，其中一个女性形象在视线水平上被岩石透视的存在所打破。
7. 艾琳·琼脂，《宝石》(1936)
英国摄影师兼画家艾琳·阿加尔 (Eileen Agar) 的作品《珍贵的石头》(Precious Stones) 捕捉了一张男性脸部的侧面轮廓，该轮廓似乎粘贴在一张白纸上，反过来，它又被第三种媒介的存在所框住。产生勾勒出图像轮廓的红色边框。回到主题，所讨论的人物是从一本描绘一些宝石的书中剪下来的，其精确的网格排列与肖像部分任意的轮廓形成鲜明对比，这反映了工匠的超现实主义倾向，他经常表达自己的想法通过拼贴的技术。此外，暂时抛开上述描述，这件作品也具有相关性，因为它是阿加尔最早的作品之一，旨在包括头部和半身像的侧面图像，这个主题后来成为艺术家反复出现的主题。无论如何，在这部作品的具体案例中，值得注意的是，男性面孔部分是根据艾琳的丈夫约瑟夫·巴德（Joseph Bard）的肖像制作的，他确实是一位狂热的收藏家，这绝非巧合。珍贵的石头。最后，实现宝石的另一个灵感来源当然是古钱币，其侧面肖像现在以一种更加有趣、天真和富有想象力的方式呈现。
Mimmo Rotella， Euromsa， 1963。拼贴画。
6. 米莫·罗特拉，百事可乐 (1979)
20 世纪 70 年代末的百事可乐广告片段，粘贴在支撑物上，或者可能是从支撑物上“撕下”的，将我们带入当时新现实主义的核心，这是美国波普艺术的当代运动，通常被认为是其换位到法国，米莫·罗特拉本人就是意大利的主要代表。后者的作品正是以对拼贴技术的探索为中心，与前面提到的艺术方法相比，这种技术伴随着组装和现成的作品，这些物品是用从垃圾经销商那里购买的物品制成的，例如瓶盖、绳子等。尽管从 20 世纪 70 年代初开始，艺术家（如百事可乐的例子）开始发展另一种观点，开始介入杂志广告，并使用溶剂，以便将它们减少到摩擦阶段或将其擦除。
理查德·汉密尔顿，到底是什么让今天的房屋如此不同、如此有吸引力？ ，1956年。拼贴画，26厘米×24.8厘米。蒂宾根美术馆，蒂宾根。
5. 理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton），到底是什么让今天的家庭如此不同、如此吸引人？ (1956)
在第五位，我放置了一个拼贴技术的图标，因为到底是什么让今天的家庭如此不同、如此吸引人？被许多评论家和艺术史学家认为是历史上第一部波普作品！这幅杰作是通过结合从美国媒体拍摄的照片和图像的剪报而创作的，它给一个奇异的家庭内部赋予了生命，其中排列着许多物体和一些人物，其中肯定有半裸健美运动员的特征灯罩上的福特标志、躺在沙发上的海报女郎的形象、远处家庭主妇的形象、墙上挂着的《年轻的罗曼卡》漫画等等。如果我们描述的是我们想象的在彩色方面，重要的是要知道这幅作品最初是为伦敦展览“这就是明天”的画册而创作的，该展览实际上以黑白形式为人所知，以至于后来汉密尔顿还创作了多个版本的画册。同一主题，他修改了构图。
Beeple， 《日常：前 5000 天》 ，2021 年。数字艺术。
4. Beeple，日常：前 5000 天（2021 年）
第四个位置告诉我们通过使用计算机技术实现的蒙太奇变体，该工具使《日常：前 5000 天》变得栩栩如生，这是一幅数字拼贴画，旨在并置 5,000 张描绘重复出现的主题和配色方案的图像，能够创造了一个美学整体，按照时间顺序组织起来，揭示了抽象、奇幻、怪诞和荒谬的图像的存在，巧妙地放置在当前事件以及个人生活的时刻旁边。刚才的描述诠释了对技术最发自内心的恐惧，对财富的渴望和怨恨，以及艺术家认为是社会主要瘟疫的美国政治动荡。最后，必须要知道的是，这幅拼贴画被放置在讲台附近，因为它取得了标志性的成功，其 NFT 于 2021 年在佳士得以 6930 万美元的价格售出，成为有史以来最昂贵的不可替代代币。关于创作者 Michael Joseph Winkelmann（生于 1981 年），又名 Beeple，是一位美国数字艺术家、平面设计师和动画师，他的艺术作品使用各种媒介创作漫画和奇幻作品，旨在阐释政治和社会评论，通常使用流行文化字符作为参考。
曼·雷，多拉·玛尔，1936 年。
3. 曼·雷，朵拉·玛尔 (1936)
我们不可能忘记超现实主义者曼·雷，特别是如果他 1936 年拼贴画的主题正是多拉·玛尔，一位出生于克罗地亚的法国摄影师、诗人和画家，她因与巴勃罗·毕加索的长期关系而闻名，经常因她的作品而名垂青史。这位美国摄影师过去常常玩弄女性气质、形式和多重曝光。正是通过后一种处理主题的方式，捕捉到了上述成功摄影师的形象，他最初在安德烈·洛特的工作室接受画家培训，然后在 20 世纪 30 年代初并受到曼·雷 (Man Ray) 是一名镜头爱好者，以其不寻常且迷人的技术而闻名，这使她能够探索另类艺术途径，例如电影、城市和时尚摄影。另一方面，巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）无疑对玛尔（Maar）作为模特印象深刻，甚至在他亲自见到她之前，他就坚持保留雷（Ray）为她拍摄的肖像，后来甚至想亲自让她永垂不朽，以至于她成为了他一些最著名的杰作的主题，例如：《多拉·玛尔的肖像》（1937）和《哭泣的女人》（1937）。然而不幸的是，后一部作品向我们揭示了女性的脆弱，她被描绘成一个饱受折磨的人物，能够将自己转变为悲伤的化身。尽管如此，这位西班牙艺术家承认，朵拉的忧郁为他提供了宝贵的灵感，能够将情感强大的女性形象栩栩如生，有时甚至描绘成流泪的。
乔治·布拉克， 《小提琴与管子》 ，1913 年。粉笔、木炭、拼贴画、纸，74 x 106。巴黎：蓬皮杜中心。
2. 小提琴与管子 (1939)
1900年代初，布拉克和毕加索等艺术家开始使用一种称为拼贴的方法来创作创新的艺术作品。这主要是因为，西方两位艺术技术之父之一的布拉克被置于讲台上第二高的台阶上放着他 1913 年创作的《小提琴与烟斗》，该作品是一系列纸艺作品的一部分，其中这位法国艺术家将桌子和绘画本身的双向解读放在了前景中。这种具象的方法是综合立体主义在静物主题中进行艺术调查的结果，在这种特殊情况下，静物由报纸、剪切和粘贴的印刷壁纸、木炭、石墨和粉彩组成，装在纸上纸板作为支撑，小提琴和管子在其上以有时几乎抽象的音调诠释，变得栩栩如生。除了杰作之外，值得注意的是布拉克如何利用拼贴技术在绘画层面上培养形式和色彩相互作用的意识，为吉姆·戴恩和韦恩·蒂博等其他大师树立了榜样。
巴勃罗·毕加索， 《吉他和酒杯》 ，1912 年。拼贴画，47.9 × 37.5 厘米。纽约：大都会。
1. 巴勃罗·毕加索，《有填充椅子的静物》（1912）
第一名是西方艺术史上最古老的拼贴画：《有填充椅子的静物》，这是一幅 1912 年的杰作，旨在使椭圆形桌子的表面永垂不朽，桌子上覆盖着画布，上面有各种物体，也是通过绘画干预以及在画布上使用打蜡画布、纸和绳子来制作的。撇开技术不谈，这样的作品也很重要，因为正是她标志着合成立体主义的肯定进程的进步，在分析之后，艺术家在Carcare上投入了大量的精力，使平面的合成栩栩如生，将它们描绘在画布的单一层面上，将动作减少到所代表的单个瞬间。最后回到对作品的描述，在前面提到的拼贴画中，一根绳子向观众展示了一个檐口，而一片芦苇则重新呈现了一把填充椅子的图像，艺术家在这个主题旁边放置了几乎没有暗示的其他主题，有时他会描绘支离破碎的物体，仿佛他想唤起它们，或者给出它们的虚幻再现，而不是通过保留现在已经过时的真实数据来描述它们。
Olimpia Gaia Martinelli
