在发现了电视节目中的艺术参考和对电影的艺术致敬之后，我们继续概述艺术与流行文化之间的密切联系：这一次，我们通过漫画和脱衣舞重新发现我们的经典：我们湿了手指，我们翻页，我们走！

1. 艺术和漫画

这篇文章值得深思。但在所有事情之前，我们不能让您在没有一些背景概念的情况下发现这些参考资料。这就是为什么在这个介绍性陈述中，我们将尝试（尽我们所能）剖析我们认为是“伟大”的艺术和漫画之间的细微差别和差异。

乍一看，所谓“美术”和第九艺术（漫画）之间的最终区别在于这两种媒体的可访问性。一种被认为是奢侈品，稀有且通常昂贵的商品，而另一种通常更实惠，大量生产。相似之处在于作者的创作过程（设计师和画家通常在相同的条件下工作） ，以及最终作品的原创性和可收藏性。

由于 60 年代波普艺术的出现，这两个艺术领域之间的界限仍然很艰难，尽管随着时间的推移而缩小了画廊所有者、博物馆和拍卖行等艺术机构也对标志性艺术家的作品进行了鉴赏.在贪婪的驱使下，他们回应了漫画迷日益强烈的需求，他们现在有办法获得童年时期令人沮丧的诱惑。

在 2021 年，人们可以合理地想知道书籍或杂志中的米奇漫画与画在画布上的米奇漫画有什么区别？

乍一看，除了颜色和排列的一些修改外，没有什么能真正区分这两部作品。尽管如此，左边的图是可用于在亚马逊售价为$ 50，而李奇登斯坦的工作，就没事了，估计在几百万，而他罕见的复制品卖几千元的门票。

即使插图作品已经存在了几个世纪，但今天西方所理解的漫画诞生于20 世纪初。那个时候，她显然离艺术界很远。它的设计者、赞助商（报纸和期刊）和公众都认为这种媒体是面向大众的，因为印刷机的创新使得它很容易复制。长期以来，漫画家更多地将自己视为记者、专栏作家或讽刺作家，利用他们的铅笔天赋来服务一个想法、一点幽默或一条需要处理的信息。在美国，漫画的胜利很早就开始了，尤其是1938年第一个超级英雄超人的出现。

安迪沃霍尔，十个玛丽莲，1963-1967。

在那里，设计师经常（甚至是机械地）在打印后将他们的原始面板和草图直接扔进曼哈顿的垃圾箱。这些设计师在他们的图纸中表现出的兴趣的一个奇怪例子：他们远没有低估他们的风格，他们往往不知道他们的作品可以代表的价值，并且并不真正认为自己是艺术家。而是作为生产者。图纸和想法（链），面向公众。

战后时期和 1960 年代初期出现了波普艺术趋势。安迪·沃霍尔( Andy Warhol) 和罗伊·利希滕斯坦(Roy Lichtenstein) 挪用了漫画的盒子，创作了不朽且精美的作品，这些作品很快就会取得巨大成功。这些艺术家是我们文化意识的一面稀烂而流行的镜子，他们回收漫画的密码，提炼出对社会的多彩讽刺。在收藏家、画廊老板和经销商的包围下，他们的作品以非常高的价格迅速售罄，允许（尽管他们自己）重新评估由他们自己复制（或“在聚光灯下” ）的设计师制作的主要作品创作他们的波普艺术画。

如果不是第一个小时的几个粉丝，很少有人记得杰里西格尔和乔舒斯特，我们欠超人的青少年。然而，我们都知道古怪和挑衅的艺术家安迪沃霍尔，他在他的系列“神话”中接过了超人的角色。它是许多博物馆回顾展的主题，其艺术实践被大量或多或少的批判性著作记录下来。这些谨慎和被遗忘的创新者之间的待遇存在严重差异，他们是一个既富有想象力又有利可图的帝国的创造者，面对恶意、得意洋洋和（有点）自大狂的骗子。

安迪沃霍尔，神话系列，1981。

尽管过去存在不公，但漫画和高级艺术之间的经济鸿沟正在急剧缩小。如今，在著名的拍卖行拍卖原创漫画的情况越来越少。其中一些甚至达到了平流层的数量，特别是在涉及到大西洋彼岸的超人或欧洲的丁丁等享有盛誉的许可证时。举例来说，2021年，埃尔热为丁丁专辑封面绘制的一幅画《蓝莲花》打破了漫画世界拍卖纪录，以317.5万欧元（含费用）拍卖（Artcurial）。戴设计师和艺术家双重帽子的设计师也越来越多。

对于一些耐火的人来说，当代艺术和漫画的区别在于抽象的概念：艺术将作品的形式和内容（意义）分开，漫画则将形式、绘画、绘画服务于背景：它说明了一个想法。虽然这种分析已经被几个世纪的具象艺术削弱了，但它也可以被漫画世界的某些重大变化所扫除。自 20 世纪下半叶以来，漫画被推向了更少叙事和更多实验的道路。例如，我们发现越来越多的图画小说将图画置于故事的核心并取代文字。漫画，就像任何形式的艺术一样，在不断地发展和破坏着附属于它们的最小界限。

现在，是时候沉思了！为了方便您的阅读，我们决定通过将古代作品（宗教绘画、文艺复兴时期）的参考文献和对相对较新作品（从 1800 年至今）的致敬分开来构建这个（非详尽的）列表。这两种区别似乎是必要的，因为它们的目的不同：旧的参考文献强调一种姿势或想法，而现代的参考文献则提出了一种生活方式、一种文化或一种简单的审美致敬。

2. 旧参考：为阴谋服务的寓言

第一次参考汇编将使我们能够一窥设计师如何利用具有象征意义的杰作的代码来快速传播一个想法，利用我们无意识的文化参考。因为如果有集体意识，也就有集体无意识。它充满了我们都能辨别的数字、图像和图像，有时甚至不知道名字。

圣母怜子图

米开朗基罗，圣母怜子图，1499 年。罗马梵蒂冈的圣彼得大教堂。

宗教肖像的主要主题，其中最具标志性的人物当然是米开朗基罗的这座雕塑，圣母怜子图。 （或怜悯的圣母）代表圣母玛利亚哀悼她儿子耶稣的死，她的尸体跪在地上。

这个宗教主题的美学和戏剧性的姿势可以迅速在读者的大脑中产生一个想法：哀悼。后者可以通过识别专辑封面上的这些古老姿势，有意识或无意识地识别漫画书的情节。对于想要突出重要角色死亡的设计师来说，这是一个很好的提示：有超过 30 部漫画展示了圣母怜子图的这些特征。

最后的晚餐和维特鲁威人

列奥纳多·达·芬奇， 《最后的晚餐》 ，1495-1498 年。米兰圣玛丽亚感恩教堂。

这是另一部标志性的作品和过多的图形文学。达芬奇壁画的实际意义在于绝对人人都知道。

超级英雄军团#2 ，吉芬和莱维茨 - DC Comics

爱丽丝梦游仙境，吉尔和格雷戈里（杰森·埃姆伯里封面）

特洛伊巨魔- 第 13 至 16 卷，穆里埃和阿勒斯顿（Jean-Louis Mourier 封面）

除了似乎特别愉快的重新适应，这项工作的场景设计允许设计者强调不同点：第一，他可以突出不同的英雄（逻辑）的聚会，但他也能呈现英雄根据其重要性的顺序。，将主要主角放在桌子的中央，然后将背景中的人物分散到更靠后的末端。他还可以使用犹大的形象暗示潜在的背叛。

就维特鲁威人而言，他允许对角色进行解剖学表示，这对于受益于特殊能力的超级英雄来说尤其有趣，比如这里的蜘蛛侠和他的黑暗版本毒液。

维纳斯的诞生

桑德罗·波提切利(Sandro Botticelli) 的这部强大作品的使用较少，但它反复出现，足以强调。事实上，它主要用于突出基于女性角色的故事。这对任何人来说都不足为奇，漫画长期以来一直饱受性别歧视之苦，很少有女性角色像亚当的苹果一样发达。

美术也深受这种系统性厌女症的影响：如果您对这个主题感兴趣，我们推荐我们最近的文章（ 4 位才华横溢的艺术家被丈夫的名人黯然失色， 4 位颠覆艺术史的杰出女性））尝试在辩论中恢复一些平等。

3. 现代贡品：社会和文化的象征

在这第二次编译，我们将采取象征性的作品的简要概述：绘画代表美国文化和社会（“生命的MERICAN办法”），但也适用代表性的法语文化，有的纯粹的审美贡品。

“美国生活方式”

美国文化充满了象征其团结和价值观的建国神话。在绘画中，符号也比比皆是，或多或少具有历史真实性。自1940 年代初漫画文化的黄金时代以来，许多艺术家已将这些画作用于其目的。通过汇编最改编的作品，我们发现了共同的核心，美国历史的标志性杰作：

- 爱德华·霍珀，夜鹰队，1942 年。

爱德华·霍珀，夜鹰队，1942 年。

Guy Gardner: Warrior # 29 - “这是我的派对，如果我愿意，我会战斗” ，Beau et Jimenez - DC Comics

尽管爱德华霍珀拒绝了美国生活方式的标签画家，但他的作品显然传达了²⁰世纪中叶城市和孤独美国的特色氛围。对于可以重新调整其标志性杰作《夜鹰》代码的艺术家来说，这是一个福音。

- 格兰特伍德，美国哥特式，1930 年。

也许比霍珀的作品更具标志性：画家格兰特伍德的美国哥特式描绘了1930 年代的美国乡村。一个在我们这个时代已经成为陈词滥调的象征，因此转移注意力使这项工作植根于美国的建国神话。难怪漫画家为了他们的故事而使用它。

- 让·莱昂·杰罗姆·费里斯，第一个感恩节，1912 年。

很难比让·莱昂·杰罗姆·费里斯(Jean Leon Gerome Ferris) 的这部作品更陈词滥调了，该作品描绘了第一个“感恩节” ，将一群利他主义的殖民者与一群温顺贪婪的印第安人混合在一起，决心一起分享火鸡。美国叙事的（非常）理想化的表现，并且在历史上（非常）不准确。

- Emanuel Leutze，华盛顿穿越特拉华州，1851 年。