弗兰克·斯特拉，当代抽象派大师，于 87 岁去世

弗兰克·斯特拉最初崇尚一种朴素的单色美学，后来逐渐将金属色调和鲜艳色彩融入到他的作品中，并以各种几何形状展示它们。他的创新异形画布首次出现在 1960 年他在卡斯特利举办的首场个展“铝”系列中。在纽约的早期，斯特拉的作品曾在该市顶级文化机构的许多重要展览中展出，包括惠特尼美国艺术博物馆的“几何抽象”（1962 年）、所罗门·R·古根海姆博物馆的“异形画布”（1964 年）和“系统绘画”（1966 年），以及惠特尼 1971 年的“色彩结构”。

斯特拉 1936 年出生于马萨诸塞州马尔登，这是波士顿北部的一个郊区，在邻近的梅尔罗斯镇长大，完成学业后直接搬到了纽约。他在马萨诸塞州安多弗菲利普斯学院师从帕特里克·摩根学习绘画，以房屋装饰为生，后来在普林斯顿大学师从艺术史学家威廉·塞茨和抽象艺术家斯蒂芬·格林，并于 1958 年毕业。到 1959 年，斯特拉已经参加了俄亥俄州欧柏林学院、纽约蒂博尔·德纳吉画廊和利奥·卡斯特利的联展，并因此被列入纽约现代艺术博物馆的“十六位美国人”展。

MoMA 回顾展

1965 年，弗兰克·斯特拉与罗伯特·劳森伯格、贾斯帕·琼斯、克拉斯·奥尔登堡和吉姆·戴恩等同代艺术家一起被选为美国代表参加威尼斯双年展。到 1967 年，斯特拉在利奥·卡斯特利推出了他的《量角器》系列。这些作品以鲜艳的色彩和以绘图工具命名的大型半圆形为特点，巩固了他对当代抽象艺术的影响。1970 年，年仅 33 岁的斯特拉成为现代艺术博物馆 (MoMA) 举办回顾展的最年轻艺术家。他在 MoMA 的第二次综合展览“弗兰克·斯特拉：1970 年至 1987 年的作品”（1987-88 年）以他的《波兰村庄》系列开始。这些作品是对二战期间在波兰被摧毁的犹太教堂的致敬，标志着他从浅浮雕拼贴画过渡到使用毛毡和纸板等材料的更复杂的高浮雕结构。

在 1999 年接受《艺术新闻》采访时，斯特拉回顾了自己作品中的这种演变：“浮雕画迫使我更积极地参与现实世界。我发现自己出去采购毛毡、胶合板和蜂窝铝等材料。这个过程为我的艺术带来了新元素，从工作室的受控环境转向更具探索性的材料使用。毕加索在材料使用方面也超越了传统界限，尽管按照今天的标准，他在材料创新方面比物理探索方面更突破了极限。”

1999 年，弗兰克·斯特拉在伦敦伯纳德·雅各布森画廊举办雕塑展，回顾自己早期的职业生涯，他谈到了自己职业圈子的变化，并指出：“我已经超越了 20 世纪 60 年代的经销商。拉里·鲁宾退休了；利奥·卡斯特利去世了 [他于同年去世]。我实际上是在不同的时代长大的，他们现在都走了。我的世界已经过去了。我仍然在那里努力前行，但我真的不适合今天这个艰难的世界。”

斯特拉的创作实践包括大型雕塑，并与理查德·迈耶等建筑师合作，后者是斯特拉 65 年的挚友。他们共同参与了凤凰城联邦法院（2000 年开放）、巴塞罗那当代艺术博物馆（1995 年）、德国南部乌尔姆附近的魏斯豪普特广场（1993 年）和罗马禧年教堂（2003 年）等项目，并与圣地亚哥·卡拉特拉瓦合作。其中一个值得注意的项目是迈克尔·科尔哈斯窗帘（2008 年），这是一幅 30 米长的斯特拉横幅画，悬挂在卡拉特拉瓦设计的环形框架上。

斯特拉对绘画历史的探索

在 1983-1984 学年，斯特拉在哈佛大学发表了题为“工作空间”的查尔斯·艾略特·诺顿讲座（哈佛大学随后于 1985 年出版）。在这些讲座中，他赞扬了巴洛克风格和其他历史风格对空间和体积的诗意和建设性使用。在 2017-2018 年劳德代尔堡 NSU 艺术博物馆举办的“弗兰克·斯特拉：实验与变革”展览中，斯特拉和策展人邦妮·克利尔沃特都讨论了他对绘画史的深入研究，该展览展出了他的 300 多件作品。斯特拉讲述了他早年在费城艺术博物馆遇到罗吉尔·范德魏登的《耶稣受难双联画》（约 1460 年）的经历，他称这幅画对他理解艺术可以实现的目标产生了开创性的影响。在展览目录中，克利尔沃特指出，对于斯特拉来说，绘画的强烈视觉冲击力比坚持现代主义的教条更为重要。

斯特拉的第一任妻子芭芭拉·罗斯是一位著名的艺术评论家，并在 1965 年为《美国艺术》撰写了影响深远的论文《ABC 艺术》，该论文在塑造人们对极简主义的理解方面发挥了至关重要的作用。罗斯在论文中指出，唐纳德·贾德、罗伯特·莫里斯和她当时的丈夫斯特拉（两人于 1969 年分居）等纽约艺术家的作品中所观察到的“谦逊的匿名性”是对当时盛行的无拘无束的个人表达的反击，也是对当时盛行的绘画过度行为的正式回应。

斯特拉对艺术的坦诚态度

弗兰克·斯特拉以直率地谈论其艺术作品而闻名。他与艺术史学家布鲁斯·格拉泽的一次谈话中说出了著名的“所见即所得”这句话。格拉泽回答说：“这不会留下太多东西，是吗？”斯特拉反驳道：“我不知道还有什么。”几十年后，在接受《艺术新闻》采访时，斯特拉回顾了这一点，重申道：“我说过很多次：抽象可以是很多东西。从某种意义上说，它可以讲述一个故事，即使最终它是一个图画故事。”

1999 年，弗兰克·斯特拉在接受《艺术新闻》诺伯特·林顿的采访时，分享了他对职业生涯前四十年作品演变的看法。“人们经常问，‘你为什么要改变？’我的回答是，我真的没有改变那么多。我作品的变化源于两种主要感受：一点不满和一点希望，总是在寻找新的东西。人们希望你‘找到自己’并建立一致的风格，但艺术家通常希望继续探索，”他解释道。

拥抱尖端技术

斯特拉还因早期采用和创新使用新技术而闻名。从 20 世纪 80 年代末开始，他开始使用计算机辅助设计 (CAD)，并在 2000 年代中期开始使用 3D 打印技术。据《艺术新闻》报道，斯特拉使用 3D 打印为他的彩色雕塑系列 Scarlatti Kirkpatrick 制作金属和树脂部件。该系列的灵感来自 18 世纪意大利作曲家 Domenico Scarlatti 的大键琴奏鸣曲和 20 世纪美国音乐学家 Ralph Kirkpatrick 的学术作品。

2013 年，纽约艺术设计博物馆馆长罗恩·拉巴科在接受《艺术新闻》采访时谈到，3D 打印技术如何让弗兰克·斯特拉能够从墙上制作投影，而传统方法则过于笨重，无法实现。拉巴科将斯特拉的作品纳入了 2013 年至 2014 年举办的一场以计算机艺术为主题的展览中，该展览名为“失控：后数字时代的物质化”。

2022 年，弗兰克·斯特拉 (Frank Stella) 与艺术家权利协会 (ARS) 合作，作为其“几何图形”项目的一部分，推出了他的第一个 NFT（非同质化代币）。该协会成立于 1987 年，旨在通过版权、许可和监控美国视觉艺术家来保护艺术家的权利。此次合作凸显了斯特拉对 ARS 的长期参与和支持。ARS 业务发展总监 Katarina Feder 向《艺术新闻》报道说：“我们卖光了所有 2,100 个代币，而且至关重要的是，我们从二级销售中获得了转售版税，这是弗兰克长期以来倡导的事业。”

通过其数字部门 ARSNL，艺术家权利协会 (ARS) 通过分享艺术分析专家 Jason Bailey 的创作过程视频和策展声明，与 NFT 收藏家进行了互动。Katarina Feder 指出：“数字收藏家对 Frank 和他的作品着迷，许多人继续创作自己的衍生作品，这是 Frank 允许的。我们向 Frank 展示了其中一些衍生品，他对此非常满意。”正如 Stella 向 NFT 杂志《Right Click Save》解释的那样，NFT 的吸引力在于“从抽象意义上讲，NFT 似乎可以解决成像和制造技术日益可复制性所带来的一些挑战。更具体而言，它们为艺术家提供了一种机制，让他们可以主张我认为我们应该拥有的转售权。”

斯特拉在 NFT 问题上的进步立场，鼓励收藏家创造衍生品和 3D 打印艺术品，进一步巩固了他作为艺术家权利捍卫者的声誉。格雷琴·安德鲁 (Gretchen Andrew) 在《艺术新闻》的“艺术解码”专栏中强调了斯特拉的奉献精神：“弗兰克一直关心作品的物质性和触觉品质，就像他一直倡导同行的权利一样。多年来，他一直是推动转售权的积极倡导者。”

星空系列

弗兰克·斯特拉后期职业生涯中最著名的作品之一是他的《星星》系列，该系列以大型、多角、独立的星星为特色。该系列中一个值得注意的装置包括一对七米高的星星，于 2015 年在伦敦皇家艺术学院的庭院中展出。2021 年，斯特拉在纽约市新世界贸易中心 7 号楼的广场上揭幕了不锈钢雕塑《贾斯珀的分裂之星》。这座雕塑作为斯特拉两幅大型画作——《Laestrygonia I》和《Telepilus Laestrygonia II》的象征性替代品，这两幅画作之前被收藏在原世界贸易中心 7 号楼的大厅中，后来在 9/11 袭击中被摧毁。

弗兰克·斯特拉的持久遗产：抽象艺术的创新与影响

弗兰克·斯特拉 (Frank Stella) 是抽象艺术领域 60 多年来不可阻挡的人物，他留下了巨大的遗产，为该领域做出了开创性的贡献。他 87 岁时去世，标志着一个时代的结束，但也凸显了他作品的持久影响，从开创性的“黑色绘画”到他创新的大型雕塑以及与建筑师的合作。斯特拉的探索涵盖了形式、色彩和空间动态领域，重塑了围绕抽象艺术及其与现代技术和新媒体（包括 NFT）交集的对话。他致力于发展自己的艺术表达方式，同时倡导艺术家的权利，这不仅凸显了他作为创作者的角色，而且凸显了他作为艺术界有远见的思想家的角色。斯特拉从纽约的一名年轻画家成长为一位受人尊敬的偶像，他的作品挑战并超越了他那个时代的审美界限，在当代艺术的画布上留下了持久的印记。