Soyut sanat, en bilinen anlatılarında, genellikle isimleri artık yaygın olarak tanınan büyük erkek ustalarla ilişkilendirilir: Pollock, Kandinsky, Mondrian ve diğerleri. Yine de, bu ünlü figürlerin yanı sıra, erkek meslektaşlarından daha az tanınmış olsalar da, eşit derecede önemli ve bazen devrim niteliğinde katkılarda bulunmuş kadın sanatçılar da vardır.
Kadın figürleri sonunda bu keşifte merkez sahneye çıkıyor, kapsamlı olmasa da soyut figüratif dildeki en alakalı isimlerden bazılarının anlamlı bir vurgusu. İlk 10'umuz Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe, Agnes Martin, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Carmen Herrera, Lygia Clark ve Judy Chicago gibi sıra dışı figürlere saygı duruşunda bulunuyor.
Bu metin, onların "intikamının" bir kutlamasıdır: Bu sanatçılar, eserleri aracılığıyla, soyutlamanın hiçbir zaman yalnızca erkek alanı olmadığını göstermiştir. Vizyonlarının, tarihsel-sanatsal anlatının önemli bir bölümünü nasıl şekillendirdiğini keşfedeceğiz.
Hilma af Klint, N. 7, Yetişkinlik, 1907. Hilma af Klint Vakfı
Hilma ve Klint
Hilma af Klint (26 Ekim 1862 - 21 Ekim 1944) İsveçli bir ressam ve mistikti ve şu anda Batı sanatının tarihindeki en eski soyut sanatçılardan biri olarak kabul ediliyor. Kandinsky, Malevich ve Mondrian'dan önce çalışarak derin manevi kavramları araştıran resimler yarattı. Hilma af Klint'in tarzı, geometri, figürasyon, sembolizm ve maneviyatın benzersiz bir birleşimidir. Genellikle büyük ölçekli olan eserleri, bilimsel ve botanik çalışmalarından ilham alarak organik büyüme ve doğal süreçler kavramlarını araştırıyordu.
Hilma af Klint'in başyapıtlarından biri "N. 7, Yetişkinlik", "Tapınak İçin Resimler" döngüsündeki "En Büyük On" serisinin bir parçası. Üç metreden uzun olan bu büyük eser, akışkan organik formları ve sarı, kırmızı ve yeşil gibi canlı renkleri narin bir leylak arka planında birleştiriyor. Botanik ve matematiksel şekilleri hatırlatan resim, büyümeyi ve varoluşu simgeliyor. Bu hayati bağlamda, eleştirmen Adrian Searle Darwinci teorilerin, özellikle bitkilerin ve doğal formların gelişiminin matematiksel bir ilerlemeyi izlediği fikrinin etkisini fark etti. Bu anlamda, "stilize edilmiş" sayıların ve harflerin varlığı sembolizmin daha fazla katmanını ekler.
Ayrıca, bir akademisyen olan Mark Hudson, "sox, sax, sex" veya "eros wu" gibi kavisli formların ve gizemli yazıtların, aynı zamanda gizli bir erotik yükü ima ettiğini belirtti. Son olarak, kağıda boyanıp daha sonra tuvale monte edilen " Adulthood " için kullanılan tekniğin, daha çok Soyut Ekspresyonistlerle ilişkilendirilen ve genellikle erkek sanatçılara ayrılmış büyük formatlara olan tercihi öngördüğünü vurgulamakta fayda var.
Georgia O'Keeffe, Gündoğumu, 1916. Kağıt üzerine suluboya.
Gürcistan O'Keeffe
Georgia Totto O'Keeffe (15 Kasım 1887 - 6 Mart 1986) Amerikan modernizminin öncülerindendi ve 20. yüzyıl sanat tarihinin en etkili figürlerinden biri olarak kabul edildi. Sanatçı, doğanın özünü ve gücünü yakalayan bir şekilde soyutlama ve temsili harmanlama yeteneğiyle tanınır. Tarzının ayırt edici yönlerinden biri, özellikle çiçek resimlerinde, detaylara odaklandığı ve bunları renk ve şeklin uyumlu bir şekilde birleşmesiyle soyutlamalara dönüştürdüğü "genişletilmiş" formların kullanımıdır. Canlı renk paletleri ve yumuşak çizgileri, görünür görüntünün ötesinde, derin bir duygu ve yaratılışla bağlantı duygusunu uyandırmaya da hizmet etti.
En erken ve en önemli soyut çalışmalarından biri suluboya "Gündoğumu"dur (1916). Güney Carolina'da öğretmenlik yaptığı dönemde yarattığı bu kağıt üzerindeki çalışma, ustaca renk kullanımı ve "sentetik" form aracılığıyla bir gün doğumunun inceliğini ve gücünü yakalar. Başyapıtın paleti, ufuktan yükselen güneşin ışıltılı enerjisini çağrıştıran eşmerkezli bir kompozisyonla, gökyüzünün yavaş yavaş aydınlanmasını canlandırmak için kırmızı, mor ve sarı tonlarını içerir. Vizyon, merkezdeki yoğun ışık ile kenarlardaki daha koyu tonlar arasındaki kontrastla vurgulanan bir huzur duygusunun yanı sıra ortaya çıkan canlılık duygusunu da yansıtır.
Son olarak, bu çalışma vazgeçilmezdir, çünkü O'Keeffe'nin kariyerinde kritik bir anı işaret eder: Ressamın, soyutlama duygusunu doğal dünyanın temsiliyle birleştiren kişisel bir görsel dile doğru kesin geçişi.
Agnes Martin, Mutlu Tatiller, 1999.
Agnes Martin
Agnes Bernice Martin (22 Mart 1912 - 16 Aralık 2004), minimalist tarzı ve soyut dışavurumculuğa katkısıyla tanınan Kanadalı-Amerikalı soyut ressamdı. Basit ızgaralar ve çizgilerle karakterize edilen eserleri, minimalizm ve Renk Alanı resminin unsurlarını birleştirerek çeşitli 20. yüzyıl sanat hareketlerinin kavşağında yer alan bir dinginlik ve maneviyat duygusu aktarır. Bu özellikler figüratif olmasa da, eserlerinin başlıklarında ve yazılarında açıkça görülen doğayla güçlü bir bağlantıyı yansıtır. Aslında Martin, günlük yaşamın sadeliğinden ve daha sonra yumuşak, dingin ve parlak renklerin düzenlendiği ızgaralara düzenlediği organik dünyadan ilham aldı. Bu yaklaşım ayrıca ressamın sanatçının sade ve yalnız yaşamına keskin bir tezat oluşturan manevi ve tefekkürlü bir dinginlik aktarabilen sonsuz renk ve biçim varyasyonlarını keşfetmesine olanak tanıdı.
Agnes Martin'in en temsili şaheserlerinden biri, beyaz ve şeftali arasında değişen, eşit genişlikte on dört yatay şeride bölünmüş soyut bir resim olan "Mutlu Tatiller" (2000)'dir. Şeritleri ayıran çizgiler, bir kalem ve kısa bir cetvelle elle çizilmiştir ve onun resim yaklaşımına özgü bir hafiflik ve sadelik hissi yaratır. Bir cetvel kullanılmasına rağmen, çizgiler aslında titrek ve düzensiz bir niteliğe sahiptir ve bu da onun çalışmalarında çizimin önemini ve manuel detaylara olan dikkatini vurgular. Son olarak, beyaz bir gesso tabakasıyla hazırlanan tuvalin tabanı, tüm resme canlı bir parlaklık verirken, ince katmanlar halinde uygulanan akrilik renkler yüzeyde yüzüyormuş gibi görünür.
Joan Mitchell, Hemlock, 1956. Resim. Whitney Amerikan Sanatı Müzesi, New York.
Joan Mitchell
Joan Mitchell (12 Şubat 1925 - 30 Ekim 1992) Soyut Ekspresyonist harekete yaptığı katkılarla tanınan Amerikalı bir ressamdı, ancak çalışmaları Aksiyon Resminin tipik olan daha spontan yaklaşımından farklıydı. Üretimi yine de hatırladığı manzaralardan ve Henri Matisse gibi büyük Post-Empresyonist ustalardan etkilenen duygusal olarak yoğun bir stil ile işaretlendi. Joan Mitchell'in fırça darbeleri, cesur renkleri kararlı vuruşlarla birleştiren jestsel yoğunluğuyla öne çıkıyor. Mitchell'in kompozisyonlarını genellikle doğa ve şiirle ilgili anıları çağrıştırarak planladığı da biliniyor, bu yöntem çalışmalarına doğaçlamayı daha belirgin bir yapı ile dengeleyen yansıtıcı bir nitelik kazandırdı.
Tuvalleri genellikle büyük ve zengin renkliydi, sanatçı "tekdüze dağıtılmış" sanat fikrini reddettiği için sıklıkla birden fazla panele bölünmüştü. Küratör John Yau'nun belirttiği gibi, Mitchell'in eserleri "bir resmin ayrı ama iç içe geçmiş parçalardan oluşabileceği fikrini ilerletti", bu da onun erkek egemen bir sanat dünyasında öne çıkmasını sağlayan bir özellikti ve onu Soyut Ekspresyonizm'deki en önemli figürlerden biri yaptı.
Mitchell'in en ünlü şaheserleri arasında, kalın jestsel fırça darbeleriyle karakterize edilen, soğuk tonların hakim olduğu, beyazların yeşil ve siyah yatay çizgilerle kesiştiği, kış mevsimine özgü herdem yeşil bir manzarayı çağrıştıran bir tuval üzerine yağlıboya tablo olan "Hemlock" (1956) yer alır. Aslında, "Hemlock" adını, sanatçı için kesinlikle bir ilham kaynağı olan Wallace Stevens'ın "Domination of Black" şiirinde bahsedilen ağaçtan alır.
Helen Frankenthaler, Dağlar ve Deniz, 1952. Tuval üzerine yağlıboya ve kömür. Ulusal Sanat Galerisi, Washington, DC
Helen Frankenthaler
Helen Frankenthaler (12 Aralık 1928 - 27 Aralık 2011) 20. yüzyılın en etkili sanatçılarından biriydi ve savaş sonrası Amerikan resim tarihinde önemli bir rol oynadı. Manhattan'da doğdu ve erken yaşta New York sanat sahnesine tanıtıldı ve burada Jackson Pollock, Franz Kline ve daha sonra evlendiği Robert Motherwell gibi isimlerle tanıştı. Soyut Ekspresyonizm'den etkilenmesine rağmen Frankenthaler, resimde renk kullanımında devrim yaratan kendine özgü tekniği olan "ıslatma lekesi"ni geliştirdi. Astarlanmamış tuvale seyreltilmiş boya dökmeyi içeren bu işlem, desteğin kumaşıyla kaynaşan ve üç boyutluluk yanılsamasını ortadan kaldıran parlak yıkamalar yarattı. Eserleri başlangıçta Soyut Ekspresyonizm ile ilişkilendirilse de sanatçı, tuvalde büyük saf renk alanlarının kullanımını kutlayan bir hareket olan Renk Alanı Resmi'ne yaptığı katkıyla daha iyi tanınır. Soyutlamanın yanı sıra, resimleri çoğunlukla doğal manzaraların izlenimlerinden esinlenerek, renk kullanımıyla hisleri ve atmosferleri yakalayarak üretiyordu.
"Dağlar ve Deniz", Helen Frankenthaler'in kariyerinde belirleyici bir dönüm noktası oluşturan başyapıt olarak kabul edilir, çünkü sanatçı bu 1952 tarihli resimde devrim niteliğindeki tekniğini ilk kez tanıttı. Kompozisyon, Frankenthaler'in eseri yaratmadan kısa bir süre önce ziyaret ettiği Nova Scotia'daki Cape Breton manzaralarından esinlenmiştir. Bu doğalcı bağlamda, renk merkezi bir rol üstlendi ve pembe, mavi ve yeşil yıkamalar tepeleri, kayaları ve suyu ana hatlarıyla belirledi. Son olarak, hafifçe çizilmiş kömür çizgileri ile astarlanmamış tuval üzerinde serbestçe yayılan canlı tonlar arasındaki hassas kontrastı not etmek önemlidir.
Lee Krasner, Gaea, 1966. Tuval üzerine yağlıboya. Modern Sanat Müzesi, New York.
Lee Krasner
Lee Krasner (27 Ekim 1908 - 19 Haziran 1984) Amerikalı bir ressam ve Soyut Ekspresyonizmin en önemli figürlerinden biriydi ve esas olarak New York'ta faaliyet gösterdi. Cooper Union Kadın Sanat Okulu ve Ulusal Tasarım Akademisi'nde akademik eğitim aldıktan sonra, New York City'deki Modern Sanat Müzesi'nde Post-Empresyonizm'e maruz kalmasıyla modern sanat dünyasıyla tanıştı. 1930'larda Hans Hofmann'dan eğitim aldı ve çalışmalarına kübist öğeler kattı ve Büyük Buhran sırasında Federal Sanat Projesi için çalıştı. On yıl sonra Krasner, Willem de Kooning ve Mark Rothko gibi ressamların yanında New York Okulu'nda önemli bir figür haline geldi. Ancak, Soyut Ekspresyonizmin merkezi figürlerinden biri olan Jackson Pollock ile 1945'te evlenmesi, kariyerini sıklıkla gölgede bıraktı. Pollock'un 1956'da geçirdiği bir araba kazasında trajik bir şekilde ölmesinin ardından Krasner derin bir keder dönemi geçirdi ancak yenilenen sanatsal yoğunluğuyla çalışmaya devam etti ve sonraki yıllarda giderek daha fazla tanındı.
Stil açısından Krasner'ın çalışmaları sürekli evrim ve olağanüstü sanatsal çok yönlülük ile karakterize edilir. Başlangıçta Soyut Ekspresyonizm ile ilişkilendirilse de, Mark Rothko ve Barnett Newman gibi bazı çağdaşlarının çalışmalarında algıladığı tekrarcılığı reddetti. "Molalar" adını verdiği yenilenme arzusu, onu 1940'ların sonlarında ünlü "Küçük Resim" serisinin yanı sıra 1950'lerin cesur kolajları ve 1960'ların büyük, parlak renkli tuvalleri de dahil olmak üzere yeni sanatsal ifade biçimleri geliştirmeye yöneltti. Krasner ayrıca, daha sonra Jackson Pollock'un ünlü damla resimlerini etkileyen Piet Mondrian'ın çalışmalarından ilham alan "her yerde" tekniğini deneyen ilk sanatçılardan biriydi. Sanatı tek bir teknik veya stile bağlı kalmadan gelişti: kendi yaratımlarını yeniden gözden geçirme ve yeniden işleme eğilimi, eski tuvalleri kesip yeniden kullanarak kolajlar yaratma pratiğinde belirgindi; bu süreç Henri Matisse'in etkisini yansıtıyordu. Dahası, Krasner yalnızca soyutlamayı keşfetmeyi değil, aynı zamanda doğa ve organik dünyayla derin bir bağlantıyı ifade etmeyi de amaçladı.
Lee Krasner'in en temsili eserlerinden biri, onun canlı renk keşfini ve doğayla olan derin bağını somutlaştıran, tuval üzerine yapılmış anıtsal bir yağlıboya tablo olan "Gaea" (1966)'dır.
Elaine de Kooning, Bacchus #81, 1983. Georgia Sanat Müzesi, Atene, ABD.
Elaine de Kooning
Elaine de Kooning (12 Mart 1918 - 1 Şubat 1989) savaş sonrası dönemde aktif olan soyut dışavurumcu ve figüratif bir ressamdı. Sanat eleştirmeni ve öğretmen olarak da bilinen Kooning, New York sanat sahnesinin en enerjik ve etkili seslerinden biriydi. Kariyeri, kocası Willem de Kooning ve Arshile Gorky de dahil olmak üzere hareketin kilit figürlerinden etkilenmiştir. Başlangıçta kocasının şöhreti tarafından gölgede bırakılsa da Elaine de Kooning, soyut ve figüratif unsurları birleştiren kişisel bir sanatsal dil geliştirdi ve genellikle arkadaşlarını, sporcuları ve hatta bir ABD başkanını tasvir etti.
Stil açısından, Action Painting'i ve onun jestsel, dinamik yaklaşımını benimsemiş olarak, öznelerinin tam benzerliğinden ziyade enerjisini ve kişiliğini yakalamaya odaklandı. De Kooning, portrelerinde canlı, akıcı fırça darbeleriyle bir kişinin özünü yakalamaya çalıştı ve tamamen gerçekçi bir temsilden kaçındı. Bu yaklaşım, mitolojik konuları ve ilkel temaları içeren çalışmalarında da belirgindir ve bunları sıklıkla form ve hareket arasındaki gerginlikleri keşfetmek için kullanırdı.
Örneğin, "Bacchus #3" (1978), Elaine de Kooning'in başyapıtlarından biridir: büyük tablo, tuval üzerinde harmanlanan canlı yeşiller, griler ve mavilerle karakterize edilirken, yüzeyde beliren siyah çizgiler, Paris'teki Lüksemburg Bahçesi'ndeki Baküs heykelinden esinlenmiş olabilecek bir heykel grubunun figürünü akla getiriyor.
Carmen Herrera, İsimsiz, 1952. Modern Sanat Müzesi, New York.
Carmen Herrera
Carmen Herrera (31 Mayıs 1915 - 12 Şubat 2022), soyut ve minimalist sanata yaptığı katkılarla tanınan Kübalı-Amerikalı ressamdır. Havana'da doğan sanatçı, hayatının çoğunu 1950'lerin ortalarında taşındığı New York'ta geçirdi. Sanatçı, soyutlamanın New York sanat sahnesine hakim olduğu bir dönemde aktifti, ancak tarzı Soyut Ekspresyonist hareketindeki meslektaşlarıyla tam olarak uyuşmuyordu. Aslında, genellikle izole bir şekilde çalışan sanatsal dili, geometriyi düşünceli ve canlı bir renk kullanımıyla birleştiren biçimsel bir saflıkla karakterize ediliyordu. Tarzı, temel ve hayati kompozisyonlar üretmeyi amaçlayan keskin çizgiler ve düz renk alanlarıyla işaretlenmiş sadelik ve kesinliğe dayanmaktadır. Gerçekten de eserleri, yüzeyler ve mekanlar arasındaki etkileşimlere özellikle vurgu yaparak form ve renk arasındaki ilişkiyi araştırır.
Bu yaklaşım onu sert kenarlı soyutlama ve Op Art gibi hareketlerle ilişkilendirir, ancak eseri titiz biçimsel indirgeme ve armonik düzenlemeye gösterdiği özen nedeniyle benzersizliğini korur. Başyapıtlardan bahsetmişken, "İsimsiz" (1952) sanatçının en önemli resimlerinden biridir. Tuval üzerine sentetik boya ile oluşturulan eser, tuvali iki üçgen bölüme ayıran yüzeyi geçen siyah ve beyaz çizgilerle karakterize edilir. Basit ancak çarpıcı kompozisyon, neredeyse şiddetli bir titreşimi ima eden keskin kenarlarla düzen ve hareket arasındaki gerilimi araştırır. Son olarak, geometrik şekiller ve renk kontrastları Op Art'ı anımsatan görsel bir etki yaratır, ancak eserden yayılan enerji kesinlikle daha sezgisel ve deneysel bir yaklaşımın sonucudur.
Lygia Clark, Planes in Modulated Surface No. 4, 1957. Ahşap üzerine formika ve endüstriyel boya. Modern Sanat Müzesi, New York.
Lygia Clark
Lygia Clark (23 Ekim 1920 - 25 Nisan 1988), soyut resimleri ve etkileşimli enstalasyonlarıyla tanınan, 20. yüzyılın en etkili Brezilyalı sanatçılarından biriydi. Brezilya Yapılandırmacı hareketiyle yakından ilişkilidir ve daha sonra Amilcar de Castro, Franz Weissmann ve Lygia Pape gibi sanatçılarla birlikte Neo-Beton hareketini kurmuştur. Eserleri, sanat eseri ile izleyici arasındaki etkileşimdeki yenilikçiliğiyle öne çıkmış ve sanata katılım kavramını yeni seviyelere taşımıştır. Aslında Clark, duyusal algı ve başyapıtla psikolojik bağlantı ile ilgili ilkeleri araştırmış ve eserini "yaşayan deneyimler" olarak tanımlamıştır.
1970'lerden başlayarak, psikolojik travma ve kişisel deneyimlere hitap etmenin bir yolu olarak nesneleri ve katılımı kullanarak sanatın terapötik kullanımına giderek daha fazla odaklandı. Bu nedenle sanatçı, sanat eserinin ayrılmaz bir parçası olarak gördüğü izleyiciyi aktif olarak dahil eden yeni ifade biçimlerini keşfetmek için geleneksel resimden giderek uzaklaştı.
Ancak, resim çalışmalarından bahsedecek olursak, başyapıtı "Organik Çizginin Keşfi" (1954) kayda değerdir. Güçlü bir geometrik temel korurken, bu parça onun üç boyutlu uzayı keşfetmesinin ve halkla daha fazla etkileşime doğru kaymasının başlangıcını işaret eder.
Judy Chicago, Akşam Yemeği Partisi, 1979.
Judy Chicago
Judy Chicago (Chicago, 20 Temmuz 1939) 20. yüzyılın en etkili Amerikan feminist sanatçılarından biridir. 1970'lerde, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki ilk feminist sanat programını Fresno'daki California Eyalet Üniversitesi'nde kurdu. Uygun bir şekilde, çalışmaları doğum, yaratılış ve kadınların tarih ve kültürdeki rolüyle ilgili temaları araştırdı. Bu konular, nakış, seramik ve cam gibi çok çeşitli sanatsal tekniklerin kullanımıyla ayırt edilen bir üslupla aktarılır; bu beceriler geleneksel olarak zanaat olarak kabul edilir ve genellikle kadın çalışmalarıyla ilişkilendirilir. Chicago, tarihsel olarak "yüksek" sanatın marjlarına itilmiş olan bu medyayı bilinçli bir şekilde yükseltti ve bunları kadın gücü ve yaratıcılığının sembolleri olarak çalışmalarına dahil etti.
Çalışmalarının temel yönlerinden biri, ataerkil güç yapılarıyla yüzleşme ve kesin sembolizm kullanımıyla vurgulanan kadınsı bir sanat tarihinin yeniden kazanılmasıdır. Gerçekten de, yaratımları unutulmuş veya ötekileştirilmiş kadın figürlerine ışık tutarak sanatsal gelişimin anlatısını yeniden yazmayı amaçlamaktadır. En ünlü eseri "The Dinner Party", feminist sanatın ilk büyük şaheseri olarak kabul edilir ve Brooklyn Müzesi'ndeki Elizabeth A. Sackler Feminist Sanat Merkezi'ne kalıcı olarak yerleştirilmiştir. Enstalasyon, kadınların tarihe katkılarını kutlayarak, Batı medeniyetinin farklı dönemlerinden olağanüstü kadınlar için ayrılmış 39 kişilik bir üçgen masa sunmaktadır. Her bir kişilik düzenlemede vulvayı simgeleyen çiçek veya kelebek motifleriyle süslenmiş bir tabak ve onurlandırılan kadının adı ve resmi işlenmiş bir koşucu bulunur.
Olimpia Gaia Martinelli
