UNUTULMAZ SEN (2024)Resim Chantal Proulx
Sanatın uçsuz bucaksız evreninde kadınların varlığı, dolambaçlı ve derin bir evrimsel yoldan geçmiştir. Tarihsel olarak kadınlar, katkılarını marjinal rollere havale ederek ya da anonimlikle sınırlayarak sıklıkla baskın sanat çevrelerinden dışlanmışlardır. Kadın sanatçılar ancak son yüzyıllarda özgürleşme ve tanınma yönündeki amansız mücadeleler sayesinde sanat dünyasında hak ettikleri yeri almaya başladılar.
Belirsizlikten olumlamaya geçiş, kadınların yeteneklerini özgürce ifade etmesini engelleyen sosyo-kültürel engellerle işaretlenmiş zorlu bir yolculuk oldu. Bir zamanlar yalnızca erkeklerin ayrıcalıkları olan akademik kısıtlamalar ve patronlara sınırlı erişim, kadınların sanat dünyasında yükselişini yavaşlatan önemli engellerdi. Bununla birlikte, 20. yüzyıldan itibaren, kısmen toplumsal cinsiyet eşitliğini teşvik eden kadın hakları hareketlerinin ortaya çıkması sayesinde, kadınların katkıları daha geniş çapta tanınmaya başlandı.
Bugün Artmajeur gibi platformlar sayesinde, kadın sanatçıların her sanatsal mecrada ustaca faaliyet gösterdiği, giderek daha dengeli ve çeşitli bir temsile tanık oluyoruz. Resim, heykel, fotoğraf, çizim, kolaj, tekstil sanatı ve dijital sanat, kadınların silinmez bir iz bıraktığı ve bırakmaya devam ettiği alanlardan sadece birkaçı.
Tam da bu alanlarda Artmajeur'deki sanatçılar, çeşitli medyaları keşfedip dönüştürerek, sanatın nasıl güçlü bir ifade ve değişim aracı olabileceğini gösteren olağanüstü bir yetenek yelpazesini temsil ediyor. Her çalışmalarıyla geleneksel algılara meydan okuyor ve mümkün olanın ufkunu genişletiyor; çağdaş sanat ortamının sürekli olarak tanımlanması ve yenilenmesinde kadınların önemli rolünü doğruluyorlar.
Artık ressamların, heykeltıraşların, fotoğrafçıların ve diğer sanatçıların Artmajeur'deki çalışmalarını analiz edip karşılaştırarak kadın bakış açısını farklı medya aracılığıyla keşfetmeye hazırız. Hazır olun, hazırlanın, yola çıkın!
Sanatı Yeniden Yazan Üç Ressam
Resimden başlayarak, her biri farklı bir vizyona sahip üç sıra dışı sanatçının yaratıcılığa yönelik özgün yaklaşımlarını inceledik. Aynı analiz, diğer yetenekli yaratıcıların çalışmaları aracılığıyla çeşitli sanatsal ifadeleri keşfedeceğimiz heykel ve fotoğrafçılığa da genişletilecek. Diğer disiplinler (çizim, kolaj, tekstil sanatı ve dijital sanat) için her biri için birer temsilci seçeceğiz ve bu disiplinlerin benzersiz etkilerini vurgulayacağız.
AYNALAMA (2023)Agnese Kurzemniece'nin Tablosu
BAŞINIZ BULUTLARDA (2023)Resim Agnes Kurzemniece
Riga'da (Letonya) yaşayan ve çalışan bir sanatçı olan Agnese Kurzemniece'nin tablosu, değişen, "dışavurumcu" ve gerçeküstü bir ortamda, yoğun kişisel, neredeyse sembolik bir mercek aracılığıyla kadınlık temasını derinlemesine araştırıyor. Başlangıçta Janis Rozentāls Riga Sanat Lisesi'nde eğitim gören ve daha sonra Letonya Sanat Akademisi'nde resim ve grafik alanında kendini geliştiren Agnese, son yıllarda dikkatini akrilik resme kaydırarak ilk grafik çalışmalarında başlattığı temaları sürdürüp geliştiriyor.
Agnese Kurzemniece'nin "Aynalama" (2023) ve "Kafanız Bulutlardayken" (2023) adlı iki tablosu analiz edildiğinde, sanatçının eserlerinin neredeyse tamamını sentezleyebilecek net üslup ve tematik yinelemeler ortaya çıkıyor.
"Mirroring"de aynadaki yansımasını izleyen genç bir kadın figürü belirgindir. Bu sahneye, figürü ince bir ışıkla nazikçe saran, samimiyet ve yansımayı çağrıştıran "yumuşak" ve uyumlu bir renk paleti kullanılarak oluşturulan dingin bir huzur hakimdir. Ek olarak kompozisyon, tamamen kendini düşünmeye kaptırmış olan konunun dalgın ve ciddi ifadesini vurgulayarak derin düşünceye davet ediyor. Resim aynı zamanda zarafet ve huzuru da çağrıştırıyor; ölçülü tonların kontrollü kullanımıyla ortaya çıkan hisler, dikkatle düşünülmüş bir bağlamda hayat buluyor.
Benzer şekilde "Kafanız Bulutların İçindeyken" de hareketli yeşil bulutların arasına yerleştirilen kadın yüzünün izleyiciyi rüya gibi bir dünyaya taşıdığı gerçeküstü bir atmosfer sunuyor. Figür, uzun boynu ve dingin görünümüyle aynı zamanda bir gizem ve çekicilik havası yaratarak, sahneye derinlik katmayı amaçlayan yeşil ve pembe bir arka plan üzerinde öne çıkıyor. Tüm vizyon, hayali, ruhani bir manzara bağlamında merak ve şaşkınlık uyandırıyor.
Sonuçta, her iki eserin de Kurzemniece'nin kadın kimliği ve kendilik algısıyla ilgili temaları farklı bağlamlarda keşfetme yeteneğini ortaya koyduğu ve gerçekçiliği gerçeküstü unsurlarla harmanlayan üslup tutarlılığını koruduğu ortaya çıkıyor. Aslında "Aynalama" sakin ve samimi bir ortamda içsel yansımayı keşfederken, "Başınız Bulutların İçindeyken" aynı hisleri dış ortamda dışsallaştırıyor. Ortamın bu şekilde çeşitlenmesi, sanatın gerçek ile gerçeküstü, görünen ile görünmeyen arasında nasıl bir köprü görevi görebileceğini göstererek mekânsal çeşitlilik üzerinde düşünmemize olanak tanıyor.
TROPİKAL GÜNBATIMI (2024)Nataliia Sydorova'nın Tablosu
THREADS (2024)Naoko Paluszak'ın tablosu
Şimdi iki soyut tablo arasındaki karşılaştırmaya geldik: Nataliia Sydorova'nın "Tropikal Gün Batımı" (2024) ve Naoko Paluszak'ın "İplikler" (2024).
Nataliia Sydorova ile ilgili olarak, çağdaş Ukraynalı ressam turuncu, pembe ve mavi tonlardan oluşan bir patlama kullanarak tropikal bir gün batımının canlı bir temsilini tuval üzerine aktardı. Bu yağlı boya tablo, Gerhard Richter'in zengin dokuların ve parlak renklerin bir araya gelerek güneşin sıcak ışığını uyandırdığı çalışmalarından alınan ilhamı yansıtıyor. Benzer şekilde Sydorova'nın yaklaşımı, "Tropikal Gün Batımı"nda açıkça görüldüğü gibi, cesur renkleri kullanma konusundaki ustalıklarıyla tanınan Mark Rothko ve Cy Twombly gibi sanatçılardan güçlü bir şekilde etkileniyor. Ek olarak, renklerin eğlenceli vurgusunun yanı sıra, bu tablonun iyi bir ruh hali ve ilham yayması, yerleştirildiği ortamları enerjik bir şekilde dönüştürmesi amaçlanıyor.
Amerika Birleşik Devletleri'nde yaşayan ödüllü Japon sanatçı Naoko Paluszak'ın soyut araştırmasına gelince, onun çalışmaları Soyut Dışavurumculuğun özelliklerini yenilikçi bir şekilde araştıran akrilik bir parça olan "Threads"ta özetleniyor. Bu, karmaşık bir şekilde iç içe geçmiş ancak net bir şekilde oluşturulmuş renkli çizgiler biçimini alır ve çoğu zaman bilinçaltımızda sıkışıp kalan yoğun duyguları ve anıları uyandırma yeteneğiyle bizi etkileyen bir görüntü yaratır. Eğitimden bahsetmişken, Paluszak'ın bir grafik tasarımcı olarak geçmişi, sanatını bazen neredeyse elle tutulur derecede tuhaf bir duygusal dinamizm ile belirgin bir şekilde zenginleştirdi.
Bu nedenle, her iki sanatçı da kişisel ve farklı tarzlarda çalışırken, cesur renk kullanımı ve soyutlama eğilimini paylaşıyor ve izleyicileri eserleri son derece kişisel şekillerde yorumlamaya davet ediyor. Sydorova doğa olaylarından ilham alan bir soyutlamaya odaklanırken, Paluszak soyut ve figüratif arasındaki gerilimi araştırarak geleneksel görsel algıya meydan okuyan formlar yaratıyor.
Heykel Dünyasında İki Ses
Resmi keşfettikten sonra şimdi heykel dünyasına dalıyoruz ve iki yetenekli heykeltıraş Ielizaveta Portnova ve Joanna Zakrzewska-Cholewa'nın eserleri aracılığıyla kadınların katkısını vurguluyoruz.
PLAISIR (2023)Ielizaveta Portnova'nın heykeli
AINSI VA LA VIE (2023)Ielizaveta Portnova'nın heykeli
Ielizaveta Portnova'dan bahsetmişken, yenilikçiliği ve deneyselliği sanatının temelleri haline getiren Ukraynalı bir heykeltıraşın dünyasına dalıyoruz. Fransa'da yaşayan Portnova, geleneksel teknikleri cesur ve yaratıcı keşiflerle birleştirerek seramik sanatının sınırlarını yeniden tanımladı. Elleriyle kili şekillendirme becerisi, oksitler, astarlar ve sırların kullanımıyla birleşerek, genellikle organik ve inorganik malzemeleri izleyicinin algılarına meydan okuyan bir belirsizlik oyunuyla birleştiren yaratımlarına derinlik ve görsel karmaşıklık katıyor.
Portnova'nın çalışmaları aynı zamanda doğal ve arkeolojik ilhamlara da derinden dayanıyor; katmanlı kayaları veya aşınmış fosilleri ima eden dokuları yansıtan, doğanın kaprislerine benzeyen içsel bir kırılganlık ve öngörülemezlik sergileyen farklı bir evren yaratıyor.
Şimdi "Plaisir" (2023) ve "Ainsi Va La Vie" (2023) heykellerine odaklandığımızda, Portnova'nın yalnızca sanatını değil aynı zamanda kişisel yaşamını da yansıtan büyüleyici bir tematik evrimi fark ediyoruz. Her iki heykel de ilk olarak 2020 yılında Ukrayna'da modellendi ve savaşın başlamasından sonra Fransa'ya nakledildi ve hem fiziksel hem de duygusal bir yolculuğu simgeliyor. "Plaisir", André Breton ve Vivaldi'nin notalarından dizeler, Portnova'nın İtalya'daki mutlu anılarına saygı duruşu ve sanatsal yaratım yoluyla yaşamın onaylanmasını içeren çıkartmalarla kaplıdır. Benzer şekilde "Ainsi Va La Vie" de şiirlerde ele alınan, değişimler ve zorluklarla işaretlenmiş meçhul bir beden sunuyor.
Ayrıca iki heykeli incelediğimizde birinin diğerinin devamı olduğunu hayal edebiliyoruz, sanki başlangıçta dik ve sakin olan "Plaisir" figürü, daha sonra düşüp bükülerek "Ainsi Va La Vie" haline geliyor. Eserler arasındaki bu görsel geçiş, Portnova'nın sanatsal keşfinin temel unsurları olan geçiciliği ve sürekli dönüşümü vurgulayan bir anlatı ve biçim akışını akla getiriyor.
Son olarak, yukarıdaki analiz Portnova'nın yalnızca teknik ustalığını değil, aynı zamanda sanatçı, eseri ve izleyici arasında derin bir diyalog kurarak hafıza, kayıp ve umut temalarını keşfetmeye olan bağlılığını da ortaya koyuyor. Aslında Portnova'nın sanatı, izleyicileri kişisel ve kolektif zorluklar üzerinde düşünmeye davet ederek tanınma ve arınma için bir alan sunuyor.
SİRK AKROBATLARI, NO. V/VIII, YÜKSEK 49CM (2024)Joanna Zakrzewska-Cholewa'nın heykeli
YENİ OYUN, HAYIR. EA I/II (2022)Joanna Zakrzewska-Cholewa'nın heykeli
Joanna Zakrzewska-Cholewa'dan bahsetmişken, 1976 doğumlu Polonyalı, Krakow Güzel Sanatlar Akademisi mezunu bir heykeltıraşla karşılaşıyoruz. Saflığı ve metalin maddi ağırlığıyla öne çıkan heykeller yaratmak için öncelikle kayıp balmumu döküm tekniğiyle çalışan bronz kullanıyor.
Çalışmalarını derinlemesine inceleyen "Sirk Akrobatları, No. V/VIII" (2024) ve "Yeni Oyun, No. EA I/II" (2022) heykelleri, hareket ve tema temalarını araştırırken sanatsal yaklaşımının mükemmel örneklerini temsil ediyor. insan formunun incelenmesi yoluyla elde edilen denge. "Sirk Akrobatları" ile ilgili olarak, çalışma, pozun sertliğinin ve formların uyumunun bronzla sabitlendiği akrobatik bir eylemdeki figürleri tasvir ediyor. Üstelik bu heykel, doğası gereği ağır malzemeye rağmen bir dinamizm ve hafiflik hissi yaratarak metalin ustalıkla yönlendirildiğini gösteriyor.
Buna karşılık, "Yeni Oyun" dengeyi farklı bir bağlamda araştırıyor; burada sahneye hakim olan insan figürleri arasındaki etkileşim değil, insan ile geometrik bir unsur olan yüzük arasındaki bağlantıdır. Bu çalışma, fiziksel dengenin dış yapılardan nasıl etkilenip korunabileceğini araştırarak beden ve nesne arasındaki diyaloğu ifade ediyor. Halka sadece desteklemekle kalmıyor, aynı zamanda figürün dinamikleriyle bütünleşiyor; insan ve çevresindeki ortam arasında bir simbiyoz olduğunu öne sürüyor, yer çekimine meydan okuyan bir form oyununu yansıtıyor ve estetik gerilim ve denge anını yakalıyor.
Böylece, her iki heykel de yalnızca fiziksel değil aynı zamanda duygusal ve kavramsal hareketi vurgulayarak izleyiciyi insan ilişkilerinde ve insan ile yaşam alanı arasındaki destek ve dengenin doğası üzerine düşünmeye davet ediyor. Bu şekilde Zakrzewska-Cholewa, hem kişilerarası hem de bireysel bağlamlarda güven ve dengenin önemini görsel olarak ifade ederek, etkileşimin uyum ve kişisel gelişim için temel bir unsur olduğu fikrini güçlendiriyor.
İki Fotoğrafçının Vizyonları
Şimdi fotoğrafçılık alanını derinlemesine inceleyerek iki farklı fotoğrafçının çalışmalarıyla kadınların etkisini vurguluyoruz: Valera Samarine ve Mariska Karto.
SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE F19F (1999)Fotoğraf: Valera Samarine
SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE FN03F (1996)Fotoğrafçı: Valera Samarine
Valera Samarine, gündelik nesneleri gerçek görsel vahiylere dönüştüren yetenekli bir fotoğrafçı. Deneyimli bir öğretmen ve mühendis olan Samarine, siyah beyaz fotoğrafçılık ve kompozisyonun temelleri konusunda geniş bilgi birikimine sahiptir. Eserleri uluslararası alanda takdir görüyor ve çok sayıda özel ve kamu koleksiyonunda ve prestijli galerilerde yer alıyor.
Sanatının ayırt edici bir yönü, 1994 ve 1999 yılları arasında yarattığı "Fourchettes" serisinde ortaya çıkıyor. Bu seri, André Kertész'in çalışmasını ve onun ünlü fotoğrafı "The Fork"u hatırlatarak çatalın ortak nesnesini form ve ışık konusunda keskin bir bakış açısıyla araştırıyor. " (1928). Benzer şekilde basit ayrıntıları meditasyon şiirine yükseltme yeteneğiyle övülen Kertész, birçok fotoğrafçıyı etkilemiş ve onları güçlü ışıkların ve dramatik gölgelerin dikkatli kullanımı yoluyla gündelik hayatın gizli güzelliklerini keşfetmeye yöneltmiştir.
Sunulan iki çalışma, aslında "Fourchettes" serisinin bir parçası, Samarine'in sadelik ile detaylandırma arasındaki ikiliği ve gerilimi yakalamadaki yeteneğini gösteriyor. İlk görüntü, geometrik ve doğrusal formları vurgulayan, ışık ve gölge oyunu yaratmayı amaçlayan, çizgili bir arka plan üzerine yansıtılan bir çatalı gösteriyor. İkinci fotoğraf ise çatalı ikili kimliğe sahip bir nesneye dönüştürmek için gölgeleri kullanıyor ve fotografik soyutlama yoluyla onun dönüştürücü potansiyelini öne çıkarıyor.
ÇAMAŞIR GÜNÜ (2021)Fotoğraf: Mariska Karto
DIVA ATTACK (2017)Fotoğraf: Mariska Karto
Surinam'da doğup Hollanda'da büyüyen Mariska Karto , eserlerinde Güney Amerika'dan Endonezya'ya, Afrika'dan Hollanda'ya kadar uzanan zengin bir kültürel mirası harmanlıyor. Sanatı, bu çeşitliliği stil ve temaların benzersiz bir birleşimi yoluyla yansıtıyor; figüratif sanata güçlü bir eğilim gösteriyor, insan formlarında işleniyor, renklerle, doğal unsurlarla ve çevreyle bütünleşiyor. Mariska, kendisini bu estetiği dışsal olarak keşfetmekle sınırlamıyor, aynı zamanda anlatıyı derinlemesine inceleyerek tasvir edilen karakterlerin içsel gizemine de değiniyor.
Fotoğrafları "Çamaşır Günü" (2021) ve "Diva Saldırısı" (2017), fotoğrafçının tarzını zekice somutlaştırıyor ve kadınlığın güçlü ve şehvetli bir temsilini hayata geçiriyor. "Çamaşır Günü" sıradan bir ev sahnesini kadın gücünün mizahi bir ifadesine dönüştürüyor; gündelik nesneler kadınların dayanıklılığını ve bağımsızlığını simgeliyor. Benzer şekilde "Diva Attack" da hafiflik ve biraz kitsch bir tat ile benzer durum ve konulara gönderme yapıyor.
Her iki eser de, kadın figürlerini savunmasız veya itaatkar görünebilecek konumlarda görsel olarak sunarken, ironi ve sembolizmin akıllıca kullanımıyla bu algıları tersine çevirerek kadınların gerçek içsel gücünü ve dayanıklılığını ortaya çıkarıyor. Aslına bakılırsa, Karto, şakacılığı ve güçlü ifadeyi harmanlayarak modellerinin yalnızca dış görünüşünü yakalamakla kalmıyor, aynı zamanda onların daha derin özlerine de nüfuz ederek her fotoğrafı kadınların gücü ve güzelliğinin güçlü bir onayına dönüştürüyor. Çalışmalarının kadınlıktan bir zayıflık olarak değil, güçlü bir güç kaynağı olarak söz ettiği, gündelik bağlamların katmanları altında gömülü veya gizli görünse bile açıkça ortaya çıkıyor.
TOMATE NOIRE (2023Çizim: Sylvie Talon)
Bir Ressamın Profili
Sylvie Talon, kara kalem ve Hint mürekkebi çizimlerinde uzmanlaşmış, kendi kendini yetiştirmiş bir Fransız sanatçıdır. 1962 yılında Bayonne'da doğan Sylvie, stüdyosunu Fransa'nın Landes ve Gers sınırındaki 200 nüfuslu küçük bir köyde kurdu ve burada kendini uzun süredir tutkusu olan resim ve çizime adamak için gerekli huzuru buldu.
Kusursuz teknik ustalık ve hassas renklerle karakterize edilen çalışmaları, hayallere, özlemlere ve başarılara gönderme yaparak kadınsı yaşamı ikilikleriyle keşfediyor. Sylvie'nin genellikle havada tasvir edilen şehvetli karakterleri, izleyiciyi rüya gibi bir atmosferle sararak, incelik ve görsel yakınlık dolu bir dünya yaratıyor.
Son çalışmalarından biri olan "Tomate Noire" (2023), doğanın eşsiz güzelliğini yakalama konusundaki yeteneğinin muhteşem bir örneğidir. Kağıt üzerine kalemle yapılan bu çizim, bahçesinden toplanmış güzel bir siyah domatesi tasvir ediyor. İsmine rağmen bu meyvenin rengi koyu kırmızıdır; olağanüstü ve orijinal formunu vurgulayan bir hassasiyetle işlenmiş, ona duygusallığıyla hayat vermiştir.
Meyvenin bu özel özelliği, Edward Weston'ın eserlerini, özellikle de günlük nesnelerin fotoğraf sanatı aracılığıyla bir güzellik ve saf form ikonu haline getirildiği "Biber No. 30" çalışmasını hatırlatıyor. Benzer şekilde Sylvie Talon, doğal formların benzersizliğini kutlayarak basit bir domatesi bir sanat eserine dönüştürdü.
EMANATION 6 (2024)Annemarieke Van Peppen'den kolajlar
Kolajın Sanatsal Vizyonu
Annemarieke van Peppen, 1971 yılında Rotterdam'da doğan ve Enschede Sanat ve Endüstri Akademisi'nde (AKI) eğitim alarak moda konusunda uzmanlaşan bir sanatçıdır. Eğitiminin ardından Endonezya, Avustralya ve Malezya'ya giderek ilham aldı ve kişisel bir sanatsal tarz geliştirdi. Çalışmaları kolajlar, enstalasyonlar, etkileyici sanat projeleri, fotoğrafçılık, heykeller ve kıyafetleri kapsıyor ve karmaşıklığında bile insanın özünü sürekli araştırıyor.
Yukarıdaki kolajın bir parçası olduğu "Yayılımlar" serisi, yeni kimliklerin yaratılması yoluyla insan deneyiminin özünü keşfetmek için bir kaynaktan ortaya çıkan, yeni formlarda tezahür eden bir şey anlamına gelen "yayılma" terimini yansıtıyor. Bunların sürekli kendini keşfetme ve büyüme arayışını sembolize etmesi amaçlanıyor. Bu yaklaşım sanatçı için bir ayna görevi görerek iç gözlem ve düşünmeye davet ediyor, aynı zamanda onun sürekli değişim ve evrim akışına ilişkin kişisel yeniden keşfetme ve kabullenme sürecini de anlatıyor.
"Emanations 6" ile ilgili olarak kolaj, ahşap bir yüzeye yapıştırılmış çok sayıda küçük tekstil elyaf parçasından oluşan gri tonlamalı bir portreyi içeriyor. Çalışmanın tek tek bölümleri, gerçekçi bir temsil elde etmek için ton geçişlerine ve dokulara özellikle dikkat edilerek, bir kişinin yüzünün uyumlu ve ayrıntılı bir görüntüsünü oluşturacak şekilde titizlikle düzenlenmiştir. Ayrıca üst üste binen kumaş, portrenin görsel derinliğini ve karmaşıklığını artıran benzersiz ve dokulu bir yüzey oluşturur. Son olarak, eserin geleneksel portre öğelerini çağdaş kolaj teknikleriyle birleştirdiği ve sanatçının duyguları ve anlamları uyandırmak için malzemeleri manipüle etme becerisini sergilediği açıktır.
VAZO KOMPOZİSYONU VI'24 (2024) Milena Paladino'nun tekstil sanatı.
Kadınların Tekstil İnovasyonu
1985 yılında Polonya'da doğan Milena Paladino , sanat tutkusunu sürdürmek için İtalya'ya taşınmadan önce Poznan'daki Adam Mickiewicz Üniversitesi'nden Sanat Tarihi bölümünden mezun oldu. İdeal ifade ortamı arayışı, onu zımba iğnesi tekniğini kullanarak tekstil işlerinde uzmanlaşmaya yöneltti.
Kreasyonları, natürmort aracılığıyla biçim ve orantıyı keşfeden basit ve hassas kompozisyonlarla karakterize ediliyor. Öz ve biçimsel saflık arayışının rehberliğinde Milena, net bir uyum ve orantı yakalamayı amaçlayarak minimalist ve şehvetli çalışmalar ortaya çıkarıyor. Yün veya alpaka gibi doğal kumaşlarla çalışan Milena, eserlerine güçlü bir görsel etki ve dokunsal bir kalite kazandırarak izleyicilerin birden fazla duyuyu tatmin etmesine olanak tanıyor.
Benzer şekilde, "Vazo Kompozisyonu VI'24" (2024), Paladino'nun sanatını örneklendiriyor ve tekstil düzenlemesinin yenilikçi bir şekilde doku ve rengi araştırdığı figür ve malzeme kombinasyonunu şekillendiriyor. Bu bağlamda punch iğne tekniği, doğal malzemelerle birlikte görsel ve dokunsal çeşitlilik açısından yine zengin bir yüzey oluşturuyor.
DEEP SOUL 138 (2023)Laurence Verney'den dijital sanat
Dijital Gelecek Kadındır
Laurence Verney, 1962 doğumlu, günümüzün sanatsal evreni dijital sanatla ifade edilen Fransız bir sanatçıdır. Verney yanılsamaları hayata geçirmeyi çok seviyor; bu nedenle çalışmalarındaki malzeme, doku, derinlik, hareket ve kontrast, görüntülerine anlam kazandıran ve hayal gücünü harekete geçiren bir ifade gücü yaratıyor. Bu anlamda ışığın gizemli niteliği de, incelenen konulara derin duygular uyandıran, ihtişam ve titreşim veren bir rol oynuyor.
İllüzyondan bahsetmişken Laurence Verney, Victor Vasarely'nin optik sanatının yanı sıra Pierre Soulages'in soyutlamalarından, Edward Weston'ın siyah beyaz fotoğraflarından ve Ernest Pignon-Ernest ve tarafından yaratılan büyük şehirlerin geçici görüntülerinden ilham alıyor. JR. Bu ustalar, aynı zamanda sokak sanatının kendiliğindenliğinden ilham alan yaratıcı araştırmalarını da etkiliyor.
Dijital sanat eseri "Deep Soul 138" (2023), manipüle edilmiş dijital fotoğrafçılık, yapay zeka tarafından oluşturulan görüntüler ve alüminyum üzerine 2 boyutlu fotomontajların bir kombinasyonudur. Neredeyse somut bir çalışma yaratmayı amaçlayan, karmaşık dokular ve ışık oyunlarını kullanarak insan deneyiminin özünü keşfetmek için yaratıldı. Tasvir edilen yüz, derinlik ve iç gözlem duygusu uyandıran ruhani bir örtüden ortaya çıkıyor; dijital manipülasyon ve alüminyum gibi malzemelerin kullanımı, gelenek ve yeniliği birleştirme kapasitesine sahip çağdaş bir görüntü yaratıyor.
Olimpia Gaia Martinelli
